Sculpteurs 17e siècle
Giovanni Lorenzo Bernini, né à Naples en 1598 et décédé à Rome en 1680, était un sculpteur, architecte, peintre et dramaturge italien, devenu synonyme du mouvement artistique baroque. Dès son plus jeune âge, Bernini a montré un talent prodigieux, encouragé et formé par son père, également sculpteur renommé. Installé à Rome, il a rapidement révolutionné le monde de la sculpture, se démarquant par ses œuvres pleines d'intensité émotionnelle et de formes dynamiques.
Ses sculptures, telles que "L'Enlèvement de Proserpine" et "David", sont célébrées pour leur réalisme saisissant, capturant à la fois le mouvement physique et les subtilités des émotions humaines. Bernini se distingue également dans l'architecture, avec des réalisations notables telles que le Baldaquin de Saint-Pierre, un canopy monumental en bronze situé au-dessus de l'autel principal de la basilique Saint-Pierre, illustrant son habileté avec les projets architecturaux d'envergure.
Parmi ses contributions les plus remarquables à Rome, on trouve la Fontaine des Quatre Fleuves à la Piazza Navona, représentant les plus grands fleuves du monde connus à l'époque, et la Fontaine du Triton à la Piazza Barberini, dépeignant le dieu de la mer soufflant dans un coquillage. Bernini a aussi joué un rôle clé dans la conception du Palazzo Barberini, où il a conçu l'escalier à fût carré.
En plus de ses talents artistiques, la vie personnelle de Bernini était pleine de drame et de passion, caractérisée par des relations personnelles et professionnelles tumultueuses. Sa rivalité avec Francesco Borromini et son affaire scandaleuse avec Costanza Bonarelli sont des exemples de cette nature passionnée.
L'héritage de Bernini perdure aujourd'hui, ses œuvres continuant de captiver le monde de l'art, incarnant une fusion fascinante entre brillance artistique et complexité humaine.
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Thomas Blanchet, peintre français du XVIIe siècle, est célèbre pour son art qui traverse les frontières de la peinture pour embrasser également l'architecture et la sculpture. Son œuvre témoigne d'une diversité remarquable, reflétant son talent dans divers domaines artistiques. Blanchet est particulièrement reconnu pour sa capacité à concevoir des décors éphémères spectaculaires pour les fêtes lyonnaises, illustrant ainsi son ingéniosité et sa créativité débordantes. Ces réalisations comprennent des décors pour les feux de la Saint-Jean et les entrées solennelles à Lyon, mettant en scène des collaborations fructueuses avec d'autres artistes de son époque.
Au-delà de son travail éphémère, Blanchet a laissé un héritage durable à travers ses contributions majeures à des projets d'envergure, tels que le décor du réfectoire du Palais Saint-Pierre et des fresques au collège de la Trinité, désormais le collège Ampère. Son rôle de maître d'œuvre pour le chantier de l'Hôtel de ville de Lyon souligne son importance dans l'histoire de l'art français, faisant de lui une figure centrale de la scène artistique lyonnaise du XVIIe siècle.
Parmi ses œuvres notables, on trouve « Moïse sauvé des eaux », une peinture qui reflète la maîtrise de Blanchet dans la représentation de scènes bibliques complexes avec une profondeur émotionnelle et narrative. Cette œuvre est particulièrement appréciée pour sa capacité à évoquer l'affectivité et la cohérence à travers la composition et l'expression des personnages.
Enfin, les œuvres d'architecture de Blanchet, telles que le Nymphée d'Ombreval, démontrent son talent diversifié et sa capacité à influencer l'environnement architectural de son époque. Son travail a non seulement enrichi le patrimoine artistique de la France mais continue également d'inspirer et d'émerveiller les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art et l'histoire de la peinture française, s'abonner aux mises à jour sur Thomas Blanchet offre une opportunité unique de découvrir des ventes de produits et des événements d'enchères liés à ce maître. Cette souscription est une invitation à explorer davantage l'univers de Blanchet et à s'immerger dans le riche héritage culturel qu'il a laissé derrière lui.
Alonso Cano, artiste espagnol né à Grenade, est une figure emblématique de l'École de Grenade et du baroque espagnol. Sculpteur, peintre et architecte, Cano est souvent surnommé le "Michel-Ange espagnol" pour la diversité de ses talents. Dès son plus jeune âge, il a étudié la peinture auprès de Francisco Pacheco et la sculpture sous la direction de Juan Martínez Montañés.
Ses œuvres reflètent une élégance et une aisance remarquables, mêlant monumentalité et ténébrisme à Séville, avant d'évoluer vers des formes plus impressionnistes et baroques à Madrid. Parmi ses travaux notables, on retrouve la "Vierge de l'Immaculée Conception" (1655-56) et "Saint Jacques d'Alcalá" (1653-57), des sculptures en bois polychrome qui témoignent de son génie artistique.
Cano a également laissé son empreinte en architecture avec la façade de la cathédrale de Grenade, considérée comme une des œuvres architecturales les plus originales d'Espagne. Ses tableaux et sculptures sont aujourd'hui exposés dans des lieux prestigieux comme le Musée du Prado et le Museo Nacional de Escultura.
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Lodovico Carracci était un peintre italien, graveur et imprimeur. Il est connu pour avoir joué un rôle clé dans la réforme de l'art italien à la fin du XVIe siècle, en introduisant un style plus naturel et humain. Avec ses cousins, Agostino et Annibale, il a fondé l'Académie Carracci à Bologne dans les années 1580, qui a fortement influencé le développement de l'art baroque.
Lodovico Carracci a travaillé principalement à Bologne tout au long de sa carrière, où il a contribué à la création de la célèbre école de Bologne, une réaction contre le style maniériste dominant. Il est connu pour ses œuvres religieuses, dont plusieurs sont exposées dans des musées et des galeries. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent « Annonciation » (1585) à la Pinacothèque nationale de Bologne et « La Lamentation » au Metropolitan Museum of Art.
Lodovico Carracci a également collaboré avec ses cousins sur des cycles de fresques dans des palais bolognais. Après leur départ pour Rome dans les années 1590, il est resté à Bologne pour diriger l'Académie Carracci. Ses œuvres ultérieures, bien que considérées comme austères par certains, ont ouvert la voie à un style plus baroque, caractérisé par des compositions dynamiques et un utilisation audacieuse du clair-obscur.
Lodovico Carracci était connu pour son utilisation habile des couleurs et sa capacité à créer des compositions harmonieuses et équilibrées. Ses œuvres représentaient souvent des sujets religieux et mythologiques, et il était particulièrement célèbre pour ses fresques, qui ornaient de nombreuses églises et palais de Bologne. Il fut également un professeur influent, avec Guido Reni et Domenichino parmi ses élèves.
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Guillaume Coustou est un sculpteur français.
Au cours de sa carrière, il travaille à Versailles, puis au Trianon, à Marly et à Paris, où il orne de ses sculptures des bâtiments illustres tels le portail des Invalides, le palais Bourbon, et la grande Chambre du Parlement au palais de justice.
Antoine Coysevox est un sculpteur français.
Coysevox est d'abord apprécié, de son temps, comme portraitiste. Ce genre, classé en second dans la hiérarchie des genres de l'Académie, est relativement peu affecté par l'évolution du style, et la capacité rare de Coysevox de transmettre un caractère avec la physionomie relègue l'analyse au second plan.
Giovanni da Bologna, également connu sous les noms de Jean de Boulogne (français), Giambologna (italien), Fiammingo (italien) et Jehan Boulongne (flamand), est le dernier sculpteur italien important de la Renaissance. Il possédait un vaste atelier produisant des œuvres de grande et de petite taille en bronze et en marbre dans un style maniériste tardif.
Romeyn de Hooghe était un peintre, sculpteur, graveur et caricaturiste néerlandais de la fin de la période baroque, écrivain et philosophe.
Hooghe est devenu célèbre pour ses caricatures politiques du roi de France Louis XIV et ses tracts de propagande en faveur de Guillaume d'Orange. Il a présenté la guerre contre le monarque français et ses alliés comme une lutte entre la liberté et le despotisme religieux.
Romeyn de Hooghe était un excellent graveur et a réalisé plus de 3 500 gravures au cours de sa vie. Son œuvre la plus importante est Hieroglyphica of Merkbeelden der oude volkeren (Hiéroglyphes ou symboles des peuples anciens), dans laquelle il se révèle non seulement comme un maître graveur accompli, mais aussi comme un historien, un écrivain de talent et un philosophe. Ce livre est depuis longtemps considéré en Europe comme l'une des sources les plus fiables sur la mythologie classique. Il contient 64 gravures illustrant toutes les étapes de la narration des mythes, des cultes et croyances antiques et de l'interprétation des écritures, un guide de l'Europe médiévale.
Romeyn de Hooghe a également illustré des livres et peint de grands panneaux. De son vivant, il a été largement reconnu comme peintre et sculpteur, non seulement dans son pays, mais aussi dans d'autres pays européens.
Pedro de Mena, né à Grenade en août 1628 et décédé à Malaga le 13 octobre 1688, était un sculpteur espagnol renommé pour son travail dans le domaine de la sculpture baroque, spécialisé dans l'imagerie religieuse. Il a été formé par son père, Alonso de Mena, ainsi que par Alonzo Cano, et a réussi à établir un atelier florissant à Malaga après avoir été appelé par l'évêque de la ville en 1658 pour réaliser la sillería del coro de la cathédrale de Malaga.
Sa technique, influencée par Alonzo Cano, se caractérise par l'utilisation de formes plus naturelles et réalistes, notamment dans le traitement des visages féminins, rendus avec des traits plus fins et expressifs. De Mena est particulièrement célèbre pour son habileté technique dans la taille et la polychromie de ses œuvres, qui lui a permis de créer des sculptures d'une grande variété de visages, types et compositions. Ses œuvres reflètent un style personnel qui s'éloigne progressivement de celui de son père pour intégrer une approche plus naturaliste et réaliste.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons la "Magdalena penitente" conservée au Musée National de Sculpture de Valladolid et diverses sculptures religieuses réparties dans des églises et des cathédrales à travers l'Espagne, témoignant de sa réputation bien au-delà de sa ville natale. Sa contribution à la sculpture espagnole du XVIIe siècle est incontestable, avec des œuvres qui continuent à fasciner les experts et les amateurs d'art pour leur profondeur émotionnelle et leur exécution technique impeccable.
Pedro de Mena a également été reconnu pour son appartenance à l'Inquisition en 1678, un statut qui lui conféra de nombreux avantages pour lui et sa famille, et a survécu à la peste de 1679, bien qu'il ait été affaibli par la maladie. Vers la fin de sa vie, il limita son travail dans l'atelier à la création de dessins et de croquis, laissant la gestion de son atelier à son disciple, Miguel Félix de Zayas.
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Juan de Mesa y Velasco était un sculpteur baroque espagnol, célèbre pour ses effigies religieuses qui jouent un rôle central dans les processions de la Semaine Sainte à Séville. Né à Cordoue en 1583, il est devenu l'un des disciples les plus éminents de Juan Martínez Montañés et a émergé comme une figure clé de la sculpture baroque, non seulement en Andalousie mais dans toute l'Espagne.
Juan de Mesa est particulièrement reconnu pour son habileté à capturer l'intensité du drame et de la souffrance humaine dans ses sculptures, caractéristiques exemplifiées dans des œuvres telles que le Cristo de la Buena Muerte et le Jesús del Gran Poder, qui reflètent un réalisme poignant et une profondeur émotionnelle impressionnantes. Son approche novatrice et sa maîtrise technique lui ont permis de représenter la passion et la douleur de manière exceptionnellement vivante, faisant de ses crucifix et de ses représentations de la Vierge Marie des références dans l'art de la sculpture religieuse.
De Mesa a produit une quantité significative de crucifix et d'images mariales tout au long de sa carrière, bien que beaucoup de ses œuvres aient été réalisées dans la dernière décennie de sa vie, une période souvent désignée comme son "lustre magistral" (1618-1623), marquée par une production artistique de haute qualité et une reconnaissance accrue. Malgré sa mort prématurée en 1627 à Séville, il a laissé un héritage durable, ses œuvres continuant d'être vénérées et d'inspirer admiration et dévotion.
Plusieurs de ses sculptures sont conservées dans des lieux prestigieux, tel que le Museo de Bellas Artes de Séville et diverses églises et cathédrales à travers l'Espagne, témoignant de leur importance culturelle et religieuse. Ces œuvres, par leur expressivité et leur technicité, contribuent de manière significative au patrimoine artistique et spirituel espagnol.
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José de Mora est un sculpteur espagnol du baroque, né à Baza, Granada, le 1er mars 1642 et mort à Granada le 25 octobre 1724. Fils du sculpteur Bernardo de Mora, il a été formé dans l'atelier de son père, aux côtés de Pedro de Mena et Alonso Cano, ce dernier ayant une influence déterminante sur lui. Après le décès de Cano, en 1669, José de Mora se rend à Madrid où il travaille avec Sebastián de Herrera Barnuevo, un autre disciple de Cano. En 1672, il devient sculpteur de la cour de Charles II jusqu'en 1680, année où il retourne définitivement à Granada. Sa vie personnelle fut marquée par une profonde solitude après le décès de sa femme, n'ayant pas eu d'enfants, ce qui l'a conduit dans un état de mélancolie et d'aliénation, reflété dans ses œuvres empreintes d'un sentiment profond et d'une sensibilité infinie.
Ses œuvres majeures incluent le "Cristo de la Misericordia" (1688), situé à l'église de San José à Granada, et la "Virgen de los Dolores" (1671), à l'église de Santa Ana, également à Granada. José de Mora est reconnu pour son style émotionnel et expressif, caractéristique de l'imaginerie religieuse espagnole du XVIIe siècle, marquant ainsi de façon significative le baroque espagnol. Sa technique, influencée par Alonso Cano, se distingue par une expressivité mesurée et une policromie minimaliste, reflétant une austérité personnelle tout en démontrant une grande efficacité artistique.
En mars 2024, une œuvre attribuée à José de Mora, représentant Saint François d’Assise, a été mise aux enchères à Madrid, témoignant de l'intérêt continu pour son travail et sa contribution à l'art baroque espagnol.
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Pieter de Neyn ou Deneyn était un peintre néerlandais du Siècle d'or.
Dans sa jeunesse, il travaillait comme tailleur de pierre, mais une connaissance avec des peintres lui a donné l'occasion d'apprendre les bases de la peinture. De Neyn est connu pour ses paysages représentant des villageois au travail et a également peint des scènes de bataille. Il a également été sculpteur de la ville de Leyde.
Juan de Valdés Leal était un artiste espagnol du XVIIe siècle, reconnu pour ses contributions significatives à la peinture, la sculpture et l'architecture. Né à Séville en 1622, Valdés Leal a marqué l'ère baroque par ses œuvres dramatiques et souvent empreintes de messages vanitas, explorant la transience de la vie et la mortalité. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent "In ictu oculi" et "Finis gloriae mundi", peintes pour l'Hôpital de la Charité à Séville, qui réfléchissent sur la fugacité de la gloire et des richesses terrestres.
Valdés Leal a également fondé l'Académie des Beaux-Arts de Séville avec son ami et rival artistique, Bartolomé Esteban Murillo, contribuant ainsi à l'essor culturel et artistique de la ville. Leur collaboration a permis d'élargir l'horizon artistique à Séville, malgré leurs styles distincts - Valdés Leal étant plus enclin vers le sombre et le dramatique, tandis que Murillo privilégiait la paix et la sérénité.
Valdés Leal est décédé à Séville en 1690, laissant derrière lui un héritage durable influençant profondément l'art baroque espagnol. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans de prestigieuses institutions telles que le Musée du Prado, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art.
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Antonio del Castillo y Saavedra était un peintre et sculpteur espagnol de l'époque baroque, connu principalement pour ses œuvres d'art religieux et ses paysages. Né à Cordoue en 1616, Castillo y Saavedra est souvent considéré comme le principal représentant de l'École de Cordoue, une importante école d'art de cette période.
Sa formation artistique commença sous la tutelle de son père, Agustín del Castillo, et se poursuivit avec Ignacio Aedo Calderón. Il étudia également avec Francisco de Zurbarán à Séville. Son œuvre se caractérise par un naturalisme sobre, influencé par Zurbarán, et une prédilection pour les scènes historiées, où il démontre un sens aigu de l'espace et une capacité exceptionnelle à capturer la nature.
Les œuvres de Castillo y Saavedra, telles que la série sur la vie de José conservée au Musée du Prado, illustrent son talent pour le paysage et la peinture narrative. Ses peintures sont remarquables pour leur utilisation de la lumière et la précision de leur composition. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent "Calvario de la Inquisición" au Musée des Beaux-Arts de Cordoue et diverses toiles au Musée du Prado à Madrid.
Le travail de Castillo y Saavedra continue d'influencer et d'inspirer les amateurs d'art et les collectionneurs. Pour ceux intéressés par l'art baroque et l'École de Cordoue, restez informés des dernières ventes aux enchères et événements en vous inscrivant à nos mises à jour. Vous recevrez des informations uniquement sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Antonio del Castillo y Saavedra.
Martin Desjardins, né Martin van den Bogaert, était un sculpteur français d'origine néerlandaise qui est devenu célèbre et a connu le succès à Paris. Il a été sculpteur de la cour royale sous Louis XIV et recteur de l'Académie française de peinture et de sculpture.
Ignaz Elhafen était un sculpteur baroque autrichien.
Ignaz Elhafen est né à Innsbruck, où il a reçu une éducation artistique : il a appris l'art de la sculpture sur bois. À Rome, il se perfectionne dans le traitement artistique de l'ivoire. Il a ensuite travaillé comme peintre de cour pour l'électorat de Düsseldorf.
Gregorio Fernández est né en avril 1576 à Sarria, en Espagne, et est décédé le 22 janvier 1636 à Valladolid. C'était un sculpteur baroque espagnol de premier plan, réputé pour son influence significative dans l'école de sculpture de Castille. Sa formation a été marquée par l'atmosphère artistique de Valladolid, enrichie par la tradition héritée de sculpteurs comme Alonso Berruguete et Juan de Juni. L'œuvre de Fernández se caractérise par un réalisme profondément expressif, où la douleur physique et morale ainsi que l'évasion mystique de ses figures sont capturées dans des postures calmes et une gestuelle contenue, laissant une grande part à l'expressivité du visage et des mains.
Fernández a excellé dans la création de sculptures pour des retables et des processions, comme son célèbre "Camino del Calvario". Ses images iconographiques, telles que le Cristo Yacente, la Pietà et l'Ecce Homo, sont devenues des modèles pour d'autres artistes pendant de nombreuses années. Sa contribution à l'art baroque espagnol a également été marquée par une collaboration étroite avec des peintres pour le polychrome des statues, ajoutant un réalisme accentué par l'utilisation d'éléments faux comme les yeux en verre ou les gouttes de sueur en résine.
Son travail a été profondément ancré dans le contexte de la Contre-Réforme, cherchant à évoquer la piété et l'empathie à travers des images religieuses puissantes. Les figures sculptées par Fernández ont dû fonctionner efficacement sous de multiples angles de vue, ce qui a nécessité une maîtrise exceptionnelle de la composition et un naturalisme confiant qui a enrichi ses sculptures d'une beauté corporelle sublimée.
Gregorio Fernández a bénéficié d'un grand prestige de son vivant, recevant des commandes des personnalités et institutions les plus éminentes de l'époque. Son style était tellement demandé que de nombreux artistes à travers la péninsule l'imitaient. Vers la fin de sa vie, il a connu des problèmes de santé récurrents jusqu'à son décès à Valladolid, où sa mort a été marquée par la célébration de plus de cent messes en son honneur.
Pour en savoir plus sur Gregorio Fernández et son œuvre, visitez le Musée National de Sculpture à Valladolid, où une partie significative de son travail est exposée. Son héritage continue d'influencer l'art baroque espagnol, soulignant son rôle crucial dans l'histoire de l'art.
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Giovanni Battista Foggini est un sculpteur italien.
À Rome il étudie à l'Accademia Fiorentina, fondée en 1673 et dirigée par le peintre Ciro Ferri et le sculpteur Ercole Ferrata.
Il a souvent travaillé avec Gaspero Bruschi.
François Girardon est un sculpteur français.
Girardon est l'un des maîtres de la statuaire décorative et monumentale.
Girardon a également réuni une grande collection de sculptures, qu'il a exposée à partir de 1679 dans une galerie jouxtant l'appartement qu'il occupait au Louvre; il en subsistait 800 œuvres à son décès. Afin de conserver la mémoire de cette collection, Girardon fit dessiner à son élève René Charpentier chaque objet sélectionné, disposé au sein de cadres architecturaux dans un recueil de planches gravées intitulé «Galerie de Girardon».
Meinrad Guggenbichler, également appelé Johann Meinrad Guggenbichler, était un sculpteur.
Il travaillait comme sculpteur de pierre et, à partir des années 1670, il a créé des autels, des ustensiles d'église et des sculptures pour des églises et des monastères en Suisse et en Autriche, ainsi que des statues de personnalités célèbres.
Pierre Le Gros est un sculpteur français de la fin du XVIIe siècle et du début du XVIIIe siècle. Il est connu comme un représentant du style baroque et un maître du genre religieux. Ses meilleures sculptures ont été commandées par l'Église catholique.
Pierre Le Gros a des liens génétiques étroits avec les arts, tant du côté de son père que de celui de sa mère. Son père, sculpteur à la cour du roi Louis XIV, portait le même nom (c'est pourquoi Pierre Le Gros est souvent appelé "le Jeune"). Ses deux oncles maternels, Gaspard et Balthazard Marcy, ainsi que son demi-frère Pierre Lepautre , étaient sculpteurs.
Pierre Le Gros a été rejeté dans son pays, mais a connu un grand succès professionnel en Italie, où l'on peut voir une grande partie de son œuvre aujourd'hui.
Francis Lepipre était un peintre anglais d'origine flamande. Lepipre a beaucoup voyagé sur le continent et son étude attentive des œuvres des grands artistes a fait de lui un excellent dessinateur.
Francis Lepipre a peint des paysages, des compositions humoristiques et des caricatures. Il a souvent gravé les sujets sur des plaques d'argent pour ses amis, qui les utilisaient comme couvercles de boîtes à tabac.
Juan Martínez Montañés fut un sculpteur espagnol baroque, considéré comme l'un des principaux représentants de la sculpture espagnole et le maître incontesté de l'école sévillane. Né à Alcalá la Real en 1568 et décédé à Séville en 1649, Montañés est surnommé le « Lisipo andaluz » et « el Dios de la Madera » pour son extraordinaire habileté dans la sculpture sur bois, une technique qui atteignit son apogée en Espagne aux XVIe et XVIIe siècles. Sa vie fut marquée par une profonde religiosité, reflétée dans ses œuvres majoritairement religieuses, telles que le Christ de la Clémence et le retablo majeur du monastère de San Isidoro del Campo.
Montañés joua un rôle clé dans l'évolution de la sculpture baroque en Espagne, enjambant l'harmonie et la sobriété du Renacimiento espagnol avec le drame et l'obscurité du Baroque. Son œuvre est une parfaite illustration du maniérisme, recevant des influences des deux grands mouvements artistiques de l'époque. Parmi ses contributions notables figurent également la Pénitence de Saint Dominique, conservée au Musée des beaux-arts de Séville, et Saint Bruno, ainsi que des œuvres majeures situées dans la Cathédrale de Séville et le Metropolitan Museum of Art à New York.
Au-delà de son impact artistique, Montañés a laissé une empreinte significative sur la culture de son temps, collaborant avec des figures telles que Miguel de Cervantes et étant un contemporain respecté de Velázquez. Sa vie à Séville fut marquée par une participation active aux cercles culturels et académiques, illustrant la symbiose entre les arts et l'humanisme de la Renaissance tardive en Espagne.
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Domenico Parodi était un peintre, sculpteur et architecte italien du baroque tardif.
Son père était le célèbre sculpteur génois Filippo Parodi et l'artiste Giovanni Battista Parodi était son frère cadet.
Parodi est connu pour ses plafonds décoratifs fantastiques dans les édifices religieux et les palais, représentant des sujets mythologiques et allégoriques. Il a créé des bustes et des portraits, des pierres tombales, des autels et des sculptures sur commande. Il a également poursuivi la tradition sculpturale de son père en sculptant des figures d'Apollon, d'Ariane, de Bacchus et de Diane dans le marbre selon une technique complexe.
Balthasar Permoser était un sculpteur allemand des XVIIe et XVIIIe siècles. Il est connu comme un représentant exceptionnel du baroque tardif dans l'histoire de l'art européen. Plusieurs centaines de chefs-d'œuvre de Permoser, réalisés dans les matériaux les plus divers, ont été conservés. Sa biographie est étroitement liée à Dresde, où il a vécu la majeure partie de sa vie.
Balthasar Permoser est considéré comme l'un des fondateurs du style de sculpture de l'Allemagne du Sud. Il a travaillé pendant plus de quarante ans dans un vaste atelier, employant des dizaines d'assistants pour la création de statues et de reliefs.
Permoser créait des œuvres de toutes tailles à partir de marbre, de grès, de bois, d'ivoire, d'argile cuite, de plâtre et d'argent. Des centaines d'élèves sont passés par son atelier de Dresde, mais aucun d'entre eux n'a pu surpasser son maître en termes de reconnaissance.
Giulio Cesare Procaccini était un peintre et sculpteur italien de l'époque baroque, principalement actif à Milan. Né à Bologne, il fait partie d'une famille d'artistes renommés, dont il continue l'héritage avec un talent exceptionnel. Procaccini est particulièrement reconnu pour son style qui marie la tradition maniériste avec les innovations baroques, créant des œuvres d'une intensité émotionnelle et d'une expressivité remarquables.
Ses contributions à la peinture comprennent des sujets religieux et mythologiques, traités avec une sensibilité et une finesse qui le distinguent de ses contemporains. La capacité de Procaccini à capturer le mouvement et l'expression dans ses compositions illustre parfaitement la transition entre le maniérisme tardif et le baroque naissant. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des fresques et des tableaux à l'huile qui dépeignent des scènes bibliques et classiques, souvent caractérisées par leur dynamisme et leur palette de couleurs vibrantes.
Les collectionneurs et experts en art et antiquités apprécient particulièrement ses peintures pour leur qualité technique et leur profondeur émotionnelle. Les œuvres de Procaccini se trouvent dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde, témoignant de son influence durable dans l'histoire de l'art.
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Luisa Ignacia Roldán Villavicencio, dite La Roldana, était une sculptrice espagnole de l'époque baroque et la première sculptrice d'Espagne sur laquelle on dispose d'une tradition sûre. Au musée de la Société latino-américaine, Roldán est considérée comme "l'une des rares artistes qui, dans l'Espagne du Siècle d'or, avait son propre atelier en dehors du couvent". Son père Pedro Roldán était également un sculpteur de Séville.
Giuseppe Rusnati était un sculpteur lombard de la période rococo. Connu pour s'être entraîné avec Ercole Ferrata et par la suite de 1673 à c. 1686 formant un jeune Camillo Rusconi, avant que ce dernier ne déménage lui-même dans l'atelier de Ferrata à Rome. Il a travaillé pendant de nombreuses années pour le Duomo de Milan, où il a travaillé avec Giuseppe Buono et Carlo Simonetta.
Jean-Baptiste Santerre est un peintre français.
Après ses portraits, il acquit une grande réputation grâce à ses figures de fantaisie féminines, dont les thèmes sont souvent issus des modèles nordiques: cuisinières, brodeuse, femmes à la lettre, femme endormie, rêvant ou dessinant.
Massimiliano Soldani ou Massimiliano Soldani Benzi est un sculpteur et médailleur italien, le plus fin fondeur de bronze en Europe de la fin du XVIIe et du début du XVIIIe siècle. Né d'un aristocrate capitaine de la cavalerie toscane, Massimiliano Soldani commence par être élève à l'école des Médicis à Florence, puis a été employé pendant toute sa carrière par les Médicis car attirant l'attention du grand-duc Cosme III de Médicis. Il devient directeur de l'hôtel des Monnaies avec un atelier aux Offices où, en plus d'être médailleur, il produit des reliefs en bronze, des figures et des bustes d'après l'Antique.
Peter Strudel est un sculpteur et peintre autrichien. Son œuvre s'inscrit dans la transition de la fin du Baroque et du début du style rococo. Il est considéré comme le fondateur de l'Académie des beaux-arts de Vienne, l'une des écoles d'art les plus anciennes du monde.
Jacob van der Heyden est un peintre, dessinateur graveur et éditeur belge. Durant le premier tiers du xviie siècle, il devient un portraitiste talentueux, et réalise de nombreuses représentations de chefs de guerre, savants, ou notables strasbourgeois à l'eau-forte. Fidèlement au goût de cette époque, il compose des illustrations d'Emblemata gravées par Matthäus Merian pour l'ouvrage de Jacob Bruck ou des illustrations d'actualités. Son travail d'éditeur lui permet de collaborer avec Wenceslas Hollar dont il publie en 1629 la célèbre série des quatre Saisons strasbourgeoises.
Rombout Verhulst était un sculpteur et dessinateur flamand, l'un des représentants de la sculpture baroque néerlandaise. Verhulst est surtout connu pour ses nombreuses pierres tombales, mais il a également créé des bustes-portraits, des sculptures de jardin et de petites œuvres en ivoire.