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Ralph Goings est un peintre américain.
C'est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l'hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu'il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). Il se dégage de ses tableaux au fini extraordinaire une grande mélancolie et un silence angoissant, d'autant plus que le peintre vise tant à la dépersonnalisation absolue de la touche qu'à l'immobilité la plus totale.
Ralph Goings est un peintre américain.
C'est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l'hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu'il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). Il se dégage de ses tableaux au fini extraordinaire une grande mélancolie et un silence angoissant, d'autant plus que le peintre vise tant à la dépersonnalisation absolue de la touche qu'à l'immobilité la plus totale.
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C'est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l'hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu'il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). Il se dégage de ses tableaux au fini extraordinaire une grande mélancolie et un silence angoissant, d'autant plus que le peintre vise tant à la dépersonnalisation absolue de la touche qu'à l'immobilité la plus totale.
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C'est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l'hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu'il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). Il se dégage de ses tableaux au fini extraordinaire une grande mélancolie et un silence angoissant, d'autant plus que le peintre vise tant à la dépersonnalisation absolue de la touche qu'à l'immobilité la plus totale.
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C'est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l'hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu'il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). Il se dégage de ses tableaux au fini extraordinaire une grande mélancolie et un silence angoissant, d'autant plus que le peintre vise tant à la dépersonnalisation absolue de la touche qu'à l'immobilité la plus totale.
James Rizzi, un artiste américain, a marqué le monde de l'art avec son style unique, fusionnant la peinture pop et les constructions tridimensionnelles. Originaire de Brooklyn, New York, Rizzi a étudié à l'Université de Floride, où il a développé son approche originale et parfois naïve de la peinture, caractérisée par des créations en trois dimensions qui ont acquis une renommée internationale.
James Rizzi a débuté sa carrière en tant qu'artiste de rue, vendant ses œuvres à l'extérieur de musées célèbres tels que le Musée d'Art Moderne et le Metropolitan Museum of Art. Ses œuvres reflètent l'énergie et la diversité de New York, avec un style qui combine graphisme, peinture et sculpture. Parmi ses réalisations notables, on trouve la conception de la couverture du premier album du groupe Tom Tom Club dans les années 1980, ainsi que la création d'animations pour deux de leurs clips musicaux. Rizzi a également conçu une édition limitée de la MetroCard pour la Metropolitan Transportation Authority de New York.
Au cours de sa carrière, James Rizzi a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives à travers le monde. Son travail a été exposé lors de l'exposition « Thirty Years of American Printmaking » au Brooklyn Museum en 1976. En 1996, il a été l'artiste officiel des Jeux Olympiques d'été d'Atlanta, et ses œuvres incluent une série de peintures de la cérémonie d'ouverture maintenant exposées au Musée Olympique de Lausanne, en Suisse.
James Rizzi a également connu un grand succès en Allemagne et en Asie, où il a conçu notamment un manteau de boxe pour le boxeur Henry Maske et peint trois versions de la Volkswagen New Beetle de 1999. En plus de ses tableaux et impressions, il a créé des designs pour divers produits, y compris des objets en porcelaine pour la société Rosenthal.
La contribution de James Rizzi au monde de l'art ne s'est pas limitée à ses créations visuelles. Il a fréquemment travaillé pour des œuvres caritatives en faveur des enfants et de la lutte contre le sida. Rizzi était une figure joyeuse et très sociable, articulant à travers son art les influences et les émotions vécues par tous ceux qui ont habité ou visité Manhattan. Ses paysages urbains reflètent des jours heureux, et son style emblématique est aussi reconnaissable que n'importe quel autre dans le monde.
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Roy Fox Lichtenstein est un peintre américain qui s'est distingué dans le mouvement artistique du Pop Art. Connu pour ses œuvres audacieuses inspirées des bandes dessinées, Lichtenstein a joué un rôle crucial dans le renouvellement de l'art contemporain.
Après avoir servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale, Roy Lichtenstein retourna à l'Ohio State University pour achever ses études en beaux-arts. Sa première exposition solo eut lieu à la Carlebach Gallery à New York en 1951, marquant le début de sa carrière artistique.
Dans les années 1960, Roy Lichtenstein s'est fortement impliqué dans le Pop Art, s'inspirant de la culture populaire, notamment des bandes dessinées, pour créer des œuvres qui combinaient à la fois l'abstraction et la représentation réaliste. Son utilisation des points Benday, une technique d'impression commerciale, est devenue sa marque de fabrique, lui permettant de donner à ses œuvres un aspect caractéristique de reproduction mécanique. Cette approche a non seulement défini son style, mais a également contribué à établir le Pop Art comme un mouvement artistique majeur.
Ses œuvres les plus célèbres, telles que « Drowning Girl » (1963), sont exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art de New York. Roy Lichtenstein a continué à explorer et à innover tout au long de sa carrière, gagnant une renommée internationale et influençant profondément le paysage de l'art contemporain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude des œuvres de Lichtenstein offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne et du Pop Art en particulier. Ses créations continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion, témoignant de l'importance durable de son héritage artistique.
Pour recevoir des informations actualisées sur les ventes de produits et les événements d'enchères en lien avec Roy Lichtenstein, inscrivez-vous à nos alertes. Votre abonnement vous garantira un accès exclusif aux dernières nouveautés et opportunités.
Roy Fox Lichtenstein est un peintre américain qui s'est distingué dans le mouvement artistique du Pop Art. Connu pour ses œuvres audacieuses inspirées des bandes dessinées, Lichtenstein a joué un rôle crucial dans le renouvellement de l'art contemporain.
Après avoir servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale, Roy Lichtenstein retourna à l'Ohio State University pour achever ses études en beaux-arts. Sa première exposition solo eut lieu à la Carlebach Gallery à New York en 1951, marquant le début de sa carrière artistique.
Dans les années 1960, Roy Lichtenstein s'est fortement impliqué dans le Pop Art, s'inspirant de la culture populaire, notamment des bandes dessinées, pour créer des œuvres qui combinaient à la fois l'abstraction et la représentation réaliste. Son utilisation des points Benday, une technique d'impression commerciale, est devenue sa marque de fabrique, lui permettant de donner à ses œuvres un aspect caractéristique de reproduction mécanique. Cette approche a non seulement défini son style, mais a également contribué à établir le Pop Art comme un mouvement artistique majeur.
Ses œuvres les plus célèbres, telles que « Drowning Girl » (1963), sont exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art de New York. Roy Lichtenstein a continué à explorer et à innover tout au long de sa carrière, gagnant une renommée internationale et influençant profondément le paysage de l'art contemporain.
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Evelyn Waugh, de son nom complet Arthur Evelyn St. John Waugh, était un écrivain satirique, voyageur et historien britannique.
Evelyn Waugh a étudié au Lancing College dans le Sussex et au Hertford College à Oxford. Il a ensuite commencé à voyager et à écrire, gagnant rapidement une réputation de satiriste plein d'esprit. Il a visité l'Éthiopie et le Congo belge, et s'est rendu en Amérique du Sud. Ses œuvres sont presque toujours basées sur des expériences personnelles ; parmi les premières, on peut citer Decline and Fall (1928), Nasty Bodies (1930), Black Mischief (1932), et d'autres.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Evelyn Waugh a servi dans les Royal Marines et les Royal Horse Guards. Le roman "Return to Brideshead" (1945), écrit à cette époque, raconte l'histoire d'une famille aristocratique anglaise catholique. Dans la trilogie "Men in Arms" (1952), "Officers and Gentlemen" (1955) et "Unconditional Surrender" (1961), l'auteur analyse sérieusement les événements de la Seconde Guerre mondiale, comme une lutte éternelle entre le bien et le mal, la civilisation et la barbarie. Plus tard, ces œuvres ont fait l'objet de séries télévisées.
Evelyn Waugh a également laissé une trace importante dans le journalisme et la critique littéraire. Il est considéré comme l'un des meilleurs stylistes de la prose anglaise du XXe siècle.
Bridget Louise Riley est une artiste anglaise, pionnière de l'art optique, connue pour ses peintures qui explorent les illusions d'optique et les effets visuels. Née à Londres en 1931, elle a passé son enfance en Cornouailles et a étudié au Goldsmiths College ainsi qu'au Royal College of Art. Dès le début de sa carrière, Riley s'est intéressée à l'impact des formes géométriques et des contrastes de couleurs sur la perception visuelle. Ses premières œuvres en noir et blanc introduisaient une dynamique de mouvement et de couleur, provoquant chez le spectateur des sensations variées, allant du mal de mer à l'impression de chute libre.
L'œuvre de Riley a subi une transformation significative en 1967 lorsqu'elle a commencé à intégrer la couleur, explorant ainsi de nouvelles voies dans l'expression de la lumière et de la forme. Son voyage en Égypte au début des années 1980 a marqué un tournant, l'inspirant à créer une palette de couleurs dites "égyptiennes", caractérisée par l'utilisation de teintes riches et lumineuses. Cette période a vu la naissance de séries comme Ka et Ra, reflétant à la fois l'esprit de l'Égypte antique et moderne et les nuances distinctives du paysage égyptien.
Parmi ses œuvres les plus emblématiques, on trouve "Cataract 3", où Riley utilise des bandes de couleurs vives pour créer un effet visuel dynamique, semblant défier la nature statique de la peinture traditionnelle. Cette approche illustre sa capacité à manipuler la perception visuelle à travers l'usage de formes répétitives et de contrastes de couleurs. Riley a également contribué à la communauté artistique en co-fondant l'organisation SPACE, visant à fournir aux artistes des espaces de studio abordables et vastes.
Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées du monde entier, y compris à la Tate Britain et au Museum of Modern Art (MoMA). Riley continue d'explorer les interactions complexes entre couleur, lumière et forme, restant une figure influente dans l'art contemporain.
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