ретна (1979)
RETNA (né Marquis Lewis) est un artiste contemporain, principalement reconnu pour ses graffitis. Il est né et a grandi à Los Angeles, en Californie, et a commencé sa carrière au début des années 1990. Il a développé une écriture construite particulière, dérivée de la Blackletter, des hiéroglyphes égyptiens, de la calligraphie arabe et hébraïque, ainsi que des types plus traditionnels de graffitis de rue. Outre ses expositions dans des institutions et des galeries à Los Angeles, Miami, Londres, New York et Hong Kong, Retna a réalisé des travaux publicitaires pour des marques telles que VistaJet, Louis Vuitton et Nike. Ses œuvres ornent la couverture de l'album Purpose de Justin Bieber, sorti en 2015. Retna a de nombreux mécènes de premier plan, dont le magnat de la restauration rapide Sam Nazarian.
STICK est le pseudonyme d'un sculpteur et artiste de rue britannique. STICK est connu pour son style émotionnel de figures en bâton et son engagement en faveur d'idées sociales radicales.
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Stickymonger est une artiste d'origine sud-coréenne basée à New York, dont les peintures transforment des lieux ordinaires en espaces oniriques et inquiétants, remplis d'un amalgame d'émotions véhiculées par ses femmes aux grands yeux, inspirées par l'animation.
STICK est le pseudonyme d'un sculpteur et artiste de rue britannique. STICK est connu pour son style émotionnel de figures en bâton et son engagement en faveur d'idées sociales radicales.
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Il'ia Bolotovskiï (en russe : Илья Юльевич Болотовский) est un peintre abstractionniste américain d'origine russe.
Après avoir passé sa jeunesse à Bakou, il s'installe aux États-Unis en 1923 et devient citoyen américain. Bolotovskiï reçoit sa formation artistique à la National Academy of Drawing de New York et lors de ses voyages en Europe. Influencé par l'œuvre de P. Mondrian, il commence à créer des peintures sans objet et reste plus tard un adepte de l'abstractionnisme, étant membre du groupe d'expressionnistes abstraits "Ten".
En 1936, Bolotovskiï réalise l'une des premières peintures murales abstraites monumentales aux États-Unis, dans le quartier résidentiel de Williamsburg, à New York. La même année, il devient l'un des fondateurs de l'organisation American Abstract Artists. Dans les années 1960, Bolotovskiï travaille dans l'esprit de l'abstractionnisme géométrique et du néo-plasticisme et crée des toiles avec des images en trois dimensions.
Camille Graeser était une artiste suisse, architecte d'intérieur, graphiste et représentante de l'école zurichoise d'art concret.
Camille Graeser a développé l'expressionnisme abstrait vers 1920. Il passe ensuite à un purisme strict et bidimensionnel, influencé par ses collègues de Stuttgart Oskar Schlemmer et Willi Baumeister. En 1933, en raison de l'arrivée au pouvoir des nazis, Greser s'est réfugié à Zurich. En 1937, il devient membre de l'association d'artistes Allianz, qui promeut publiquement les nouvelles tendances artistiques.
Max Bill était un artiste suisse polyvalent, connu pour ses contributions significatives dans des domaines aussi divers que l'architecture, la peinture, le design de typographies, le design industriel et graphique. Sa formation à la célèbre école du Bauhaus entre 1927 et 1929 a posé les bases de son approche artistique, qui privilégie l'utilisation des mathématiques et de la géométrie pour créer des œuvres d'art concret. Son œuvre est caractérisée par une abstraction basée sur des systèmes de grille et des problèmes géométriques, comme la bande de Möbius, illustrant son adhésion aux théories de l'art concret.
Bill a exercé une influence majeure sur le design graphique suisse dès les années 1950, grâce à ses écrits théoriques et son travail progressiste. Il est crédité d'avoir apporté une influence décisive sur la scène artistique brésilienne, notamment en favorisant le mouvement vers l'art concret lors de sa rétrospective au Musée d'Art Moderne de São Paulo en 1951. En tant que designer industriel, ses créations sont marquées par une clarté de design et des proportions précises, par exemple, ses élégantes horloges et montres pour Junghans, ainsi que le célèbre "Ulmer Hocker" de 1954, un tabouret multifonctionnel.
Bill a également laissé une empreinte durable en tant qu'éducateur, notamment en co-fondant l'École de design d'Ulm en 1953, qui a intégré l'art et la science dans son approche pédagogique et a inclus la sémiotique comme champ d'étude. Ses réalisations ont été reconnues internationalement, lui valant des prix prestigieux, dont le Praemium Imperiale en 1993.
Pour en apprendre plus sur l'héritage durable de Max Bill et découvrir ses œuvres, les amateurs d'art et les collectionneurs peuvent visiter des expositions qui lui sont consacrées dans des musées du monde entier, ainsi que consulter les collections de la Fondation Max Bill Georges Vantongerloo basée dans sa maison et son studio à Zumikon.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Max Bill, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cela vous permettra de découvrir les nouvelles acquisitions et les expositions mettant en vedette le travail de cet artiste emblématique.
Donatello Losito était un peintre, graphiste et artiste d'objet italo-allemand. 1955-1958 il suit une formation de plâtrier et restaurateur. Voyageant à travers la France et l'Italie en 1959/1960, il crée ses premières œuvres à l'huile et à l'aquarelle. Il a d'abord travaillé comme graphiste indépendant, puis s'est entièrement consacré à la peinture. Il réalise des expositions personnelles et participe à de nombreuses expositions. Son principal travail artistique a été créé au cours de ces années. En 1972, le critique d'art Helmut Kotschenreuther écrivait à propos de la première grande exposition personnelle : "Losito a un œil aiguisé par la sensibilité pour le grotesque, le comique, l'étrange, l'inhumain dans notre monde désolé et en même temps la capacité de présenter le le plus concis, le « impactant » pour trouver une formule picturale ».
Donatello Losito était un peintre, graphiste et artiste d'objet italo-allemand. 1955-1958 il suit une formation de plâtrier et restaurateur. Voyageant à travers la France et l'Italie en 1959/1960, il crée ses premières œuvres à l'huile et à l'aquarelle. Il a d'abord travaillé comme graphiste indépendant, puis s'est entièrement consacré à la peinture. Il réalise des expositions personnelles et participe à de nombreuses expositions. Son principal travail artistique a été créé au cours de ces années. En 1972, le critique d'art Helmut Kotschenreuther écrivait à propos de la première grande exposition personnelle : "Losito a un œil aiguisé par la sensibilité pour le grotesque, le comique, l'étrange, l'inhumain dans notre monde désolé et en même temps la capacité de présenter le le plus concis, le « impactant » pour trouver une formule picturale ».
Jonathan Borofsky est un artiste américain connu pour ses sculptures et installations publiques qui explorent les thèmes de la conscience humaine, de l'individualité et de l'interconnexion.
Borofsky a étudié à l'université Carnegie Mellon et à l'université de Yale. Dans les années 1970, il est reconnu pour ses œuvres conceptuelles et ses performances, qui intègrent souvent des éléments de langage, de texte et de répétition.
Dans les années 1980, Borofsky a commencé à créer des sculptures publiques à grande échelle, dont beaucoup représentent des figures ou des silhouettes humaines. L'une de ses œuvres les plus célèbres est "Molecule Man", une sculpture de 100 pieds de haut composée de trois figures interconnectées et située à Berlin, en Allemagne.
Les œuvres de Borofsky ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre Georges Pompidou de Paris et au Musée national d'art contemporain de Séoul. Il a également créé des œuvres d'art publiques dans des villes telles que New York, Tokyo et Tel Aviv.
Outre son art, Borofsky est connu pour son intérêt pour la méditation et la spiritualité, qu'il intègre souvent dans son travail. Il a publié plusieurs livres sur ces sujets.
Borofsky continue de vivre et de travailler à Ogunquit, dans le Maine, où il entretient un studio et crée de nouvelles œuvres d'art.
Dennis Oppenheim est un artiste contemporain américain.
Oppenheim s'intéresse à la fonction de l'art et au rôle de l'artiste. Plus connu comme artiste du Land art, il est aussi un artiste conceptuel et il a une pratique de l'art corporel. Il se distingue en cela des autres Land artistes, comme Michael Heizer ou Robert Smithson qui cherchaient dans leur confrontation avec la nature l'acte héroïque. Oppenheim ne cherche pas la pérennité des œuvres. Son travail intègre une dimension sociale et politique.
Romare Bearden était un artiste américain né le 2 septembre 1911 à Charlotte, en Caroline du Nord. Il est célèbre pour ses collages qui mêlent photographies et papiers peints, illustrant des aspects de la culture afro-américaine. Formé à New York et influencé par des artistes comme Diego Rivera et José Clemente Orozco, Bearden a aussi exploré d'autres médias comme la peinture à l'huile, la musique et l'écriture. Il a vécu une partie de sa vie à Harlem, où il a été activement engagé dans le mouvement des droits civiques, co-fondant le groupe Spiral en 1963 pour discuter du rôle des artistes afro-américains dans la société.
Bearden a également étudié l'art en Europe, notamment à la Sorbonne, et a été influencé par le Cubisme et l'expressionnisme abstrait, mais c'est dans le collage qu'il a trouvé son expression la plus puissante, souvent axée sur des thèmes de la vie afro-américaine et des mythes universels. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques importantes, y compris le Museum of Modern Art et la National Gallery of Art.
Son engagement envers les jeunes artistes et la communauté artistique de Harlem a été significatif, contribuant à la création de plusieurs institutions artistiques dans ce quartier. Bearden est décédé le 12 mars 1988, mais son héritage perdure grâce à des expositions et des rétrospectives continuelles de son œuvre.
Pour rester informé des dernières expositions et événements d'enchères concernant Romare Bearden, l'inscription aux mises à jour est recommandée. En s'abonnant, les amateurs et les collectionneurs pourront suivre les nouvelles ventes de produits et les événements liés à l'œuvre de Bearden, enrichissant ainsi leur collection et leurs connaissances artistiques.
Patrick Caulfield était un artiste anglais, né à Londres en 1936 et décédé en 2005, reconnu pour ses contributions significatives au mouvement Pop Art, bien qu'il ait souvent exprimé une certaine réticence vis-à-vis de cette étiquette. Ses œuvres se caractérisent par des couleurs plates et des contours noirs, privilégiant les paysages, les natures mortes, et les intérieurs domestiques plutôt que les sujets de la culture populaire typiques du Pop Art.
Au fil de sa carrière, Caulfield a exploré diverses approches et techniques, intégrant des éléments plus détaillés et réalistes dans ses œuvres à partir du milieu des années 1970. Des œuvres comme "After Lunch" (1975) et "Still-life: Autumn Fashion" (1978) illustrent cette période d'expérimentation, combinant des styles variés, allant de contours noirs et de couleurs plates à des représentations plus réalistes et à un travail au pinceau plus libre.
Il a également reçu plusieurs commandes importantes au cours de sa carrière, notamment la conception d'un vitrail pour le restaurant The Ivy en 1990, d'un tapis de 12 mètres pour le siège du British Council à Manchester en 1992, et de décors pour des productions au Royal Opera House en 1984 et 1995. Son influence et son héritage perdurent, avec des œuvres exposées dans d'importantes collections publiques et privées à travers le monde, notamment la Tate Gallery à Londres, le Dallas Museum of Art au Texas, et le National Gallery of Australia à Canberra.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Patrick Caulfield, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de ne manquer aucune nouveauté concernant les œuvres de cet artiste emblématique.
