ned vena (né en 1982)
Ayako Rokkaku est une artiste autodidacte japonaise contemporaine.
Depuis 2003, Rokkaku a acquis une popularité internationale et a eu des expositions dans des galeries aux Pays-Bas, au Danemark, en Allemagne et en Slovaquie.
Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla, dit Wifredo Lam, est peintre cubain, promoteur d’une peinture métissée alliant modernisme occidental et symboles africains et caribéens créant ainsi un langage singulier et contemporain. Proche de Picasso, des surréalistes qui le reconnaissent comme l’un des leurs, il côtoiera également les Imaginistes, Phases, CoBrA.
Georg Baselitz, né Hans-Georg Kern, est un artiste peintre, sculpteur, graveur et enseignant allemand. Né en Saxe pendant la période nazie, il passe son adolescence en Allemagne de l'Est, puis il vient vivre et étudier en Allemagne de l'Ouest. Sa carrière prend son élan au milieu des années 1960, quand il devient une des figures de l'esprit de Berlin-Ouest, et du néo-expressionnisme allemand. Sa peinture figurative est caractérisée par la présentation des tableaux « haut-en-bas », dessinée et peinte à grands coups de brosse, avec des couleurs franches. Sa sculpture, le plus souvent sur bois, est pratiquée à la tronçonneuse.
Bruce Weber est un photographe et cinéaste américain. Il est surtout célèbre pour ses campagnes de publicité pour les marques de vêtements Calvin Klein, Abercrombie & Fitch, Moncler, et Ralph Lauren.
Ben Nicholson était un artiste britannique, né le 10 avril 1894 à Denham, Buckinghamshire, en Angleterre, et décédé le 6 février 1982 à Londres. Connu pour ses compositions abstraites, parfois en bas-relief, ainsi que pour ses paysages et natures mortes, Nicholson a joué un rôle de premier plan dans la promotion de l'art abstrait dans son pays. Issu d'une famille d'artistes, il s'est peu à peu éloigné de l'approche figurative pour embrasser l'abstraction, sous l'influence notable de ses rencontres avec des figures majeures de l'art moderne telles que Pablo Picasso, Piet Mondrian, et son mariage avec la sculptrice Barbara Hepworth.
Nicholson a également été influencé par le cubisme et le constructivisme, intégrant ces influences dans un style qui lui est propre, marqué par une prédilection pour les formes géométriques simples. En 1933, il réalise son premier relief en bois, marquant un tournant décisif vers l'abstraction. Son talent dans l'abstraction lui a valu de nombreux prix, dont le prestigieux prix Carnegie en 1952 et le premier prix de peinture Guggenheim International en 1956.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, y compris la Tate Gallery, Tate St Ives, la Kettle's Yard Art Gallery à Cambridge, The Hepworth Wakefield, la Pallant House Gallery à Chichester, et le Pier Arts Centre à Stromness, Orkney.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Ben Nicholson demeure un témoignage captivant de l'évolution de l'art britannique au XXe siècle, offrant une fenêtre sur l'abstraction géométrique et son impact sur la scène artistique internationale. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à Ben Nicholson, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette inscription vous permettra d'accéder exclusivement à des informations sur les nouvelles opportunités d'acquisition liées à son œuvre.
Ben Nicholson était un artiste britannique, né le 10 avril 1894 à Denham, Buckinghamshire, en Angleterre, et décédé le 6 février 1982 à Londres. Connu pour ses compositions abstraites, parfois en bas-relief, ainsi que pour ses paysages et natures mortes, Nicholson a joué un rôle de premier plan dans la promotion de l'art abstrait dans son pays. Issu d'une famille d'artistes, il s'est peu à peu éloigné de l'approche figurative pour embrasser l'abstraction, sous l'influence notable de ses rencontres avec des figures majeures de l'art moderne telles que Pablo Picasso, Piet Mondrian, et son mariage avec la sculptrice Barbara Hepworth.
Nicholson a également été influencé par le cubisme et le constructivisme, intégrant ces influences dans un style qui lui est propre, marqué par une prédilection pour les formes géométriques simples. En 1933, il réalise son premier relief en bois, marquant un tournant décisif vers l'abstraction. Son talent dans l'abstraction lui a valu de nombreux prix, dont le prestigieux prix Carnegie en 1952 et le premier prix de peinture Guggenheim International en 1956.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, y compris la Tate Gallery, Tate St Ives, la Kettle's Yard Art Gallery à Cambridge, The Hepworth Wakefield, la Pallant House Gallery à Chichester, et le Pier Arts Centre à Stromness, Orkney.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Ben Nicholson demeure un témoignage captivant de l'évolution de l'art britannique au XXe siècle, offrant une fenêtre sur l'abstraction géométrique et son impact sur la scène artistique internationale. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à Ben Nicholson, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette inscription vous permettra d'accéder exclusivement à des informations sur les nouvelles opportunités d'acquisition liées à son œuvre.
Arnulf Rainer est un artiste autrichien qui a peint dans le genre de l'art abstrait informel.
L'artiste s'est inspiré des idées du surréalisme dès ses premières œuvres. Il a également créé des œuvres d'art dans lesquelles il appliquait de la peinture sur des photographies et des œuvres d'autres artistes. Dans les années 1950, Rainer a peint une série de tableaux les yeux bandés selon une technique automatique surréaliste.
En 1978, il a reçu le Grand Prix de l'État autrichien. Rainer a exposé à New York, Londres, Vienne, Paris, Berlin et Munich. Ses œuvres font partie des collections de l'Albertina, du Centre Pompidou, du Stedelijk Museum, du Metropolitan Museum of Art et du Museum of Modern Art.
Helmut Middendorf est un artiste allemand contemporain. De 1973 à 1979, il a étudié à la Hochschule der Künste de Berlin avec Karl Horst Hödicke, l'un des pionniers du néo-expressionnisme allemand.
Robert Combas est un artiste contemporain, peintre, sculpteur et illustrateur. Il est l'initiateur, avec Hervé Di Rosa, du mouvement artistique de la figuration libre dont la première publication en 1979 de la revue Bato marque le premier jalon.
Chef de file de ce mouvement en Europe, il est aujourd'hui considéré comme l’un des artistes français contemporains les plus importants depuis les années 1980. Il est le seul artiste français à apparaître chaque année dans le classement Artprice des 500 artistes contemporains les plus cotés au monde.
Une grande rétrospective lui a été consacrée en 2012 au musée d'art contemporain de Lyon, et en 2016 au Grimaldi Forum de Monaco.
Il est aussi musicien et grand collectionneur d'enregistrements musicaux, notamment de vinyles.
Raoul Dufy, peintre français du mouvement Fauviste, est célèbre pour son style vibrant et décoratif. Né le 3 juin 1877 au Havre, Dufy a commencé par des études artistiques tout en travaillant. Il a été profondément influencé par le Fauvisme après avoir vu l'œuvre de Henri Matisse, "Luxe, Calme et Volupté", en 1905. Cette révélation a orienté ses intérêts vers ce mouvement, caractérisé par des couleurs vives et des contours audacieux.
Dufy a développé une approche distinctive vers 1920, après avoir expérimenté brièvement le cubisme. Sa technique impliquait des structures squelettiques, une perspective raccourcie, et l'utilisation de lavis de couleur appliqués rapidement, connue sous le nom de sténographique. Ses œuvres joyeuses, tant en huile qu'en aquarelle, représentent des scènes de l'époque, comme des régates, des vues pétillantes de la Côte d'Azur, des fêtes chics et des événements musicaux.
En plus de la peinture, Dufy était également un illustrateur et artiste commercial renommé. Il a peint des fresques pour des bâtiments publics et produit un nombre significatif de tapisseries et de designs en céramique. Ses créations étaient très demandées dans l'industrie textile, influençant la mode de l'époque.
Les œuvres de Dufy sont présentes dans de nombreuses collections publiques, telles que l'Art Institute of Chicago, le Musée d'Art Moderne de Paris, et la National Gallery of Art à Washington, D.C. Parmi ses œuvres notables figurent "Les Alliés" (1914) et "Regatta at Cowes" (1934).
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, la richesse et la diversité de l'œuvre de Dufy offrent un panorama fascinant de l'art moderne français. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Raoul Dufy, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir des pièces uniques et de saisir des opportunités exceptionnelles dans le monde de l'art.
Joan Mitchell, artiste peintre américaine, est reconnue comme l'une des figures majeures de l'expressionnisme abstrait de la seconde génération. Née à Chicago en 1925, elle s'est imposée dans un mouvement artistique dominé par les hommes, grâce à son talent exceptionnel et à sa capacité à exprimer des tensions poétiques à travers ses œuvres. Son parcours artistique l'a amenée de Chicago à New York, puis en France, où elle a élu domicile et a continué à peindre jusqu'à sa mort en 1992. Mitchell est célèbre pour ses peintures expansives, souvent composées de plusieurs panneaux, qui captent l'essence du paysage, source d'inspiration primordiale de son œuvre.
Dès les années 1950, Joan Mitchell a été une participante active de l'école de New York, marquant l'histoire de l'art par sa participation à l'exposition de la 9e rue, organisée par Leo Castelli. Cette exposition a été un tournant, déplaçant le centre culturel du monde occidental de Paris à New York. Elle a établi sa réputation par des expositions solo régulières à la Stable Gallery à New York et a entretenu des relations professionnelles et personnelles importantes, notamment avec le peintre canadien Jean-Paul Riopelle.
Mitchell a décrit ses peintures comme des répétitions de sentiments inspirés par des paysages mémorisés, affirmant ne jamais pouvoir simplement "refléter" la nature mais plutôt chercher à peindre ce qu'elle lui laisse comme impression. Ses œuvres, caractérisées par un geste pictural expressif et souvent violent, reflètent son intérêt profond pour la musique, la poésie, les paysages, et les chiens, éléments constants de son univers créatif.
Les musées et collections du monde entier, comme le Whitney Museum of American Art, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, et le Museum of Modern Art, entre autres, ont acquis ses œuvres dès les années 1950. Joan Mitchell a également reçu plusieurs distinctions et récompenses tout au long de sa carrière, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris en 1991.
Après son décès, la Joan Mitchell Foundation a été créée conformément à ses volontés, dans le but de soutenir et de promouvoir l'œuvre des artistes individuels et de préserver l'héritage de Mitchell. Cette fondation témoigne de son engagement envers la communauté artistique et de son désir de soutenir les générations futures d'artistes.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre de Joan Mitchell, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de nouveaux produits et les événements d'enchères liés à cette artiste exceptionnelle. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de Mitchell.
Joan Miró, peintre, sculpteur, graveur et céramiste catalan, est célèbre pour son style unique mêlant le surréalisme à des éléments d'art abstrait, de fauvisme et d'expressionnisme. Né à Barcelone le 20 avril 1893, Miró a suivi un parcours artistique remarquable, marqué par un rejet des méthodes de peinture conventionnelles et un intérêt profond pour le subconscient et l'esprit enfantin.
Dans sa jeunesse, Miró a fréquenté une école de commerce et d'art avant de se consacrer entièrement à l'art après un effondrement nerveux. Ses débuts artistiques à Barcelone ont été fortement influencés par le fauvisme et le cubisme, avant de s'installer à Paris dans les années 1920, où son œuvre a commencé à refléter les caractéristiques du surréalisme. Son tableau "La Ferme", peint en 1921, est une de ses œuvres les plus célèbres de cette période, acclamé pour sa représentation unique de l'Espagne.
Miró a reçu de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière, dont le Prix de l'imprimé à la Biennale de Venise en 1954, le Prix de la Fondation Guggenheim en 1959, et la Médaille d'or du ministère de la Culture espagnol en 1980. En reconnaissance de sa contribution artistique, deux fondations portant son nom ont été créées : la Fondation Joan-Miró à Barcelone en 1975 et la Fondation Pilar et Joan Miró à Palma de Majorque.
Le travail de Miró est exposé dans des musées et galeries du monde entier, y compris le Musée national d'art moderne à Paris, le musée d'art moderne de Lille, et le Museum of Modern Art à New York. Son héritage perdure grâce à son approche révolutionnaire de l'art, sa capacité à mêler poésie et peinture, et son engagement à renouveler constamment son médium.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, restez à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Joan Miró en vous inscrivant à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de ne manquer aucune occasion liée à l'œuvre de ce grand maître.
Jean Fautrier était un peintre et sculpteur français associé aux mouvements Art Informel et Tachisme. Il a d'abord étudié l'architecture avant de se tourner vers la peinture au début des années 1920.
Les premières œuvres de Fautrier sont influencées par le cubisme et le surréalisme, mais il finit par développer un style plus abstrait caractérisé par des empâtements épais et des coups de pinceau expressifs. Il utilise souvent des matériaux non conventionnels, tels que l'asphalte, le sable et le goudron, pour créer des surfaces texturées qui donnent une impression de matérialité.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Fautrier a participé activement à la Résistance française et s'est caché pour éviter d'être arrêté par les nazis. Ses expériences pendant la guerre ont eu un impact profond sur son travail, qui est devenu plus sombre et plus introspectif. Il commence à créer ce qu'il appelle des tableaux "Otages", qui représentent des visages et des figures anonymes à la fois obsédants et vulnérables.
Après la guerre, Fautrier continue d'explorer les thèmes de la violence, du traumatisme et de la décomposition dans son art. Il crée une série de sculptures "Otages", réalisées à partir de moulages de membres et de torses humains. Ces œuvres sont très controversées et suscitent de vives réactions de la part des critiques et du public.
L'influence de Fautrier sur le développement de l'Art Informel et du Tachisme a été significative, et il est considéré comme l'une des figures clés du mouvement. Son œuvre est représentée dans de nombreux grands musées et collections à travers le monde, notamment au Centre Georges Pompidou à Paris et au Museum of Modern Art à New York.
Jean Baptiste Le Prince est un peintre et graveur français.
Jean-Jacques Sempé est un dessinateur français. Ses dessins humoristiques ont été publiés entre autres dans Sud Ouest, L'Express, Le Figaro, Le Nouvel Observateur, Télérama, The New Yorker, Le Moustique, Le Rire, Noir et Blanc, Ici Paris, Paris Match et bien d'autres.
«Il m'est arrivé de devenir, par moments, raisonnable mais jamais adulte.» C'est avec cette idée qu'il deviendra l'illustrateur des aventures du Petit Nicolas, dont l'auteur est René Goscinny.
Theo van Doesburg, de son vrai nom Christian Emil Marie Küpper, artiste, architecte et sculpteur néerlandais, théoricien de l'art, cofondateur du groupe Style et du néoplasticisme.
Theo van Doesburg a organisé avec Piet Mondrian le mouvement d'art abstrait De Stijl. Les idées de van Duisburg reposent sur la tentative de réduire toutes les formes d'harmonie objective dans une œuvre d'art à certains éléments géométriques. Ces nouveaux principes ont rapidement eu un impact significatif sur le développement de l'architecture, de la littérature, du graphisme et de la musique.
Raymond Georges Yves Tanguy, artiste français de renom, s'est imposé comme une figure emblématique du surréalisme, mouvement qui a révolutionné l'art et la culture au XXe siècle. Né en 1900, Tanguy a captivé le monde avec ses paysages oniriques, où l'imaginaire et la réalité se fondent dans des compositions éthérées et mystérieuses. Son œuvre se distingue par l'utilisation de formes biomorphiques flottant dans des espaces indéfinis, créant une atmosphère unique qui invite à la réflexion.
L'influence de Tanguy sur l'art surréaliste est incontestable. Ses peintures, caractérisées par des horizons lointains et des ciels vastes, ont ouvert de nouvelles voies d'expression dans l'art, où l'inconscient et le rêve prennent le pas sur la réalité tangible. Tanguy a su transposer les théories psychanalytiques de Freud dans le domaine visuel, explorant les profondeurs de l'esprit humain à travers ses toiles.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des tableaux comme « Indefinite Divisibility » (1942), qui illustre parfaitement sa capacité à représenter des espaces immatériels peuplés d'objets fantastiques. Ces œuvres sont exposées dans de prestigieuses institutions telles que le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, témoignant de leur importance dans l'histoire de l'art moderne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la découverte ou la redécouverte de l'œuvre de Raymond Georges Yves Tanguy offre une source inépuisable d'inspiration et de fascination. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour concernant les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste d'exception. Cette inscription est une opportunité unique de rester informé sur les pièces rares et précieuses de Tanguy qui peuvent enrichir votre collection.
Robert Delaunay était un peintre français, figure emblématique du mouvement orphiste, une branche du cubisme caractérisée par son utilisation audacieuse des couleurs et des formes géométriques. Né à Paris en 1885, Delaunay a grandement contribué à l'avant-garde artistique du début du XXe siècle, avec un intérêt particulier pour la loi du contraste simultané des couleurs, inspiré par Michel-Eugène Chevreul. Ses œuvres principales incluent « Paysage au disque », « Les Fenêtres », « Rythme », « Hommage à Blériot », « Portrait de Tristan Tzara », « Tour Eiffel » et « L'Équipe de Cardiff », reflétant son exploration continue de l'harmonie picturale à travers les couleurs.
Delaunay a évolué dans un contexte artistique riche, en correspondance et en amitié avec des poètes et peintres de renom tels que Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Vassily Kandinsky, et Franz Marc. Après la guerre, il a également établi des liens avec le mouvement surréaliste, bien qu'il n'ait pas adopté pleinement leurs perspectives artistiques. Sa fascination pour la tour Eiffel, qu'il a peinte à plusieurs reprises, démontre son intérêt pour la modernité et la technologie, ainsi que pour les méthodes néo-impressionnistes et cubistes avant d'adopter son approche simultanéiste.
Au sommet de sa carrière, Delaunay a réalisé des séries marquantes telles que la série Saint-Sévrin, la série sur la Ville de Paris, la série sur la Tour Eiffel, et la série des Fenêtres, caractérisées par des compositions non figuratives basées sur les caractéristiques optiques des couleurs brillantes. En 1937, il a entrepris avec Sonia Delaunay un projet majeur : une série de fresques pour le Pavillon des Chemins de fer et le Pavillon de l'Air et de l'Aéronautique à l'Exposition de Paris, où ils ont exploré la simultanéité et la couleur chromatique à une échelle sans précédent.
Malgré des défis personnels et financiers, notamment durant la Première Guerre mondiale où le couple a dû s'exiler en Espagne et au Portugal, Delaunay est resté un innovateur, retournant à l'abstraction après une brève période de travail figuratif dans les années 1920. Ses dernières années ont été marquées par une participation à l'Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne en 1937, qui a célébré ses contributions à l'art abstrait.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités passionnés par l'œuvre de Delaunay, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Robert Delaunay. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques d'acquérir des œuvres de cet artiste visionnaire.
Francisco José de Goya y Lucientes, né le 30 mars 1746 à Fuendetodos et mort le 16 avril 1828 à Bordeaux, est un peintre et graveur espagnol dont l'œuvre a marqué une transition majeure dans l'art européen. Réputé pour son approche avant-gardiste, Goya est considéré comme l'un des derniers grands maîtres de la peinture classique ainsi que l'un des premiers modernes. Son travail, profondément ancré dans les bouleversements sociaux et politiques de son époque, notamment les guerres napoléoniennes, offre une critique audacieuse de la société. Ses œuvres les plus célèbres, telles que "La Maja nue", "La famille de Charles IV", "Le 3 mai 1808" et la série d'estampes "Les Désastres de la guerre", illustrent son habileté à capturer tant la beauté que la brutalité de la condition humaine.
D'abord influencé par le baroque tardif et le rococo lors de ses années de formation, Goya a par la suite embrassé le néoclassicisme, s'inspirant de ses voyages en Italie. Cependant, c'est son évolution vers un style plus sombre et plus expressif, initiée après une maladie grave en 1793 qui l'a laissé sourd, qui définit la période la plus remarquable de sa carrière. Cette transformation stylistique est manifeste dans ses "peintures noires", des œuvres qui préfigurent le romantisme et l'expressionnisme.
Nommé peintre de la cour sous Charles III, puis promu peintre du roi sous Charles IV, Goya a immortalisé la famille royale dans des portraits qui révèlent un œil critique sous une apparence de formalité. Ces œuvres, combinées à sa série "Caprichos", démontrent son intérêt pour les thèmes sociaux, politiques et fantastiques, explorant les profondeurs de la psyché humaine et de la société espagnole de son époque.
Les collectionneurs et les experts en art et antiquités reconnaissent en Goya non seulement un témoin privilégié de son temps mais également un pionnier dont l'influence se perpétue dans l'art contemporain. Ses œuvres, dispersées dans des musées du monde entier, notamment au Musée du Prado à Madrid, continuent d'inspirer et de fasciner par leur puissance et leur modernité.
Nous invitons les passionnés de l'œuvre de Goya à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel. Restez connecté pour explorer l'univers fascinant de Francisco de Goya et enrichir votre collection avec des pièces emblématiques de son héritage artistique.
