Ukraine
Maximilian Volochine (en russe: Максимилиа́н Алекса́ндрович Воло́шин) était un artiste et poète symboliste russe, connu pour son engagement profond envers la paix et son rejet du matérialisme, ce qui se reflète dans sa vie et son œuvre. Né à Kiev et ayant passé une grande partie de sa jeunesse en Crimée, à Koktebel, il est particulièrement lié à cette région, dont il capture l'esprit à travers ses poèmes et aquarelles, créant un monde semi-mythique inspiré par le paysage et l'histoire locale.
Volochine a joué un rôle important durant les années tumultueuses de la Révolution russe et de la guerre civile, en offrant refuge à la fois aux Bolcheviks et aux membres de la Garde blanche dans sa maison de Koktebel, défendant ainsi ses convictions pacifistes et son idéal d'unité humaine au-delà des divisions politiques. Sa maison est devenue un salon littéraire où se réunissaient des écrivains de divers horizons.
En tant que peintre, Volochine était reconnu pour ses aquarelles, représentant non pas une Crimée géographiquement précise, mais une vision idéalisée et synthétique, mêlant souvenirs et influences de diverses cultures, notamment de l'Espagne et de la Grèce. Ses œuvres d'art, aujourd'hui dispersées dans des musées et collections privées à travers le monde, témoignent de son approche panthéiste et de sa quête d'une beauté transcendante.
Les poèmes de Volochine, imprégnés d'une profonde réflexion philosophique et d'un engagement envers des idéaux humanistes, continuent d'être célébrés pour leur capacité à capturer l'essence de l'histoire russe et la complexité de l'expérience humaine. Sa poésie a été mise en musique et demeure une source d'inspiration pour les artistes et penseurs contemporains.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Maximilian Volochine offre une fenêtre unique sur l'âme russe et sur l'importance de l'art et de la poésie dans la quête de vérité et de beauté. Ses contributions à la culture et à la peinture, ainsi que son héritage en tant que figure de la paix, continuent d'influencer et d'inspirer.
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Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Natan Altman (en russe: Натан Исаевич Альтман) fut un artiste avant-gardiste russo-soviétique, né en 1889 à Vinnytsia, aujourd'hui en Ukraine. Reconnu pour son approche cubiste en peinture, ses travaux de scénographie théâtrale, ainsi que ses illustrations de livres, Altman a marqué la culture artistique de son époque. Ses études à l'école d'art de Grekov à Odessa et son passage à Paris, où il a été influencé par le cubisme et a côtoyé des artistes comme Marc Chagall, ont été déterminants dans son développement artistique. Il s'est établi à Saint-Pétersbourg en 1912, où son portrait d'Anna Akhmatova, réalisé en 1914, est devenu une œuvre emblématique grâce à son style cubiste distinctif.
Au fil de sa carrière, Altman a contribué de manière significative au théâtre, notamment en travaillant sur les décors du Théâtre d'État juif à Moscou et du Théâtre Habimah, ainsi qu'en participant à l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris en 1925. Son engagement dans le mouvement artistique avant-gardiste l'a également amené à créer des œuvres marquantes pour commémorer la Révolution d'Octobre, démontrant son talent dans l'utilisation de formes géométriques abstraites. Après un séjour à Paris, Altman retourne à Leningrad, où il continue de travailler principalement pour le théâtre, tout en produisant des illustrations de livres et des essais sur l'art.
Certaines de ses œuvres sont conservées dans des musées prestigieux, notamment le Musée russe et la Galerie Tretiakov, soulignant son importance dans l'histoire de l'art russe et soviétique. Natan Altman est décédé en 1970 à Leningrad, laissant derrière lui un héritage artistique riche et varié, allant de la peinture à la sculpture, en passant par la scénographie et l'illustration.
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Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo (еn russe : Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло) était un artiste russe, connu pour sa contribution au mouvement constructiviste et à l'avant-garde russe. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est fait remarquer par son talent exceptionnel en peinture et en scénographie.
Andrienko-Netchitaïlo a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg avant de s'établir à Paris, où il a intégré des éléments cubistes et abstraits dans son travail. Ses œuvres se distinguent par l'utilisation innovante des formes géométriques et des couleurs vives, caractéristiques du constructivisme.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures exposées au Musée national d'art moderne à Paris et dans plusieurs collections privées à travers le monde. Sa contribution à l'art de la scénographie a également marqué l'histoire du théâtre, notamment avec ses décors pour des ballets et des opéras.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo reste une figure incontournable. Abonnez-vous à notre newsletter pour être informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères concernant ses œuvres.
Vladislav Leopoldovitch Anisovitch (еn russe: Владислав Леопольдович Анисович) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vladislav Anisovitch a participé à diverses expositions depuis 1935. Son œuvre comprend des portraits, des compositions historiques et de genre, ainsi que des paysages. Parmi les tableaux célèbres de l'artiste figurent "Le passage du détachement de K. Voroshilov de Lugansk à Tsaritsyn", "L'assaut sur Perekop" et d'autres. Le maître a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad.
Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays, y compris au Musée national russe.
Alexandre Porfyrovytch Archipenko (еn russe: Александр Порфирьевич Архипенко), artiste ukrainien devenu figure emblématique de l'art moderne, est reconnu pour son approche novatrice de la sculpture et de la peinture. Né en Ukraine et ayant vécu une grande partie de sa vie en France et aux États-Unis, Archipenko a révolutionné la perception de la forme dans l'art, en intégrant des éléments de cubisme et en expérimentant avec de nouveaux matériaux.
Son travail se distingue par une exploration audacieuse de l'espace et du volume, rompant avec les traditions classiques pour ouvrir la voie à des expressions artistiques plus abstraites et dynamiques. Archipenko a non seulement modifié la silhouette humaine dans ses œuvres, mais il a également introduit des matériaux industriels, ce qui a marqué un tournant dans l'utilisation des ressources en sculpture.
Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve "La Femme au cube", qui illustre parfaitement sa capacité à décomposer les formes en éléments géométriques, tout en conservant une essence organique et émotionnelle. Ses créations sont exposées dans des musées de renom à travers le monde, tels que le MoMA à New York et le Centre Pompidou à Paris, témoignant de son influence durable dans le domaine de l'art moderne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la compréhension de l'œuvre d'Archipenko est essentielle pour saisir l'évolution de l'art au XXe siècle. Son apport à l'art moderne dépasse les frontières de la sculpture pour toucher à des aspects fondamentaux de la culture et de l'esthétique contemporaines.
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Vsevolod Grigorievitch Averin (en russe : Всеволод Григорьевич Аверин) était un graphiste et illustrateur de livres ukrainien d'origine soviétique. Il fut l'un des plus importants peintres animaliers ukrainiens de la première moitié du XXe siècle, intégrant des techniques d'avant-garde dans son œuvre.
Averin a travaillé dans le domaine de l'illustration de livres et de chevalet, notamment la lithographie, ainsi que dans la peinture de portraits et de paysages. Il a illustré de nombreux ouvrages célèbres, dont l'Atlas d'anatomie humaine et un roman de M. Twain. Son œuvre se distinguait par un style exquis et une conception harmonieuse, et son héritage comprend environ 300 reliures, 3 000 illustrations et 90 affiches.
Matteo Baccelli est un peintre italien né à Lucques, en Italie. Il a été l'élève de Pompeo Batoni et a étudié à l'Accademia di Belle Arti di Firenze. Il s'est spécialisé dans la peinture de portraits et était un artiste réputé à son époque, recevant de nombreuses commandes de membres de l'aristocratie et de l'Église.
Les portraits de Baccelli se caractérisent par leur réalisme et leur souci du détail, ainsi que par leur utilisation sensible et subtile de la couleur. Il était particulièrement doué pour saisir le caractère et la personnalité de ses sujets, et ses peintures donnent souvent une impression de profondeur et de complexité psychologiques.
Les œuvres de Baccelli se trouvent dans divers musées et collections privées du monde entier, notamment à la Galerie des Offices de Florence, à la Pinacothèque de Brera à Milan et au Metropolitan Museum of Art de New York. Il est considéré comme une figure importante de l'histoire de la peinture italienne et un représentant du style néoclassique qui a dominé l'art européen à la fin du XVIIIe siècle et au début du XIXe siècle.
Vladimir Davidovitch Baranov-Rossine (en russe: Владимир Давидович Баранов-Россине) était un artiste ukrainien, russe et français d'origine juive, connu pour son rôle important dans le mouvement avant-gardiste du Cubo-Futurisme et en tant qu'inventeur. Né à Kherson dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), il a étudié à l'École de la Société pour l'encouragement des arts à Saint-Pétersbourg et à l'Académie impériale des beaux-arts de la même ville. Dès 1908, il exposait avec le groupe Zveno (Le Lien) à Kiev, et en 1910, il s'installa à Paris, devenant résident de la colonie d'artistes La Ruche, aux côtés de figures comme Alexander Archipenko et Sonia Delaunay-Terk.
Baranov-Rossine est reconnu pour son exploration des liens entre l'art et la technologie, notamment à travers l'invention du piano optophonique, un instrument capable de produire des sons et des lumières colorées simultanément. Cette invention illustre son intérêt pour la synthèse des arts et son engagement dans l'avant-garde artistique. En plus de son travail dans le domaine de l'art, Baranov-Rossine a également appliqué ses compétences à des innovations pratiques, telles que la caméléon, une technique de camouflage militaire, et le "photochromomètre", un appareil permettant de déterminer les qualités des pierres précieuses. Il a même perfectionné une machine à préparer, stériliser et distribuer des boissons gazeuses, le "Multiperco", qui a reçu plusieurs prix techniques.
L'art de Baranov-Rossine est représenté dans des collections et des expositions à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Malheureusement, sa vie a pris fin tragiquement lorsqu'il a été déporté et assassiné à Auschwitz en 1944 par les nazis.
Pour ceux qui sont fascinés par la contribution de Baranov-Rossine à l'art moderne et son exploration pionnière de l'intersection entre l'art et la technologie, l'inscription aux mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre peut offrir des occasions uniques d'appréciation et de collection.
Maria Konstantinovna Bashkirtseva (en russe: Мария Константиновна Башкирцева) était une artiste russe de la seconde moitié du XIXe siècle. Elle est connue comme un maître du genre domestique et du portrait. La plupart des peintures de Bashkirtseva sont de style réaliste.
Au cours de ses 25 années de vie, Maria Bashkirtseva a réussi à se faire connaître - ses œuvres ont été régulièrement exposées dans les salons parisiens et ont reçu des prix. Cependant, l'artiste est devenue largement connue après sa mort grâce à la publication de ses journaux intimes. Le célèbre "Journal" de Bashkirtseva est immédiatement devenu un best-seller européen. Au début du XXIe siècle, la version complète du journal en 16 volumes a été publiée sur la base des manuscrits originaux de l'auteur trouvés à la Bibliothèque nationale de France. Une grande partie de l'œuvre de l'artiste a été perdue pendant la Seconde Guerre mondiale.
Les quelques chefs-d'œuvre qui ont survécu sont aujourd'hui conservés dans des musées en Ukraine, en Russie, en France et aux États-Unis.
Viktoriia Markovna Belakovskaia (еn russe: Виктория Марковна Белаковская) était une artiste soviétique russe du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de peinture de Leningrad.
Viktoriia Belakovskaia a participé à des expositions d'artistes de Leningrad dès le début des années 1930. Son œuvre couvre différents genres, notamment des portraits, des compositions de genre, des natures mortes et des paysages. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Pioneer Girl" (1931), "Self-Portrait with a Cigarette" (1936), "Leningrad Landscape" (1953), "Spring Flowers. Nature morte" (1961), une série de paysages de l'Altaï, de la Crimée, de Kiev et autres.
Les œuvres de l'artiste font partie des collections de musées en Russie, en Grande-Bretagne, aux États-Unis, en France et dans d'autres pays.
Piotr Petrovitch Beloousov (еn russe : Пётр Петрович Белоусов) était un artiste peintre et professeur russe, né en 1912 à Berdiansk, dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine) et décédé en 1989 à Leningrad (Saint-Pétersbourg), URSS. Reconnu pour son affiliation à l'École de Léningrad, Beloousov s'est distingué par ses œuvres traitant de thèmes révolutionnaires et historiques, notamment des portraits et des paysages urbains. Il a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad Ilya Repin et a été honoré en tant qu'Artiste du peuple de la RSFSR et membre correspondant de l'Académie des arts de l'URSS.
Ses œuvres se trouvent dans de prestigieuses collections telles que le Musée Russe d'État, la Galerie Tretiakov, et dans divers musées et collections privées à travers le monde. Beloousov a aussi été un maître de l'estampe et un dessinateur habile, contribuant de manière significative à l'art soviétique du XXe siècle.
Pour plus d'informations sur ses œuvres ou envisager des acquisitions, restez informé des mises à jour et des événements d'enchères en vous inscrivant ici. Vous recevrez des alertes uniquement pour les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à Piotr Petrovitch Beloousov.
Vilmos-József Istvanovich Berets (еn russe: Вильмош-Йожеф Иштванович Берец) était un artiste soviétique ukrainien d'origine hongroise de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et historien de l'art.
Berets a créé des œuvres principalement en graphisme de chevalet, parmi ses œuvres les plus remarquables figurent des paysages à l'aquarelle. Depuis 1950, il participe activement à des expositions d'art. Il est également l'auteur d'articles sur la théorie de l'art, ainsi que d'études sur divers artistes, notamment sur l'œuvre d'artistes de Transcarpatie, au cours desquelles il a rassemblé de nombreux documents d'archives sur l'histoire de l'école de peinture locale.
Mikhaïl Andreïevitch Berkos (еn russe : Михаил Андреевич Беркос) était un peintre russe, spécialisé dans le paysage et les scènes maritimes. Né en 1861, il est reconnu pour ses œuvres représentant des vues pittoresques de la Crimée et de la mer Noire. Berkos a étudié à l'Académie impériale des arts à Saint-Pétersbourg, où il a développé son talent pour capturer la lumière et les couleurs vibrantes de la nature.
Les peintures de Berkos se distinguent par leur réalisme et leur attention aux détails. Il utilisait une palette riche pour donner vie à ses paysages, rendant ses œuvres populaires parmi les collectionneurs et les amateurs d'art. Ses tableaux reflètent une profonde appréciation de la beauté naturelle, souvent agrémentés de figures humaines pour ajouter une dimension narrative.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures exposées dans des musées tels que le Musée national de Kiev et la Galerie Tretiakov à Moscou. Ces institutions abritent plusieurs de ses œuvres majeures, témoignant de son impact durable sur l'art russe.
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs, rester informé des ventes et des événements liés à Mikhaïl Andreïevitch Berkos est essentiel. Inscrivez-vous à nos mises à jour pour ne manquer aucune nouvelle vente ou enchère concernant ses œuvres.
Georgiï Nikolaevitch Bibikov (еn russe: Георгий Николаевич Бибиков) était un artiste russe et soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur, muraliste et artiste de théâtre de l'école de Leningrad, travaillant dans les genres du paysage, du portrait, de la nature morte et de la peinture thématique.
Georgiï Bibikov a commencé à participer à des expositions d'art en 1920. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Chargeurs", "Les jeunes flottes rouges reçoivent des uniformes", "Salutations aux vainqueurs", "La vérité des tranchées" et d'autres encore. Ses œuvres sont conservées au Musée national russe, dans des musées et des collections privées en Russie, en Ukraine, en Allemagne et en France.
Katerina Vassilivna Bilokour (еn russe: Екатерина Васильевна Белокур) était une artiste soviétique ukrainienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme un maître de la peinture décorative folklorique.
Autodidacte, Katerina Bilokour est devenue célèbre pour ses peintures colorées, représentant principalement des fleurs, des paysages et des portraits. Ses œuvres combinaient souvent des éléments printaniers et automnaux, et elle pouvait passer des semaines à créer les moindres détails sur la toile. Catherine fabriquait également ses propres pinceaux, en sélectionnant des poils de quenouilles, et utilisait un pinceau différent pour chaque peinture. Son travail se caractérise par des couleurs et un style éclatants.
Moiseï Abramovitch Blank (еn russe: Моисей Абрамович Бланк) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, se distinguant par ses natures mortes et ses paysages.
Moiseï Blank a participé activement à des expositions d'art, y compris des expositions nationales, nationales et internationales, à partir de 1927. Il a utilisé diverses techniques artistiques, notamment la lithographie, la gravure, l'encre, l'aquarelle, la gouache, le pastel et parfois l'huile. Pendant la Grande Guerre patriotique, il s'est porté volontaire pour le front et, après la guerre, il a servi en tant qu'artiste dans le corps de défense aérienne à Riga. Le maître a laissé une trace notable dans l'histoire de l'art en Ukraine.
Aleksandr Aleksandrovitch Blinkov (еn russe: Александр Александрович Блинков) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
Aleksandr Blinkov a peint des tableaux de genre et de bataille, des portraits, des paysages, des animaux, et a également créé des dioramas et des panoramas. Parmi les œuvres célèbres de l'artiste figurent les tableaux "La prise de Vyborg par les troupes soviétiques", "Les sentiers des partisans", "L'avancée de Koursk", "Les manœuvres navales", le panorama "La défense de Petrograd", le diorama "La bataille de Stalingrad" et d'autres encore.
Blinkov a enseigné activement et a été associé à l'École supérieure d'art et d'industrie de Leningrad. Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie, au Japon, en France, en Ukraine, en Allemagne et dans d'autres pays.
Nikolaï Kornilievitch Bodarevskiï (en russe: Николай Корнилиевич Бодаревский) était un artiste russe et ukrainien du dernier tiers du XIXe siècle et du début du XXe siècle, d'origine moldave. Il est connu comme peintre et graphiste.
Nikolaï Bodarevskiï a réalisé des portraits, des paysages et des peintures de genre. Au début de sa carrière, il était proche des itinérants, mais plus tard, il s'est éloigné de la tradition itinérante pour se tourner vers l'académisme tardif des "salons". Ses œuvres font partie de nombreuses collections de musées, notamment la Galerie nationale Tretiakov à Moscou et le Musée national russe à Saint-Pétersbourg.
Constantin Fiodorovitch Bogaïevski (en russe : Константин Фёдорович Богаевский) était un peintre russe et soviétique né le 12 janvier 1872 à Théodosie, dans l'Empire russe, et décédé dans la même ville le 17 février 1943. Il est reconnu pour sa contribution au paysagisme, intégrant des éléments du symbolisme, de l'art du Quattrocento, et du paysage héroïque du XVIIe siècle. L'œuvre de Bogaïevski se caractérise par des représentations majestueuses de l'ancienne Cimmérie, avec ses montagnes, ses collines, ses villes anciennes, et un soleil éblouissant qui illumine les paysages.
Membre de groupes artistiques influents tels que Mir iskousstva, l'École de Cimmérie, et l'Union des Artistes Russes, Bogaïevski a laissé une empreinte durable dans le monde de l'art. Ses voyages en Italie en 1911 l'ont particulièrement marqué, l'exposant aux œuvres d'Andrea Mantegna, qui influencèrent profondément son travail ultérieur. Ses œuvres sont reconnues pour leur qualité esthétique et leur profondeur symbolique, explorant des thèmes variés allant de la peinture d'histoire à la mythologie, en passant par des paysages à couper le souffle.
Ses tableaux, tels que "Port d'une ville imaginaire" de 1932, témoignent de son talent à fusionner réalité et imaginaire, captivant ainsi le regard et l'esprit du spectateur. Après la Révolution d'Octobre, Bogaïevski se retira dans une relative obscurité, bien que ses œuvres continuent d'être célébrées pour leur contribution significative à l'art du paysage et au symbolisme.
Bogaïevski a également entretenu des amitiés avec d'autres figures marquantes de Feodosia et du groupe intellectuel de Koktebel, enrichissant son parcours artistique et personnel. Son héritage perdure, non seulement à travers ses peintures mais aussi par l'inspiration qu'il continue d'offrir aux amateurs d'art et collectionneurs du monde entier.
Pour ceux qui s'intéressent de près au travail de Bogaïevski et souhaitent en savoir plus sur ses œuvres et leur impact sur l'art moderne, l'inscription à des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Constantin Fiodorovitch Bogaïevski est vivement recommandée. Cela permettra de rester informé des opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de ce maître du paysagisme.
Mikhaïl Mikhaïlovitch Bojíï (en russe : Михаил Михайлович Божи́й) était un peintre soviétique et ukrainien éminent, dont la carrière a été couronnée de nombreux titres et récompenses. Né à Nikolaev dans une famille ouvrière, il a manifesté très tôt un intérêt pour l'art. Sa formation à l'Institut d'Art de Nikolaev et son travail ultérieur à Odessa en tant qu'artiste d'animation ont jeté les bases de son parcours créatif.
Bojíï a beaucoup travaillé dans le genre du portrait, représentant souvent sa famille et répondant aux thèmes proposés par l'idéologie du parti. Ses œuvres sont marquées par l'orientation idéologique caractéristique du socialisme, mais portent également une charge émotionnelle profonde et une maîtrise d'exécution. Parmi ses œuvres les plus connues figurent des portraits tels que "V.I. Lénine", "Portrait de l'excellente élève Svetlana Shipunova", et "L'Infirmière", qui ont été hautement appréciés et lui ont apporté une large reconnaissance.
Pour en savoir plus sur les œuvres de Mikhaïl Mikhaïlovitch Bojíï et les événements liés à son art, je vous encourage à vous inscrire à nos mises à jour. Nous vous informerons des ventes d'œuvres et des événements d'enchères où ses travaux seront présentés.
Jоzsef Boksay (еn russe : Иосиф Иосифович Бокшай) est un peintre et graphiste hongrois né le 2 octobre 1891 à Györgyanliget et mort le 19 octobre 1975 à Ungvár (aujourd'hui Uzhgorod, Ukraine). Formé à l'Académie des beaux-arts de Budapest entre 1910 et 1914 sous la direction d'Imre Reves, Boksay a servi sur le front pendant la Première Guerre mondiale, puis a été fait prisonnier de guerre en Russie. Après la guerre, il enseigne le dessin à Ungvar, où il fonde une école d'art gratuite avec Béla Erdély en 1927, et participe en 1931 à la fondation de l'Association des artistes de Transcarpatie.
Boksay est surtout connu pour son rôle de pionnier dans l'école de peinture de Transcarpatie et pour sa contribution significative à la peinture de paysage, capturant les magnifiques paysages extérieurs de sa région natale. Sa peinture se caractérise par une tentative de transmettre visuellement la beauté des saisons, l'heure du jour, le jeu de l'ombre et de la lumière, sans chercher à exprimer une émotion, mais plutôt à reproduire fidèlement le spectacle de la nature. Outre les paysages, Boksay peint des portraits, des scènes de vie et des natures mortes, démontrant ainsi sa polyvalence artistique.
Au cours de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le titre d'artiste du peuple d'Ukraine (1960) et d'Union soviétique (1963), ainsi qu'un certain nombre d'autres honneurs pour son travail. Boksay a également laissé une empreinte indélébile en tant qu'enseignant, notamment à l'école d'art Ungvar et à l'Institut d'art industriel de Lviv.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Jozef Boksay et à l'école de peinture transcarpatique, nous vous invitons à vous inscrire à notre lettre d'information pour recevoir des informations sur les ventes et les ventes aux enchères relatives à ses œuvres. Vous serez ainsi informés des possibilités d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable et contribuerez à la préservation de son héritage.
Vladimir Loukich Borovikovski (en russe: Владимир Лукич Боровиковский) était un artiste russe d'origine ukrainienne, célèbre pour son rôle prédominant dans le portrait au tournant du XIXe siècle. Né en 1757 à Mirgorod, en Ukraine, il a vécu jusqu'à l'âge de 31 ans avant de déménager à Saint-Pétersbourg, suite à l'invitation de l'impératrice Catherine II qui fut impressionnée par ses œuvres. Borovikovski a bénéficié des leçons privées des peintres Johann Baptist von Lampi et Dmitry Levitzky, ce qui a marqué le début de sa carrière professionnelle en tant que portraitiste. Sa réputation s'est consolidée lorsque, en 1795, il a été nommé académicien, grâce à ses portraits intimes de membres de la famille impériale, de courtisans et d'aristocrates, parmi lesquels on compte environ 500 œuvres, avec 400 ayant survécu jusqu'à aujourd'hui.
Le style de Borovikovski mélangeait le classicisme et le sentimentalisme, capturant l'ideal de beauté de son époque et la diversité des émotions intérieures de ses sujets. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des portraits de Catherine II, d'Elisabeth Alexeievna, et du prince Kurakin, ainsi que des œuvres religieuses importantes réalisées vers la fin de sa vie, comme l'iconostase de l'église du cimetière de Smolensky et plusieurs icônes pour la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg.
En dépit de son succès, la vie personnelle de Borovikovski a été marquée par des défis, notamment son manque de reconnaissance à la cour impériale dans ses dernières années, ce qui l'a éloigné de la peinture de portraits et l'a conduit vers la peinture d'icônes et la vie mystique. Il est décédé subitement d'une crise cardiaque en 1825, laissant derrière lui un héritage artistique qui continue d'inspirer.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire russe, l'œuvre de Borovikovski offre un aperçu fascinant de l'ère sentimentale et de la société russe à l'aube du XIXe siècle. Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Vladimir Loukich Borovikovski.
Nikolaï Stepanovitch Borovskiï (еn russe: Николай Степанович Боровский) était un artiste soviétique ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant.
Nikolaï Borovskiï est devenu célèbre pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes, ainsi que pour ses peintures de genre. Certaines de ses œuvres se caractérisent par un réalisme extraordinaire. Depuis le début des années 1960, il expose activement ses œuvres et, en 1964, il rejoint l'Union des artistes de l'URSS. Il a reçu le prix de l'Union des artistes de l'URSS pour son tableau "Ouvrier. Année 1928", il reçoit le prix de l'Union des artistes de la République socialiste soviétique d'Ukraine.
Le maître a créé un grand nombre d'œuvres qui se trouvent dans des collections privées et publiques, notamment une galerie de portraits de participants à la défense et à la libération de Dniepropetrovsk.
Nikolaï Evlampievitch Boublikov (еn russe: Николай Евлампиевич Бубликов) était un artiste russe et soviétique de la fin du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre de marines et de paysages, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Nikolaï Boublikov s'est distingué par l'utilisation d'une large perspective spatiale et de couleurs subtiles dans ses œuvres. Il est considéré comme le premier artiste à avoir abordé dans son œuvre le thème de la marine soviétique. Pendant la Grande Guerre patriotique, l'artiste a séjourné à Leningrad et est mort pendant le siège de la ville.
Ses œuvres se trouvent dans divers musées et collections privées en Russie et à l'étranger, notamment au Musée russe et au Musée naval central de Saint-Pétersbourg.
Iosif-Kazimir Konstantinovitch Boudkevitch (еn russe : Иосиф-Казимир Константинович Будкевич) était un peintre et dessinateur ukrainien, né le 18 avril 1841 à Kiev. Connu pour ses scènes de bataille et ses paysages, Boudkevitch a étudié à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, où il a reçu plusieurs médailles pour ses œuvres. En 1873, il a obtenu le titre d'artiste de classe de 3e degré.
Boudkevitch a voyagé en Italie, en France, en Espagne et en Palestine pour perfectionner son art. À la fin des années 1870 et dans les années 1880, il a enseigné à l'école de dessin de Kiev, où son élève était Nikolaï Pimonenko. De 1887 à 1895, il a été membre de la Société des expositions d'art de Kiev.
Parmi ses œuvres célèbres figurent "Pèlerin près du mur du monastère" (1883) et "Jérusalem" (1894). Ces tableaux sont exposés au Musée russe de Kiev et à la Galerie d'art de Pskov. Son œuvre est très appréciée par les collectionneurs et les experts en art pour son unicité et la maîtrise de son exécution.
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Aleksandr Gavrilovitch Boudnikov (еn russe: Александр Гаврилович Будников) était un artiste soviétique ukrainien du XXe siècle. Il est connu comme peintre de batailles.
Pendant la Grande Guerre patriotique, Aleksandr Boudnikov a travaillé pour un journal de la ligne de front, a créé des affiches et des croquis des champs de bataille. Après la guerre, il étudie à l'Institut d'art de Kiev, puis devient enseignant et professeur dans cet établissement. L'artiste a travaillé dans le genre de la peinture de bataille, et a également été l'auteur d'une série de paysages de différents pays. Ses œuvres sont conservées dans des musées en Ukraine, en Russie et dans des collections privées en Europe, aux États-Unis et au Canada.
Vladimir Davidovitch Bourliouk (en russe: Владимир Давидович Бурлюк) était un artiste ukrainien de l'avant-garde, associé aux mouvements Néo-primitiviste et Cubo-Futuriste, ainsi qu'à l'illustration de livres dans l'empire russe. Né le 27 mars 1886, il est mort jeune, en 1917, pendant la Première Guerre mondiale, laissant derrière lui une œuvre rare et précieuse, très appréciée des connaisseurs de l'avant-garde. Sa contribution artistique a été significative malgré sa courte vie, s'inscrivant dans l'histoire de l'art comme une période brillante de l'avant-garde internationale. Son œuvre « Yellow Mountain », peinte vers 1913, témoigne de cette époque d'innovation, mêlant Cubisme, Rayonisme, et Futurisme, avec des éléments de l'art métaphysique de Wassily Kandinsky.
Bourliouk a également participé à des expositions radicales qui présentaient les dernières tendances artistiques en Russie et en Occident, comme l'exposition « Link » à Kiev, le premier Salon de Vladimir Izdebsky (1909-1910), « The Jack of Spades » (1910-1911), et l'exposition « Blaue Reiter » organisée par Kandinsky à Munich en 1911. Ces événements ont été cruciaux pour l'évolution de l'art moderne et pour la reconnaissance des contributions de Bourliouk à l'avant-garde.
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Lyudmila Davidovna Bourliouk-Kouznetsova (еn russe: Людмила Давидовна Бурлюк-Кузнецова) était une artiste russe, membre d'une famille profondément ancrée dans le paysage artistique du début du XXe siècle. Issue de la célèbre fratrie Bourliouk, Lyudmila a baigné dès son plus jeune âge dans un environnement où l'art et la culture étaient omniprésents. Sa contribution au monde de l'art, bien que moins documentée que celle de ses frères, demeure un témoignage précieux de l'ébullition créative de cette époque.
Elle s'est distinguée par son travail en peinture, explorant avec audace les courants avant-gardistes qui secouaient alors l'Europe et la Russie. Son style, influencé par le cubisme et le futurisme, témoigne de la recherche d'une nouvelle esthétique capable de capturer l'essence d'un monde en rapide mutation. Bien que les détails de ses œuvres soient difficiles à retracer, on sait qu'elle partageait avec ses frères une passion pour l'innovation artistique et la volonté de briser les conventions.
Lyudmila était également reconnue pour son engagement dans les cercles intellectuels et artistiques de son temps. Sa maison était un carrefour où se rencontraient écrivains, poètes, et artistes, contribuant ainsi à forger un milieu fertile pour l'avant-garde russe. Cette effervescence culturelle a indubitablement influencé son travail et celui de ses contemporains, en favorisant un dialogue créatif riche et diversifié.
Bien que les informations précises sur sa carrière et ses réalisations soient rares, l'héritage de Lyudmila Davidovna Bourliouk-Kouznetsova demeure inscrit dans l'histoire de l'art russe comme un symbole de la contribution féminine à l'avant-garde. Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, redécouvrir son œuvre constitue une opportunité de plonger dans une période clé de l'histoire artistique, marquée par l'expérimentation et le renouvellement des formes et des idées.
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Nikolaï Iakovlevitch Bout (еn russe: Николай Яковлевич Бут) était un artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, maître du genre de la bataille.
Nikolaï Bout a commencé à peindre dès son adolescence et s'est immédiatement intéressé à la représentation de batailles historiques. Tout au long de sa carrière d'artiste professionnel, il a vécu à Moscou et a passé les mois d'été à Kertch, d'où proviennent les sujets de nombre de ses peintures. Il a peint des portraits, des batailles, des peintures de genre et des paysages. Ses œuvres comprennent le cycle "Adzhimushkay. 1942", la série de peintures "Révolte nationale slovaque", "Marines héroïques" et d'autres œuvres.
Bout a été un artiste du Studio M.B. Grekov des artistes militaires à partir de 1958.
Ossip Emmanouïlovitch Braz (en russe: Осип Эммануилович Браз) était un peintre réaliste russe-juif, né le 16 janvier 1873 à Odessa et décédé le 6 novembre 1936 près de Paris. Il a commencé son éducation artistique à Odessa, puis a continué à Munich et Paris, où il a été influencé par la peinture européenne occidentale et les maîtres néerlandais. Braz est célèbre pour ses portraits d'artistes et de figures culturelles russes, notamment un portrait notable d'Anton Tchekhov en 1898. Son talent s'étendait également aux paysages, inspirés par ses voyages en France, en Crimée et en Finlande.
Braz a occupé le poste de conservateur au Musée de l'Ermitage et, après la révolution russe, a été arrêté sous de fausses accusations, passant trois ans dans le camp de prisonniers de Solovki. En 1928, il s'est installé à Paris, où il a continué à peindre, à commercer des antiquités et à collectionner. Ses œuvres comprennent des paysages, notamment de Bretagne, influencés par la peinture française, et ont été exposées lors d'expositions d'art russe à Berlin et Paris.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre d'Ossip Emmanouïlovitch Braz, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste. Cette inscription vous permettra de rester informé des dernières opportunités d'acquérir des œuvres de Braz.
Mikhail Vasilievitch Brianskiï (en russe: Михаил Васильевич Брянский) était un artiste russe de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste.
Mikhail Brianskiï a vécu à Kiev et à Saint-Pétersbourg. Il a peint principalement des "têtes de femmes", des portraits et des tableaux de genre, marqués par des traits d'académisme. Ses œuvres ont été publiées dans un certain nombre de magazines d'art et d'illustrations.
Isaak Izraïlevitch Brodsky (en russe: Исаак Израилевич Бродский) était un artiste peintre russe de renom, célèbre pour ses contributions significatives à l'art et à la culture de son pays. Né dans l'Empire russe, Brodsky s'est spécialisé dans les portraits et les scènes historiques, capturant l'essence de l'époque soviétique avec une précision et une sensibilité remarquables.
Brodsky se distingue par sa capacité à infuser ses œuvres d'un réalisme vivant, tout en y incorporant une profondeur émotionnelle qui parle au cœur des spectateurs. Sa maîtrise technique, couplée à son engagement envers les idéaux socialistes, lui a permis de devenir un pilier de l'art soviétique, contribuant à façonner l'identité visuelle de l'époque.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des portraits de figures clés de la Révolution russe, ainsi que des représentations de moments cruciaux de l'histoire soviétique. Ces peintures sont aujourd'hui exposées dans d'importants musées et galeries à travers la Russie, témoignant de leur valeur culturelle et historique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Brodsky offre un aperçu fascinant de la Russie soviétique, mêlant habilement art, histoire et politique. Son travail continue d'inspirer et d'intriguer, captivant ceux qui cherchent à comprendre la complexité de cette période à travers le prisme de l'art.
Inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Isaak Izraïlevitch Brodsky. Ne manquez pas l'occasion d'explorer davantage l'univers de cet artiste exceptionnel et de peut-être acquérir une pièce de l'histoire de l'art russe.
Adolphe Jean-Marie Mouron, plus connu sous le nom d'A. M. Cassandre, était un peintre, lithographe, maître de l'affiche publicitaire et dessinateur de caractères français. L'innovation des affiches de Cassandre a été remarquée par des artistes tels que Max Ernst et Pablo Picasso.
Cassandre a étudié à l'École des Beaux-Arts et à l'Académie Juliane. En 1936, ses œuvres sont exposées au Museum of Modern Art de New York dans le cadre d'une présentation pour Harper's Bazaar. L'artiste est alors invité par Alexey Brodovitch, directeur artistique du magazine, à collaborer avec Harper's Bazaar. Entre 1936 et 1939, Cassandre dessine plus de 40 couvertures surréalistes pour le magazine.
Il s'engage dans l'armée française au début de la Seconde Guerre mondiale. Après la capitulation de la France, le travail de son agence est réduit et Cassandre conçoit des décors, des accessoires et des costumes pour le théâtre. Après la guerre, il poursuit cette activité, tout en revenant occasionnellement à la peinture.
En 1963, Cassandre dessine le logo de la maison de couture Yves Saint Laurent.
Mikhail Andreïevitch Charonov (еn russe: Михаил Андреевич Шаронов) était un artiste russe, soviétique et ukrainien de la première moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
En tant qu'artiste, Mikhail Charonov a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de la nature morte et du genre historique. Il a également été professeur et recteur de l'Institut d'art de Kiev. Il a amassé une importante collection d'eaux-fortes de l'artiste espagnol Goya et a fait don de 60 feuilles de cette collection au musée Khanenko de Kiev en 1941.
Ivan Ivanovitch Cherinko (russe : Иван Иванович Черинько) était un artiste ukrainien soviétique , ouvrier d'art honoré de la RSS turkmène (1945). Président du conseil d'administration de l'Union des artistes du Turkménistan (1938, 1945-1948). Ivan Cherinko a déménagé à Achgabat en 1933, car après sa visite au Turkménistan, il a trouvé cette ville belle et pittoresque. Ivan Cherinko était l'un des artistes russes qui sont venus au Turkménistan et ont créé des œuvres d'art illustrant la nature et la culture de la république. Dans les années 1930, il fonde l'Union des artistes du Turkménistan et est l'un des fondateurs du Théâtre Rustaveli.
Alexandre Vassilievitch Chevtchenko (en russe: Александр Васильевич Шевченко) était un peintre et sculpteur ukrainien, né le 24 mai 1882 à Kharkiv, Ukraine, et décédé le 28 août 1948 à Moscou. Il est reconnu pour son rôle dans l'avant-garde russe, avec une influence notable dans les mouvements néo-primitiviste, rayonniste et cubo-futuriste. Dès son jeune âge, Chevtchenko étudie le dessin et les décors de théâtre, avant de poursuivre sa formation à Moscou et à Paris, où il fréquente des artistes comme Eugène Carrière et Michel Larionov.
Chevtchenko a contribué de manière significative au paysage artistique de l'époque, notamment à travers ses participations à des expositions clés telles que l'Union de la jeunesse à Saint-Pétersbourg et le Premier Salon de Moscou. Il a également pris part à l'exposition de la Queue d'âne et à celle de la Cible, où il a présenté ses œuvres rayonnistes. Outre son travail artistique, il a publié des textes théoriques importants sur le néo-primitivisme et le cubisme, marquant ainsi son engagement envers la théorie et la critique d'art.
Après la Révolution bolchévique, Chevtchenko intègre la section Arts plastiques à Moscou, dirigée par des figures emblématiques telles que Kandinsky et Tatline. Il a également été membre de la commission de conservation des valeurs artistiques et historiques. Son influence se prolonge dans l'éducation artistique, enseignant aux ateliers libres d'État, Vkhoutemas et Vkhouteïne, et contribuant à la création du musée de la Culture artistique à Moscou.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre et à l'héritage d'Alexandre Vassilievitch Chevtchenko, ses contributions à l'art moderne offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution de l'avant-garde russe et ses intersections avec les mouvements artistiques mondiaux de son époque. Sa vision et ses œuvres restent un témoignage de la richesse et de la complexité de l'art du début du XXe siècle.
Pour en savoir plus sur Alexandre Vassilievitch Chevtchenko et ses œuvres, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique.
Sergueï Fiodorovitch Chichko (еn russe : Сергей Фёдорович Шишко) était un peintre ukrainien soviétique, né en 1911 et décédé en 1997. Reconnu pour son talent dans le paysage et la nature morte, il a su captiver par son style réalisme socialiste. Chichko a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art par ses œuvres qui explorent la beauté et la complexité de l'Ukraine, notamment à travers sa série dédiée à Kiev. Ses tableaux, comme "Sur les pentes de Kiev" et "Babi Yar", témoignent d'une profonde connexion avec sa patrie. Ses œuvres se trouvent dans plusieurs musées d'art prestigieux, par exemple, le Musée d'art de Kharkiv et le Musée national d'art d'Ukraine, enrichissant ainsi le patrimoine culturel de son pays.
Chichko a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, dont l'Artiste du peuple de l'URSS en 1974, et a été honoré par des ordres importants comme l'Ordre de Lénine. Sa contribution à l'art ukrainien est également reconnue par des titres tels que l'Artiste du peuple de la RSS d'Ukraine et le Prix d'État de la RSS d'Ukraine du nom de T. G. Shevchenko pour son cycle de peintures "Kiev Suite".
Sa vie et son œuvre sont célébrées, une plaque commémorative ayant été dévoilée à Kiev, où il a vécu et travaillé pendant de nombreuses années. Chichko demeure une figure inspirante dans le domaine de la peinture, artiste et culture, illustrant la richesse de l'identité ukrainienne à travers ses toiles.
Pour ceux qui s'intéressent à découvrir ou à approfondir leur connaissance de l'œuvre de Sergueï Fiodorovitch Chichko, s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable est une opportunité à ne pas manquer.
Romuald Chojnacki était un artiste russe d'origine polonaise du milieu du XIXe siècle. Il est connu comme peintre et professeur.
Romuald Chojnacki était un adepte de l'école italienne de peinture. Il travaillait principalement dans les genres du portrait et de la peinture religieuse. Au début de sa carrière, il a également peint l'histoire, revenant à ce genre peu avant sa mort.
Le maître fut l'un des fondateurs de l'école de dessin d'Odessa. Parmi ses élèves figurait le célèbre artiste polonais Stanisław Chlebowski.
Ivan Nikolaïevitch Choulga (en russe: Иван Николаевич Шульга) était un artiste ukrainien, russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est reconnu comme un maître de la peinture et du dessin et comme un enseignant. Son nom figure dans le "Unified Art Rating of the 10,000 Best Artists in the World" et dans la liste des 100 artistes les plus remarquables d'Ukraine.
Ivan Choulga a travaillé dans différents genres : il a peint des portraits, des tableaux de genre, des paysages (maritimes, paysagers, architecturaux, industriels), des natures mortes, des panneaux, des dessins pour des cartes postales d'art et des affiches politiques. Son héritage artistique comprend également des images dans le genre du nu et du genre historique. Il a également illustré des magazines et des livres, et conçu des décors de théâtre.
Choulga a travaillé à l'aquarelle, au crayon, à la gouache, à l'encre et à la sanguine, au pastel, à l'huile et à la détrempe.
Alexeï Chovkounenko (еn russe : Алексей Алексеевич Шовкуненко) — un éminent artiste-peintre et pédagogue soviétique et ukrainien, né à Kherson, qui est devenu académicien de l'AH de l'URSS en 1947 et Artiste du Peuple de l'URSS en 1944. Son éducation a inclus des études à l'École d'art Grekov d'Odessa et à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, ce qui lui a permis de contribuer significativement au développement de l'art.
Chovkounenko est connu pour ses portraits de figures culturelles éminentes d'Ukraine et de paysages reflétant la beauté des terres ukrainiennes, ainsi que de Moscou et d'autres lieux. Parmi ses œuvres les plus célèbres figure le portrait d'Alla Orbinskaïa. Son talent et sa maîtrise ont été reconnus par de nombreuses récompenses, dont l'Ordre de Lénine, trois Ordres du Drapeau Rouge du Travail, la Médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris en 1937, et la Grande médaille d'argent à l'Exposition universelle de Bruxelles en 1958.
Alexeï Chovkounenko a également laissé un héritage significatif en tant que pédagogue, enseignant à l'Institut polytechnique d'art d'Odessa et à l'Institut d'art de Kiev, où de nombreux artistes éminents ont été ses élèves. Sa contribution à l'art et à l'éducation a été honorée par le nom du Musée d'art de Kherson portant son nom, ainsi que des rues à Kherson, Odessa et Kiev.
Nous invitons tous ceux qui s'intéressent à l'art et à l'histoire des grands artistes à s'inscrire pour recevoir des mises à jour liées à Alexeï Alexeïevitch Chovkounenko. C'est une occasion unique d'en savoir plus sur son œuvre et sa contribution à la culture. L'abonnement vous fournira des informations sur les nouvelles ventes d'œuvres et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel.
Vladimir Iakovlevitch Chtcherban (еn russe: Владимир Яковлевич Щербань) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre.
Vladimir Chtcherban a combattu sur le front de Stalingrad pendant la Grande Guerre patriotique et a reçu sa formation artistique à l'atelier d'art de la ville de Moscou pour les invalides de guerre. Son art est largement consacré à des thèmes historico-révolutionnaires et militaires. L'artiste a également effectué des voyages créatifs dans différentes régions, qui l'ont inspiré pour créer une série de peintures de genre, de portraits et de paysages.
David Petrovitch Chterenberg (en russe: Давид Петрович Штеренберг) était un artiste russe d'origine ukrainienne, né à Zhitomir et reconnu pour son influence significative dans le monde de l'art au début du XXe siècle. Après avoir étudié l'art à Odessa, Chterenberg a déménagé à Paris en 1906, où il a été influencé par des figures majeures telles que Paul Cézanne et s'est immergé dans le mouvement cubiste. Sa période parisienne lui a permis de côtoyer des artistes tels que Léger et Apollinaire, et il a exposé au Salon d'Automne ainsi qu'au Salon des Indépendants entre 1912 et 1917.
À la suite de la Révolution d'Octobre de 1917, Chterenberg retourna en Russie où il fut rapidement impliqué dans la politique culturelle soviétique, grâce à son lien avec Lunacharsky, le Commissaire du Peuple responsable de la culture. Il fut nommé Commissaire pour les Affaires Artistiques et devint chef du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple pour l'Éducation, jouant un rôle clé dans le soutien des avant-gardes artistiques tout en défendant la valeur de l'art de chevalet.
Chterenberg a également pris part à la fondation de l'association d'art OST et a enseigné à l'École d'art et technique supérieure de Moscou (VKhUTEMAS). Son œuvre est caractérisée par une expressivité aiguisée et une composition laconique, souvent centrée sur des natures mortes à la construction spatiale plane. Malgré une reconnaissance initiale, son style indépendant a progressivement perdu la faveur des autorités soviétiques, et son travail a été moins visible publiquement après les années 1930. À sa mort en 1948, il était largement oublié, bien que son travail soit aujourd'hui exposé dans de prestigieuses galeries et musées à Moscou, Saint-Pétersbourg, et Ekaterinburg.
Pour ceux intéressés par l'art, notamment les collectionneurs, l'œuvre de Chterenberg offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne à travers le prisme de l'expérience russo-soviétique. Son engagement envers les mouvements artistiques avant-gardistes et sa capacité à naviguer dans les complexités de la politique culturelle soviétique révèlent l'importance de son héritage dans l'histoire de l'art du XXe siècle.
Pour rester informé des ventes aux enchères et des événements liés à David Petrovitch Chterenberg, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à cet artiste.
Olga Della-Vos-Kardovskaïa (en russe: Ольга Людвиговна Делла-Вос-Кардовская) était une peintre et graphiste d'origine russe et soviétique, réputée pour son travail au sein de l'âge d'argent de l'art russe. Née le 2 septembre 1875 à Tchernihiv, dans l'Empire russe, et décédée le 9 août 1952 à Saint-Pétersbourg, URSS, Olga a marqué la culture artistique par son talent exceptionnel dans la peinture de portraits, influencée par le symbolisme et l'Art nouveau. Son éducation artistique a débuté à l'école Schreider à Kharkov, puis à l'Académie d'art et d'industrie Stroganov de Moscou, et s'est poursuivie à Munich à l'école Anton Ažbe jusqu'en 1900.
Olga Della-Vos-Kardovskaïa a participé à diverses expositions importantes, notamment à l'Union des peintres russes, à la société Jar-tsvet, et ses œuvres ont été exposées dans des lieux prestigieux comme la Galerie Tretiakov et le Musée russe. Elle a également été très active dans le domaine de l'illustration de livres, contribuant à enrichir la littérature avec ses visuels captivants.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve des portraits marquants comme celui du poète Nikolaï Goumilev (1909), de sa propre fille (Petite jeune-fille, 1910), d'Anna Akhmatova (1914), et un autoportrait avec Dmitri Kardovski (1913), son époux et collaborateur artistique. Ces créations illustrent non seulement son habileté technique mais aussi son aptitude à capturer l'essence intime de ses sujets.
Sa contribution à l'art ne s'est pas arrêtée à ses peintures; elle a aussi occupé un rôle important dans la direction de classes de dessin à Moscou, et ses travaux ont été reconnus internationalement, avec des expositions jusqu'à New York. Après sa mort, une exposition commémorative lui a été consacrée à l'Académie des beaux-arts de l'URSS, témoignant de l'impact durable de son art.
Pour ceux passionnés par la peinture, l'histoire de l'art et le symbolisme, Olga Della-Vos-Kardovskaïa reste une figure inspirante. Son parcours illustre la persévérance et l'innovation au sein de l'art russe et soviétique. Pour rester informé sur les ventes et les événements d'enchères liés à son œuvre, inscrivez-vous aux mises à jour spécifiques à Olga Della-Vos-Kardovskaïa. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres disponibles et de participer aux événements d'enchères dédiés à son art exceptionnel.
Mikhaïl Gordeïevitch Deregous (еn russe : Михаил Гордеевич Дерегус), un éminent artiste soviétique et ukrainien spécialisé dans le graphisme et la peinture, est né le 5 décembre 1904 dans le village de Vesëloe, région de Kharkiv. Il a reçu son éducation à l'Institut d'art de Kharkiv, où il a été formé par M. Sharonov, S. Prokhorov, O. Kokel, N. Burachek. Deregous est connu comme un pédagogue talentueux et un actif participant à la vie culturelle, ayant reçu de nombreuses récompenses et titres, y compris celui d'Artiste du Peuple de l'URSS.
Deregous a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art, ses illustrations pour les œuvres de N. Gogol, T. Chevtchenko, L. Ukrainka, M. Vovtchok, ainsi que les dumas ukrainiennes et les chansons historiques étant particulièrement appréciées. Ses œuvres se distinguent par leur lyrisme, intimité et romantisme, ce qui est particulièrement évident dans ses illustrations pour le roman "Guerre et Paix" de L. Tolstoï.
En plus des illustrations, Mikhaïl Gordeïevitch a créé de nombreuses œuvres de peinture importantes, telles que "La fête collective", "La tragédie de Tripolie", "Le conseil de Pereïaslav", ainsi que des séries de peintures dédiées à la steppe ukrainienne et aux héros populaires.
Les œuvres de Deregous sont présentes dans les collections de nombreux musées en Ukraine, en Russie et dans d'autres pays, et ont été exposées dans plus de cent vingt expositions d'art à travers le monde.
Si vous êtes collectionneur ou expert dans le domaine de l'art et des antiquités, nous vous invitons à vous abonner à nos mises à jour afin de ne pas manquer les informations sur les ventes et les enchères liées à l'œuvre de Mikhaïl Gordeïevitch Deregous.
Grigoriï Kononovitch Diadtchenko (en russe : Григорий Кононович Дядченко) était un peintre ukrainien du réalisme, né le 7 octobre 1869 à Kyryliwka. Il a étudié à la Kiewer Zeichenschule et à l'Académie impériale des arts à Saint-Pétersbourg, avant de devenir enseignant à Kiev.
Ses œuvres, telles que "Le Portrait de Fille" de 1892, sont admirées pour leur finesse et sont exposées dans des musées prestigieux comme le Musée national d'art de l'Ukraine et le Musée d'art de Poltava. Diadtchenko a également contribué à l'enseignement artistique à Kiev, influençant de nombreux jeunes artistes.
Sa maison, le "Château Richard Cœur de Lion" à Kiev, reste un témoignage de son héritage. Diadtchenko est décédé en 1921, laissant derrière lui un patrimoine artistique riche.
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Vladimir Nikolaevitch Domogatskiï (еn russe: Владимир Николаевич Домогацкий) était un artiste et sculpteur russe, reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine de la sculpture au début du XXe siècle. Né à Odessa en 1876 et décédé à Moscou en 1939, Domogatskiï a passé son enfance entre la Suisse et l'Ukraine avant de lier définitivement sa vie à Moscou dès son adolescence. Il a obtenu un diplôme en droit de l'Université de Moscou, mais sa passion pour la sculpture l'a conduit à prendre des leçons privées avec S. M. Volnukhin et à étudier les œuvres de maîtres tels que P. P. Trubetskoy, Auguste Rodin, et le peintre animalier R. Bugatti.
Domogatskiï a participé à des expositions dès 1904 et a été l'un des organisateurs ainsi que membre de l'ORS (1926-1931), enseignant par la suite à l'Institut artistique d'État. Il a été honoré comme travailleur artistique émérite de la RSFSR en 1937. Son œuvre comprend des portraits sculpturaux, des statuettes en bronze et en plâtre, ainsi que des projets de monuments et de pierres tombales. Ses sculptures, telles que "Garçon en fourrure" (1904), "Vieille femme" (1906), et des portraits de figures culturelles comme Léon Tolstoï, Lénine, et Maxime Gorki, témoignent de son habileté à fusionner les influences russes et européennes en créations uniques et expressives.
Domogatskiï est également reconnu pour avoir exploré divers matériaux, notamment le marbre, et pour ses contributions pédagogiques en tant que professeur et influençant les générations futures d'artistes russes. Sa capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une profondeur émotionnelle et technique est un testament à son talent et à son impact durable sur l'art de la sculpture.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Domogatskiï offre un aperçu fascinant de l'évolution de la sculpture russe au début du XXe siècle, marquant une période de transition stylistique et idéologique. Ses travaux sont un mélange riche de tradition et de modernité, capturant l'esprit d'une époque en pleine mutation.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Vladimir Nikolaevitch Domogatskiï, garantissant ainsi que vous ne manquerez aucune opportunité de découvrir davantage son héritage artistique.
Boris Efimov (en russe : Борис Ефимович Ефимов), était un caricaturiste politique soviétique, russe, réputé pour ses caricatures politiques critiques d'Adolf Hitler et d'autres nazis produites avant et pendant la Seconde Guerre mondiale. Né le 11 octobre 1900 et décédé le 1er octobre 2008, Efimov a survécu à plusieurs régimes, du Tsar à la Politburo, et a vécu à travers des moments significatifs de l'histoire russe, y compris la révolution russe et les deux guerres mondiales. Il a produit plus de trente mille images de propagande au cours de sa carrière, ciblant principalement les ennemis idéologiques de l'Union soviétique tels que le capitalisme, l'Occident et la bourgeoisie. Malgré les controverses et les défis, y compris la perte tragique de son frère sous le régime stalinien, Efimov est resté une figure emblématique de la caricature politique soviétique.
Son travail durant la Seconde Guerre mondiale, en particulier, a marqué l'effort de guerre soviétique, avec des caricatures anti-Hitler qui ont irrité le leader nazi lui-même. Efimov a également été chargé de produire des œuvres favorables au Pacte Nazi-Soviétique avant l'opération Barbarossa, et, après la guerre, ses caricatures ont ciblé les puissances occidentales pendant le début de la Guerre Froide. Ses contributions ont été reconnues par des prix prestigieux, y compris les prix Staline en 1950 et 1951, et il a été nommé Peintre du peuple de l'URSS en 1967. Efimov a également servi en tant que chef du département de la propagande politique de l'Académie russe des arts à partir de 2002 jusqu'à la fin de sa vie.
Pour ceux intéressés par l'art, l'histoire et la culture soviétique, l'œuvre de Boris Efimov offre un aperçu unique de cette période grâce à l'objectif de la satire et de la caricature. Son travail continue d'être une ressource précieuse pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
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Alexandra Alexandrovna Exter (en russe: Александра Александровна Экстер), née le 6 janvier 1882 à Bialystok (aujourd'hui Bialystok, Pologne) et morte le 17 mars 1949 à Fontenay-aux-Roses, France, est une artiste russo-française de stature internationale qui a vécu entre Kiev, Saint-Pétersbourg, Moscou, Vienne et Paris. Par ses réalisations artistiques, elle a grandement contribué au renforcement des liens culturels entre la Russie et l'Europe et a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe.
Ekster a eu une influence particulière sur les mouvements suprématistes et constructivistes et a été une figure majeure du mouvement Art déco. Son style se caractérise par une approche expérimentale, combinant différentes influences culturelles pour créer un style original. Entre 1915 et 1916, elle a travaillé dans des coopératives d'artisanat paysan, a fondé un atelier de formation et de production à Kiev et a été l'un des principaux scénographes du théâtre de chambre d'Alexandre Taïrov.
Ses peintures sont connues pour leur dynamisme, le jeu des couleurs vives et des compositions à la fois ludiques et théâtrales, incorporant des éléments géométriques qui soulignent le désir de dynamisme et de contrastes vifs. Ses créations de costumes, notamment pour le ballet et le cinéma, reflètent la même attention à la couleur, au mouvement et à la structure géométrique qui lui a valu une réputation de créatrice d'avant-garde dans de nombreux domaines.
Exter a également eu une influence significative sur la conception des décors et des costumes, en expérimentant la transparence, le mouvement et l'éclat des tissus. Ses décors de théâtre utilisaient des dimensions multicolores et expérimentaient des structures spatiales, poursuivant ces tendances expérimentales dans ses dernières créations de marionnettes.
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Arthur (Usher) Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, est un photographe et photo-journaliste américain célèbre pour ses photographies en noir et blanc de la vie nocturne, tout particulièrement celle de sa ville de prédilection, New York.
Stepan Ivanovitch Floreskou (еn russe: Степан Иванович Флореску) était un artiste soviétique et moldave de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et inventeur qui a résolu des problèmes artistiques complexes en utilisant la méthodologie de la théorie de la résolution inventive des problèmes.
Stepan Floreskou a commencé l'art à un jeune âge et s'est efforcé de développer non seulement ses connaissances, mais aussi ses compétences en tant que portraitiste, en explorant les aspects complexes de la nature humaine. Son travail englobe différents genres, notamment des compositions thématiques, des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que l'utilisation d'une variété de méthodes artistiques et techniques pour créer des images expressives.
Au cours de sa carrière, le maître a réalisé plus de 10 000 croquis, esquisses et croquis, environ 250 œuvres graphiques, plus de 390 compositions picturales et deux projets sculpturaux.
Albin Stanislavovitch Gavdzinskiï (еn russe: Альбин Станиславович Гавдзинский) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, célèbre pour ses paysages, ses peintures de genre et ses portraits.
Au début des années 1950, Albin Gavdzinskiï a organisé ses premières expositions personnelles à Odessa, Kiev et Kharkov et a montré sa brillante personnalité artistique. L'artiste se distingue par son efficacité et sa précision exceptionnelles dans la représentation, qui se manifestent dans ses formes claires et ses couleurs vives. En 1961, il a été nommé citoyen d'honneur de la ville de Novaya Kakhovka, et ses œuvres (237 toiles) ont servi de base à la création de la galerie d'art de la ville, qui a été baptisée de son nom en 2003.
Grigoriï Ivanovitch Gavrilenko (еn russe: Григорий Иванович Гавриленко) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme graphiste et illustrateur, représentant de l'avant-garde ukrainienne et artiste des années soixante.
Grigoriï Gavrilenko est devenu célèbre pour ses œuvres graphiques, notamment ses paysages et ses portraits. Son travail comprend une variété de techniques et de styles, des croquis rapides aux dessins-formules laconiques. Le maître a également conçu et illustré de nombreux livres, y compris des contes populaires. Au cours des dernières années de sa vie, il a beaucoup travaillé sur des linogravures en couleur, créant des estampes et des illustrations.
Nikolaï Nikolaïévitch Gay (en russe: Николай Николаевич Ге) était un artiste peintre russe, dont l'œuvre a marqué le XIXe siècle par son intensité et son engagement. Né dans une époque de grands bouleversements sociaux et culturels, Gay s'est distingué par sa capacité à capturer l'essence de la condition humaine, faisant de lui une figure emblématique de la culture et de l'art russes.
Son art se caractérise par une exploration profonde des thèmes religieux et historiques, avec une tendance marquée vers le réalisme. Gay était connu pour sa maîtrise technique et sa capacité à transmettre des émotions puissantes à travers ses œuvres. Parmi ses tableaux les plus célèbres, on compte des représentations saisissantes de figures bibliques et historiques, qui continuent d'inspirer admiration et réflexion.
Les contributions de Nikolaï Nikolaïévitch Gay à l'art ne se limitent pas à ses peintures. Il a également joué un rôle crucial dans le développement de l'enseignement artistique en Russie, influençant des générations de peintres. Ses œuvres sont aujourd'hui exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de leur importance durable dans l'histoire de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'héritage de Gay représente une source inépuisable d'inspiration et de connaissance. Son travail reste un exemple brillant de l'artiste en tant que témoin et critique de son temps, combinant beauté esthétique et profondeur intellectuelle.
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