Art de genre Surréalisme
Angelo Accardi est un artiste italien contemporain. Il a grandi entouré d'art moderne et traditionnel. Bien qu'il ait étudié les beaux-arts à l'Académie des beaux-arts de Naples, il n'a jamais terminé sa formation. Angelo Accardi illustre des visions surréalistes de la vie quotidienne sous des décors réalistes de paysages urbains et naturels. Il n'y a jamais un seul sens, mais toute une histoire derrière chaque tableau. Ironique, saisissant et ludique, la perspective unique et le style avant-gardiste d'Accardi sont le résultat de ses diverses inspirations.
Manuel Álvarez Bravo était un photographe visionnaire mexicain dont l'œuvre illustre de manière saisissante l'héritage culturel de l'Amérique latine. Son point de vue unique sur la vie et ses superbes compétences photographiques ont inspiré des générations de photographes dans le monde entier.
Alvarez Bravo était connu pour ses expérimentations sur la lumière et les ombres, la composition et la forme. Ses photographies surréalistes sont souvent empreintes de mystère et d'énigme, tout en reflétant les difficultés et les contradictions de la société mexicaine de la première moitié du XXe siècle.
L'œuvre d'Alvarez Bravo associe merveilleusement la beauté esthétique à un contexte social profond. Son œuvre n'est pas seulement une source d'inspiration par sa beauté, mais aussi un rappel de l'importance de la préservation du patrimoine culturel et de l'histoire des peuples.
Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo (еn russe : Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло) était un artiste russe, connu pour sa contribution au mouvement constructiviste et à l'avant-garde russe. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est fait remarquer par son talent exceptionnel en peinture et en scénographie.
Andrienko-Netchitaïlo a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg avant de s'établir à Paris, où il a intégré des éléments cubistes et abstraits dans son travail. Ses œuvres se distinguent par l'utilisation innovante des formes géométriques et des couleurs vives, caractéristiques du constructivisme.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures exposées au Musée national d'art moderne à Paris et dans plusieurs collections privées à travers le monde. Sa contribution à l'art de la scénographie a également marqué l'histoire du théâtre, notamment avec ses décors pour des ballets et des opéras.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo reste une figure incontournable. Abonnez-vous à notre newsletter pour être informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères concernant ses œuvres.
Dorothee Bachem est une artiste et écrivaine d'origine allemande qui dirige un atelier à Flensburg.
Elle a étudié l'art à l'université des arts de Berlin et travaille avec différentes techniques - peinture multicouche, collage, gravure.
Avec sa poétique unique, Bachem crée des histoires en images surréalistes, oniriques et intemporelles dans lesquelles on peut lire l'influence de Picasso et du cubisme.
Bele Bachem (de son vrai nom Renate Gabriele Bachem) était une peintre, graphiste, illustratrice de livres, décoratrice d'intérieur et écrivaine allemande. En 1997, Bachem a reçu l'Ordre du mérite de la République fédérale d'Allemagne.
Bachem est considéré comme l'un des artistes allemands les plus importants d'après-guerre et l'un des rares surréalistes de l'illustration de la littérature allemande.
Tilo Baumgärtel est un artiste allemand qui vit et travaille à Leipzig.
Ses peintures remontent aux œuvres du réalisme social et aux affiches de propagande de grand format. L'artiste travaille avec différents supports et techniques. Outre la peinture, il utilise également la lithographie, les dessins sur papier et la vidéo. L'espace pictural et la création de paysages parfois surréalistes sont l'un de ses thèmes centraux.
Tilo Baumgärtel travaille également avec des théâtres, développant des décors et des vidéos sur la scénographie.
Hans-Ulrich Buchwald était un peintre, graphiste, céramiste, scénographe et fabricant de masques allemand. L'ensemble de son œuvre comprend environ 10 000 dessins, gravures sur bois et linogravures, peintures, céramiques, sculptures en bois et masques. Elle se caractérise par une grande diversité de formes d'expression artistique. Buchwald se sentait lié au modernisme classique, qu'il n'a toutefois connu qu'après la guerre. Il s'est inspiré de George Grosz, Pablo Picasso, Edvard Munch, August Macke, Franz Marc, Oskar Schlemmer, Fernand Léger, mais a cherché à créer son propre style dans divers domaines.
Edward John Burra est un peintre, dessinateur et graveur anglais, connu pour ses représentations de la pègre urbaine, de la culture noire et des scènes du Harlem des années 1930. Parfois comparée a George Grosz, son œuvre évolue ensuite vers une thématique fantastique (figures de squelettes, d'homme-oiseau), qui le rapproche du surréalisme.
Marc Chagall (en russe : Марк Захарович Шагал), né Moïche Chagal en 1887 à Liozna, Biélorussie, et décédé en 1985 à Saint-Paul-de-Vence, France, est un peintre et graveur qui s'est naturalisé français en 1937. Artiste inclassable, Chagall a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art, ne se rattachant à aucune école précise mais influençant les mouvements surréalistes et néo-primitivistes grâce à une œuvre profondément ancrée dans la tradition juive, la vie du shtetl et le folklore russe. Sa contribution artistique s'étend au-delà de la peinture sur toile pour embrasser la gravure, la sculpture, la céramique, la poésie, et même l'art du vitrail, illustrant sa capacité à transposer sa vision unique à travers divers médiums.
Le début de sa carrière artistique est marqué par son premier voyage à Paris en 1911, où il intègre rapidement l'avant-garde, se familiarisant avec le fauvisme et le cubisme et établissant des amitiés avec des artistes et écrivains de l'École de Paris. Ses premières œuvres majeures sont exposées au Salon des Indépendants et sa première exposition personnelle a lieu à Berlin en 1914. Cette période est cruciale pour le développement de son style unique, mêlant réalité psychique et modernisme.
Chagall est également reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine du vitrail, ayant créé des œuvres pour les cathédrales de Reims et Metz, pour l'ONU, ainsi que les fenêtres de Jérusalem en Israël. Ses réalisations incluent également des peintures à grande échelle, telles que celles réalisées pour le plafond de l'Opéra de Paris, témoignant de sa maîtrise de la couleur et de sa capacité à évoquer l'émotion à travers ses œuvres.
Le Musée National Marc Chagall à Nice, inauguré en 1973 avec le soutien d'André Malraux, est dédié à ses œuvres inspirées par la religion, notamment une série de peintures illustrant le message biblique. Ce musée témoigne de l'importance de Chagall dans l'art du XXe siècle, abritant l'une des plus grandes collections de ses œuvres sur le thème religieux et spirituel.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Marc Chagall offre une plongée dans un univers où se mêlent rêve, tradition, et innovation artistique. Son approche multidisciplinaire et sa capacité à transmettre une vision profondément humaine et universelle à travers son art restent une source d'inspiration inépuisable.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Marc Chagall. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste exceptionnel.
Dacha Chichkina (en russe : Даша Шишкина) est une artiste américaine originaire de Russie.
Elle a étudié à la Parsons School of Design et s'est fait connaître pour ses compositions à grande échelle en mylar, peuplées de personnages comiques et grotesques dans des scènes psychédéliques. Dans les peintures de Chichkina, des femmes élégamment vêtues au visage vide sont assises les jambes croisées, debout derrière des comptoirs, discutant entre elles comme à un bal, ou contemplant seules, s'attardant dans des poses érotiques comme si elles se transformaient l'une en l'autre. Tout cela ressemble à un étrange rêve surréaliste, subtilement sexuel et violent, qui donne à réfléchir, à la fois irritant et apaisant.
Dacha Chichkina travaille à l'acrylique, à la gouache, au pastel, au crayon, au graphite et à l'encre, et réalise également des gravures à l'eau-forte. Ses dessins sont souvent imprimés sur les deux faces d'un film polyester Mylar transparent.
Gregory Crewdson est un photographe américain. Aujourd’hui, il vit et travaille à New York où il dispose d'un studio.
Il réalise des tableaux photographiques de grand format sur l’envers du rêve américain en photographiant des scènes sur les foyers et les quartiers américains.
Salvador Dalí était un artiste espagnol révolutionnaire, célèbre pour ses contributions au surréalisme. Né à Figueres en Catalogne, Dalí a été formé aux Beaux-Arts à Madrid. Dès son jeune âge, il a été influencé par l'impressionnisme et les maîtres de la Renaissance, se tournant progressivement vers le cubisme et les mouvements d'avant-garde. Il a rejoint le groupe surréaliste en 1929, devenant rapidement l'un de ses principaux représentants.
Son œuvre la plus connue, "La Persistance de la Mémoire" réalisée en 1931, est l'un des tableaux surréalistes les plus célèbres. Vivant en France pendant la Guerre Civile espagnole, Dalí s'est ensuite rendu aux États-Unis où il a connu un succès commercial, avant de retourner en Espagne en 1948. Ses œuvres ont exploré des thèmes comme les rêves, le subconscient, la sexualité, la religion et la science, souvent marquées par un comportement public excentrique.
Dalí était aussi connu pour son "mysticisme nucléaire", un style développé après son retour au catholicisme, mêlant classicisme, mysticisme et découvertes scientifiques récentes. Ses talents s'étendaient à la peinture, aux arts graphiques, au cinéma, à la sculpture, au design et à la photographie, collaborant souvent avec d'autres artistes.
Deux musées majeurs sont dédiés à son travail : le Théâtre-Musée Dalí à Figueres en Espagne, et le Musée Salvador Dalí à St. Petersburg en Floride, USA. Ses œuvres sont également exposées dans des institutions de renom comme le Musée National Centro de Arte Reina Sofía à Madrid et le Museum of Modern Art à New York.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'héritage de Dalí reste une source inépuisable de fascination. Son approche unique de l'art, alliant compétences techniques, imagination débordante et un sens aigu de l'extravagance, continue d'inspirer et d'intriguer.
Si vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Salvador Dalí, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous tiendra au courant des dernières actualités et opportunités uniques liées à ce maître incontesté de l'art surréaliste.
Marcel Duchamp était un artiste français révolutionnaire, reconnu pour ses contributions significatives à l'art et à la culture. Spécialisé en peinture et en sculpture, il est surtout célèbre pour avoir remis en question les conventions de l'art avec ses œuvres d'art ready-made, qui ont profondément influencé le développement de l'art du 20e siècle.
Né en 1887, Duchamp s'est rapidement éloigné des styles traditionnels de peinture pour explorer des idées plus conceptuelles. Son œuvre la plus connue, "La Fontaine" (1917), un urinoir signé R. Mutt, a changé la perception de ce qui peut être considéré comme de l'art, introduisant l'idée que le choix de l'artiste confère à un objet sa signification artistique. Cette pièce reste un pilier de l'art moderne et est un exemple précoce de ce que nous appelons aujourd'hui l'art conceptuel.
Duchamp est également connu pour ses contributions au mouvement Dada, qui remettait en question les normes et les conventions de l'art et de la société à travers des œuvres provocatrices et avant-gardistes. Ses idées et son approche ont ouvert la voie à de nombreux mouvements artistiques qui ont suivi, y compris le surréalisme et le pop art.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde, notamment au Musée d'Art Moderne de New York et au Centre Pompidou à Paris. Pour ceux qui sont passionnés par l'art et souhaitent découvrir les œuvres qui ont défié et redéfini l'art du 20e siècle, Marcel Duchamp demeure une figure incontournable.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Marcel Duchamp. Cette souscription est une excellente manière de rester informé des opportunités uniques liées à cet artiste emblématique.
Erro, de son vrai nom Guðmundur Guðmundsson, est un peintre islandais contemporain.
Erro a étudié la peinture aux académies d'art de Reykjavik et d'Oslo entre 1952 et 1954. Il s'installe ensuite en Italie, où il étudie l'art de la mosaïque à Florence et à Ravenne jusqu'en 1958.
Erro a participé à la Biennale de Venise en 1986. En 1989, il a fait don d'une grande partie de ses œuvres au musée d'art de Reykjavik.
Le style des peintures créées par Erro se situe à la frontière entre le surréalisme et le pop art. Le thème principal de ses peintures est la représentation de la civilisation moderne, de sa perfection technique et de son inhumanité. Il utilise également des techniques de bande dessinée et des thèmes de science-fiction dans son travail.
Domenico Gnoli est un peintre, illustrateur et scénographe italien.
Après une carrière d'illustrateur et de scènographe pour les théâtres italiens, londoniens ou parisiens, Domenico Gnoli parvient vers 1964 à la manière et au répertoire qui ont fait sa renommée. Parfois rapprochée du Pop art pour sa thématique ou de l'hyperréalisme pour le rendu des détails en vue rapprochée, son œuvre atypique à la technique parfois archaïsante s'en distingue toutefois par un dessin épuré et précis, des teintes douces et rompues conférant aux objets quotidiens détachés de leur contexte ou de leur fonction (fils de tissu, chaussures, cravate, fruit, collier, cheveux) une dimension poétique et mystérieuse, proche de l'abstraction et de la peinture métaphysique.
Rob Gonsalves était un peintre canadien, né le 25 juin 1959 à Toronto et décédé le 14 juin 2017. Il est reconnu pour son appartenance au courant artistique du réalisme magique, s'inspirant notamment des œuvres de M. C. Escher. Gonsalves a remporté le prix du Gouverneur général en 2005 dans la catégorie littérature pour enfants, illustration pour son œuvre "Imagine a Day". En plus de sa carrière en peinture, il était également un guitariste accompli.
Ses œuvres se caractérisent par un mélange de réalité et de magie, définies sous le style de "Magic Realism". Gonsalves lui-même voyait la création artistique comme une quête de ce point de vue où la magie et l'émerveillement de la vie apparaissent comme une vérité essentielle souvent obscurcie. Inspiré par l'architecture de Toronto et de New York ainsi que par le paysage de l'Ontario oriental, il a su créer un univers unique où les perspectives et les échelles jouent entre réalité et imagination.
Au cours de sa carrière, Gonsalves a exposé dans de nombreuses galeries et événements, y compris à l'Art Expo New York, Los Angeles, et a publié plusieurs livres illustrés dont "Imagine a Night", "Imagine A Day" (pour lequel il a reçu le prix du Gouverneur général), "Imagine a Place", et "Imagine a World". Malheureusement, sa collection d'œuvres est largement indisponible à l'achat aujourd'hui, bien que certaines reproductions d'art fin soient encore disponibles via des galeries sélectionnées, comme la Marcus Ashley Gallery.
Pour ceux qui s'intéressent à la collection ou à l'exploration plus approfondie du travail de Rob Gonsalves, il est recommandé de visiter des galeries qui détiennent ses œuvres ou de rechercher des livres et reproductions disponibles. Son travail continue d'inspirer et de fasciner, offrant une perspective unique sur la réalité entrelacée avec le fantastique.
Si vous êtes collectionneur ou simplement passionné par l'art de Rob Gonsalves, je vous encourage à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre. Cette inscription vous permettra de rester informé sur les opportunités d'acquérir ou de découvrir davantage sur le réalisme magique de Gonsalves.
Uwe Henneken est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin.
Il a commencé ses études à l'Académie nationale des beaux-arts de Karlsruhe et les a terminées à l'Université des arts de Berlin. Dans ses peintures et sculptures grotesques, amusantes et féeriques, l'artiste transporte le spectateur dans des mondes étranges. Les paysages aux couleurs vives, comme dans un rêve surréaliste, sont particulièrement impressionnants. Dans ces décors psychédéliques évoluent des personnages inimaginables dans la réalité, tantôt comiques et caricaturaux, tantôt tragiques, et parfois les deux à la fois.
Henneken a passé sa vie à étudier le thème du chamanisme et pense que le chaman est le prototype de l'artiste et que, par conséquent, l'artiste contemporain est directement lié à son ancêtre professionnel. En promouvant l'idée d'autres mondes, l'artiste fait entrer la magie dans la vie réelle par le biais du réalisme magique.
Aris Kalaizis est un artiste allemand d'origine grecque. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Leipzig.
Aris Kalaizis a acquis une reconnaissance internationale après avoir participé à la Biennale de Venise 2010 (Mostra Internazionale di Architettura) et à la 4e Triennale de Guangzhou, en Chine, en 2011.
Calaisis crée ses œuvres en assemblant des compositions spatiales élaborées et en construisant des scènes à grande échelle sur le site d'une action imaginaire. Au cours de ce processus, il prend une série de photographies préparatoires à partir desquelles l'œuvre finale est construite. Les scènes de ses peintures, qui ont souvent une impression surréaliste, sont développées à partir d'idées que Kalaisis élabore à la manière d'un scénario. Le résultat de ce processus créatif progressif sont des œuvres picturales qui incarnent les images souhaitées du monde intérieur en lignes et en couleurs.
Gueli Korjev (en russe : Гелий Михайлович Коржев), né le 7 juillet 1925 et décédé le 27 août 2012, était un peintre soviétique et russe remarquable pour son style réaliste socialiste. Il a étudié à l'École d'Art de Moscou puis à l'Institut d'Art de Moscou sous la tutelle de Sergey Gerasimov. Tout au long de sa carrière, Korjev est resté fidèle aux idéaux communistes, même après la dissolution de l'Union Soviétique, refusant une récompense de l'État russe en raison de ses convictions politiques.
Son œuvre reflète les points tournants cruciaux de la vie russe du 20e siècle, capturant la complexité tragique de la guerre et son héritage persistant dans la vie quotidienne des Russes. Ses tableaux, comme "Clouds of 1945" à la Galerie Tretiakov et "Conversation" au Musée Russe, montrent une profonde réflexion philosophique sur l'histoire et la société. Ils révèlent le regard unique de Korjev sur les événements historiques, souvent en contradiction avec les perspectives officielles de son époque.
Les années 1980 ont marqué un tournant important dans l'histoire soviétique, et pour Korjev, elles ont signifié une période de contradiction aiguë entre ses croyances et la nouvelle réalité. Se retirant des fonctions publiques, il s'est concentré sur son art dans l'intimité de son studio, réalisant pleinement ses ambitions créatives.
Les œuvres de Korjev se trouvent dans de grandes collections telles que la Galerie Tretiakov, le Musée Russe, le Musée Anniev en Russie, et TMORA aux États-Unis, reflétant l'importance et l'impact de son travail sur l'art du 20e siècle.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Gueli Korjev, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir les nouvelles œuvres disponibles et les opportunités d'acquérir des pièces rares de cet artiste influent.
Axel Krause est un peintre et graphiste allemand qui travaille à l'acrylique et à l'huile, typique des artistes de la nouvelle école de Leipzig. Ses peintures représentent des intérieurs, des paysages et des scènes atmosphériques, ainsi que des sujets comportant des éléments de mystère et de surréalisme.
Rosa Loy est une artiste allemande, représentante de la "Nouvelle école de peinture de Leipzig", qui vit et travaille à Leipzig.
Elle a étudié à l'université Humboldt de Berlin et à l'Académie des arts visuels de Leipzig. Rosa Loy est l'une des rares artistes allemandes à travailler sur une nouvelle féminité dans le style du nouveau romantisme. Ses personnages vivent dans un monde de fantaisie, de rêves et de folklore, dans des décors colorés, surréalistes et symboliques.
Loy combine audacieusement la féminité et la beauté dans ses peintures figuratives. Son travail reflète également sa relation avec son mari Neo Rauch. Ensemble, ils sont internationalement connus comme un couple de créateurs à succès. Ils ont tous deux leurs propres œuvres indépendantes, qui sont néanmoins influencées l'une par l'autre et peuvent combiner avec succès les forces de la masculinité et de la féminité.
Rosa Loy travaille la caséine sur toile et sur papier et maîtrise diverses techniques graphiques. Elle a participé à de nombreuses expositions d'artistes de Leipzig dans des musées d'art internationaux. En outre, ses œuvres figurent dans les collections de grandes institutions et organisations artistiques telles que le Museum of Modern Art, New York, le Museum of Contemporary Art, Los Angeles, et la Deutsche Bank Collection.
Ricardo Martínez de Hoyos était un peintre mexicain remarqué pour son travail figuratif sur des atmosphères irréelles. Il fut l'un des nombreux enfants d'une famille très nombreuse à s'illustrer dans son domaine, avec Oliverio en sculpture et Jorge en théâtre. Son travail a été exposé dans diverses parties du monde, dans le cadre de tournées collectives de l'art mexicain. Individuellement, il a surtout exposé au Mexique, notamment dans des lieux importants comme le Museo de Arte Moderno et le Palacio de Bellas Artes, qui lui a rendu hommage en 1994. Depuis sa mort, un centre culturel portant son nom a été créé dans le centre historique de Mexico.
Francis Picabia, né Francis-Marie Martinez de Picabia, était un artiste français aux multiples facettes, connu pour ses contributions significatives à l'art du 20e siècle. Naviguant entre le dadaïsme et le surréalisme, Picabia s'est distingué par sa capacité à remettre en question les conventions artistiques et à embrasser une diversité de styles et de médiums. Sa démarche artistique, marquée par une constante réinvention, reflète son esprit libre et son désir d'expérimenter.
Picabia s'est fait connaître par ses peintures, mais son œuvre comprend également des dessins, des poèmes et des publications qui ont influencé le développement de l'art moderne. Sa capacité à fusionner l'humour, la satire et la critique sociale dans ses œuvres rend son art unique et toujours pertinent. Les œuvres de Picabia, telles que "Udnie (Jeune fille américaine)" et "L’Œil Cacodylate", continuent de fasciner le public et sont exposées dans des musées et galeries du monde entier, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
Les collectionneurs et les experts en art et antiquités apprécient particulièrement la diversité et la complexité des œuvres de Picabia. Ses expérimentations avec différents matériaux, techniques et thématiques offrent un vaste champ d'exploration et d'étude. L'importance de Picabia dans l'histoire de l'art réside non seulement dans ses créations, mais aussi dans sa capacité à inspirer les générations futures d'artistes à repousser les limites de la créativité.
Pour ceux qui sont captivés par l'innovation et l'audace dans l'art, suivre l'actualité et les ventes liées à Francis Picabia est essentiel. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères concernant l'œuvre de Picabia. Cette souscription est une opportunité exclusive de rester informé des opportunités uniques liées à ce pionnier de l'art moderne.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Ernest Pizzotti était un peintre et un artiste graphique suisse. Son œuvre a été principalement influencée par les années 1920 et 1930, lorsque les principales innovations du début du XXe siècle ont continué à se développer et à évoluer. Le surréalisme est devenu la mode expressive dominante des années 1920.
Leopold Rabus est un peintre surréaliste suisse dont le médium de prédilection est la peinture à l'huile. Il dépeint la réalité environnante, la peuplant d'oiseaux surréalistes, d'escargots et d'animaux de basse-cour, ou d'objets ordinaires. Les personnages de ses tableaux, quant à eux, sont souvent fous et horribles, mais vivent une vie humaine ordinaire.
Hans Reiser est un artiste surréaliste et caricaturiste allemand qui vit et travaille à Reichersboerne.
Hans Reiser a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et dessine des caricatures hebdomadaires pour le Telzer Kurier depuis 1970. Son travail a également été publié dans de nombreux journaux et magazines. Depuis 1979, l'artiste a participé à de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger.
Pierre Roy est un peintre français. Il suit les cours à l'École des beaux-arts de Paris qu'il quitte pour travailler aux préparatifs de l'Exposition universelle de 1900.
En 1925, Pierre Roy participe à la première exposition des peintres surréalistes aux côtés de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Pablo Picasso.
Pierre Roy voyage et expose dans plusieurs galeries à travers le monde. Par ailleurs, Pierre Roy réalise des décors de théâtre, plusieurs couvertures du magazine Vogue, des affiches publicitaires.
Maurizio Savini est un artiste et sculpteur italien spécialisé dans l'utilisation du chewing-gum comme matériau pour ses œuvres d'art. Il vit et travaille à Rome.
Ses sculptures sont à la fois fantaisistes et surréalistes, étayées par des aspects sociaux et politiques qui renvoient à une réflexion plus large sur les conséquences écologiques des actions humaines. Pour son travail, Savini utilise des produits finis préemballés provenant d'usines.
Norbert Schwontkowski est un peintre allemand. Il a étudié la peinture à main levée à l'université de design de Brême et à l'université des beaux-arts de Hambourg.
L'œuvre de Norbert Schwontkowski se situe entre l'abstraction, la représentation réaliste et la caricature. Il mélange l'inconscient et le surréel avec le réel, les figures et les sujets de ses peintures ressemblant à des rêves complexes.
Schwontkowski crée ses peintures à partir de pigments broyés à la main et mélangés à divers matériaux pour produire une multitude de textures.
Ferdinand Staeger était un peintre symboliste allemand né en République tchèque, ainsi qu'un artiste graphique, un illustrateur et un designer textile.
Staeger a étudié à l'école de design technique de Brno, puis à l'école des arts appliqués de Prague. À partir de 1908, il a vécu à Munich et a collaboré au magazine Jugend. Il a participé à la Première Guerre mondiale et ses dessins de guerre se caractérisent par leur humanité. Après la guerre, il illustre avec succès des livres de Gerhard Hauptmann, Josef von Eichendorff, Eduard Mörike et Adalbert Stifter.
Sous le Troisième Reich, Stavros Steger collabore avec les autorités en peignant plusieurs tableaux de propagande, ce qui lui vaut d'être nommé professeur. En 1943, il perd sa maison de Munich sous les bombes des Alliés et de nombreuses œuvres sont perdues.
Après la Seconde Guerre mondiale, il peint dans le style impressionniste, créant des tableaux aux thèmes mythiques, mystiques, symboliques et religieux. De nombreuses œuvres appartiennent au genre du "réalisme magique". Staeger est également connu comme créateur de tapisseries, maître de l'eau-forte et de l'ex-libris, et a été membre de l'Association des artistes allemands. Son épouse Sidonie Springer (1878-1937) était également peintre et graphiste.
Dorothea Margaret Tanning était une peintre, graveur, sculpteur, écrivain et poète surréaliste américaine.
En 1935, Dorothea arrive à New York et travaille comme artiste publicitaire jusqu'à ce qu'elle soit inspirée par les peintures des célèbres surréalistes lors d'une exposition. Elle commence à peindre et à exposer et fait de nombreuses connaissances parmi les artistes contemporains. En 1946, elle a épousé l'artiste Max Ernst, et ce mariage a duré 30 ans. Ils ont longtemps vécu à Paris et, après la mort de Max Ernst en 1976, elle est retournée à New York.
En tant qu'artiste, Dorothea Tanning était autodidacte et son style changeait constamment. D'abord proches du surréalisme, ses peintures sont devenues presque entièrement abstraites à la fin des années 1960. Parmi ses réalisations artistiques figurent des peintures, des gravures, des sculptures, des scénographies, des costumes et des décors de ballets. Ses œuvres ont été exposées au musée Guggenheim, au Metropolitan Museum of Art, à la Tate Modern et au Philadelphia Museum of Art.
À la fin des années 1980, Mme Tanning a commencé à écrire des poèmes, qui ont ensuite été publiés dans diverses revues. Son premier recueil de poèmes, A Table of Content, a été publié en 2004. Cette artiste polyvalente et aux multiples facettes est décédée à New York à l'âge de 101 ans.
Konstantin Alekseevitch Vasiliev (еn russe: Константин Алексеевич Васильев) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et illustrateur, célèbre pour ses œuvres sur les thèmes du bylin et de la mythologie.
Konstantin Vasiliev a été influencé par le surréalisme et l'expressionnisme abstrait au début des années 1960, mais il s'est ensuite orienté vers un style réaliste. Il a trouvé son inspiration dans l'art populaire, les mythes, les bylinas, les contes de fées, les épopées slaves, scandinaves et germaniques anciennes. Il a également créé des œuvres consacrées à la Grande Guerre patriotique, des paysages et une série de portraits graphiques de compositeurs et de musiciens.
