Бытовой жанр Сюрреализм
Анджело Аккарди (итал. Angelo Accardi) — современный итальянский художник. Рисует сюрреалистические сцены повседневной жизни на фоне реалистичных городских и природных ландшафтов. За каждой картиной стоит целая история. Отличительные особенности творчества Аккарди – ироничная и игривая точка зрения и авангардный стиль.
Мануэ́ль А́льварес Браво (исп. Manuel Álvarez Bravo) — мексиканский фотограф-визионер, чьи работы ярко иллюстрируют культурное наследие Латинской Америки. Его уникальный взгляд на жизнь и превосходное мастерство в области фотографии вдохновили многих поколений фотографов по всему миру.
Альварес Браво был известен своими экспериментами со светом и тенями, композицией и формой. Его сюрреалистические фотографии были часто полны тайны и загадочности, и одновременно отражали трудности и противоречия мексиканского общества в первой половине 20 века. В творчестве Альварес Браво удивительным образом сочетались эстетическая красота и глубокий социальный контекст.
Его работы не только вдохновляют своей красотой, но и напоминают о важности сохранения культурного наследия и истории народов.
Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло был украинским художником, известным своими авангардными работами и театральными декорациями. Родившись в 1894 году в Одессе, Андриенко-Нечитайло стал одной из ключевых фигур в искусстве XX века.
Его работы отличались смелыми экспериментами с формой и цветом, что сделало его узнаваемым в художественном мире. Андриенко-Нечитайло активно участвовал в создании театральных декораций, что также отразилось в его живописи. Его уникальный стиль сочетал элементы кубизма, сюрреализма и абстракционизма.
Особое внимание в его творчестве занимают работы, созданные в Париже, где он прожил значительную часть своей жизни. Картины Михаила Фёдоровича можно увидеть в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая такие престижные учреждения, как Центр Помпиду в Париже.
Если вы интересуетесь коллекционированием работ Михаила Фёдоровича Андриенко-Нечитайло, подписывайтесь на наши обновления. Вы будете первыми узнавать о новых поступлениях и аукционах, посвященных его творчеству.
Тило Баумгертель (нем. Tilo Baumgärtel) — немецкий художник, живет и работает в Лейпциге.
Картины его восходят к произведениям соцреализма и пропагандистским плакатам большого формата. Художник работает с различными средствами и техниками. Помимо живописи, он также использует литографию, рисунки на бумаге, а также видео. Живописное пространство и создание иногда сюрреалистических пейзажей - одна из его центральных тем.
Тило Баумгартель сотрудничает также с театрами, разрабатывая декорации и видеоролики по сценографии.
Дороте Бахем (нем. Dorothee Bachem) — немецкая самобытная художница и писатель, руководит студией во Фленсбурге.
Бахем изучала искусство в Берлинском университете искусств, работает в различных техниках — многослойная живопись, коллаж, гравюра.
Благодаря своей уникальной поэтике Бахем создает сюрреалистичные, сказочные картинные истории вне времени, в которых читается влияние Пикассо и кубизма.
Беле Бахем (на самом деле Ренате Габриэле Бахем) — немецкий художник-график, книжный иллюстратор, сценограф и писатель. В 1997 году Бахем была награждена орденом «За заслуги перед Федеративной Республикой Германия».
Бахем считается одним из самых важных немецких послевоенных художников и одним из немногих сюрреалистов немецкой литературной иллюстрации.
Ганс-Ульрих Бухвальд был немецким живописцем, графиком, керамистом, сценографом и мастером масок. Его творчество насчитывает около 10 000 рисунков, ксилографий и линогравюр, картин, керамики, деревянных скульптур и масок. Для него характерно разнообразие художественных форм выражения. Бухвальд чувствовал себя приверженцем классического модернизма, с которым он познакомился только после войны. Его вдохновляли Георг Грош, Пабло Пикассо, Эдвард Мунк, Август Макке, Франц Марк, Оскар Шлеммер, Фернан Леже, но он искал свой собственный стиль в различных областях.
Константин Алексеевич Васильев — советский художник середины ХХ века. Он известен как живописец, график и иллюстратор, прославившийся своими произведениями на былинно-мифологические темы.
Константин Васильев в начале 1960-х годов находился под влиянием сюрреализма и абстрактного экспрессионизма, но позже перешёл к реалистическому стилю. Он находил вдохновение в народном искусстве, мифах, былинах, сказках, славянском, скандинавском и древнегерманском эпосах. Он также создал произведения, посвящённые Великой Отечественной войне, пейзажи и серию графических портретов композиторов и музыкантов.
Роб Гонсалвес был канадским художником, чьи работы восхищают коллекционеров, корпорации и посольства по всему миру. Его творчество отличается использованием элементов магического реализма, заставляя зрителя дважды вглядываться в картину, чтобы разгадать скрытые детали и иллюзии. Гонсалвес прославился благодаря своим уникальным способностям объединять реальность и фантазию, создавая композиции, где переходы между различными элементами происходят плавно и незаметно.
Родившийся в 1959 году, Гонсалвес начал свою карьеру в качестве архитектора, но вскоре полностью посвятил себя живописи, вдохновленный творчеством Дали и Магритта. Свои первые сюрреалистические картины он создал под влиянием их работ. Его картины были представлены на многих выставках, включая Art Expo в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, а также в галереях по всему миру.
Серия книг с иллюстрациями Гонсалвеса, включая "Imagine a Night", "Imagine a Day", и "Imagine a Place", завоевала сердца читателей благодаря волшебству и глубине его иллюзий. Его работы продолжают вдохновлять и после его кончины в 2017 году, а вебсайт, посвященный его наследию, предлагает постеры и ограниченные серии печатных работ.
Для тех, кто интересуется искусством Роба Гонсалвеса и хотел бы узнать больше о предстоящих продажах его работ и аукционах, рекомендуется подписаться на обновления на официальном сайте художника. Это отличная возможность не пропустить новые экспозиции и приобрести ограниченные издания его произведений.
Сальвадор Дали (исп. Salvador Dalí), знаменитый испанский сюрреалист, прославился своими картинами, в которых смешивался реализм с фантазией, создавая уникальные изображения сновидений, оптических иллюзий и альтернативных реальностей. Его работы отличались тщательной детализацией, символизмом и влиянием науки, психологии, религии, а также темами смерти и распада. Среди наиболее известных работ Дали - «Постоянство памяти» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк), в которой изображены тающие часы, ставшие его визитной карточкой.
Его талант проявился с ранних лет, начав обучаться изобразительному искусству в муниципальной художественной школе. Позже Дали изучал искусство в Академии братьев ордена маристов и в Академии Сан-Фернандо. Он был известен своим эксцентричным поведением и нестандартным подходом к творчеству, что проявилось еще в студенческие годы.
Дали также оставил след в истории кинематографа, сотрудничая с Альфредом Хичкоком над созданием сюрреалистических сцен в фильме "Заколдованные", а также работая с Уолтом Диснеем над арт-проектом и сценарием для фильма "Destino".
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, интересующихся творчеством Сальвадора Дали, мы предлагаем подписаться на обновления, связанные с его работами. Это позволит вам узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником. Подписка даст вам доступ к эксклюзивной информации и возможности первыми узнать о редких и ценных произведениях искусства.
Марсель Дюшан (фр. Henri Robert Marcel Duchamp), французский художник и скульптор, оставил неизгладимый след в мире современного искусства. Его творчество и идеи кардинально изменили подход к пониманию искусства, сделав его одним из основоположников дадаизма и концептуального искусства. Дюшан известен своими провокационными работами, которые вызывали широкие дискуссии и споры, но именно такие произведения и сделали его фигурой, значительно повлиявшей на культуру XX века.
Одним из самых известных произведений Марселя Дюшана является «Фонтан» - обычный писсуар, представленный как произведение искусства. Эта работа стала символом антиискусства и вызвала массу споров о том, что может считаться искусством. Кроме того, Дюшан также знаменит своими «готовыми» объектами и сложными инсталляциями, которые исследуют отношения между искусством, архитектурой и восприятием.
Его работы экспонируются в ведущих музеях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже. Эти музеи предлагают уникальную возможность познакомиться с его вкладом в развитие современного искусственного процесса, представляя широкий спектр его творчества от живописи и скульптуры до архитектурных проектов и фотографии.
Марсель Дюшан остается важной фигурой в искусстве, его работы и идеи продолжают вдохновлять современных художников и коллекционеров. Если вы интересуетесь современным искусством и хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Марселем Дюшаном, подпишитесь на наши обновления. Эта подписка станет вашим ключом к миру выдающихся событий искусства.
Арис Калаизис (нем. Aris Kalaizis) — немецкий художник греческого происхождения. Изучал живопись в Лейпцигской Академии изобразительных искусств.
Арис Калаизис получает международное признание после участия в 2010 году в Венецианской Биенналле (Mostra Internazionale di Architettura), а также в 2011 году в 4-й Триеннале в Гуанчжо́у (Китай).
Свои произведения Калаизис создает с помощью монтирования тщательно продуманных пространственных композиций и сооружения крупномасштабных сцен на месте воображаемого действия. В ходе данного процесса он делает ряд подготовительных фотографий, на основе которых конструируется финальное произведение. Сцены в его картинах, нередко производящих сюрреалистическое впечатление, развиваются исходя из идей, которые Калаизис разрабатывает на манер киносценария. Результатом этого ступенчатого творческого процесса являются живописные произведения, воплощающие в линии и цвете желаемые образы внутреннего мира.
Гелий Михайлович Коржев был советским и российским художником, одним из выдающихся представителей соцреализма, который сумел внести свой уникальный вклад в искусство XX века. Родился в семье, где отец был архитектором, а мать – учителем русского языка и литературы, что создало благоприятную среду для развития его таланта с детства.
С ранних лет проявил склонность к рисованию, что подтолкнуло его к обучению в художественной студии и последующему поступлению в Московскую среднюю художественную школу, где он получил не только профессиональные навыки, но и уникальный опыт, включая эвакуацию во время Великой Отечественной войны и обучение у выдающихся мастеров того времени.
Коржев стал автором многих известных произведений, в том числе таких как "Поднимающий знамя" из триптиха "Коммунисты", "Обгоревшие огнем войны", "Тюрлик", "Дон Кихот". Его работы хранятся в крупнейших музеях России и мира, включая Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге и Государственную Третьяковскую галерею в Москве.
За свою долгую и плодотворную карьеру Коржев был удостоен множества наград, включая звания Народного художника СССР и лауреата Государственной премии СССР. Его творчество оказало значительное влияние на развитие советского и российского искусства, оставив наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников.
Если вас интересует искусство и творчество Гелия Коржева, подпишитесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим великим художником.
Аксель Краузе (нем. Axel Krause) — немецкий живописец и график, творит с помощью акрила и масла, что типично для художников движения «Новая Лейпцигская школа». На его картинах зритель видит интерьеры, пейзажи и атмосферные сцены и сюжеты с элементами загадочности и сюрреализма.
Грегори Крюдсон (англ. Gregory Crewdson) — современный американский фотограф, известный тщательно поставленными, сюрреалистичными сценами американской жизни.
Крюдсон работает в фотографической традиции, которая сочетает документальный стиль Уильяма Эглстона и Уолкера Эванса с похожим на сон видением таких режиссёров, как Стивен Спилберг и Дэвид Линч. Детали разрабатываются очень тщательно, чтобы сделать фотографии с необыкновенными подробностями и нарративным потенциалом.
Роза Лой (нем. Rosa Loy) — немецкая художница, представительница «Новой Лейпцигской школы живописи», живет и работает в Лейпциге.
Она получила образование в Университете Гумбольдта в Берлине и училась в Академии визуальных искусств в Лейпциге. Роза Лой одна из немногих художников в Германии, работающих с новой женственностью в стиле нового романтизма. Ее персонажи живут в мире фантазий, снов и фольклора, в красочных сюрреалистичных и символических декорациях.
Лой смело объединяет женственность и красоту в своих фигуративных картинах. Ее работы также отражают отношения со своим мужем Нео Раухом (Neo Rauch). Вместе они известны во всем мире как успешная творческая пара. У них обоих есть свои независимые произведения, которые, тем не менее, находятся под влиянием друг друга и могут успешно объединять силы мужского и женского начала.
Роза Лой работает казеином на холсте и бумаге, а также владеет различными графическими техниками. Она участвовала в многочисленных выставках лейпцигских художников в международных художественных музеях. Кроме того, ее работы включены в коллекции крупнейших художественных учреждений и организаций, таких как Музей современного искусства Нью-Йорка, Музей современного искусства, Лос-Анджелес, и коллекция Deutsche Bank.
Рикардо Мартинес де Хойос (исп. Ricardo Martínez de Hoyos) — мексиканский художник, известный своими фигуративными работами с нереальной атмосферой. Он был одним из нескольких детей из очень большой семьи, добившихся успеха в своей области, наряду с Оливерио в скульптуре и Хорхе в актерском искусстве. Его работы выставлялись в разных уголках мира, участвовали в коллективных турах мексиканского искусства. Индивидуально он выставлялся в основном в Мексике, включая такие важные места, как Музей современного искусства и Palacio de Bellas Artes, где в 1994 году состоялось чествование художника. После его смерти в историческом центре Мехико был создан культурный центр, названный в его честь.
Грегуа́р Мишо́нц (фр. Grégoire Michonze), настоящее имя Григо́рий Аро́нович Мишо́нжник (Grégory Aronovich Michonzhnik) — французский художник.
Грегуар Мишонц известен своими пейзажами и насыщенными символизмом групповыми полотнами.
Доменико Ньоли (итал. Domenico Gnoli) — итальянский живописец, график и рисовальщик.
Доменико Ньоли рисовал огромные вырезы — увеличенные воротники рубашек, пуговицы или туфли. В своих картинах он выделял повседневные предметы и изображал их вне контекста в иногда пугающем, обычно загадочном мире искусства. Эта пустынная художественная реальность в его работах имеет отголоски сюрреализма и поп-арта одновременно.
Франси́с Пикабиа́ (фр. Francis Picabia), полное имя Франсиско Мария Мартинес Пикабиа делла Торре (фр. Francisco Maria Martinez Picabia della Torre) был выдающимся французским художником и поэтом, чья работа оказала значительное влияние на развитие искусства XX века. Известный своим вкладом в дадаизм и сюрреализм, Пикабиа неустанно экспериментировал с различными стилями и медиа, включая живопись, графику и литературу, тем самым оспаривая традиционные понятия о культуре и искусстве.
Его работы отличаются глубоким философским подтекстом и остроумием, часто включая элементы критики общества и искусства. Пикабиа стремился разрушить границы между различными формами творчества, создавая произведения, в которых скульптура, архитектура и живопись переплетаются в единой художественной манере.
Среди наиболее известных работ Пикабиа - его механические рисунки и коллажи, а также участие в создании первых дадаистских журналов и выставок. Его произведения находятся в крупнейших мировых музеях и галереях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже, где они продолжают вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров.
Франсис Пикабиа остается ключевой фигурой в истории современного искусства, его наследие и подход к творчеству продолжают вызывать интерес и уважение среди экспертов в области искусства и антиквариата. Его способность переосмысливать и трансформировать визуальный язык делает его работу актуальной и сегодня.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах продукции и аукционных мероприятиях, связанных с Франсисом Пикабиа. Эта подписка станет вашим ключом к эксклюзивной информации о мире искусства и культуры.
Пабло Пикассо (исп. Pablo Ruiz Picasso), выдающийся испанский художник, внес значительный вклад в историю искусства 20-го века. Рожденный в Малаге в 1881 году, Пикассо проявил свои художественные способности уже в раннем возрасте. Получив образование от своего отца, профессора рисования, Пикассо начал свою карьеру, рисуя в натуралистической манере, но вскоре его стиль эволюционировал. Он экспериментировал с различными техниками и идеями, что привело к созданию множества известных произведений искусства.
Среди его самых знаковых работ - «Лес Демуазель д'Авиньон» (1907) и «Герника» (1937), которые стали символами новых направлений в искусстве. Пикассо также был одним из основателей кубизма, который радикально изменил представления об искусстве и роли художника.
Его творческий путь можно разделить на несколько периодов, включая Голубой период (1901–1904), Розовый период (1904–1906), Африканское влияние (1907–1909), Аналитический кубизм (1909–1912) и Синтетический кубизм (1912–1919). Пикассо также работал в неоклассическом стиле и часто использовал элементы сюрреализма.
Будучи чрезвычайно плодовитым художником, Пикассо оставил после себя огромное наследие. Его произведения, получившие всемирное признание, оказали значительное влияние на развитие искусства и продолжают вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, особенно коллекционеров, Пикассо остается ключевой фигурой. Его работы, представленные в музеях и галереях по всему миру, являются объектом восхищения и изучения.
Для получения обновлений о новых продажах произведений Пикассо и аукционных событиях, связанных с его творчеством, подпишитесь на наши уведомления. Это откроет вам мир искусства этого выдающегося художника.
Эрнест Пиццотти (нем. Ernest Pizzotti) — швейцарский худоржник-живописец и график. На его творчество оказали влияние преимущественно 1920-30-е годы, когда продолжалось развитие и эволюция ключевых инноваций начала двадцатого века. Сюрреализм стал преобладающей экспрессивной модой 1920-х годов.
Леопольд Рабус (нем. Leopold Rabus) — швейцарский художник-сюрреалист, чье излюбленное средство выражения — масляная живопись. Он изображает окружающую действительность, населяя ее сюрреалистическими птицами, улитками и дворовыми животными, или обычными предметами. Люди же на картинах Рабуса часто безумны и ужасны, но живут обычной человеческой жизнью.
Ханс Райзер (нем. Hans Reiser) — немецкий художник-сюрреалист и карикатурист, живет и работает в Райхерсбойерне.
Ханс Райзер учился в Академии изящных искусств в Мюнхене, с 1970 года он еженедельно рисует карикатуры для «Тельцер Курьер». Его работы также публиковались во многих газетах и журналах. С 1979 г. художник участвует в многочисленных выставках в стране и за рубежом.
Пьер Руа (фр. Pierre Roy) — французский художник, «отец-основатель» магического реализма, или суперреализма.
Пьер Руа поступил в Школу изящных искусств, однако обучение его разочаровало. В 1900 году он поступил в Школу восточных языков, где изучал японский и современный греческий. Позднее Руа продолжил художественное обучение в Высшей школе декоративных искусств, а с 1902 по 1904 год — в Академии Жюлиана.
В начале своего творческого пути Руа находился под влиянием фовизма, приблизительно к 1920 году присоединился к сюрреалистскому движению. Многие его известные работы относятся именно к этому времени. В 1925 году он принял участие в первой выставке сюрреалистов вместе с Джорджо де Кирико, Максом Эрнстом и Пабло Пикассо.
Маурицио Савини (итал. Maurizio Savini) — итальянский художник и скульптор, специализируется на использовании жевательной резинки в качестве материала для своих произведений искусства, живет и работает в Риме.
Его скульптуры причудливы и сюрреалистичны одновременно, подкреплены социальными и политическими аспектами, которые отсылают к более широким размышлениям об экологических последствиях, вызванных действиями человека. Для работы Савини использует приготовленный для расфасовки готовый продукт на фабриках.
Доротея Маргарет Таннинг (англ. Dorothea Margaret Tanning) — американская художница-сюрреалист, гравер, скульптор, писательница и поэтесса.
В 1935 году Доротея приехала в Нью-Йорк и работала художницей по рекламе, пока на одной из выставок не вдохновилась картинами известных сюрреалистов. Она стала рисовать и выставляться, завела многочисленные знакомства в среде современных художников. В 1946 году она вышла замуж за художника Макса Эрнста, и этот брак продлился 30 лет. Они долгое время жили в Париже, а после его смерти в 1976 году она вернулась в Нью-Йорк.
Как художница, Доротея Таннинг была самоучкой, и ее стиль постоянно менялся. Поначалу близкие к сюрреализму, к концу 1960-х годов ее картины стали почти полностью абстрактными. Среди ее творческих достижений — живопись, гравюра, скульптура, сценография, эскизы костюмов и декораций для балетов, а ее работы выставлялись в Музее Гуггенхайма, Метрополитен-музее, Тейт Модерн, Музее Филадельфии.
В конце 80-х годов Таннинг начала писать стихи, и впоследствии ее работы публиковались в различных изданиях. Ее первый сборник стихов A Table of Content был опубликован в 2004 году. Многогранная и разноплановая художница умерла в Нью-Йорке в возрасте 101 года.
Уве Хеннекен (нем. Uwe Henneken) — немецкий художник, живет и работает в Берлине.
Хеннекен начал свое обучение в Государственной академии изящных искусств в Карлсруэ и завершил его в Университете искусств в Берлине. В своих гротескных, забавных и сказочных картинах и скульптурах художник переносит зрителя в странные миры. Особенно впечатляют ярко окрашенные пейзажи, как в сюрреалистическом лихорадочном сне. В этих психоделических декорациях движутся невообразимые в реальности фигуры, иногда комические и мультяшные, иногда трагические, а иногда и то, и другое одновременно.
Хеннекен всю жизнь исследует тему шаманизма и считает, что шаман является прототипом художника и, следовательно, современный художник напрямую связан со своим профессиональным предком. Пропагандируя идею потусторонних миров, с помощью магического реализма художник привносит волшебство в реальную жизнь.
Марк Захарович Шагал (Моисей Хацкелевич Шагал) является выдающимся представителем мирового искусства, родом из Беларуси. Его творчество охватывает живопись, графику, сценографию, а также декоративное искусство, включая работу с витражами и мозаиками. Шагал известен своей способностью объединить элементы фантазии с реалистическими изображениями, создавая уникальный и легко узнаваемый стиль.
В начале своего пути Шагал отправился в Санкт-Петербург, где обучался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, а затем продолжил обучение в частной художественной школе Е. Н. Званцевой. Эти годы оказались решающими в его формировании как художника. Любовь и вдохновение нашел в лице своей будущей жены, Беллы Розенфельд, которая стала музой многих его работ.
По мере роста известности, Шагал работал над монументальными проектами по всему миру. Среди наиболее известных его работ — мозаики и витражи для здания правительства Израиля, плафон для парижской Гранд-опера, а также панно для Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Его искусство также нашло отражение в иллюстрациях к мировой литературе, включая произведения Гоголя, Шекспира и Гомера.
Шагал оставил значительный след в сценографии, создав декорации и костюмы для балетов и опер, демонстрируя свой талант в разных областях искусства. В 1973 году его работы были представлены на персональной выставке в Третьяковской галерее и Музее изобразительных искусств имени Пушкина, что стало знаковым событием для советской культуры.
Шагал умер в 1985 году, но его творчество продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру. Его работы хранятся в ведущих музеях и частных коллекциях, являясь важной частью мирового художественного наследия.
Мы приглашаем всех, кто интересуется творчеством Марка Шагала, подписаться на наши обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим выдающимся художником. Это уникальная возможность углубить свои знания в области искусства и пополнить коллекцию эксклюзивными работами.
Норберт Швонтковски (нем. Norbert Schwontkowski) — немецкий художник-живописец. Он изучал свободную живопись в Университете дизайна в Бремене и в Университете изящных искусств в Гамбурге.
Работы Норберта Швонтковски находятся между абстракцией, реалистическим изображением и карикатурой. Он смешивает бессознательное и сюрреалистичное с реальным, фигуры и сюжеты на картинах художника напоминают сложные сны.
Швонтковски создавал свои краски из измельченных вручную пигментов, смешанных с различными материалами для получения множества текстур.
Даша Шишкина — американская художница родом из России.
Она училась в Школе дизайна Парсонса и стала известна масштабным композициями на майларе, которые населены комическими и гротескными персонажами в психоделических сценах. На картинах Шишкиной элегантно одетые женщины с пустыми лицами сидят, скрестив ноги, стоят за прилавками, разговаривают между собой, как на балу, или размышляют в одиночестве, задерживаясь в эротически заряженных позах, словно превращаясь друг в друга. Всё это напоминает странный сюрреалистический сон, неуловимо сексуальный и жестокий, наводящий на размышления, одновременно раздражающий и успокаивающий.
Даша Шишкина работает с акрилом, гуашью, пастелью, карандашом, графитом и тушью, а также создает гравюры офортом. Рисунки часто наносятся ею на обе стороны прозрачной полиэфирной пленки майлар.
Фердинанд Штегер (нем. Ferdinand Staeger) — немецкий художник-символист и график чешского происхождения, иллюстратор и дизайнер тканей.
Штегер учился в Школе технического дизайна в Брно, а затем Школе прикладных искусств в Праге, с 1908 года жил в Мюнхене и сотрудничал с журналом «Jugend». Он был участником Первой мировой войны, его военные рисунки характеризуются человечностью. После окончания войны с большим успехом иллюстрировал книги Герхарда Гауптмана, Йозефа фон Эйхендорфа, Эдуарда Мёрике, Адальберта Штифтера.
Во время Третьего Рейха Штегер сотрудничал с властью, написав несколько пропагандистских картин, за что ему присвоили звание профессора. В 1943 году он потерял свой дом в Мюнхене под бомбами союзников и многие работы были утеряны.
После Второй мировой войны он писал в импрессионистской манере, создавая картины на мифические, мистические, символические и религиозные темы. Многие произведения относятся к жанру «магического реализма». Штегер также известен как дизайнер гобеленов, мастер офорта и экслибриса, он был членом Ассоциации немецких художников. Его жена Сидони Спрингер (1878-1937) так же была художником и графиком.
Эрро (исл. Erro), настоящее имя Гвюдмюндюр Гвюдмюндссон (исл. Guðmundur Guðmundsson) — современный исландский художник.
Эрро в период между 1952 и 1954 годами изучал живопись в Художественных академиях Рейкьявика и Осло. После этого переехал в Италию, где во Флоренции и Равенне до 1958 года занимался искусством мозаики.
Эрро участвовал в Венецианском биеннале в 1986 году. В 1989 году подарил значительную часть своих работ Художественному музею Рейкьявика.
Манера живописных произведений, созданных Эрро, лежит на границе сюрреализма и поп-арта. Главной темой его картин является отображение современной цивилизации, её технического совершенства и её бесчеловечности. В работе также использует технику комикса и сюжеты научной фантастики.