Art nu Réalisme
Giuseppe Ajmone est un peintre et graveur italien.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Brera, à Milan, et a été l'un des signataires, en 1946, du Manifeste réaliste, également connu sous le nom de "Oltre Guernica".
Ajmone a peint des paysages et des natures mortes, ainsi que des figures semi-abstraites.
Cristofano Allori ou Christophe Allori est un peintre italien. Ses œuvres se distinguent par leur stricte adhérence à la nature et par la délicatesse et la perfection technique de leur exécution. Son adresse technique est démontrée par le fait que ses copies de tableaux du Corrège semblent avoir été réalisées par le Corrège lui-même. L'extrême maniaquerie de Allori a limité le nombre de ses œuvres. Son chef-d'œuvre est probablement Judith et la tête d'Holopherne, dont existent deux exemplaires, au palais Pitti à Florence et à la Queen's Gallery de Londres.
Manuel Álvarez Bravo était un photographe visionnaire mexicain dont l'œuvre illustre de manière saisissante l'héritage culturel de l'Amérique latine. Son point de vue unique sur la vie et ses superbes compétences photographiques ont inspiré des générations de photographes dans le monde entier.
Alvarez Bravo était connu pour ses expérimentations sur la lumière et les ombres, la composition et la forme. Ses photographies surréalistes sont souvent empreintes de mystère et d'énigme, tout en reflétant les difficultés et les contradictions de la société mexicaine de la première moitié du XXe siècle.
L'œuvre d'Alvarez Bravo associe merveilleusement la beauté esthétique à un contexte social profond. Son œuvre n'est pas seulement une source d'inspiration par sa beauté, mais aussi un rappel de l'importance de la préservation du patrimoine culturel et de l'histoire des peuples.
Samuel Amsler était un graveur suisse du XIXe siècle. Sa première œuvre majeure fut "Magdalene" de Carl Dolce, après quoi il se rendit à Rome en 1816, où il rejoignit la nouvelle école allemande. Dans de nombreuses gravures des statues de Bertel Thorvaldsen, il a remarquablement réussi à combiner la simplicité de la manière de Mark Antony avec une attitude respectueuse envers le sujet. Amsler était un admirateur passionné de Raphaël et a fait de grands progrès dans la reproduction de son travail. En tant qu'artiste, il s'est davantage efforcé d'atteindre la pureté et la noblesse de la forme que de transmettre les effets de couleurs et de tons. Le caractère de son ciseau se distingue par sa rigueur et sa simplicité et, bien qu'il ne soit pas exempt d'une certaine rigidité, ressemble souvent à Dürer, sur lequel Amsler a tenté de s'éduquer.
Berthe Art est une artiste peintre belge qui a peint principalement des natures mortes au pastel. Berthe Art est élève d'Alfred Stevens, à Paris, dont elle fréquente l'atelier pendant une dizaine d'années. Là-bas, elle se spécialise dans la représentation de fleurs et de natures mortes, toutes deux élaborées à la peinture à l'huile et au pastel. Ses peintures sont parfois qualifiées de "natures mortes accessoires", en raison des représentations d'antiquités, de bibelots et de bibelots. Berthe Art excelle dans le pastel et participe, avec succès, à de nombreuses expositions en Belgique et à l'étranger. Elle allie l'élégance, la perception distinguée et une vigueur d'expression et de coloris ; il y a dans l'établissement des nuances une finesse recherchée. Jamais elle ne cherche à masquer les traces de pastel, donnant à son coup de crayon une force altière. Elle participa à la création du Cercle des aquarellistes et des pastellistes de Belgique, en 1899. Berthe Art est une des cofondatrices du Cercle des femmes peintres. Le Cercle est actif entre 1888 et 1893 et organise quatre expositions. Bertjhe Art donne aussi des cours de dessin et d'aquarelle aux jeunes filles aisées.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Theodor Bonenberger est un peintre et officier de cavalerie allemand. Il étudie avec Jacob Grunenwald et Karl von Geberlin à l'école d'art de Stuttgart, puis à partir du 30 avril 1887 - à l'Académie royale des arts de Munich avec Johann Kaspar Herterich et Сarl von Marr. A effectué des voyages d'études en Italie, en France, en Espagne et au Royaume-Uni. Après avoir terminé ses études, il s'installe à Munich en tant qu'artiste indépendant. Bonenberger avait également le grade de major dans la cavalerie en réserve. A partir de 1895, il participe à de nombreuses expositions à Munich, Düsseldorf et Vienne. En 1936, il réalise un portrait d'Adolf Hitler qu'il offre à Eva Braun pour son anniversaire. Il a traité de la fleur, du genre, du portrait, du paysage et de la peinture de nu.
Jean André Alfred Cluysenaar est un peintre belge. Il se forme d'abord à Bruxelles chez François-Joseph Navez, ensuite à Paris chez Léon Cogniet. Il a résidé plusieurs années en Allemagne et en Italie. Il a réalisé, avec son père Jean-Pierre Cluysenaar, une vaste allégorie allegorie de la Vérité, de la Bonté et de la Beauté sur un plafond de l'hôtel de ville de Saint-Gilles. Parmi ses élèves, on compte Marguerite Robyns.
André Alfred Edmond Cluysenaar est un peintre belge, surtout connu pour ses portraits et ses sujets féminins. André Alfred Edmond Cluysenaar est le fils d'Alfred Cluysenaar, peintre historique. Suivant son influence, il débute par des oeuvres historiques. En 1902, André Cluysenaar expose, au Salon de la Société des Beaux-Arts, un portrait de son épouse en compagnie de sa fille. Le succès de cette toile lui ouvre les portes de nombreuses commandes de la haute société bruxelloise. Jusqu'au début le la guerre, il reste un portraitiste fort demandé à Bruxelles. Au cours de la guerre, André Cluysenaar réalisera le portrait de nombreuses personnalités anglaises. Après la guerre réalise à nouveau des portraits de personnalités politiques ou artistiques, comme ceux d'Eugène Ysaÿe et d'Albert Baertsoen et se consacre également à peindre pour lui. Ce seront des natures mortes, des paysages et des nus « où ses dons de coloriste lui ont fait accomplir des pages charmantes de blondeur et de limpide clarté, de fraîcheur, de morbidesse et de vénusté». Il obtient une mention honorable au Salon des artistes français en 1907.
Hermann Courtens est un peintre belge. Élève de son père Franz Courtens et d'Isidore Verheyden, professeur au NHISKA (Institut Supérieur de l’Académie des Beaux-Arts d’Anvers, il expose un Nu au Salon des artistes français de 1929. Il devient ensuite Directeur de l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles. Herman Courtens a peint des personnages, des scènes de genre, des portraits, des paysages, des fleurs et des intérieurs. Ses oeuvres ont souvent une image un peu chargée, surchargée.
Eduard Adolf Daelen est un artiste, écrivain et journaliste allemand.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et à l'Académie des beaux-arts de Munich. Daelen était membre de la Société des artistes de Malkasten (Malkasten) et président de l'association locale Allgemeine Deutsche Kunstgenossenschaft. Pendant la Première Guerre mondiale, il s'est mis à dessiner des affiches patriotiques et des cartes postales de guerre.
Daelen est également devenu célèbre pour la première biographie de Wilhelm Busch, qu'il a écrite en 1886. Il a également écrit des articles sur l'histoire de l'art, qui ont été publiés sous des pseudonymes dans divers journaux.
Gustave de Smet est un peintre belge d'expression néerlandaise, actif au sein du deuxième groupe de l'École de Laethem-Saint-Martin. Jusqu'en 1895, il étudie à l'Académie royale des beaux-arts de Gand auprès de Jean Delvin, membre fondateur du Groupe des XX. L'influence d'Émile Claus l'oriente vers un luminisme centré sur les rapports de couleurs au sein de la composition. Ses œuvres de l'époque ont des inflexions poétiques, parfois mélancoliques, et romantiques. Peu après, il opte pour des sujets symbolistes, faisant une large place à l'allégorie et au mythe. En 1916 Gustave de Smet abandonne l'impressionnisme et s'oriente délibérément vers l'expressionnisme. Il dessine et peint Nu. À partir de 1919, il montre une tendance à plus de géométrie. Les éléments de la nature ou des scènes familières et intimistes sont traduits par de vastes plans inarticulés, les lignes sont raides et tendues; la composition gagne en rigueur et en clarté. Il se rattache à l'art de Franz Marc, August Macke, exprime des impressions ressenties dans la nature ou dans la société en recourant à la conjugaison des couleurs vives contrastées ou sombres et empâtées avec des formules du post-cubisme ou du constructivisme.
José Dierickx, connu sous le nom de Joseph Dierickx, est un peintre belge. Joseph Dierickx est un peintre de scènes historiques, de scènes de genre, également paysagiste et portraitiste. Il a aussi réalisé de nombreuses peintures murales. Ses œuvres réalistes et exécutées d'après nature sont lumineuses et ses sujets bien disposés dans l'espace. Il est cofondateur en 1892 du cercle artistique bruxellois Pour l'Art. Il enseigne au collège Saint-Michel et à l'école des arts décoratifs d'Ixelles. Son travail faisait partie de l'épreuve de peinture du concours d'art des Jeux olympiques d'été de 1928.
Otto Dix était un peintre et graveur allemand, reconnu pour son implication dans les mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité, dont il est considéré comme l'un des fondateurs. Né en 1891 à Untermhaus près de Gera, il a débuté son parcours artistique dans un contexte familial modeste, avec un père travaillant dans une mine de fer et une mère passionnée par la musique et la peinture. Grâce à une bourse d'études, Dix a pu intégrer l'École des arts appliqués de Dresde, où il a exploré divers mouvements artistiques comme le cubisme, le futurisme et le dadaïsme.
Sa participation volontaire à la Première Guerre mondiale a profondément marqué son œuvre, en particulier à travers le portefeuille d'eaux-fortes intitulé "Der Krieg" (La Guerre), publié en 1924. Cette série reflète les horreurs et l'absurdité du conflit, thèmes récurrents dans son travail. Dix a été persécuté par le régime nazi, qui a qualifié ses œuvres d'"art dégénéré" et lui a interdit d'exposer. Il a cependant continué à peindre, se concentrant sur des paysages moins provocateurs pendant cette période sombre.
Après la guerre, Dix a retrouvé une certaine reconnaissance, recevant le Grand Croix du Mérite de la République Fédérale d'Allemagne et le Prix Cornelius de la ville de Düsseldorf. Malgré les divisions politiques de l'Allemagne d'après-guerre, il a été honoré dans les deux États allemands pour ses contributions à l'art.
Des œuvres significatives comme "La Guerre" (triptyque, 1929-1932), "Prager Straße" (La Rue de Prague, 1920), et la série de gravures "Der Krieg" (1924) témoignent de son engagement artistique et de sa critique sociale. Son impact sur l'art du XXe siècle est indéniable, notamment pour sa capacité à capturer l'essence de la condition humaine à travers les turbulences de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la profondeur et la diversité stylistique de l'œuvre de Dix offrent un champ d'étude riche et varié. Ses contributions aux mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité continuent d'influencer et d'inspirer les générations d'artistes et d'historiens de l'art.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Otto Dix. Cette souscription vous permettra de rester informé sur les opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Leopold Durm était un médecin et peintre allemand. Il appartenait à l'association d'artistes Scholle. Il possédait une maison sur la Seeholzstrasse dans la colonie d'artistes de Holzhausen. Dans ses premières œuvres, Durm a été influencé par le lyrisme naturel de la motte, mais dans les années suivantes, il a développé son style vers le monumental. Ses œuvres ultérieures ont été créées lors des accalmies des combats devant Arras et Verdun.
Thomas Cowperthwaite Eakins était un peintre réaliste américain, né et décédé à Philadelphie (1844–1916). Reconnu pour sa contribution majeure au réalisme américain, Eakins a souvent peint des portraits de ses amis et des scènes de sports en plein air, comme l'aviron et la natation. Son œuvre la plus célèbre, The Gross Clinic (1875), illustre une opération chirurgicale et a été critiquée pour son réalisme franc lors de sa première exposition.
Eakins a étudié en Europe avant de revenir à Philadelphie où il a enseigné à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, transformant l'institution en une école d'art de premier plan aux États-Unis. Cependant, ses méthodes d'enseignement, en particulier son utilisation de nus pour l'enseignement anatomique, ont provoqué des controverses, conduisant à sa démission forcée en 1886.
Après sa carrière académique, Eakins s'est concentré presque exclusivement sur le portrait, peignant des amis et des connaissances dans un style qui mettait en avant une honnêteté investigatrice. En dépit de la rareté des commandes, ses portraits restent des témoignages puissants de sa quête d'une représentation précise de la forme humaine.
Eakins est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands artistes américains, avec des œuvres majeures présentes dans des institutions telles que le Metropolitan Museum of Art à New York et la Pennsylvania Academy of the Fine Arts.
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Ivan Semionovitch Efimov (еn russe: Иван Семёнович Ефимов) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre animalier, graphiste, sculpteur, illustrateur et réformateur du théâtre de marionnettes.
Ivan Efimov a travaillé dans différents genres et techniques, mais toutes ses œuvres, y compris les arts décoratifs et appliqués, étaient axées sur des thèmes animaliers. Il a créé des œuvres pour le métro de Moscou, les gares, les sanatoriums et bien d'autres lieux, et s'est rendu célèbre pour sa technique du relief en volume dans la sculpture. Le maître a également illustré plus de 20 livres.
Efimov a également créé des œuvres érotiques - environ un millier de feuilles avec différentes séries thématiques, mais le public ne les a découvertes qu'après l'effondrement de l'URSS.
Heinrich Faltermeier était un sculpteur allemand. Après un apprentissage d'orfèvre et des années de voyages, notamment en Espagne, Faltermeier étudie de 1936 à 1943 à l'Académie des beaux-arts de Munich. Il a travaillé conformément à la conception nazie de l'art et a créé des monuments aux morts. De 1938 à 1944, à l'exception de 1941, il est représenté dans toutes les grandes expositions d'art allemandes. Les matériaux de travail préférés de Faltermeier en tant que sculpteur étaient le bronze, le marbre et le bois.
Max Feldbauer était un peintre allemand, membre de la Sécession de Munich et membre fondateur de la Nouvelle Sécession de Munich. Feldbauer était l'un des contributeurs les plus enthousiastes de l'hebdomadaire Die Jugend, auquel il a contribué environ 250 ouvrages. Il s'est fait connaître en tant que membre du groupe d'artistes Die Scholle et en participant à leurs expositions au Glaspalast de Munich. Sa manière brute et bavaroise se reflète également dans le choix des motifs et du style de peinture. Il préfère peindre des scènes champêtres, des soldats et des chevaux, mais aussi des ambiances de taverne.
Paula Figueiroa Rego est une artiste plasticienne britannico-portugaise, surtout connue pour sa peinture et ses gravures.
Le style de Paula Rego est passé de l'abstraction au figuratif, devenant de plus en plus réaliste. Elle travaille beaucoup le pastel et la gravure. De style réaliste et fantastique, voire cruel ou choquant, ses œuvres font souvent référence aux contes traditionnels de son enfance portugaise, aux thèmes féministes ou à des éléments autobiographiques.
Henri Gervex est un peintre et pastelliste français.
En 1889, Henri Gervex est promu officier de la Légion d'honneur. En 1890, il est nommé chevalier de l’ordre de Saint-Olaf par le roi de Norvège et de Suède. En 1891, il participe à l’exposition internationale des beaux-arts de Munich. En 1892, il est nommé officier de l’ordre de Saint-Michel par le Gouvernement de Bavière.
Ernst Moritz Geyger était un sculpteur, médailleur, peintre et graveur allemand. Il est considéré comme un représentant de l'école de sculpture de Berlin. En 1877, à l'âge de seize ans, Geyger commence une formation artistique dans la classe de peinture de l'école d'art de Berlin et passe à l'Académie des beaux-arts de Berlin jusqu'en 1884. Après avoir obtenu son diplôme de l'académie et tenté en vain de trouver du travail dans l'atelier de maître d'Anton von Werner, Geyger a travaillé comme peintre indépendant. Il se consacre également au graphisme, mais passe à l'eau-forte et à la gravure sur cuivre dans ses œuvres à partir de 1886. Pendant ce temps, ses représentations d'animaux parodiant ont eu. La peinture ne le satisfaisant plus suffisamment, il se tourne également vers la sculpture à partir de 1886 sans avoir eu la formation appropriée. En 1902, son œuvre la plus connue, L'Archer, souvent copiée, est créée. Geyger a été représenté aux grandes expositions d'art allemand à Munich en 1937 et 1938.
Grigori Yefimovitch Glukman (Glikman) était un artiste graphique russo-américain.
Dans les années 1930, Grigori Glukman se consacre principalement à la peinture de chevalet. À cette époque, ses principaux sujets sont des scènes de la vie de la rue parisienne, des paysages, des portraits et des nus. En 1941, il émigre aux États-Unis.
Gustav Graef était un peintre allemand de la seconde moitié du XIXe siècle. Il est connu comme un peintre spécialisé dans la peinture historique et le portrait.
Au début de sa carrière, Graef a été chargé de réaliser des peintures murales pour le Nouveau Musée de Berlin. L'une de ses œuvres les plus célèbres est la gigantesque toile monumentale Charlemagne adopte Vidukind. L'artiste a également créé des scènes des contes d'Hercule et de Thésée pour l'ancien musée de Berlin. Dans ses peintures de genre, il passe ensuite de la mythologie à l'histoire moderne. Le maître se concentre ensuite sur le portrait, créant des portraits féminins idéalisés qui lui valent un succès commercial. En 1880, au sommet de sa gloire, Graef devient membre de l'Académie prussienne des arts.
Emilio Greco était un sculpteur, dessinateur, écrivain et poète réaliste italien.
À l'âge de 13 ans, Greco est apprenti maçon et étudie ensuite à l'Académie des beaux-arts de Palerme. Sa première exposition personnelle a eu lieu en 1946. Emilio Greco a créé des œuvres figuratives monumentales en bronze et en marbre, des sculptures de parc, principalement des figures féminines nues et des portraits. Ses sculptures se caractérisent par des formes raffinées et allongées, dans la tradition du maniérisme italien. Parmi elles, on peut citer le monument au personnage de Pinocchio (Pinocchio et la fée) pour la ville de Collodi.
Le Greco a également conçu l'une des portes en bronze de la cathédrale d'Orvieto et le monument au pape Jean XXIII dans la basilique Saint-Pierre. En 1974, un jardin Greco dédié à ses œuvres a été ouvert au musée en plein air de Hakone, au Japon.
Lindsay Bernard Hall est un artiste, professeur et directeur et conservateur de musée britannique et australien. Hall étudie la peinture au Royal College of Art de South Kensington, à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers et à celle de Munich. Bernard Hall travaille ensuite pendant environ 10 ans dans la capitale anglaise, où il expose à la Royal Academy et à la Royal Society of British Artists, et est un membre fondateur du New English Art Club. En 1891, Lindsay Bernard Hall est nommé directeur de la National Gallery of Victoria de Melbourne, en Australie. Il réalise principalement des intérieurs, des nus ou des natures mortes et expose régulièrement en Australie. Comme beaucoup d'Australiens au début du xxe siècle, il rejette le modernisme, qu'il considère violer les premiers principes de l'art.
Lambertus Johannes Hansen était un peintre hollandais du XIXe siècle. Son sujet principal était la peinture de maisons intérieures, avec des portes et des lumières incidentes. Il est connu pour ses intérieurs historiques à la manière de Pieter de Hooch. Tant à la Royal Academy of Art d'Amsterdam qu'à la Society Felix Meritis, il remporte plusieurs prix. En 1832, il obtient une médaille d'argent pour sa peinture d'après un modèle nu. En 1833, il devint membre de l'Académie d'Amsterdam et également professeur dans cette institution.
Gus Heinze est un peintre photoréaliste américain. Au cours des années 1950 et 1960, il a travaillé comme artiste commercial indépendant sur Madison Avenue. En 1970, il débute sa carrière de peintre photoréaliste à Bondville, Vermont ; beaucoup de ses peintures de cette période représentent des parties d'automobiles et de motos en gros plan. En 1978, Heinze a commencé à explorer des sujets plus divers. Il s'oriente de plus en plus vers les vitrines et les scènes de ville, dans un style qu'il appelle « réalisme abstrait », où le sujet est réel mais le point de vue et la composition donnent au tableau une qualité abstraite. En plus de ses sujets urbains, Heinze a également peint des équipements agricoles délabrés tels que des tracteurs et des pompes à eau, ainsi que de vieux trains et moteurs de locomotives. Il a également réalisé des séries de peintures représentant des falaises rocheuses, des raisins de vigne et des ruisseaux; une grande partie de son sujet est caractérisée par des reflets complexes sur le verre ou l'eau, un feuillage complexe et des noirs de fond profonds avec des couleurs saturées au premier plan.
Gussy Erika Edith Hippold-Ahnert, née Ahnert, était une peintre allemande et élève en master d'Otto Dix. Les premiers travaux de l'étudiante de Dix, comme le tableau Lying Nude de 1931, montrent sa proximité avec la nouvelle objectivité ou le vérisme de Dix. Elle a atteint son apogée artistique en 1932/1933, lorsqu'elle a développé un style de peinture qui lui est propre, un caractère indubitable dans la technique du vitrage enseignée par Dix. L'œuvre tardive d'Hippold-Ahnert est étroitement liée aux œuvres de son mari Erhard Hippold et d'autres artistes de cette région et de cette époque.
Paul Hoecker, ou Paul Höcker, est un peintre allemand de l'école de Munich et membre fondateur de la sécession de Munich. En 1883, il apparaît à l'exposition internationale d'art de Munich avec des peintures de genre de Hollande et d'intérieurs qui se distinguent par le traitement du clair-obscur. En 1884, il s'installe à Berlin, puis en 1888 retourne à Munich et adhère au courant naturaliste moderne qui met l'accent sur la reproduction de puissants effets de lumière. Paul Hoecker est nommé le 1er décembre 1891, à l'âge de 36 ans, professeur à l'Académie royale des beaux-arts de Munich. Hoecker est «le premier moderniste à l'Académie». Il enseigne à ses élèves l'art de l'École de Barbizon, des impressionnistes et néo-impressionnistes, et des nouveaux courants artistiques de Dachau et de Worpswede. Le 4 avril 1892, Hoecker cofonde la Sécession de Munich dont il est le secrétaire du conseil d'administration. C'est la première association artistique en Allemagne à rendre possibles de nouvelles formes de peinture et d'expositions.
Jozef Horenbant était un peintre belge. Horenbant était élève à l'Académie de Gand. Il devient professeur en 1886 et directeur de l'Académie de Sint-Niklaas en 1900. Il a occupé le poste d'administrateur jusqu'en 1933. Il a également été directeur de l'école de dessin de Ledeberg. Horenbant a peint des scènes de genre atmosphériques et intimes, des intérieurs (surtout d'églises) et des paysages. Il a été co-fondateur du Koninklijke Wase Kunstkring, membre d'Als ik Kan et conservateur-fondateur du Musée de Sint-Niklaas. Il a fait don d'une partie de son œuvre au Musée des Beaux-Arts de Gand, ainsi que de sa collection de gravures anciennes et de sculptures anciennes. De 1911 à 1918, il est président du Cercle Artistique et Littéraire de Gand.
Carl Horn était un artiste allemand de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste spécialisé dans les nus, les paysages et les portraits.
Au début de sa carrière, Horn a créé de nombreux exlibris dans le style Art nouveau. Il a peint des paysages urbains et marins, des scènes de genre et des portraits à l'aquarelle et à l'huile. Son œuvre se caractérise par un réalisme lyrique et une palette sensible, harmonieuse et richement colorée. Horn a également été directeur de l'Académie nordique des arts de Brême.
Serge Ivanoff était un portraitiste français d'origine russe. Il a réalisé des illustrations de livres, des affiches et des publicités.
Serge Ivanoff a réalisé les portraits de nombreuses personnalités célèbres, dont le pape Pie XI, Serge Lifar, Yvette Chauviret, Arthur Honegger, Edwige Feuer, le grand-duc Vladimir Kirillovich Romanov, Alexandre Benois, Olga Boznanskaya, Zinaida Serebryakova, Viatcheslav Ivanov, Paul Valéry, Jacques Fath, Eleanor Roosevelt, Jefferson Caffrey.
Angelo Jank est un peintre animalier, dessinateur, illustrateur et enseignant allemand. Il fut membre de la Sécession de Munich et se spécialisa dans la représentation de chevaux et de cavaliers. En 1898, il a droit à sa première exposition personnelle au sein de la Sécession de Munich. Il entame une collaboration régulière en tant qu'illustrateur pour des périodiques illustrés comme Jugend et Simplicissimus ; pour ce dernier, il livre des caricatures. Avant la Première Guerre mondiale, il exécute quelques commandes importantes : une fresque pour le palais de Justice de Munich, et quelques grandes scènes historiques pour le palais du Reichstag à Berlin. Durant les années 1920, il prend la direction de la Sécession de Munich et organise les expositions du Palais des glaces.
Marcel Jefferis est un peintre impressionniste belge. Il peint des personnages, des scènes de genre, des paysages et des natures mortes à l'huile et à l'aquarelle, et réalise des eaux-fortes. Ses toiles mettent souvent en scène des manifestations festives avec de nombreux personnages. Il a également conçu des meubles, des papiers peints, des tissus, des tapisseries et des intérieurs pour la société Vanderborght à Bruxelles.
Karl Köpping est un artiste peintre, graveur et maître-verrier saxon.
Karl Köpping se consacre principalement à l'art de la gravure. Il crée principalement des eaux-fortes d'après des célèbres œuvres des siècles passés, en particulier de Rembrandt, mais aussi Frans Hals, Thomas Gainsborough et Mihály Munkácsy. Il a également conçu des objets d'art nouveau en verre tortueux.
Leon Kroll était un peintre américain connu pour ses paysages, ses portraits et ses figures. Il est né à New York et a étudié à l'Art Students League et à la National Academy of Design.
Les premières œuvres de Kroll ont été influencées par l'Ashcan School, qui s'est attachée à dépeindre les difficultés de la vie urbaine. Cependant, il s'est finalement tourné vers la peinture de paysages et s'est fait connaître pour ses représentations des montagnes de l'Adirondack et de la côte du Maine.
Kroll a également réalisé un grand nombre de portraits, dont ceux de personnalités importantes telles que le président Franklin D. Roosevelt et le juge de la Cour suprême Felix Frankfurter.
Kroll était membre de plusieurs organisations artistiques, dont la National Academy of Design, l'American Academy of Arts and Letters et l'American Watercolor Society. Il a reçu de nombreuses récompenses au cours de sa carrière, notamment le prix Altman de la National Academy of Design en 1922.
Aujourd'hui, les œuvres de Kroll se trouvent dans plusieurs musées et collections, dont le Metropolitan Museum of Art, le Smithsonian American Art Museum et le Museum of Fine Arts, Boston.
Maria Langer-Scheller est une artiste allemande qui a commencé sa carrière artistique avec des peintures à l'huile, mais s'est ensuite consacrée à l'aquarelle. Elle a travaillé comme graphiste pour Ffluge Blatter et le journal Merkur à Dachau, entre autres publications. En 1914, à Leipzig, elle est exposée lors d'une exposition de graphiques de livres. Elle a illustré des livres pour enfants pour la maison d'édition Cassirer à Berlin. De plus, elle a créé des œuvres en tant qu'artiste indépendante. Sa technique préférée était l'aquarelle. Maria Langer-Scheller a été membre de diverses associations d'artistes, dont l'Association des artistes allemands, l'Association des artistes de Munich, le GEDOK et l'Association des artistes de Dachau. En 1919, elle devient l'une des co-fondatrices du groupe d'artistes de Dachau, qui organise la première exposition d'artistes dans cette ville. En plus de son travail d'artiste, elle a écrit des poèmes et des histoires, qu'elle a publiés dans des quotidiens, les complétant souvent avec des coupures de papier et des dessins.
Lotte Laserstein était une peintre germano-suédoise et une représentante exceptionnelle du réalisme allemand.
Lotte a étudié à la prestigieuse Académie des beaux-arts de Berlin et est devenue une peintre réaliste accomplie, recevant la médaille d'or de l'Académie pour son travail. Sa première exposition a eu lieu en 1930 dans une galerie berlinoise. Laserstein travaille en partie dans la peinture figurative, a des apprentis et illustre des textes d'anatomie pour gagner de l'argent. Elle peint également des portraits de femmes cosmopolites et émancipées, ainsi que des autoportraits.
Le régime national-socialiste contraint l'artiste à quitter l'Allemagne en 1937 et à émigrer en Suède. Sa mère est morte dans un camp de concentration. Lotte Laserstein a vécu à Stockholm jusqu'à la fin de sa vie, créant plus de cinq décennies d'œuvres, outre des autoportraits expressifs, de nombreuses images en mouvement d'autres immigrants, des paysages ruraux et des scènes urbaines en Suède.
Lotte Laserstein est devenue membre de l'Académie suédoise des beaux-arts et a acquis une réputation de portraitiste populaire et respectée. Son œuvre compte environ 10 000 œuvres.
Johann Baptist Maier était un artiste commercial et peintre allemand. En 1905, il est lauréat d'un concours de conceptions publicitaires pour une publicité conjointe des entrepreneurs Ludwig Stollwerck et Otto Henkell. Maier a conçu un certain nombre de couvertures pour le magazine Die Dame et le calendrier du livre de 1922. Maier a travaillé à Munich de 1909 à 1942. Il a été membre du deuxième groupe The Six et de la Nouvelle Association des affichistes de Munich. Johann Baptist Maier a conçu des affiches pour le Marco Polo Tee, pour le Kieler Herbstwoche, pour le Fliege Blatter, Sporthaus Schuster Munich, entre autres. Entre 1906 et 1925, il a fourni près de 700 dessins pour le Meggendorfer-Blätter.
Édouard Manet, né à Paris en 1832, est un peintre et graveur français qui a joué un rôle majeur dans la transition de la peinture du réalisme à l'impressionnisme. Manet a rompu avec les traditions académiques en peignant des scènes de la vie moderne et en utilisant une technique de pinceau libre qui a influencé les générations futures d'artistes. Sa famille, aisée et bien connectée, espérait qu'il suivrait une carrière en droit, mais Manet a choisi de se consacrer à l'art après avoir échoué à deux reprises dans l'examen d'entrée à la marine. Il a étudié sous la tutelle de Thomas Couture et a passé du temps à copier les œuvres des maîtres au Louvre. Ses voyages en Allemagne, en Italie et aux Pays-Bas ont enrichi son style, marqué par les influences de Frans Hals, Diego Velázquez et Francisco José de Goya.
Manet est célèbre pour ses œuvres provocatrices, notamment "Le Déjeuner sur l'herbe" et "Olympia", qui ont provoqué des scandales publics et critiqués pour leur traitement non conventionnel du nu et leur remise en question des normes sociales. "Le Déjeuner sur l'herbe" a été refusé par le Salon de Paris, ce qui a mené à sa présentation au Salon des Refusés, attirant à la fois admiration et critique. "Olympia", quant à elle, a été critiquée pour sa représentation crue d'une prostituée, marquant un tournant dans la manière dont la nudité était représentée dans l'art.
Les contributions de Manet à l'art moderne ne se limitent pas à ses sujets controversés mais incluent également son utilisation audacieuse de la lumière et de la couleur, ainsi que sa capacité à capturer l'essence de la vie urbaine de Paris. Ses œuvres sont conservées dans de grands musées à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'histoire de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Manet offre une fenêtre fascinante sur les changements culturels et artistiques de la fin du XIXe siècle. Son audace dans le choix des sujets et sa technique innovante continuent d'inspirer et de provoquer le débat.
Si vous êtes passionnés par l'art et souhaitez rester informés des dernières ventes de produits et événements d'enchères liés à Édouard Manet, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles perspectives sur son travail et son influence sur l'art moderne.
François Maret, également connu sous le nom de Frans van Ermengem ou Frans Ermengem, était un poète, peintre et critique d'art belge. Il a été reconnu pour son rôle de rédacteur à la Tribune dramatique et pour son soutien indéfectible au général Franco pendant la guerre civile espagnole.
Maret a traduit des ouvrages de critique d'art néerlandais et a écrit des volumes de poésie, qu'il a souvent illustrés sous un pseudonyme. Il a également créé de nouvelles illustrations pour des livres de Charles Baudelaire et Charles van Lerberghe.
Oskar Martin-Amorbach était un peintre allemand. Après avoir terminé ses études et s'être marié, Martin-Amorbach s'installe à Samerberg dans le Chiemgau, où il devient le plus jeune membre de l'association d'artistes "Die Welle". Il est devenu plus public grâce à sa fresque du palais de verre de Munich. En 1937, il rejoint le NSDAP. Le 16 juillet 1939, il reçoit le titre de professeur à Munich. En 1943, il est nommé professeur de peinture d'histoire à l'Académie des beaux-arts de Berlin. Le style de peinture et la sélection des motifs dans les œuvres de Martin-Amorbach étaient prédestinés à être appropriés par la politique artistique nationale-socialiste. Les motifs ruraux et ruraux et les représentations de la guerre étaient des thèmes qui revêtaient une importance particulière pour l'idéologie nazie. Le genre paysan, dépeint dans le style d'une nouvelle objectivité à la manière de Wilhelm Leibl et de Franz von Defregger, visait à dépeindre la paysannerie comme la « source du sang et de la vie » et l'épine dorsale du « pouvoir populaire allemand » et de la « puissance nationale ». attitude". Les images Le Semeur et La Moisson répondaient parfaitement à ces orientations idéologiques. Martin-Amorbach a également contribué aux thèmes de la guerre avec, entre autres, le tableau You Drive Death. Sa popularité dans le Troisième Reich a mis à rude épreuve son travail artistique ultérieur après 1945. En 1950, l'évêque Julius Döpfner lui a chargé de réviser et de compléter les fresques de l'église Neumünster à Würzburg, qui avait été gravement endommagée par le bombardement de Würzburg. Martin-Amorbach a réalisé ce travail en 1950/51.
Richard E. Miller était un peintre impressionniste américain et membre de la colonie Giverny des impressionnistes américains. Miller était avant tout un peintre figuratif, connu pour ses peintures de femmes posant langoureusement dans des intérieurs ou des extérieurs. Miller a grandi à Saint-Louis, a étudié à Paris, puis s'est installé à Giverny. À son retour en Amérique, il s'installe brièvement à Pasadena, en Californie, puis dans la colonie artistique de Provincetown, dans le Massachusetts, où il restera pour le reste de sa vie. Miller était membre de la National Academy of Design de New York et un peintre primé de son époque, honoré en France et en Italie, et lauréat de la Légion d'honneur française. Au cours des dernières décennies, il a fait l'objet d'une exposition rétrospective et son travail a été largement reproduit dans des catalogues d'exposition et présenté dans un certain nombre de livres sur l'impressionnisme américain.
George Morren ou Georges Morren était un peintre, sculpteur, impressionniste et graveur belge. Le peintre et ami de la famille Emile Claus qui lui enseignait ainsi qu'à ses frères plusieurs fois par semaine a été son premier mentor. Il a commencé à travailler dans un style impressionniste. À l'été 1892, évitant le processus de peinture raccourci associé au néo-impressionnisme, il commence à travailler de manière plus spontanée, créant plus d'espace pour les émotions. Il est devenu l'un des plus fervents admirateurs des impressionnistes français. Après trois ans à Paris, il revient à Anvers où il participe à plusieurs groupes d'avant-garde. Morren a créé des peintures inondées de lumière, exposées aux foires La Libre Esthétique à Bruxelles, la 'Vie et Lumière', et à de nombreuses expositions internationales. Vers 1913, il entre dans une nouvelle période de création. Les couleurs de ses nouvelles œuvres étaient plus discrètes. Il a utilisé des pigments bruts râpés et des pastels. Morren est resté fidèle aux idéaux impressionnistes et n'a pas participé aux nouvelles tendances, telles que le cubisme ou l'expressionnisme. Il a traité des scènes de la vie quotidienne, des intérieurs, des natures mortes, des paysages et des portraits. Sa palette s'assombrit et ses peintures développent une solennité et une clarté d'expression.
Richard Müller était un peintre et graphiste allemand. Son talent artistique s'est révélé très tôt. En 1893, il devient peintre indépendant à Dresde. À l'automne 1894, Müller expose pour la première fois des études de paysages et d'animaux au salon d'art d'Ernst Arnold.En 1895, il rencontre Max Klinger, qui l'encourage à étudier les techniques de gravure. En 1896, il est représenté par Arnold à l'exposition "Dessins à la main des artistes allemands" et remporte le Grand Prix de Rome de l'Académie prussienne des Arts, doté de 6000 marcs d'or, pour sa gravure "Adam et Eve". En 1900, il reçut un poste de professeur à l'académie, entre-temps aussi connue à Dresde que Klinger. Müller était très apprécié en tant que peintre à l'époque national-socialiste.
Edvard Munch, peintre et graphiste norvégien, est reconnu mondialement pour son influence majeure sur l'expressionnisme et le symbolisme au tournant du XXe siècle. Né en 1863 dans un milieu modeste marqué par la maladie et la mort prématurée de proches, Munch a développé une sensibilité artistique profonde, explorant des thèmes psychologiques et existentiels avec une intensité émotionnelle rare. Son œuvre la plus célèbre, Le Cri (1893), symbolise l'angoisse spirituelle moderne, une figure torturée se tenant la tête face à un ciel tumultueux, et est devenue une icône de l'art moderne.
Munch a vécu une vie marquée par des périodes de maladie mentale, notamment un effondrement nerveux en 1908, qui l'a conduit à adopter un mode de vie plus sain et à recevoir un traitement qui a stabilisé sa personnalité. Malgré ces défis, il a connu une période de succès professionnel et financier, recevant de nombreuses commandes et exposant ses œuvres dans divers musées et collections. Les dernières décennies de sa vie ont été passées dans un isolement relatif, se consacrant à la peinture dans ses propriétés, loin des tumultes de la vie publique.
L'impact de Munch sur l'art et la culture va au-delà de ses peintures; il a également exploré la photographie et la gravure, contribuant à enrichir l'expression artistique de son époque. Les thèmes de l'amour, de la mort, de la solitude et de l'angoisse traversent son œuvre, offrant une réflexion sur la condition humaine qui résonne encore aujourd'hui. Ses œuvres sont conservées dans les plus grands musées du monde, telles que Madonna, L'Enfant malade, et bien sûr Le Cri, témoignant de la portée universelle de son art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Munch demeure une source d'inspiration et d'étude infinie. Son approche novatrice de la couleur, son exploration audacieuse des états psychologiques et sa capacité à capturer l'essence de l'expérience humaine font de lui une figure incontournable de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Edvard Munch, pour enrichir votre collection et approfondir votre connaissance de ce géant de l'art.
Otto Nückel est un peintre, graveur, illustrateur et caricaturiste allemand. Avec Frans Masereel et Lynd Ward, il est l'un des pionniers d'un style de roman graphique ne comportant qu'un minimum de mots, et illustré seulement par des gravures sur plomb. Après un court séjour à Fribourg-en-Brisgau, il s'installe à Munich en 1911. Au cœur de la Sécession de Munich, il croise de nombreux artistes, reçoit l'enseignement de Heinrich Knirr et de Leopold Durm, admire Alfred Kubin, et se passionne aussi bien pour la peinture que pour la gravure sur bois. Sa production se caractérisant par un style expressionniste appuyé. En 1926, il produit une suite graphique, Destin, une narration sans mot réalisée en gravure sur métal composée de 190 vignettes qui constitue sans doute son chef-d'œuvre livresque.
Jerry Duane Ott est un artiste américain. Il est surtout connu pour son travail de photoréalisme et son utilisation créative des surfaces de peinture. Il était l'un des principaux peintres de l'école de peinture photoréaliste qui a émergé dans les années 1960. Jerry Ott est également un véritable maître aérographe. Au début des années 1970, JOtt a fait l'objet d'une grande attention dans sa carrière en tant que celle qui s'occupait exclusivement de la figure nue. L'un de ses derniers développements techniques consiste en des peintures enroulées sur des surfaces bidimensionnelles et tridimensionnelles. Ils vont de dessins de quelques centimètres de large à des assemblages sculpturaux de plus de cinq pieds de haut et huit pieds de long. Le travail d'Ott a trouvé une renommée internationale. Ses peintures réalistes apparaissent dans les capitales de l'art de l'Europe, du Japon et aussi loin que la Nouvelle-Zélande.
Wolf Panizza était un peintre allemand. Entre 1919 et 1924, il étudie le dessin à l'Académie des Beaux-Arts de Munich avec Hermann Groeber et Franz von Stuck. En 1929, il cofonde le groupe de peintres "Die Juryfreie", auquel appartient également Günther Graßmann. A l'époque du « Troisième Reich », son art est jugé de manière incohérente. En 1936, il expose plusieurs œuvres au salon de propagande "Les rues d'Adolf Hitler dans l'art" et en 1937, il est représenté avec une peinture monumentale dans le pavillon allemand de l'Exposition universelle de Paris, pour laquelle il reçoit une médaille d'or. Dans le même temps, deux de ses œuvres ont été retirées des collections de peinture de l'État bavarois et de la galerie municipale de Nuremberg comme "dégénérées" et détruites.
Robert Pudlich était un graphiste, peintre, illustrateur et scénographe allemand de la génération perdue. Son art a été influencé par la Nouvelle Objectivité. Pudlich appartenait à l'environnement de la marchande d'art Johanna Ey. Il était membre de la Sécession rhénane et de l'Association allemande des artistes. En 1936, il participe à l'exposition nazie West Front à Essen. En 1937, ses œuvres sont classées comme art dégénéré. Après la Seconde Guerre mondiale, à partir de 1947, Pudlich conçoit des décors et des costumes pour des productions de Gustaf Gründgens à Düsseldorf et Hambourg ainsi que pour l'Opéra municipal de Berlin. Pendant ce temps, il a créé une série de peintures murales monumentales, par exemple pour l'Opéra de Düsseldorf. En 1955, il accepte un poste de professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf.
Pierre-Auguste Renoir, peintre français né le 25 février 1841 à Limoges et décédé le 3 décembre 1919 à Cagnes-sur-Mer, est une figure emblématique de l'impressionnisme, mouvement artistique qui a révolutionné la peinture au XIXe siècle. Renoir a été influencé par les peintres français du XVIIIe siècle tels que Fragonard et Boucher, ainsi que par des artistes contemporains comme Ingres, Courbet, Manet et Monet. Sa contribution à l'art va bien au-delà de ses toiles impressionnistes; il a également exploré d'autres genres tels que le portrait, le nu, la peinture mythologique, le paysage, l'art animalier et la nature morte. Renoir était connu pour sa capacité à capturer la lumière et le mouvement, rendant ses œuvres vivantes et pleines de joie. Son intérêt particulier pour la représentation de scènes de la vie quotidienne et de nus féminins témoigne de sa quête incessante de beauté et de sensualité.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Bal du moulin de la Galette", "Jeunes filles au piano" et "Rose et bleu", qui illustrent parfaitement sa maîtrise de la couleur et de la lumière, ainsi que son habileté à capturer l'essence de la vie parisienne de son époque. Ces peintures sont admirées pour leur composition dynamique et leur capacité à évoquer une atmosphère à la fois intime et joyeuse.
Renoir a laissé derrière lui environ quatre mille tableaux, témoignage de sa prodigieuse carrière et de son dévouement à son art. Ses œuvres sont conservées dans les plus grands musées du monde, comme le Musée d'Orsay à Paris, le National Gallery of Art à Washington, D.C., et le Museum of Fine Arts à Boston, rendant son héritage accessible à un large public.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Renoir représente non seulement un investissement de valeur mais aussi l'acquisition d'une part de l'histoire de l'art impressionniste. Son approche unique de la peinture et son influence sur les générations suivantes d'artistes continuent d'inspirer et d'émerveiller.
Nous invitons tous ceux qui sont passionnés par l'art et particulièrement par l'œuvre de Renoir à s'inscrire pour recevoir des mises à jour concernant les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères relatifs à cet artiste exceptionnel. Ne manquez pas l'opportunité d'enrichir votre collection avec des pièces d'un des maîtres de l'impressionnisme.
Betsy Repelius était une peintre de genre hollandaise. De 1873 à 1876, elle est inscrite à la Rijksakademie van beeldende Kunsten, où son professeur principal est August Allebé. Elle a également étudié l'aquarelle avec Nicolaas van der Waay, qui est également devenu un ami proche. En 1875, elle devient membre des "Arti et Amicitiae" et après 1878, elle participe régulièrement à leurs expositions.
Carlo Pietro Sigismund Righini était un artiste-peintre et un politicien suisse.
Libéré de tout souci financier, Righini déploya une activité artistique incessante. Des voyages de peinture l'ont mené en 1903 en Hollande, en Belgique et au Luxembourg, ainsi qu'en Angleterre en 1910. Il présenta ses œuvres lors d'expositions nationales et internationales. Après 1920, Righini n'a plus fait connaître son art au public, mais s'est lancé dans la politique artistique.
Depuis 1904, Righini était membre puis président d'honneur de la Société des peintres, sculpteurs et architectes suisses (GSMBA). En 1921, il fut élu président central. Depuis 1915, il était membre de la Commission fédérale des beaux-arts et en devint le vice-président de 1923 à sa mort. Sa correspondance avec Cuno Amiet, Max Buri, Giovanni Giacometti, Ferdinand Hodler et bien d'autres témoigne de son attachement à la communauté artistique suisse. Au Kunsthaus de Zurich, il a été le moteur d'expositions d'art moderne.
Juana Romani, née Carolina Carlesimo, est une portraitiste française d'origine italienne.
Jeune fille, elle pose pour des sculptures et des peintures à Paris, où sa famille a déménagé d'Italie, puis décide de se peindre elle-même et change de nom. Les contemporains considéraient Romani comme un maître du portrait féminin, car elle représentait des femmes en costumes historiques, énigmatiques et fabuleuses.
L'un des portraits de Romani a reçu la médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1889.
