Performance art Art contemporain
Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Trisha Baga est une artiste américaine qui travaille sur différents supports, notamment des installations vidéo, des sculptures, des peintures et des installations audio. Elle est connue pour ses expériences avec la technologie et utilise souvent la voix et le corps dans son travail.
Ses œuvres sont souvent interactives et combinent différents éléments tels que des projections, des sons, des objets et des mouvements. Elle est également connue pour son utilisation d'éléments privés tels que les téléphones portables pour créer des œuvres d'art uniques et personnelles.
Trisha Baga puise dans l'héritage de la sculpture, de la peinture, de la musique, de la photographie et de la littérature. Parmi les sujets et les thèmes qu'elle explore figurent les événements contemporains, le culte des héros et des célébrités, et l'histoire collective. Les installations de Baghi comprennent souvent un film, composé de montages et de collages d'images et de photographies trouvées, empilées de manière à ce que certaines images en cachent d'autres ; les films sont projetés directement sur le mur, par-dessus des objets personnels et des déchets de son atelier, de manière à ce qu'ils projettent des ombres sur la projection.
Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de Los Angeles, au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise.
Frank Balve est un artiste conceptuel allemand.
Il réalise des peintures, des photographies, des sculptures, des performances et des films, et son travail s'inspire souvent d'œuvres littéraires, de Dante au Marquis de Sade. Balve peint ses images, les construit en pierre ou en papier, les met en scène devant la caméra et les traduit en langage. Dans des installations spéciales, il combine ses travaux pour créer des espaces d'expérience que le spectateur doit traverser.
Mary Hilde Ruth Bauermeister est une artiste allemande. Elle est une des rares femmes de l'avant-garde artistique d'après-guerre, une des précurseures du mouvement Fluxus et a influencé toute une génération d'artistes. Son œuvre multiforme comporte des textes, dessins floraux, compositions musicales, tableaux mystiques, boîtes à lentilles, boîtes de verre.
Kevin Beasley est un artiste américain qui travaille dans les domaines de la sculpture, de la performance et de l'installation sonore. Il vit et travaille à New York. Beasley a participé à la Biennale du Whitney Museum of American Art en 2014 et à l'exposition Greater New York du MoMA PS en 2015.
Mirella Bentivoglio est une peintre, sculptrice et poète italienne, représentante de la poésie concrète visuelle.
Après une formation d'historienne de l'art et d'artiste en Italie, en Suisse et en Angleterre, elle rejoint dans les années 1960 le mouvement de la poésie concrète et commence à utiliser des éléments de l'alphabet pour créer des images évocatrices. Quelques années plus tard, Bentivoglio s'intéresse de plus en plus à la sculpture, transformant les lettres en formes tridimensionnelles. Dans nombre de ses œuvres ultérieures, deux images - un livre et un œuf - sont devenues récurrentes.
Thomas Bernstein est un artiste visuel et professeur d'art allemand. De 1978 à 1985, il étudie à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Outre des œuvres figuratives sur papier, le sculpteur, dessinateur et performeur crée également des sculptures anthropomorphes à partir de divers matériaux, principalement du silicone. Le thème dominant de ses performances est le mouvement, le quotidien et l'absurde. Alors que ses œuvres picturales portent sur des questions de communication humaine, il montre des formes abstraites liées au corps dans ses sculptures. On les retrouve dans ses dessins figuratifs de manière plus naturaliste.
Wolfgang E. Biedermann, peintre abstrait et graphiste allemand, a commencé son parcours artistique sous la direction d'Ursula Mattheuer-Neustädt. Il a étudié à l'Académie des Arts Visuels de Leipzig et a travaillé comme artiste indépendant à Leipzig. La carrière artistique de Biedermann s'étend de 1960 à 2008, au cours de laquelle il développe sa propre technique, créant des peintures abstraites et des œuvres sur papier en utilisant diverses méthodes d'impression. Il a largement exposé ses œuvres en Allemagne et à l'étranger. Biedermann a également participé à des événements et des performances avec le groupe d'artistes "Clara Mosch" et a collaboré à des installations expérimentales en plein air appelées "Pleinairs".
Jonathan Borofsky est un artiste américain connu pour ses sculptures et installations publiques qui explorent les thèmes de la conscience humaine, de l'individualité et de l'interconnexion.
Borofsky a étudié à l'université Carnegie Mellon et à l'université de Yale. Dans les années 1970, il est reconnu pour ses œuvres conceptuelles et ses performances, qui intègrent souvent des éléments de langage, de texte et de répétition.
Dans les années 1980, Borofsky a commencé à créer des sculptures publiques à grande échelle, dont beaucoup représentent des figures ou des silhouettes humaines. L'une de ses œuvres les plus célèbres est "Molecule Man", une sculpture de 100 pieds de haut composée de trois figures interconnectées et située à Berlin, en Allemagne.
Les œuvres de Borofsky ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre Georges Pompidou de Paris et au Musée national d'art contemporain de Séoul. Il a également créé des œuvres d'art publiques dans des villes telles que New York, Tokyo et Tel Aviv.
Outre son art, Borofsky est connu pour son intérêt pour la méditation et la spiritualité, qu'il intègre souvent dans son travail. Il a publié plusieurs livres sur ces sujets.
Borofsky continue de vivre et de travailler à Ogunquit, dans le Maine, où il entretient un studio et crée de nouvelles œuvres d'art.
Mark Boyle est un artiste écossais de l'underground britannique.
Depuis 1985, il forme avec sa femme Joan Hills et leurs enfants Sebastian et Georgia un groupe d'art co-créatif appelé The Boyle Family. La famille Boyle a expérimenté différentes techniques et différents styles. Ils ont notamment réalisé des performances et des événements, des films et des projections, des enregistrements sonores, des photographies, des microphotographies électroniques, des dessins, des assemblages, des peintures, des sculptures et des installations.
Cependant, leur projet à long terme le plus connu reste Journey to the Earth's Surface (Voyage à la surface de la terre), qu'ils ont commencé en 1964 et qui constitue un continuum d'œuvres étranges et intéressantes. Ces peintures - des moulages dessinés très précis, à mi-chemin entre la peinture et la sculpture - sont des recréations minutieuses de sections de la surface de la terre choisies au hasard, en utilisant de la résine et de la fibre de verre, ainsi que des matériaux réels collectés sur le site étudié.
Kerstin Brätsch est une artiste visuelle contemporaine allemande qui crée souvent des œuvres à grande échelle, très abstraites, combinant plusieurs médias. Elle a étudié à l'université d'art de Berlin et à l'université Columbia de New York et a obtenu un master en beaux-arts en 2007. Elle vit et travaille actuellement à New York.
Brecht crée des œuvres de grande taille qu'elle expose d'une manière particulière. Elle s'éloigne le plus possible de la forme standard d'exposition des œuvres d'art. Elle accroche ses œuvres à des aimants, les insère dans des cadres en verre double et les adosse au mur, les laissant à même le sol. Cette méthode de présentation particulière lui permet d'intégrer un peu d'art de la performance dans ses œuvres visuelles.
En 2014, Bratsch a reçu le prix August Macke. En 2017, elle a reçu la deuxième édition du prix Edvard Munch Art Prize, qui consiste en un prix en espèces et en une exposition personnelle au musée Munch en 2019.
Micha Brendel est un artiste allemand qui vit et travaille à Hohendorf en Basse-Lusace.
Brendel a commencé sa carrière en tant qu'assistant artiste, puis a étudié à la Kunsthochschule Berlin-Weißensee et à la HfBK de Dresde. Il a été l'un des fondateurs de l'association Auto-Perforations-Artisten et rédacteur en chef de magazines indépendants destinés aux artistes.
Les premières œuvres de Brendel sont centrées sur des autoportraits et des photographies de son propre corps, déformées par des techniques photographiques. Il a également fait un usage intensif de matières organiques, notamment d'os et de peau d'animaux, dans la création d'une grande variété d'œuvres. Le thème commun est l'autodestruction et l'aliénation, le choc et le dégoût. Brendel a écrit des comptes rendus détaillés de son processus de création, qui ont servi de base à des livres.
L'œuvre de Brendel, qui dépasse souvent les frontières, comprend des dessins, des photographies, des inscriptions, des livres d'artiste, des objets de taxidermie, des installations et des performances. Il intensifie actuellement son travail sur l'écriture et la nature et organise des projets d'exposition.
Guillaume Bruère est un peintre, dessinateur, sculpteur et performeur français. Il vit et travaille à Berlin.
Diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes (DNSEP) en 1999, puis de l’École européenne supérieure de l’image à Poitiers en 2003, Guillaume Bruère s’installe la même année à Berlin où il vit depuis.
Fasciné par les artistes majeurs de l’histoire de l’art (Holbein, Dürer, Rembrandt, Goya, Van Gogh, Giacometti, Picasso, Bacon), Guillaume Bruère travaille à partir 2009 dans de nombreux musées et institutions prestigieuses (par exemple Kunsthaus Zurich, Musée Picasso Paris, Fondation Vincent Van Gogh Arles) à réinterpréter leurs œuvres, notamment par le dessin.
De sa confrontation avec l’art du passé (art égyptien, grec, mexicain, héraldique, etc.), surgit, par la couleur, l’expressivité de son geste, la sureté de son trait, le collage, un univers singulier, dense, d’une vitalité extraordinaire qui se retrouve dans nombre de ses dessins, mais aussi dans sa peinture, sa sculpture et ses performances.
Tania Bruguera Fernández est une artiste-plasticienne cubaine qui se consacre à la performance et à l'art vidéo. Elle partage son temps entre Chicago et sa ville natale.
Plusieurs de ses œuvres, dont Estadística (1996), se trouvent au Musée national des beaux-arts de Cuba.
Lee Bul (coréenne : 이불) est une artiste sud-coréenne contemporaine spécialisée dans les arts visuels, les installations et les performances. Elle est connue pour ses œuvres provocantes et stimulantes qui explorent des thèmes tels que l'identité, la technologie et le corps humain.
Lee Bul a étudié la sculpture à l'université Hongik de Séoul et a obtenu sa maîtrise en beaux-arts dans la même institution en 1987. Elle s'est imposée comme une artiste de premier plan dans les années 1990 et a depuis exposé ses œuvres dans les principaux musées et galeries du monde entier.
L'une de ses œuvres les plus connues est "Majestic Splendor", une installation à grande échelle créée en 1991 qui présente une série de formes sculpturales fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, le fil de fer et les perles. L'œuvre s'inspire des visions utopiques de l'architecture et du design modernistes, mais incorpore également des éléments de décomposition et de fragmentation.
Ces dernières années, Lee Bul a continué à créer des œuvres qui interpellent et engagent le spectateur. Par exemple, son installation de 2017 "Willing To Be Vulnerable" présente une série de sculptures abstraites réalisées à partir de matériaux tels que le cristal, le métal et le cuir, qui sont disposées dans une structure labyrinthique que les spectateurs peuvent traverser. L'œuvre explore les thèmes du pouvoir et de la vulnérabilité et encourage les spectateurs à réfléchir à leurs propres relations avec ces concepts.
Les œuvres de Lee Bul ont été exposées dans des institutions majeures telles que le musée Guggenheim de New York, le Centre Pompidou de Paris et le musée d'art moderne de Tokyo. Elle a également reçu de nombreux prix et distinctions, dont le prix UNESCO 2001 pour la promotion des arts et le prix Ho-Am 2017 pour les arts.
Fran Bull est un sculpteur, peintre et graveur américain vivant et travaillant à Brandon, Vermont et Barcelone, Espagne. Bull s'est fait connaître à l'origine pour ses peintures photoréalistes réalisées au milieu des années 1970 et 80. À la fin des années 1980, l'art de Bull commence à évoluer vers l'abstraction ou l'expressionnisme néo-abstrait. Stimulée par sa nouvelle approche de la peinture, au milieu des années 1990, Bull a commencé à explorer d'autres médias. Depuis lors, sa production artistique comprend l'art de la performance, la sculpture, les techniques mixtes et la gravure, ainsi que la peinture. Elle a été particulièrement prolifique dans le domaine de la gravure. Bull a produit de nombreuses séries diverses de gravures qui continuent d'être exposées dans le monde entier.
John Milton Cage Jr. est un compositeur, philosophe, poète, musicologue et artiste américain. Cage est considéré comme l'une des figures de proue du mouvement d'avant-garde de l'après-guerre.
Né aux États-Unis, il a étudié l'architecture en Europe, mais a trouvé la musique et la peinture plus intéressantes et y a connu un succès spectaculaire. John Cage est considéré comme un pionnier de l'incertitude en musique et de l'utilisation peu orthodoxe d'instruments, et il est très apprécié pour ses peintures et ses gravures. Il a également joué un rôle crucial dans le développement de la danse moderne et de l'art de la performance.
Son père, John Milton Cage (1886-1964), était un inventeur.
Yoan Capote est un sculpteur cubain. Durant la 7e édition de la Biennale de La Havane, il a reçu le prix UNESCO avec le collectif d’artistes DUPP (Desde una Pragmática Pedagógica).
Yoan Capote est considéré comme un artiste prometteur, que ce soit à Cuba mais aussi à travers le monde. Son travail — perçu comme «provocateur», «irrévérencieux» et «anti-conformiste» par bon nombre de critiques — traite essentiellement des interactions qui peuvent exister entre les individus et les objets.
Mario Ceroli est un sculpteur et scénographe italien.
Son travail se concentre sur des silhouettes incolores, parfois répétées en série, liées à l'espace qui devient le thème principal, ou dessinées à la détrempe et à l'encre. Les formes comprennent des lettres, des chiffres, la géométrie et des objets, qui peuvent être rattachés à des études de pop art et à des réinterprétations des grands classiques de l'histoire de l'art.
Peter Coffin est un artiste américain. Il est connu pour ses œuvres conceptuelles et interdisciplinaires qui explorent la relation entre l'homme et le monde naturel.
Les œuvres de Coffin intègrent souvent un éventail de médias, notamment la sculpture, la peinture, la photographie, la vidéo et la performance. Il aborde souvent des concepts scientifiques et philosophiques, tels que la nature de la perception et la relation entre l'homme et l'animal.
Les œuvres de Coffin ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, D.C., au Whitney Museum of American Art à New York et au Centre Pompidou à Paris.
Il a reçu de nombreux prix et subventions pour son travail, notamment une bourse Guggenheim en 2013. Le travail de Peter Coffin est réputé pour sa capacité à combler le fossé entre l'art et la science, et à encourager les spectateurs à réfléchir de manière critique à leur place dans le monde.
Peter Coffin vit et travaille à Londres.
Matthew Darbyshire est un artiste britannique. Il est connu pour ses œuvres multimédias qui explorent la culture de consommation contemporaine et l'environnement bâti.
Darbyshire travaille souvent la sculpture, l'installation et la photographie, en utilisant des matériaux tels que le béton, le métal et le plastique. Son travail fait souvent référence à l'esthétique de l'architecture et du design modernistes, et il incorpore fréquemment des objets trouvés et des images de la culture populaire dans ses œuvres.
En 2014, Darbyshire a créé la sculpture en polystyrène Hercule, qui est une imitation de l'Hercule de Farnèse. Le choix délibéré d'un matériau blanc a été interprété comme une perpétuation du colorisme dans la façon dont nous voyons et comprenons la sculpture classique.
Les œuvres de Darbyshire ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment à la Tate Britain de Londres, au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. En 2015, il a été sélectionné pour le prix Hepworth de sculpture.
Son travail est réputé pour son engagement critique vis-à-vis de la culture de consommation et de l'environnement bâti, ainsi que pour son utilisation de l'humour et du jeu afin d'explorer des questions sociales et culturelles complexes.
Ellen Kristina Abelli Elander est une artiste, illustratrice et sculptrice suédoise.
Elle a fait ses études à la Birkagårdens folkhögskola et, au début de sa carrière artistique, elle s'intéressait au monstrueux et au morbide, au grotesque et au cannibalisme. Plus tard, la figure de l'extraterrestre apparaît et devient centrale dans l'œuvre d'Elander, participant à la vie humaine d'une manière ou d'une autre.
L'artiste utilise la peinture, le dessin, la sculpture textile et la céramique pour exprimer ses idées, crée des installations spatiales et dessine également des bandes dessinées.
Eva et Adele sont un couple d'artistes allemandes vivant à Berlin. Elles sont surtout connues pour leurs performances, mais sont également présentes dans des expositions avec des œuvres matérielles depuis 1997. En plus d'apparaître en public, elles travaillent avec les médias que sont la photographie, la vidéo et la peinture.
Daniel Firman est un artiste visuel et un sculpteur français.
Dans ses sculptures, Firman cherche à construire la présence de concepts amorphes tels que le temps, l'équilibre, le poids, l'action et la gravité.
Toujours centré sur le corps, Firman a également exploré l'art de la performance — notamment des œuvres chorégraphiées dans lesquelles il construit des enceintes autour de lui — et créé des installations sonores immersives et bouleversantes de "Drone Music".
Les œuvres de Firman font partie de grandes collections dans le monde entier. L'artiste vit et travaille à Bordeaux et à New York.
Wolfgang Flatz est un artiste contemporain autrichien, scénographe, musicien et compositeur. Il vit et travaille actuellement à Munich, en Allemagne.
Après s'être engagé dans des mouvements artistiques contemporains tels que Heppening et l'actionnisme viennois, Flatz crée des œuvres en utilisant une variété de médias - peinture, sculpture, performance, vidéo, ordinateur, film, photographie, théâtre, musique, design et architecture. Les sujets abordés sont le voyeurisme, le corps, la violence, l'agression, la douleur, l'amour, la politique et l'interaction avec le public.
Sylvie Fleury est une artiste contemporaine suisse, connue pour ses installations.
Les œuvres de Sylvie Fleury s'appuient généralement sur l'exposition d'objets a priori investis dans la société d'une forte valeur esthétique et d'un attachement sentimental (voir sexuel ou fétichiste).
Alison Erika Forde est une artiste britannique qui utilise souvent de vieux objets, des imprimés et du bois domestique mis au rebut dans ses œuvres. Elle transforme ces objets inutiles en fragments imaginaires de rêves et d'illusions. L'artiste crée un art multidimensionnel vibrant, incorporant la sculpture, la peinture et l'art de la performance.
Giuseppe Fortunato est un artiste italien polyvalent, sculpteur, designer et dessinateur. À la fin des années 1980, il a créé, avec d'autres artistes, le mouvement Images. Les célèbres toiles de Fortunato sont créées selon la technique du collage avec de l'émail sur toile, avec des éléments de surréalisme et de peinture métaphysique dans son travail.
LaToya Ruby Frazier est une artiste américaine, qui utilise divers médias comme la photographie, la vidéo, la performance et l'installation pour explorer les thèmes de la justice sociale, du changement culturel et de l'expérience américaine. Son travail s'inscrit dans la tradition du documentaire social et de la photographie conceptuelle, s'attaquant à des questions urgentes liées à la vie quotidienne.
La série emblématique de Frazier, « The Notion of Family », explore l'impact de la dégradation environnementale et économique des villes ouvrières sur sa famille à Braddock. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses institutions aux États-Unis et en Europe et font partie de collections publiques prestigieuses comme le Museum of Modern Art à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris. Frazier est lauréate de plusieurs distinctions, dont une bourse de la Fondation MacArthur en 2015.
Son engagement envers les communautés défavorisées est également manifeste dans son travail sur la crise de l'eau à Flint, Michigan, où elle a choisi de mettre en lumière l'humanité et la résilience des habitants face à l'adversité. Frazier s'identifie à des figures influentes comme Gordon Parks, utilisant sa caméra comme une arme pour lutter contre l'injustice et documenter les histoires souvent ignorées des Américains marginalisés.
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Hamish Fulton est un «artiste marcheur», dont l’œuvre s’inscrit dans la lignée de l’art conceptuel et performatif. Il vit et travaille à Canterbury, et est représenté par les galeries Maureen Paley (Londres, Grande-Bretagne), Häusler Contemporary (Munich, Allemagne), Riis (Oslo, Norvège — Stockholm, Suède), Tschudi (Zuoz, Suisse), i8 (Reykjavik, Islande).
Aaron Garber-Maikovska est un artiste contemporain. Il est connu pour son approche multidisciplinaire, qui intègre la sculpture, la performance, la vidéo et l'installation.
Le travail de Garber-Maikovska explore souvent les thèmes du pouvoir, de la violence et du corps. Il a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art à New York, au Palais de Tokyo à Paris et à la Kunsthalle Basel en Suisse.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons "The Power and the Glory", une performance dans laquelle l'artiste revêt un costume fait de viande crue et récite un monologue sur la nature du pouvoir, et "Shadow Boxing", une série de sculptures représentant des combattants engagés dans un combat violent.
Garber-Maikovska est également cofondatrice du collectif artistique Dear Reader, qui explore l'intersection de l'art et de la littérature par le biais d'expositions, de lectures et d'autres événements.
Jochen Gerz est un artiste conceptuel d'origine allemande. Il mène l’essentiel de sa carrière artistique à Paris avant de s’installer en 2008 en Irlande.
Ses travaux ne relèvent jamais d'une seule discipline artistique. Ils doivent d'abord être compris comme des œuvres in-situ où sont utilisés différents médias : écriture, photographie, vidéo, installation, mais également performance. Ses anti-monuments et son œuvre sur la mémoire l’ont fait connaître au-delà du milieu de l’art.
Todd Gray travaille la photographie, la performance et la sculpture. Artiste contemporain, il vit et travaille à Los Angeles, en Californie, et à Akwidaa, au Ghana.
Dans le catalogue de l'exposition Black is, Black Ain't à la Renaissance Society de Chicago, Amy M. Mooney écrit que "les critiques ont noté que le travail de Gray est "fluide dans l'iconographie culturelle, conduit par l'introspection, et imprégné des questions de politique d'entreprise et d'identité raciale" et que ses autoportraits déjouent la lecture traditionnelle de la ressemblance extérieure". Gray se décrit comme un artiste et un activiste qui se concentre principalement sur les questions de race, de classe, de genre et de colonialisme, et utilise ces optiques pour remettre en question les binaires du passé et du présent. En général, son travail vise à interpeller le spectateur à la fois par ce qu'il inclut et ce qu'il laisse de côté.
Doug Hall est un photographe et artiste médiatique américain, qui a reçu une reconnaissance nationale et internationale pour son travail dans une gamme de pratiques, notamment la performance, l'installation, la vidéo et la photographie numérique à grande échelle. Il a été membre du TR Uthco Collective (1970-1978). De 1981 à 2008, il a été membre du corps professoral du département des nouveaux genres du San Francisco Art Institute (SFAI). Après avoir pris sa retraite de la SFAI, il rejoint la faculté Graduate Fine Arts du California College of the Arts (CCA) de 2008 à 2015.
Susan Hefuna est une artiste germano-égyptienne qui travaille dans divers domaines artistiques.
Née de l'union d'une Égyptienne et d'un Allemand, elle s'est retrouvée au carrefour des deux cultures dans lesquelles elle a été immergée. Hefuna a terminé ses études de troisième cycle en multimédia à l'Institut des nouveaux médias de Francfort. Elle vit entre l'Égypte et l'Allemagne et travaille sur différents supports, notamment le dessin, la photographie, la sculpture, l'installation, la vidéo et la performance. Hefuna combine ses racines égyptiennes et allemandes dans son travail, utilisant l'imagerie urbaine, la typographie et les traditions des deux pays pour jeter un pont entre les deux cultures.
Le travail de Hefuna incorpore souvent la forme ou l'image d'un moucharabieh caractéristique, un écran architectural en treillis de bois ou de pierre sculpté à l'orientale.
Lothar Hempel est un artiste médiatique allemand qui vit et travaille à Berlin.
Formé à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, Lothar travaille dans un large éventail de médias, combinant l'abstrait et le figuratif dans des mises en scène dramatiques. S'inspirant d'une variété de styles - dadaïsme, constructivisme, école du Bauhaus - Hempel crée des œuvres dans les domaines de la sculpture, du dessin et de la peinture, de la vidéo, de la performance et de l'installation. Il utilise des métaphores visuelles, y compris des images ou des objets trouvés.
Lothar Hempel expose régulièrement depuis 1991.
Parker Ito est un artiste contemporain américain. Il a grandi à Long Beach, en Californie, et travaille actuellement à Los Angeles. La pratique artistique d'Ito englobe un large éventail de médias, dont la peinture, la sculpture, la vidéo, la performance et l'installation.
Ito est connu pour son exploration de l'intersection de la technologie et de l'art contemporain. Il intègre souvent des éléments numériques dans son travail, comme l'impression UV sur toile, la peinture numérique et l'impression 3D. Le travail d'Ito traite également souvent des questions d'identité, de représentation et de marchandisation de l'art.
Ito a présenté son travail dans de nombreuses expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées du monde entier.
Colette Justine, plus connue sous le nom de Colette Lumière, est une artiste multimédia américaine d'origine tunisienne, connue pour son travail de pionnière dans le domaine de la performance et du street art, et pour son utilisation de la photographie pour créer des tableaux vivants. Elle est également connue pour son travail d'exploration des rôles masculins et féminins, l'utilisation de guises et de personas, et pour ses environnements en tissu souple, où elle apparaît souvent comme l'élément central.
Anish Kapoor est un artiste plasticien (principalement sculpteur) britannique.
Les œuvres de Kapoor sont généralement simples, de formes incurvées, monochromatiques et de couleurs intenses. Le plus souvent, l'intention de l'artiste est de susciter chez le spectateur l'intérêt pour son travail sur de mystérieuses cavités sombres, étonnantes par leur taille et leur beauté épurée, tactiles, et fascinantes en raison de la réflexion de leurs surfaces. Ses premières œuvres étaient recouvertes, en totalité et sur le sol environnant, de poudres de pigments divers. Cette pratique était inspirée de son Inde natale où Kapoor voyait des tas d'épices colorées sur les marchés et les temples. Ses travaux ultérieurs s'intéressent à de massives pierres issues de carrières, et jouant avec la dualité terre-ciel, matière-esprit, lumière-obscurité, visible-invisible, conscient-inconscient, mâle-femelle et corps-âme. Ces travaux récents sont basés sur des surfaces réfléchissantes et miroirs, renvoyant au spectateur une image déformée de lui-même et de l'environnement.
Jürgen Klauke est un photographe allemand. Il vit actuellement à Cologne, où il enseigne à l'Académie des arts médiatiques (Kunsthochschule für Medien).
Dans son œuvre, Jürgen Klauke utilise un langage visuel simple: ses personnages sont souvent photographiés (que ce soit en noir et blanc ou en couleurs) devant un arrière-plan uni, ce qui donne à leurs actions ou mouvements la prépondérance sur le reste de la photographie.
Terence Koh est un artiste canadien. Il est connu pour ses œuvres provocantes et souvent controversées qui explorent les thèmes de la spiritualité, de la sexualité et de l'identité.
Koh travaille dans une variété de médias, y compris la sculpture, la performance et l'installation. Il incorpore souvent des objets et des matériaux trouvés dans ses œuvres, tels que des os, des cheveux et des paillettes.
L'une de ses œuvres les plus connues est "Gone, Yet Still", une performance dans laquelle l'artiste s'est couvert de peinture blanche et est resté immobile dans une galerie pendant des heures. L'œuvre explore les idées d'immobilité, de mortalité et de transcendance.
Les œuvres de Koh ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art de New York, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et à la Tate Modern de Londres.
Il a reçu de nombreux prix et bourses, dont le prix de la Fondation Louis Comfort Tiffany en 2007. Son travail est réputé pour ses qualités de confrontation et souvent de déstabilisation, ainsi que pour sa capacité à remettre en question les hypothèses et les croyances des spectateurs sur l'art et le monde qui les entoure.
Eva Kot'átková est une artiste d'installation et une réalisatrice tchèque qui vit et travaille à Prague.
Eva a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague, à l'Académie des arts appliqués de Prague, au San Francisco Art Institute et à l'Académie des arts de Vienne. Le travail de l'artiste combine la sculpture, le texte et la performance. Ses installations se composent généralement d'objets multiples, de dessins, de photographies, de maquettes et parfois de vidéos. Son objectif est de montrer à quel point notre vie personnelle est influencée par notre environnement social. Dans sa série en cours "Theatre of Talking Objects", Eva Kot'átková tente de trouver d'autres moyens d'expression pour ceux qui ne peuvent pas communiquer et s'intégrer de manière standard.
Elle est cofondatrice de la plateforme Anxiety Institute, qui étudie l'anxiété en tant que résultat de forces sociales, politiques, économiques et environnementales.
Elad Lassry est un artiste israélo-américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Lassry définit sa pratique comme une consommation de "photos" - des images génériques extraites de magazines d'images et d'archives cinématographiques vintage, qu'il redéploie dans une variété de médias, dont la photographie, le film, le dessin et la sculpture. Laissant peu de distance entre le commercial et l'analytique, il est parfois décrit comme un artiste de la génération post-Pictures.
Chris Levine est un artiste photographe britannique connu pour son approche interdisciplinaire de la photographie.
Chris Levine est un peintre de la lumière qui travaille sur différents supports à la recherche d'un état de perception et de conscience élargi par le biais de l'image et de la forme. La pratique de Levin à travers de multiples projets se distingue par la fertilisation croisée de nombreux domaines créatifs, dont la musique, la performance, l'installation, la mode et le design.
Il s'est fait connaître en créant le portrait sensationnel de Sa Majesté la reine Élisabeth II, basé sur la lumière et l'immobilité, une image totalement nouvelle de la femme la plus célèbre du monde.
Volker Via Lewandowsky est un artiste allemand. Il travaille avec l'installation, la sculpture, l'art des objets, la photographie, la performance, la peinture et le dessin.
Lewandowsky travaille avec des médias artistiques changeants. Ses travaux les plus connus sont ses sculptures-installations et ses scénographies d'exposition avec des influences architecturales. Depuis les années 1990 déjà, il intègre régulièrement des éléments sonores dans son œuvre. Cet aspect artistique sonore prend de plus en plus d'importance dans les travaux ultérieurs, souvent en combinaison avec des emprunts performatifs.
Sa prédilection pour le tragi-comique, l'absurde et le paradoxe ainsi que le motif sisyphéen de la répétition constante et de la futilité de l'action relient l'art de Via Lewandowsky au dadaïsme, au surréalisme et à Fluxus.
Roy Fox Lichtenstein est un peintre américain qui s'est distingué dans le mouvement artistique du Pop Art. Connu pour ses œuvres audacieuses inspirées des bandes dessinées, Lichtenstein a joué un rôle crucial dans le renouvellement de l'art contemporain.
Après avoir servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale, Roy Lichtenstein retourna à l'Ohio State University pour achever ses études en beaux-arts. Sa première exposition solo eut lieu à la Carlebach Gallery à New York en 1951, marquant le début de sa carrière artistique.
Dans les années 1960, Roy Lichtenstein s'est fortement impliqué dans le Pop Art, s'inspirant de la culture populaire, notamment des bandes dessinées, pour créer des œuvres qui combinaient à la fois l'abstraction et la représentation réaliste. Son utilisation des points Benday, une technique d'impression commerciale, est devenue sa marque de fabrique, lui permettant de donner à ses œuvres un aspect caractéristique de reproduction mécanique. Cette approche a non seulement défini son style, mais a également contribué à établir le Pop Art comme un mouvement artistique majeur.
Ses œuvres les plus célèbres, telles que « Drowning Girl » (1963), sont exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art de New York. Roy Lichtenstein a continué à explorer et à innover tout au long de sa carrière, gagnant une renommée internationale et influençant profondément le paysage de l'art contemporain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude des œuvres de Lichtenstein offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne et du Pop Art en particulier. Ses créations continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion, témoignant de l'importance durable de son héritage artistique.
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Ma Liuming (马六明) est un peintre chinois contemporain actif dans l'art de la performance. Il est surtout connu pour son exploration du pouvoir et de la poésie de la nudité publique en Chine, où ce comportement était strictement interdit. C'est pourquoi il a été la cible de la censure gouvernementale, incapable de se produire dans son propre pays pendant la majeure partie de sa carrière.
Afin de se conformer à son apparence androgyne unique, Ma Liuming a développé son propre personnage - Fen-Ma Liuming, une figure hybride composée d'éléments masculins et féminins.
Urs Lüthi est un artiste conceptuel éclectique suisse.
Diplômé de l'école des arts appliqués de Zurich, il a expérimenté différents styles et techniques, notamment la photographie, la sculpture, la performance, la sérigraphie, la vidéo et la peinture.
Urs Lüthi est connu pour placer son corps et son alter ego au centre de ses œuvres, essayant ainsi de se comprendre et de remettre la réalité en question.
