Autoportrait Art contemporain
Nuria Farre Abejon est une artiste hyperréaliste espagnole qui vit et travaille à Barcelone, en Espagne.
Ses œuvres, souvent hyperréalistes, tournent autour de sujets qui la préoccupent en tant que jeune femme : l'anxiété, la mélancolie, la famille, les souvenirs et l'identité. Au début, Nuria créait des peintures translucides à travers lesquelles elle représentait la dualité entre la vie et la mort. Plus tard, elle a exploré l'autoportrait et aujourd'hui, Nuria tente d'explorer son présent à travers des photographies tirées d'un album de famille, grâce auxquelles elle crée d'intéressants collages visuels à l'huile.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Leland Bell, peintre américain né le 17 septembre 1922 et décédé le 18 septembre 1991, fut une figure marquante de l'art du XXe siècle. Autodidacte, sa passion pour la peinture et son engagement envers les artistes qu'il admirait, tels que Karl Knaths, Jean Arp, et Piet Mondrian, ont fortement influencé le milieu artistique. Son travail initial comme gardien au Museum of Non-Objective Art (devenu plus tard le Guggenheim) lui permit de côtoyer de près les œuvres qui allaient orienter sa carrière. Au fil des années, il développa une amitié avec Jean Hélion, qui l'amena à privilégier un style plus figuratif, marquant ainsi une transition dans son œuvre vers un art représentatif enrichi par l'abstraction.
Les autoportraits de Bell, réputés pour leur intensité et leur profondeur psychologique, témoignent de sa maîtrise technique et de son habileté à capturer l'essence de son sujet. L'un de ses autoportraits les plus connus, "Standing self-portrait" (1979), illustre non seulement sa capacité à se représenter avec une grande puissance émotionnelle mais incorpore également des éléments personnels, tels que ses passions pour la peinture et le jazz, illustrant ainsi la complexité de son identité artistique et personnelle.
Bell était également reconnu pour son enseignement et ses conférences, partageant sa vision artistique avec les générations futures. Il a enseigné dans de prestigieuses institutions telles que la Parsons School of Design et l'Université de Yale, affirmant son rôle de mentor influent dans le domaine de l'art visuel. Ses œuvres, caractérisées par des lignes de contour noires, des plans de couleur audacieux, et une composition dynamique, reflètent une quête constante de poésie visuelle, au-delà des tendances de la nouveauté.
Bell a bénéficié de plusieurs résidences d'artistes à MacDowell, affirmant son engagement envers la communauté artistique et son développement personnel. Ces séjours ont non seulement permis à Bell de se consacrer pleinement à sa pratique mais aussi de s'entourer d'une communauté d'artistes partageant les mêmes idées, enrichissant ainsi sa démarche créative.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Leland Bell reste un témoignage puissant de la capacité de l'art à transcender les frontières stylistiques, en offrant une vision unique qui mélange habilement abstraction et figuration. Son legs continue d'inspirer et d'influencer le monde de l'art contemporain.
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Bernhard Johannes Blume est un photographe d'art allemand.
Bernhard Blume et sa femme Anna Blume ont réalisé de nombreuses photographies noir et blanc mises en scène, auxquelles ils ont eux-mêmes participé. Ils sont considérés comme les pionniers de la photographie mise en scène.
Micha Brendel est un artiste allemand qui vit et travaille à Hohendorf en Basse-Lusace.
Brendel a commencé sa carrière en tant qu'assistant artiste, puis a étudié à la Kunsthochschule Berlin-Weißensee et à la HfBK de Dresde. Il a été l'un des fondateurs de l'association Auto-Perforations-Artisten et rédacteur en chef de magazines indépendants destinés aux artistes.
Les premières œuvres de Brendel sont centrées sur des autoportraits et des photographies de son propre corps, déformées par des techniques photographiques. Il a également fait un usage intensif de matières organiques, notamment d'os et de peau d'animaux, dans la création d'une grande variété d'œuvres. Le thème commun est l'autodestruction et l'aliénation, le choc et le dégoût. Brendel a écrit des comptes rendus détaillés de son processus de création, qui ont servi de base à des livres.
L'œuvre de Brendel, qui dépasse souvent les frontières, comprend des dessins, des photographies, des inscriptions, des livres d'artiste, des objets de taxidermie, des installations et des performances. Il intensifie actuellement son travail sur l'écriture et la nature et organise des projets d'exposition.
James Brown est un peintre, sculpteur, dessinateur et graphiste américain. Il travaille entre Paris et Oaxaca de Juárez (Mexique). Il a atteint le sommet de sa reconnaissance dans les années 1980 avec une peinture semi-figurative et proche de l'art rupestre. Son travail a évolué au fil des ans, mais il maintient toujours l'équilibre entre tradition et modernisme, attachant une grande importance au fait-main. Il mêle dans ses œuvres des motifs de l'art tribal et des intérêts spirituels. Une grande partie de son travail est non-réaliste, mais contient des scènes ou des objets ou des signes de visages reconnaissables. La ligne entre la représentation et l’abstraction est souvent difficile à cerner dans son travail. Outre les peintures et sculptures, Brown a également produit des séries de gravures à divers moments de sa carrière, et dans les années 1990, il a commencé à utiliser massivement la technique du collage. Le dessin et d'autres œuvres uniques sur papier ont joué un rôle important dans son développement artistique et dans sa production.
Alfredo Castañeda était un peintre surréaliste mexicain.
Castañeda s'intéresse à la peinture et au dessin depuis l'enfance, mais il devient d'abord architecte, obtenant un diplôme d'architecture à l'université de Mexico. Pendant ses études, il continue à peindre comme un passe-temps, qu'il prend de plus en plus au sérieux au fil des ans. À l'université, Alfredo fait la connaissance du peintre, sculpteur et architecte Matthias Geritz, ainsi que de l'œuvre de René Magritte. Tous deux ont joué un rôle important dans la vision du monde du jeune artiste.
Après ses études, Castañeda a travaillé comme architecte et, en 1969, il a présenté sa première exposition personnelle à la Galeria de Arte Mexicano. Son œuvre a également été exposée internationalement à de nombreuses reprises aux États-Unis et dans de nombreux pays d'Amérique latine, dont le Mexique. Ses œuvres font partie de collections et de musées dans toute l'Amérique, l'Europe et l'Asie.
Alfredo Castañeda est connu pour ses peintures surréalistes, souvent des portraits. Le même personnage apparaît dans un grand nombre de ses tableaux, se révélant parfois dans de multiples versions de lui-même. Ce personnage (qui ressemble souvent à l'artiste lui-même) semble engagé dans un dialogue sans fin avec lui-même, impliquant également le spectateur.
Imogen Cunningham était une photographe professionnelle portraitiste américaine. Elle a vécu et travaillé à San Francisco.
Féministe militante — pour elle, la photographie est un métier — c'est une figure de proue de la photographie américaine du ХХe siècle, à l’œuvre vaste et diversifiée.
Sa carrière s’étend sur plus de 70 ans. Pour chaque décennie, Imogen Cunningham adapte son art aux attentes et aux défis de celles-ci.
LaToya Ruby Frazier est une artiste américaine, qui utilise divers médias comme la photographie, la vidéo, la performance et l'installation pour explorer les thèmes de la justice sociale, du changement culturel et de l'expérience américaine. Son travail s'inscrit dans la tradition du documentaire social et de la photographie conceptuelle, s'attaquant à des questions urgentes liées à la vie quotidienne.
La série emblématique de Frazier, « The Notion of Family », explore l'impact de la dégradation environnementale et économique des villes ouvrières sur sa famille à Braddock. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses institutions aux États-Unis et en Europe et font partie de collections publiques prestigieuses comme le Museum of Modern Art à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris. Frazier est lauréate de plusieurs distinctions, dont une bourse de la Fondation MacArthur en 2015.
Son engagement envers les communautés défavorisées est également manifeste dans son travail sur la crise de l'eau à Flint, Michigan, où elle a choisi de mettre en lumière l'humanité et la résilience des habitants face à l'adversité. Frazier s'identifie à des figures influentes comme Gordon Parks, utilisant sa caméra comme une arme pour lutter contre l'injustice et documenter les histoires souvent ignorées des Américains marginalisés.
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Gregory Joseph Gillespie était un peintre réaliste magique américain.
Gillespie s'est fait connaître pour ses peintures figuratives, ses paysages et ses autoportraits méticuleusement peints, souvent avec un élément fantastique. Nombre de ses premières œuvres ont été réalisées en peignant sur des photographies découpées dans des journaux ou des magazines, transformant les scènes par collage photographique et en ajoutant des éléments imaginaires. Dans ses œuvres ultérieures, il abandonne sa fascination initiale pour la création d'images réalistes hyperréalistes, pour se concentrer sur un style plus lâche et plus expressif. Il combine souvent les médias de manière peu orthodoxe pour créer des assemblages semblables à des sanctuaires.
Les œuvres de Gillespie font partie des collections du Whitney Museum, du Arkansas Arts Center et du Butler Institute of American Art, entre autres.
Rolf Gith est un peintre, dessinateur et designer allemand. Il a étudié la peinture à l'université des beaux-arts de Hambourg. Il a enseigné dans plusieurs établissements d'enseignement supérieur. Git est membre de l'Association des artistes allemands.
Rolf Git a travaillé dans différents genres : il s'est intéressé aux nus, a peint des portraits de son entourage, ainsi que de nombreux autoportraits. Depuis 1996, la couleur et la lumière sont les thèmes centraux de son travail.
Günter Wilhelm Grass est un écrivain et artiste allemand.
Lauréat du prix Nobel de littérature en 1999, Grass est principalement connu pour son roman Le Tambour.
Marquée par l'expérience traumatique du nazisme, son œuvre, baroque et ironique, puise son inspiration dans son origine germano-polonaise et condense réalisme et mythe afin d'explorer les méandres de l'Histoire, la mémoire et la culpabilité. Considéré comme l'un des plus grands écrivains allemands contemporains et le plus célèbre auteur germanophone de la seconde moitié du ХХe siècle, il est aussi remarqué pour ses prises de positions politiques à l'origine de nombreuses controverses en Allemagne et à l'international.
Oswaldo Guayasamín est un peintre, muraliste et sculpteur équatorien.
Le père d'Oswaldo était indien et la famille était très pauvre, mais le futur artiste a fait ses études à l'école des beaux-arts de Quito. Rapidement, en seulement deux ans, il crée un cycle de 103 peintures consacrées à la vie des Indiens opprimés en Amérique latine. Oswaldo Guayasamin a également peint des portraits de contemporains célèbres, dont Fidel Castro, qu'il admirait. Il a également réalisé des peintures murales, des fresques, des paysages et des images symboliques.
Les œuvres de l'artiste ont été exposées à Paris, à Moscou et à Leningrad, entre autres villes du monde, avec un succès retentissant. En 1957, lors de la quatrième biennale de São Paulo, il a été nommé meilleur artiste sud-américain.
Guayasamin était également un collectionneur passionné. En 1978, le célèbre artiste fait don à l'État équatorien de quelque 500 peintures et sculptures coloniales, de sites archéologiques précolombiens, de tableaux de Goya et de Picasso qu'il avait collectionnés.
Ulrich Hachulla est un peintre et graphiste allemand, représentant du mouvement de la Nouvelle Objectivité, qui vit et travaille à Leipzig.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Leipzig et a maîtrisé de nombreuses techniques graphiques en plus de la peinture.
Les portraits et autoportraits de Hahulla représentent des personnes solitaires, peu sociables, froidement distantes - autant de types de l'époque. L'artiste crée également des tableaux avec des références mythologiques et allégoriques.
Han Hsiang-ning est un artiste taiwano-américain. Han a participé à de nombreuses expositions muséales de premier plan. Il utilise souvent la peinture au pistolet et peint des scènes de rue photoréalistes. En 1961, il rejoint le "Fifth Moon Group". Il a commencé la peinture à l'huile de forme abstraite et ses œuvres sont apparues pour la première fois dans le magazine Pen Review. En 1963, il commence à travailler au rouleau et au pochoir sur du papier de riz, toujours abstrait, mettant l'accent sur la forme et la structure de l'espace. En 1969, il commence des travaux de peinture au pistolet à l'aide de peinture acrylique sur toile, crée la série "Invisible Image". En 1971, dans le processus de peinture au pistolet, a trouvé comment créer différentes combinaisons de points de couleur pulvérisés, une forme de pointillisme. En 1971, il a continué la technique du pistolet pulvérisateur, mais a commencé à utiliser des scènes de la ville de New York comme sujet et son appareil photo comme outil de dessin. En 1972, il lance des études sur des scènes industrielles avec des images vives. Il réalise son premier autoportrait en 1981. En 1983, il commence à utiliser des pinceaux pour peindre l'aquarelle et l'encre sur papier. Ses sujets sont les foules de rue et les vues à vol d'oiseau des intersections des rues de New York.
Mykola Petrovytch Hlouchtchenko (еn russe : Николай Петрович Глущенко) était un artiste ukrainien et soviétique, célèbre pour ses contributions dans le domaine de la peinture et son rôle intrigant en tant qu'agent soviétique. Né le 17 septembre 1901 à Novomoskovsk, dans l'actuelle Ukraine, il a marqué l'histoire de l'art par ses œuvres variées allant du post-impressionnisme à la nouvelle objectivité, et par sa vie pleine de rebondissements.
Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Beaux-Arts de Berlin en 1924, Hlouchtchenko s'installe à Paris, où ses talents sont rapidement reconnus par les critiques français. Ses œuvres, exposées dans diverses capitales européennes, se distinguent par leur vibrant post-impressionnisme, qui évolue au fil des décennies en incorporant des couleurs de plus en plus expressives. Ses tableaux, qui capturent l'essence de paysages européens et ukrainiens, ainsi que des portraits et des natures mortes, lui valent une reconnaissance internationale.
Son rôle d'agent pour les services secrets soviétiques ajoute une dimension fascinante à sa biographie. Impliqué dans des missions d'espionnage durant la Seconde Guerre mondiale, Hlouchtchenko parvient à équilibrer son identité d'artiste et ses activités clandestines, tout en contribuant à la préservation d'œuvres d'art majeures.
Les distinctions honorifiques ne tardent pas à reconnaître son génie artistique ; il reçoit le prix national Taras Chevtchenko et l'ordre du Drapeau rouge du Travail, soulignant ainsi son impact majeur sur la culture soviétique et ukrainienne.
Ses œuvres ont été largement exposées de son vivant, marquant les esprits à Berlin, Paris, Milan, et bien au-delà, jusqu'à sa mort le 31 octobre 1977 à Kiev. Aujourd'hui, son héritage perdure, illustrant la complexité d'un homme qui a navigué entre art et espionnage, tout en laissant une empreinte indélébile sur la toile de l'histoire de l'art.
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Ye Hongxing (chinois: 叶红杏) est un artiste chinois.
L'œuvre de Ye Hongxing utilise des motifs traditionnels chinois et des éléments contemporains pour créer des scènes visuellement sublimes qui imposent une opposition de calme et de folie complexe. En utilisant la peinture à l'huile, un médium occidental traditionnel, elle crée de séduisants autoportraits avec les yeux fermés et une expression calme, superposés à des devises multicolores ou à de vibrants motifs floraux décoratifs et sinueux dérivés de la porcelaine chinoise traditionnelle.
Jörg Immendorff était un peintre et sculpteur allemand, scénographe et décorateur, membre du mouvement artistique New Wild.
Immendorff peignait par cycles qui duraient souvent des années et étaient de nature politique. Sa série de seize grandes peintures "Café Deutschland" (1977-1984) est célèbre. Dans ces tableaux colorés, de nombreuses discothèques symbolisent le conflit entre l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest.
Immendorff a préparé plusieurs productions théâtrales et a conçu les décors des opéras Electra et The Rider's Progress. Les 25 peintures d'Immendorf ont été sélectionnées en 2006 pour la bible illustrée.
Konstantine Fiodorovitch Iouon (en russe : Константин Фёдорович Юон) était un artiste peintre russe de renom, célèbre pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes. Né en 1875, Iouon a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l'essence de la Russie dans ses œuvres.
Spécialisé dans la peinture paysagère et les scènes urbaines, Iouon avait un don particulier pour représenter la lumière et l'atmosphère, donnant à ses œuvres une qualité presque magique. Ses tableaux, qui illustrent souvent des paysages russes idylliques et des scènes de la vie quotidienne, sont appréciés pour leur technique précise et leur sensibilité poétique.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons "Le Nouveau Planète" et "L'Hiver. Troïka." Ces peintures sont exposées dans des musées de renom, tels que la Galerie Tretiakov à Moscou, offrant aux amateurs d'art et aux collectionneurs l'opportunité d'admirer de près le génie de Iouon.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Konstantine Iouon représente un investissement culturel et historique significatif. Son approche unique de la peinture et son impact sur l'art russe continuent d'inspirer et d'influencer les générations d'artistes.
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Horst Janssen était un artiste graphique, graveur, affichiste et illustrateur allemand. Il a réalisé de nombreux dessins, eaux-fortes, gravures sur bois, lithographies et gravures sur bois.
Oldenburg, la ville natale de Horst Janssen, possède un musée dédié à son héritage. Son œuvre est représentée internationalement dans de grands musées.
Hideaki Kawashima est un artiste japonais qui vit et travaille à Tokyo.
Après avoir obtenu son diplôme à l'université de Tokyo, il a entrepris un apprentissage de deux ans du bouddhisme dans un temple avant de commencer sa carrière d'artiste en 2001.
Hideaki Kawashima utilise la peinture de portrait et les masques d'autoportrait pour montrer l'ambiguïté de la vie humaine. Ses personnages, aux yeux expressifs, expriment une gamme d'émotions : peur, désir, anxiété, nostalgie. Cependant, ces émotions sont ambiguës. Kawashima apporte des touches de folklore, de mythologie et de surréalisme aux visages androgynes.
Karl Otto Lagerfeld est un créateur de mode, designer, photographe, collectionneur et éditeur allemand.
Karl s'est retrouvé dans le monde de la mode par hasard, alors qu'il se destinait à une carrière d'illustrateur. À l'âge de 21 ans, il participe au prix international Woolmark en 1954 et remporte la première place pour son croquis d'un manteau, ce qui lance sa carrière. Pendant les 65 années qui ont suivi, la mode est restée la base de son travail, bien qu'il ait passé sa vie à s'exprimer activement dans d'autres domaines artistiques.
En 1987, Karl réalise sa première campagne publicitaire et se passionne pour la photographie. En 1999, il a ouvert son propre studio de photographie à Paris, où il a pris d'innombrables photos des plus grandes figures de l'art et de la mode. De nombreuses photographies de Carl ont également été utilisées dans des livres d'art. Karl était également un maître de l'autoportrait : tout au long de sa vie, il a photographié et peint son image emblématique.
Bibliophile passionné (sa bibliothèque personnelle compte 300 000 volumes), Lagerfeld a fusionné son studio de photographie avec la librairie 7L et a ensuite ouvert EDITIONS 7L, une maison d'édition spécialisée dans les livres sur le design et la photographie. Il participe également à divers projets de décoration intérieure et d'architecture.
En 1965, Lagerfeld prend la direction de la maison de couture italienne Fendi, où il crée des collections de cuir et de fourrure. En 1983, il devient directeur artistique de la maison française Chanel, avec laquelle il a des contrats à vie. En 1984, Lagerfeld fonde sa propre maison de couture, Karl Lagerfeld Impression.
Mikhaïl Fiodorovitch Larionov (en russe : Михаил Фёдорович Ларионов) était un artiste russe de renom, dont l'œuvre a marqué l'art moderne. Né en 1881, Larionov a été une figure de proue de l'avant-garde russe, explorant et révolutionnant divers styles artistiques, notamment le primitivisme, le cubisme et le futurisme, avant de développer avec sa compagne Natalia Gontcharova le rayonnisme, premier mouvement d'art abstrait en Russie.
Son travail se distingue par une audace de couleur et une dynamique de forme qui cherchaient à capturer l'énergie et le mouvement, reflétant ainsi la rapidité et les changements de la société moderne. Larionov n'a pas seulement contribué à l'art par ses œuvres; il a également joué un rôle crucial dans l'organisation d'expositions d'avant-garde, favorisant ainsi la diffusion des nouvelles idées artistiques.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve des peintures qui sont aujourd'hui exposées dans des musées et des galeries prestigieuses à travers le monde, telles que le Musée Russe de Saint-Pétersbourg, la Galerie Tretiakov à Moscou, et le Centre Pompidou à Paris. Ces pièces témoignent de l'importance de Larionov dans l'évolution de l'art du XXe siècle et continuent d'inspirer artistes, collectionneurs et experts en art.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Mikhaïl Fiodorovitch Larionov. Cette inscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste pionnier.
Li Tianbing est une artiste chinoise. L'œuvre de Li Tianbing se caractérise par la double influence de l'Extrême-Orient et de l'Occident : la première étant un héritage de la peinture chinoise imprégnée de taoïsme, la seconde issue des enseignements de professeurs d'art tels que Vladimir Veličković, Christian Boltanski et Giuseppe Penone alors qu'il étudiait aux Beaux-Arts de Paris. Son œuvre est marquée par un moment charnière en 2006, lorsqu'il réalise un album de famille composé de portraits de lui enfant, dans le but de dénoncer la politique de l'enfant unique, dépeignant ainsi une famille imaginaire à travers des répliques de lui-même. Il développe désormais un nouveau langage visuel dans lequel foisonnent les portraits, créant à travers son art un dialogue entre réalité, imaginaire et fantasme. Lorsqu'il travaille sur ses compositions, Li Tianbing utilise essentiellement la peinture à l'huile ; cependant, un autre de ses principaux moyens d'expression reste le dessin à l'encre de chine. Il aime aussi travailler l'aquarelle, alternant pinceaux chinois et européens.
Urs Lüthi est un artiste conceptuel éclectique suisse.
Diplômé de l'école des arts appliqués de Zurich, il a expérimenté différents styles et techniques, notamment la photographie, la sculpture, la performance, la sérigraphie, la vidéo et la peinture.
Urs Lüthi est connu pour placer son corps et son alter ego au centre de ses œuvres, essayant ainsi de se comprendre et de remettre la réalité en question.
Zoran Anton Mušič (en slovène) est un peintre et graphiste slovène qui a travaillé en Italie et en France.
Zoran étudie la peinture à Maribor et à Zagreb, puis voyage pendant un an à Madrid et à Tolède, où il étudie et copie des œuvres de Goya et du Greco. Fin 1944, il devient prisonnier du camp de concentration nazi de Dachau, où il passe plusieurs mois. Il survit et réalise même environ deux cents dessins sur papier dans le camp. Après sa libération, Mušić s'installe à Venise, puis à Paris.
Zoran Mušić est le seul artiste d'origine slovène à avoir réussi à s'établir dans les cercles culturels d'élite d'Italie et de France, en particulier à Paris dans la seconde moitié du XXe siècle, où il a vécu la majeure partie de sa vie. Il a peint des paysages, des natures mortes, des portraits et des autoportraits, ainsi que des scènes d'horreur du camp de concentration de Dachau et de Vedute Venice. En 1970-1971, l'artiste a créé un cycle de réminiscences picturales "Nous ne sommes pas les derniers", dédié aux détenus des camps de concentration, qui est devenu la plus célèbre de ses œuvres.
Les personnages des peintures de Mušić surgissent d'un espace vide et semblent inachevés. Les couleurs de ses autoportraits sont les couleurs dures du désert, éliminant le superflu et réduisant au minimum. Ces peintures témoignent de la recherche par l'artiste de réponses aux questions fondamentales de l'existence humaine.
Jerry Duane Ott est un artiste américain. Il est surtout connu pour son travail de photoréalisme et son utilisation créative des surfaces de peinture. Il était l'un des principaux peintres de l'école de peinture photoréaliste qui a émergé dans les années 1960. Jerry Ott est également un véritable maître aérographe. Au début des années 1970, JOtt a fait l'objet d'une grande attention dans sa carrière en tant que celle qui s'occupait exclusivement de la figure nue. L'un de ses derniers développements techniques consiste en des peintures enroulées sur des surfaces bidimensionnelles et tridimensionnelles. Ils vont de dessins de quelques centimètres de large à des assemblages sculpturaux de plus de cinq pieds de haut et huit pieds de long. Le travail d'Ott a trouvé une renommée internationale. Ses peintures réalistes apparaissent dans les capitales de l'art de l'Europe, du Japon et aussi loin que la Nouvelle-Zélande.
Jack Pierson est un photographe et artiste américain contemporain. Diplômé du Massachusetts College of Art à Boston en 1984, Pierson vit et travaille à New York. Reconnu pour ses installations de signalisation en mots, ses dessins, ses livres d'artiste, ainsi que pour son utilisation de la sculpture, de la photographie et de la vidéo, il explore les sous-courants émotionnels de la vie quotidienne. À travers ses œuvres, Jack Pierson navigue entre l'intimité des attachements romantiques et l'idolâtrie distante des autres, souvent en s'appuyant sur des motifs américains traditionnels tels que les éphémères au bord de la route et les petites boutiques de ville, évoquant ainsi une ère perdue de symbolisme culturel.
Son travail est profondément autobiographique, teinté à la fois de mélancolie et d'introspection, tout en étant souvent rehaussé par une aura célébratoire de séduction et de glamour. En s'appuyant sur des amis comme modèles, Jack Pierson a régulièrement exploré la culture des célébrités, qu'elles proviennent de l'écran, de la scène ou du monde de l'art. Son travail, informé en partie par son émergence artistique à l'ère du SIDA, est marqué par une nostalgie et un désenchantement, tout en étant alimenté par la poignance de l'expérience émotionnelle et les sensations de mémoire, d'obsession et d'absence.
Les œuvres de Jack Pierson sont incluses dans les collections de nombreux musées renommés, tels que le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum of American Art, le Solomon R. Guggenheim Museum, le Museum of Contemporary Art à Los Angeles, et le San Francisco Museum of Modern Art, parmi d'autres institutions dans le monde. Il est représenté par des galeries de premier plan comme Cheim & Read à New York.
Pour ceux qui s'intéressent à la culture, à l'art et à l'histoire, l'œuvre de Jack Pierson offre un regard unique sur les émotions humaines et la symbolique américaine. Son approche multidisciplinaire de l'art et son exploration des thèmes de la nostalgie, de l'amour et de la célébrité continuent de captiver les collectionneurs et les experts en art et en antiquités.
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Zbigniew Rogalski est un artiste installateur et photographe polonais.
Il est considéré non seulement comme un peintre, mais aussi comme un réalisateur de tableaux, car il mélange facilement la peinture et la photographie, tirant parti des deux formes d'art. Ainsi, Zbigniew Rogalski obtient des effets d'illusion et d'optique dans ses créations, qu'il s'agisse de portraits ou de paysages.
Salomé (né Wolfgang Ludwig Cihlarz) est un artiste allemand, également reconnu comme sculpteur et chanteur punk.
Ses peintures sont exposées dans des musées et des collections renommées du monde entier. Salomé est connu pour être l'un des membres du groupe artistique Junge Wilde ou Neue Wilde.
Jenny Saville est une peintre britannique. Elle est une des figures majeures des Young British Artists.
Vivant et travaillant à Oxford, elle est surtout connue pour ses peintures monumentales de nu. En 2018, elle devient l’artiste féminine vivante la plus cotée au monde.
Peter Schmersal est un peintre allemand qui vit et travaille dans sa ville natale et à Berlin. Son travail se caractérise par une diversité stylistique. Schmersal a étudié le graphisme à Wuppertal de 1971 à 1975 et a ensuite travaillé comme graphiste. A partir de 1978, il se consacre à la peinture. Au milieu des années 1980, on crée principalement des natures mortes, des paysages et des représentations architecturales. Il y a déjà une certaine désinvolture dans les motifs de cette période, ils apparaissent dans des instantanés fugaces qui se caractérisent par une exécution fragmentaire. Les natures mortes présentent des sujets classiques : fleurs, fruits, animaux morts et objets du quotidien tels que bouteilles, serviettes, tabourets ou tables. Au début des années 1990, outre les paysages urbains, il y a surtout des examens du portrait, lui aussi souvent fragmenté, non seulement de face, mais souvent aussi dans une vue de dessus ou de dessous inhabituelle, jusqu'à un détail physionomique. représentation, par exemple la bouche et la bouche des yeux. Depuis le début du millénaire, le choix des motifs chez Schmersal pouvait difficilement être plus hétérogène. En raison de l'incohérence réfléchie des motifs individuels, Schmersal juxtapose les types les plus divers d'auteur, de style, de genre et de contexte d'exploitation. En termes de motifs, il n'y a toujours pas de directives spécifiques auto-imposées, mais les figures, les natures mortes et les paysages continuent de dominer
Florian Süssmayr est un artiste allemand.
Au début des années 80, Florian était membre du mouvement punk Freizeit 81 et, jusqu'en 1984, il s'est produit avec Lorenz Lorenz, a travaillé comme caméraman et technicien d'éclairage. Depuis 1997, il se consacre aux arts visuels. Les autoportraits jouent souvent un rôle central dans ses peintures et sont étroitement liés à la biographie de l'artiste.
Les œuvres de Florian Süssmayr, souvent basées sur des photographies, surprennent le spectateur par leur reproduction picturale de divers lieux. Sa propre image n'est reconnaissable que sous la forme d'une ombre ou d'un reflet - dans le miroir de la salle de bains ou dans l'ascenseur, dans la rue. La personnalité n'est pas importante, elle est fugace, et les objets qui l'entourent sont mis au premier plan et dessinés avec beaucoup plus de détails. Florian Süssmayr a participé à de nombreuses expositions personnelles à New York, Tokyo et Munich.
