Nature morte Ukraine
Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Vladislav Leopoldovitch Anisovitch (еn russe: Владислав Леопольдович Анисович) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vladislav Anisovitch a participé à diverses expositions depuis 1935. Son œuvre comprend des portraits, des compositions historiques et de genre, ainsi que des paysages. Parmi les tableaux célèbres de l'artiste figurent "Le passage du détachement de K. Voroshilov de Lugansk à Tsaritsyn", "L'assaut sur Perekop" et d'autres. Le maître a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad.
Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays, y compris au Musée national russe.
Alexandre Porfyrovytch Archipenko (еn russe: Александр Порфирьевич Архипенко), artiste ukrainien devenu figure emblématique de l'art moderne, est reconnu pour son approche novatrice de la sculpture et de la peinture. Né en Ukraine et ayant vécu une grande partie de sa vie en France et aux États-Unis, Archipenko a révolutionné la perception de la forme dans l'art, en intégrant des éléments de cubisme et en expérimentant avec de nouveaux matériaux.
Son travail se distingue par une exploration audacieuse de l'espace et du volume, rompant avec les traditions classiques pour ouvrir la voie à des expressions artistiques plus abstraites et dynamiques. Archipenko a non seulement modifié la silhouette humaine dans ses œuvres, mais il a également introduit des matériaux industriels, ce qui a marqué un tournant dans l'utilisation des ressources en sculpture.
Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve "La Femme au cube", qui illustre parfaitement sa capacité à décomposer les formes en éléments géométriques, tout en conservant une essence organique et émotionnelle. Ses créations sont exposées dans des musées de renom à travers le monde, tels que le MoMA à New York et le Centre Pompidou à Paris, témoignant de son influence durable dans le domaine de l'art moderne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la compréhension de l'œuvre d'Archipenko est essentielle pour saisir l'évolution de l'art au XXe siècle. Son apport à l'art moderne dépasse les frontières de la sculpture pour toucher à des aspects fondamentaux de la culture et de l'esthétique contemporaines.
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Vladimir Davidovitch Baranov-Rossine (en russe: Владимир Давидович Баранов-Россине) était un artiste ukrainien, russe et français d'origine juive, connu pour son rôle important dans le mouvement avant-gardiste du Cubo-Futurisme et en tant qu'inventeur. Né à Kherson dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), il a étudié à l'École de la Société pour l'encouragement des arts à Saint-Pétersbourg et à l'Académie impériale des beaux-arts de la même ville. Dès 1908, il exposait avec le groupe Zveno (Le Lien) à Kiev, et en 1910, il s'installa à Paris, devenant résident de la colonie d'artistes La Ruche, aux côtés de figures comme Alexander Archipenko et Sonia Delaunay-Terk.
Baranov-Rossine est reconnu pour son exploration des liens entre l'art et la technologie, notamment à travers l'invention du piano optophonique, un instrument capable de produire des sons et des lumières colorées simultanément. Cette invention illustre son intérêt pour la synthèse des arts et son engagement dans l'avant-garde artistique. En plus de son travail dans le domaine de l'art, Baranov-Rossine a également appliqué ses compétences à des innovations pratiques, telles que la caméléon, une technique de camouflage militaire, et le "photochromomètre", un appareil permettant de déterminer les qualités des pierres précieuses. Il a même perfectionné une machine à préparer, stériliser et distribuer des boissons gazeuses, le "Multiperco", qui a reçu plusieurs prix techniques.
L'art de Baranov-Rossine est représenté dans des collections et des expositions à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Malheureusement, sa vie a pris fin tragiquement lorsqu'il a été déporté et assassiné à Auschwitz en 1944 par les nazis.
Pour ceux qui sont fascinés par la contribution de Baranov-Rossine à l'art moderne et son exploration pionnière de l'intersection entre l'art et la technologie, l'inscription aux mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre peut offrir des occasions uniques d'appréciation et de collection.
Viktoriia Markovna Belakovskaia (еn russe: Виктория Марковна Белаковская) était une artiste soviétique russe du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de peinture de Leningrad.
Viktoriia Belakovskaia a participé à des expositions d'artistes de Leningrad dès le début des années 1930. Son œuvre couvre différents genres, notamment des portraits, des compositions de genre, des natures mortes et des paysages. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Pioneer Girl" (1931), "Self-Portrait with a Cigarette" (1936), "Leningrad Landscape" (1953), "Spring Flowers. Nature morte" (1961), une série de paysages de l'Altaï, de la Crimée, de Kiev et autres.
Les œuvres de l'artiste font partie des collections de musées en Russie, en Grande-Bretagne, aux États-Unis, en France et dans d'autres pays.
Georgiï Nikolaevitch Bibikov (еn russe: Георгий Николаевич Бибиков) était un artiste russe et soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur, muraliste et artiste de théâtre de l'école de Leningrad, travaillant dans les genres du paysage, du portrait, de la nature morte et de la peinture thématique.
Georgiï Bibikov a commencé à participer à des expositions d'art en 1920. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Chargeurs", "Les jeunes flottes rouges reçoivent des uniformes", "Salutations aux vainqueurs", "La vérité des tranchées" et d'autres encore. Ses œuvres sont conservées au Musée national russe, dans des musées et des collections privées en Russie, en Ukraine, en Allemagne et en France.
Katerina Vassilivna Bilokour (еn russe: Екатерина Васильевна Белокур) était une artiste soviétique ukrainienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme un maître de la peinture décorative folklorique.
Autodidacte, Katerina Bilokour est devenue célèbre pour ses peintures colorées, représentant principalement des fleurs, des paysages et des portraits. Ses œuvres combinaient souvent des éléments printaniers et automnaux, et elle pouvait passer des semaines à créer les moindres détails sur la toile. Catherine fabriquait également ses propres pinceaux, en sélectionnant des poils de quenouilles, et utilisait un pinceau différent pour chaque peinture. Son travail se caractérise par des couleurs et un style éclatants.
Moiseï Abramovitch Blank (еn russe: Моисей Абрамович Бланк) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, se distinguant par ses natures mortes et ses paysages.
Moiseï Blank a participé activement à des expositions d'art, y compris des expositions nationales, nationales et internationales, à partir de 1927. Il a utilisé diverses techniques artistiques, notamment la lithographie, la gravure, l'encre, l'aquarelle, la gouache, le pastel et parfois l'huile. Pendant la Grande Guerre patriotique, il s'est porté volontaire pour le front et, après la guerre, il a servi en tant qu'artiste dans le corps de défense aérienne à Riga. Le maître a laissé une trace notable dans l'histoire de l'art en Ukraine.
Mikhaïl Mikhaïlovitch Bojíï (en russe : Михаил Михайлович Божи́й) était un peintre soviétique et ukrainien éminent, dont la carrière a été couronnée de nombreux titres et récompenses. Né à Nikolaev dans une famille ouvrière, il a manifesté très tôt un intérêt pour l'art. Sa formation à l'Institut d'Art de Nikolaev et son travail ultérieur à Odessa en tant qu'artiste d'animation ont jeté les bases de son parcours créatif.
Bojíï a beaucoup travaillé dans le genre du portrait, représentant souvent sa famille et répondant aux thèmes proposés par l'idéologie du parti. Ses œuvres sont marquées par l'orientation idéologique caractéristique du socialisme, mais portent également une charge émotionnelle profonde et une maîtrise d'exécution. Parmi ses œuvres les plus connues figurent des portraits tels que "V.I. Lénine", "Portrait de l'excellente élève Svetlana Shipunova", et "L'Infirmière", qui ont été hautement appréciés et lui ont apporté une large reconnaissance.
Pour en savoir plus sur les œuvres de Mikhaïl Mikhaïlovitch Bojíï et les événements liés à son art, je vous encourage à vous inscrire à nos mises à jour. Nous vous informerons des ventes d'œuvres et des événements d'enchères où ses travaux seront présentés.
Jоzsef Boksay (еn russe : Иосиф Иосифович Бокшай) est un peintre et graphiste hongrois né le 2 octobre 1891 à Györgyanliget et mort le 19 octobre 1975 à Ungvár (aujourd'hui Uzhgorod, Ukraine). Formé à l'Académie des beaux-arts de Budapest entre 1910 et 1914 sous la direction d'Imre Reves, Boksay a servi sur le front pendant la Première Guerre mondiale, puis a été fait prisonnier de guerre en Russie. Après la guerre, il enseigne le dessin à Ungvar, où il fonde une école d'art gratuite avec Béla Erdély en 1927, et participe en 1931 à la fondation de l'Association des artistes de Transcarpatie.
Boksay est surtout connu pour son rôle de pionnier dans l'école de peinture de Transcarpatie et pour sa contribution significative à la peinture de paysage, capturant les magnifiques paysages extérieurs de sa région natale. Sa peinture se caractérise par une tentative de transmettre visuellement la beauté des saisons, l'heure du jour, le jeu de l'ombre et de la lumière, sans chercher à exprimer une émotion, mais plutôt à reproduire fidèlement le spectacle de la nature. Outre les paysages, Boksay peint des portraits, des scènes de vie et des natures mortes, démontrant ainsi sa polyvalence artistique.
Au cours de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le titre d'artiste du peuple d'Ukraine (1960) et d'Union soviétique (1963), ainsi qu'un certain nombre d'autres honneurs pour son travail. Boksay a également laissé une empreinte indélébile en tant qu'enseignant, notamment à l'école d'art Ungvar et à l'Institut d'art industriel de Lviv.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Jozef Boksay et à l'école de peinture transcarpatique, nous vous invitons à vous inscrire à notre lettre d'information pour recevoir des informations sur les ventes et les ventes aux enchères relatives à ses œuvres. Vous serez ainsi informés des possibilités d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable et contribuerez à la préservation de son héritage.
Nikolaï Stepanovitch Borovskiï (еn russe: Николай Степанович Боровский) était un artiste soviétique ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant.
Nikolaï Borovskiï est devenu célèbre pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes, ainsi que pour ses peintures de genre. Certaines de ses œuvres se caractérisent par un réalisme extraordinaire. Depuis le début des années 1960, il expose activement ses œuvres et, en 1964, il rejoint l'Union des artistes de l'URSS. Il a reçu le prix de l'Union des artistes de l'URSS pour son tableau "Ouvrier. Année 1928", il reçoit le prix de l'Union des artistes de la République socialiste soviétique d'Ukraine.
Le maître a créé un grand nombre d'œuvres qui se trouvent dans des collections privées et publiques, notamment une galerie de portraits de participants à la défense et à la libération de Dniepropetrovsk.
Lyudmila Davidovna Bourliouk-Kouznetsova (еn russe: Людмила Давидовна Бурлюк-Кузнецова) était une artiste russe, membre d'une famille profondément ancrée dans le paysage artistique du début du XXe siècle. Issue de la célèbre fratrie Bourliouk, Lyudmila a baigné dès son plus jeune âge dans un environnement où l'art et la culture étaient omniprésents. Sa contribution au monde de l'art, bien que moins documentée que celle de ses frères, demeure un témoignage précieux de l'ébullition créative de cette époque.
Elle s'est distinguée par son travail en peinture, explorant avec audace les courants avant-gardistes qui secouaient alors l'Europe et la Russie. Son style, influencé par le cubisme et le futurisme, témoigne de la recherche d'une nouvelle esthétique capable de capturer l'essence d'un monde en rapide mutation. Bien que les détails de ses œuvres soient difficiles à retracer, on sait qu'elle partageait avec ses frères une passion pour l'innovation artistique et la volonté de briser les conventions.
Lyudmila était également reconnue pour son engagement dans les cercles intellectuels et artistiques de son temps. Sa maison était un carrefour où se rencontraient écrivains, poètes, et artistes, contribuant ainsi à forger un milieu fertile pour l'avant-garde russe. Cette effervescence culturelle a indubitablement influencé son travail et celui de ses contemporains, en favorisant un dialogue créatif riche et diversifié.
Bien que les informations précises sur sa carrière et ses réalisations soient rares, l'héritage de Lyudmila Davidovna Bourliouk-Kouznetsova demeure inscrit dans l'histoire de l'art russe comme un symbole de la contribution féminine à l'avant-garde. Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, redécouvrir son œuvre constitue une opportunité de plonger dans une période clé de l'histoire artistique, marquée par l'expérimentation et le renouvellement des formes et des idées.
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Ossip Emmanouïlovitch Braz (en russe: Осип Эммануилович Браз) était un peintre réaliste russe-juif, né le 16 janvier 1873 à Odessa et décédé le 6 novembre 1936 près de Paris. Il a commencé son éducation artistique à Odessa, puis a continué à Munich et Paris, où il a été influencé par la peinture européenne occidentale et les maîtres néerlandais. Braz est célèbre pour ses portraits d'artistes et de figures culturelles russes, notamment un portrait notable d'Anton Tchekhov en 1898. Son talent s'étendait également aux paysages, inspirés par ses voyages en France, en Crimée et en Finlande.
Braz a occupé le poste de conservateur au Musée de l'Ermitage et, après la révolution russe, a été arrêté sous de fausses accusations, passant trois ans dans le camp de prisonniers de Solovki. En 1928, il s'est installé à Paris, où il a continué à peindre, à commercer des antiquités et à collectionner. Ses œuvres comprennent des paysages, notamment de Bretagne, influencés par la peinture française, et ont été exposées lors d'expositions d'art russe à Berlin et Paris.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre d'Ossip Emmanouïlovitch Braz, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste. Cette inscription vous permettra de rester informé des dernières opportunités d'acquérir des œuvres de Braz.
Mikhail Andreïevitch Charonov (еn russe: Михаил Андреевич Шаронов) était un artiste russe, soviétique et ukrainien de la première moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
En tant qu'artiste, Mikhail Charonov a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de la nature morte et du genre historique. Il a également été professeur et recteur de l'Institut d'art de Kiev. Il a amassé une importante collection d'eaux-fortes de l'artiste espagnol Goya et a fait don de 60 feuilles de cette collection au musée Khanenko de Kiev en 1941.
Alexandre Vassilievitch Chevtchenko (en russe: Александр Васильевич Шевченко) était un peintre et sculpteur ukrainien, né le 24 mai 1882 à Kharkiv, Ukraine, et décédé le 28 août 1948 à Moscou. Il est reconnu pour son rôle dans l'avant-garde russe, avec une influence notable dans les mouvements néo-primitiviste, rayonniste et cubo-futuriste. Dès son jeune âge, Chevtchenko étudie le dessin et les décors de théâtre, avant de poursuivre sa formation à Moscou et à Paris, où il fréquente des artistes comme Eugène Carrière et Michel Larionov.
Chevtchenko a contribué de manière significative au paysage artistique de l'époque, notamment à travers ses participations à des expositions clés telles que l'Union de la jeunesse à Saint-Pétersbourg et le Premier Salon de Moscou. Il a également pris part à l'exposition de la Queue d'âne et à celle de la Cible, où il a présenté ses œuvres rayonnistes. Outre son travail artistique, il a publié des textes théoriques importants sur le néo-primitivisme et le cubisme, marquant ainsi son engagement envers la théorie et la critique d'art.
Après la Révolution bolchévique, Chevtchenko intègre la section Arts plastiques à Moscou, dirigée par des figures emblématiques telles que Kandinsky et Tatline. Il a également été membre de la commission de conservation des valeurs artistiques et historiques. Son influence se prolonge dans l'éducation artistique, enseignant aux ateliers libres d'État, Vkhoutemas et Vkhouteïne, et contribuant à la création du musée de la Culture artistique à Moscou.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre et à l'héritage d'Alexandre Vassilievitch Chevtchenko, ses contributions à l'art moderne offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution de l'avant-garde russe et ses intersections avec les mouvements artistiques mondiaux de son époque. Sa vision et ses œuvres restent un témoignage de la richesse et de la complexité de l'art du début du XXe siècle.
Pour en savoir plus sur Alexandre Vassilievitch Chevtchenko et ses œuvres, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique.
Sergueï Fiodorovitch Chichko (еn russe : Сергей Фёдорович Шишко) était un peintre ukrainien soviétique, né en 1911 et décédé en 1997. Reconnu pour son talent dans le paysage et la nature morte, il a su captiver par son style réalisme socialiste. Chichko a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art par ses œuvres qui explorent la beauté et la complexité de l'Ukraine, notamment à travers sa série dédiée à Kiev. Ses tableaux, comme "Sur les pentes de Kiev" et "Babi Yar", témoignent d'une profonde connexion avec sa patrie. Ses œuvres se trouvent dans plusieurs musées d'art prestigieux, par exemple, le Musée d'art de Kharkiv et le Musée national d'art d'Ukraine, enrichissant ainsi le patrimoine culturel de son pays.
Chichko a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, dont l'Artiste du peuple de l'URSS en 1974, et a été honoré par des ordres importants comme l'Ordre de Lénine. Sa contribution à l'art ukrainien est également reconnue par des titres tels que l'Artiste du peuple de la RSS d'Ukraine et le Prix d'État de la RSS d'Ukraine du nom de T. G. Shevchenko pour son cycle de peintures "Kiev Suite".
Sa vie et son œuvre sont célébrées, une plaque commémorative ayant été dévoilée à Kiev, où il a vécu et travaillé pendant de nombreuses années. Chichko demeure une figure inspirante dans le domaine de la peinture, artiste et culture, illustrant la richesse de l'identité ukrainienne à travers ses toiles.
Pour ceux qui s'intéressent à découvrir ou à approfondir leur connaissance de l'œuvre de Sergueï Fiodorovitch Chichko, s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable est une opportunité à ne pas manquer.
Ivan Nikolaïevitch Choulga (en russe: Иван Николаевич Шульга) était un artiste ukrainien, russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est reconnu comme un maître de la peinture et du dessin et comme un enseignant. Son nom figure dans le "Unified Art Rating of the 10,000 Best Artists in the World" et dans la liste des 100 artistes les plus remarquables d'Ukraine.
Ivan Choulga a travaillé dans différents genres : il a peint des portraits, des tableaux de genre, des paysages (maritimes, paysagers, architecturaux, industriels), des natures mortes, des panneaux, des dessins pour des cartes postales d'art et des affiches politiques. Son héritage artistique comprend également des images dans le genre du nu et du genre historique. Il a également illustré des magazines et des livres, et conçu des décors de théâtre.
Choulga a travaillé à l'aquarelle, au crayon, à la gouache, à l'encre et à la sanguine, au pastel, à l'huile et à la détrempe.
Alexeï Chovkounenko (еn russe : Алексей Алексеевич Шовкуненко) — un éminent artiste-peintre et pédagogue soviétique et ukrainien, né à Kherson, qui est devenu académicien de l'AH de l'URSS en 1947 et Artiste du Peuple de l'URSS en 1944. Son éducation a inclus des études à l'École d'art Grekov d'Odessa et à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, ce qui lui a permis de contribuer significativement au développement de l'art.
Chovkounenko est connu pour ses portraits de figures culturelles éminentes d'Ukraine et de paysages reflétant la beauté des terres ukrainiennes, ainsi que de Moscou et d'autres lieux. Parmi ses œuvres les plus célèbres figure le portrait d'Alla Orbinskaïa. Son talent et sa maîtrise ont été reconnus par de nombreuses récompenses, dont l'Ordre de Lénine, trois Ordres du Drapeau Rouge du Travail, la Médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris en 1937, et la Grande médaille d'argent à l'Exposition universelle de Bruxelles en 1958.
Alexeï Chovkounenko a également laissé un héritage significatif en tant que pédagogue, enseignant à l'Institut polytechnique d'art d'Odessa et à l'Institut d'art de Kiev, où de nombreux artistes éminents ont été ses élèves. Sa contribution à l'art et à l'éducation a été honorée par le nom du Musée d'art de Kherson portant son nom, ainsi que des rues à Kherson, Odessa et Kiev.
Nous invitons tous ceux qui s'intéressent à l'art et à l'histoire des grands artistes à s'inscrire pour recevoir des mises à jour liées à Alexeï Alexeïevitch Chovkounenko. C'est une occasion unique d'en savoir plus sur son œuvre et sa contribution à la culture. L'abonnement vous fournira des informations sur les nouvelles ventes d'œuvres et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel.
Vladimir Iakovlevitch Chtcherban (еn russe: Владимир Яковлевич Щербань) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre.
Vladimir Chtcherban a combattu sur le front de Stalingrad pendant la Grande Guerre patriotique et a reçu sa formation artistique à l'atelier d'art de la ville de Moscou pour les invalides de guerre. Son art est largement consacré à des thèmes historico-révolutionnaires et militaires. L'artiste a également effectué des voyages créatifs dans différentes régions, qui l'ont inspiré pour créer une série de peintures de genre, de portraits et de paysages.
David Petrovitch Chterenberg (en russe: Давид Петрович Штеренберг) était un artiste russe d'origine ukrainienne, né à Zhitomir et reconnu pour son influence significative dans le monde de l'art au début du XXe siècle. Après avoir étudié l'art à Odessa, Chterenberg a déménagé à Paris en 1906, où il a été influencé par des figures majeures telles que Paul Cézanne et s'est immergé dans le mouvement cubiste. Sa période parisienne lui a permis de côtoyer des artistes tels que Léger et Apollinaire, et il a exposé au Salon d'Automne ainsi qu'au Salon des Indépendants entre 1912 et 1917.
À la suite de la Révolution d'Octobre de 1917, Chterenberg retourna en Russie où il fut rapidement impliqué dans la politique culturelle soviétique, grâce à son lien avec Lunacharsky, le Commissaire du Peuple responsable de la culture. Il fut nommé Commissaire pour les Affaires Artistiques et devint chef du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple pour l'Éducation, jouant un rôle clé dans le soutien des avant-gardes artistiques tout en défendant la valeur de l'art de chevalet.
Chterenberg a également pris part à la fondation de l'association d'art OST et a enseigné à l'École d'art et technique supérieure de Moscou (VKhUTEMAS). Son œuvre est caractérisée par une expressivité aiguisée et une composition laconique, souvent centrée sur des natures mortes à la construction spatiale plane. Malgré une reconnaissance initiale, son style indépendant a progressivement perdu la faveur des autorités soviétiques, et son travail a été moins visible publiquement après les années 1930. À sa mort en 1948, il était largement oublié, bien que son travail soit aujourd'hui exposé dans de prestigieuses galeries et musées à Moscou, Saint-Pétersbourg, et Ekaterinburg.
Pour ceux intéressés par l'art, notamment les collectionneurs, l'œuvre de Chterenberg offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne à travers le prisme de l'expérience russo-soviétique. Son engagement envers les mouvements artistiques avant-gardistes et sa capacité à naviguer dans les complexités de la politique culturelle soviétique révèlent l'importance de son héritage dans l'histoire de l'art du XXe siècle.
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Olga Della-Vos-Kardovskaïa (en russe: Ольга Людвиговна Делла-Вос-Кардовская) était une peintre et graphiste d'origine russe et soviétique, réputée pour son travail au sein de l'âge d'argent de l'art russe. Née le 2 septembre 1875 à Tchernihiv, dans l'Empire russe, et décédée le 9 août 1952 à Saint-Pétersbourg, URSS, Olga a marqué la culture artistique par son talent exceptionnel dans la peinture de portraits, influencée par le symbolisme et l'Art nouveau. Son éducation artistique a débuté à l'école Schreider à Kharkov, puis à l'Académie d'art et d'industrie Stroganov de Moscou, et s'est poursuivie à Munich à l'école Anton Ažbe jusqu'en 1900.
Olga Della-Vos-Kardovskaïa a participé à diverses expositions importantes, notamment à l'Union des peintres russes, à la société Jar-tsvet, et ses œuvres ont été exposées dans des lieux prestigieux comme la Galerie Tretiakov et le Musée russe. Elle a également été très active dans le domaine de l'illustration de livres, contribuant à enrichir la littérature avec ses visuels captivants.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve des portraits marquants comme celui du poète Nikolaï Goumilev (1909), de sa propre fille (Petite jeune-fille, 1910), d'Anna Akhmatova (1914), et un autoportrait avec Dmitri Kardovski (1913), son époux et collaborateur artistique. Ces créations illustrent non seulement son habileté technique mais aussi son aptitude à capturer l'essence intime de ses sujets.
Sa contribution à l'art ne s'est pas arrêtée à ses peintures; elle a aussi occupé un rôle important dans la direction de classes de dessin à Moscou, et ses travaux ont été reconnus internationalement, avec des expositions jusqu'à New York. Après sa mort, une exposition commémorative lui a été consacrée à l'Académie des beaux-arts de l'URSS, témoignant de l'impact durable de son art.
Pour ceux passionnés par la peinture, l'histoire de l'art et le symbolisme, Olga Della-Vos-Kardovskaïa reste une figure inspirante. Son parcours illustre la persévérance et l'innovation au sein de l'art russe et soviétique. Pour rester informé sur les ventes et les événements d'enchères liés à son œuvre, inscrivez-vous aux mises à jour spécifiques à Olga Della-Vos-Kardovskaïa. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres disponibles et de participer aux événements d'enchères dédiés à son art exceptionnel.
Alexandra Alexandrovna Exter (en russe: Александра Александровна Экстер), née le 6 janvier 1882 à Bialystok (aujourd'hui Bialystok, Pologne) et morte le 17 mars 1949 à Fontenay-aux-Roses, France, est une artiste russo-française de stature internationale qui a vécu entre Kiev, Saint-Pétersbourg, Moscou, Vienne et Paris. Par ses réalisations artistiques, elle a grandement contribué au renforcement des liens culturels entre la Russie et l'Europe et a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe.
Ekster a eu une influence particulière sur les mouvements suprématistes et constructivistes et a été une figure majeure du mouvement Art déco. Son style se caractérise par une approche expérimentale, combinant différentes influences culturelles pour créer un style original. Entre 1915 et 1916, elle a travaillé dans des coopératives d'artisanat paysan, a fondé un atelier de formation et de production à Kiev et a été l'un des principaux scénographes du théâtre de chambre d'Alexandre Taïrov.
Ses peintures sont connues pour leur dynamisme, le jeu des couleurs vives et des compositions à la fois ludiques et théâtrales, incorporant des éléments géométriques qui soulignent le désir de dynamisme et de contrastes vifs. Ses créations de costumes, notamment pour le ballet et le cinéma, reflètent la même attention à la couleur, au mouvement et à la structure géométrique qui lui a valu une réputation de créatrice d'avant-garde dans de nombreux domaines.
Exter a également eu une influence significative sur la conception des décors et des costumes, en expérimentant la transparence, le mouvement et l'éclat des tissus. Ses décors de théâtre utilisaient des dimensions multicolores et expérimentaient des structures spatiales, poursuivant ces tendances expérimentales dans ses dernières créations de marionnettes.
Pour recevoir des informations sur Alexandra Alexandrovna Exter, notamment sur la vente de nouvelles œuvres et sur les ventes aux enchères, je vous invite à vous inscrire à notre lettre d'information. Cet abonnement vous tiendra au courant des dernières nouvelles et des opportunités liées à l'œuvre de cette artiste exceptionnelle.
Stepan Ivanovitch Floreskou (еn russe: Степан Иванович Флореску) était un artiste soviétique et moldave de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et inventeur qui a résolu des problèmes artistiques complexes en utilisant la méthodologie de la théorie de la résolution inventive des problèmes.
Stepan Floreskou a commencé l'art à un jeune âge et s'est efforcé de développer non seulement ses connaissances, mais aussi ses compétences en tant que portraitiste, en explorant les aspects complexes de la nature humaine. Son travail englobe différents genres, notamment des compositions thématiques, des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que l'utilisation d'une variété de méthodes artistiques et techniques pour créer des images expressives.
Au cours de sa carrière, le maître a réalisé plus de 10 000 croquis, esquisses et croquis, environ 250 œuvres graphiques, plus de 390 compositions picturales et deux projets sculpturaux.
Albin Stanislavovitch Gavdzinskiï (еn russe: Альбин Станиславович Гавдзинский) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, célèbre pour ses paysages, ses peintures de genre et ses portraits.
Au début des années 1950, Albin Gavdzinskiï a organisé ses premières expositions personnelles à Odessa, Kiev et Kharkov et a montré sa brillante personnalité artistique. L'artiste se distingue par son efficacité et sa précision exceptionnelles dans la représentation, qui se manifestent dans ses formes claires et ses couleurs vives. En 1961, il a été nommé citoyen d'honneur de la ville de Novaya Kakhovka, et ses œuvres (237 toiles) ont servi de base à la création de la galerie d'art de la ville, qui a été baptisée de son nom en 2003.
Valeriï Aroutiounovitch Gegamian (еn russe: Валерий Арутюнович Гегамян) était un artiste soviétique et ukrainien d'origine arménienne du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Gegamian est devenu célèbre pour ses toiles monumentales, ses grands cycles thématiques et ses séries graphiques. Il a également réalisé des portraits, des paysages et des natures mortes. Depuis le début des années 1960, il vit et travaille à Odessa et fonde la faculté d'art et d'arts graphiques de l'Institut pédagogique d'Odessa, où il enseigne pendant plus de 20 ans. Le maître a formé de nombreux artistes célèbres, dont certains sont également enseignants et transmettent l'expérience de leur professeur.
Mikhail Markianovitch Germachev (en russe : Михаил Маркианович Гермашев) était un peintre russe, connu pour ses paysages enneigés et ses scènes de genre. Né en 1867 à Volchansk, dans la province de Kharkov, il a étudié à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Germachev est surtout reconnu pour ses œuvres capturant les saisons russes, en particulier ses paysages d'hiver, qui ont été largement appréciés à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Neige tombée" qui a remporté le premier prix de la Société des arts de Moscou en 1897 et a été acquise par Pavel Tretyakov, célèbre collectionneur russe. D'autres œuvres, telles que "Journée grise" (1894) et "Rivière non gelée" (1898), sont exposées dans divers musées russes.
En 1920, Germachev s'est installé à Paris où il a continué à peindre des paysages inspirés de la nature russe. Ses œuvres ont trouvé un public enthousiaste parmi les collectionneurs français et les touristes internationaux, attirés par la beauté nostalgique de ses scènes russes.
Pour rester informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères liés à Mikhail Markianovitch Germachev, inscrivez-vous à nos mises à jour.
German Moiseevitch Gold (еn russe: Герман Моисеевич Гольд) est un artiste soviétique, ukrainien et israélien contemporain. Il est connu comme peintre, dessinateur et aquarelliste, réputé pour son style expressif.
German Gold maîtrise aussi bien la peinture à l'huile que l'aquarelle et donne souvent à ses œuvres un caractère dramatique. Il est l'un des rares artistes juifs contemporains à figurer dans la légendaire Encyclopédie mondiale des artistes de tous les temps.
Ses œuvres sont exposées dans des musées et des galeries de nombreux pays, dont la Russie, l'Ukraine, la France, la Grèce, les États-Unis et d'autres encore.
Vladimir Aleksandrovitch Gorb (еn russe : Владимир Александрович Горб) était un artiste russe de renom, spécialisé dans la peinture, l'enseignement artistique et reconnu en tant que travailleur artistique honoré de la Fédération de Russie. Né le 31 décembre 1903 à Odessa, il a étudié à l'Institut d'art de Leningrad (Vkhutein), apprenant auprès de maîtres tels qu'Alexander Savinov et Arcady Rylov. Après avoir obtenu son diplôme en 1930, il a participé à diverses expositions d'art dès 1925 et est devenu membre de l'Union des artistes de Leningrad en 1937.
Son œuvre englobe principalement des portraits, des paysages et des natures mortes. Vladimir Gorb s'est distingué par sa participation régulière à des expositions, notamment celles des artistes de Leningrad entre les années 1954 et 1960, où il a exposé avec d'autres artistes importants de l'époque. Il a consacré plus de cinquante ans à l'enseignement, impactant des générations d'artistes en tant que professeur à l'Institut des arts de Repin, où il a été nommé professeur en 1968.
Ses contributions au monde de l'art ont été reconnues en 1972 lorsqu'il a été honoré en tant qu'artiste méritant de la RSFSR. Une exposition personnelle de ses œuvres a eu lieu à Leningrad en 1967, soulignant son influence et son dévouement à l'art.
Pavel Matveevitch Gorobets (еn russe: Павел Матвеевич Горобец) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, paysagiste et a travaillé au début de sa carrière comme artiste-journaliste.
Pavel Gorobets est devenu célèbre pour le style lyrique de ses paysages décrivant la nature de la région de Poltava. Ses œuvres se caractérisent par un lyrisme subtil, une pénétration et une profonde affection pour sa nature natale. Les critiques ont qualifié l'artiste de "maître de la miniature paysagère". Ses œuvres sont conservées dans les musées de plusieurs villes ukrainiennes et russes, ainsi que dans des collections privées.
Emma Ilinitchna Gourovytch (еn russe: Эмма Ильинична Гурович) était une figure marquante de l'art russe et ukrainien, intimement liée à l'histoire de l'avant-garde du début du XXe siècle. Née le 28 octobre 1899, elle se distingue par son expérimentation avec formes et matériaux, marquée par son appartenance au cercle de Kazimir Malevitch et sa participation au mouvement UNOVIS, contribuant significativement à l'art abstrait et au suprématisme.
Dans les années 1920, elle se fait connaître pour ses créations de jouets, intégrées à des projets éducatifs, et poursuit ses études où elle est influencée par d'éminents maîtres. Ses œuvres, dont certaines sont conservées dans des musées, continuent d'attirer l'attention, témoignant de son style unique qui mélange avant-garde et exploration du folklore.
Son influence sur l'art soviétique et son rôle prépondérant dans l'avant-garde soulignent son héritage, ses œuvres étant toujours prisées par les collectionneurs et chercheurs. Pour rester informé sur Emma Ilinitchna Gourovytch, inscrivez-vous pour des mises à jour sur ses œuvres et événements d'enchères.
Mykola Petrovytch Hlouchtchenko (еn russe : Николай Петрович Глущенко) était un artiste ukrainien et soviétique, célèbre pour ses contributions dans le domaine de la peinture et son rôle intrigant en tant qu'agent soviétique. Né le 17 septembre 1901 à Novomoskovsk, dans l'actuelle Ukraine, il a marqué l'histoire de l'art par ses œuvres variées allant du post-impressionnisme à la nouvelle objectivité, et par sa vie pleine de rebondissements.
Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Beaux-Arts de Berlin en 1924, Hlouchtchenko s'installe à Paris, où ses talents sont rapidement reconnus par les critiques français. Ses œuvres, exposées dans diverses capitales européennes, se distinguent par leur vibrant post-impressionnisme, qui évolue au fil des décennies en incorporant des couleurs de plus en plus expressives. Ses tableaux, qui capturent l'essence de paysages européens et ukrainiens, ainsi que des portraits et des natures mortes, lui valent une reconnaissance internationale.
Son rôle d'agent pour les services secrets soviétiques ajoute une dimension fascinante à sa biographie. Impliqué dans des missions d'espionnage durant la Seconde Guerre mondiale, Hlouchtchenko parvient à équilibrer son identité d'artiste et ses activités clandestines, tout en contribuant à la préservation d'œuvres d'art majeures.
Les distinctions honorifiques ne tardent pas à reconnaître son génie artistique ; il reçoit le prix national Taras Chevtchenko et l'ordre du Drapeau rouge du Travail, soulignant ainsi son impact majeur sur la culture soviétique et ukrainienne.
Ses œuvres ont été largement exposées de son vivant, marquant les esprits à Berlin, Paris, Milan, et bien au-delà, jusqu'à sa mort le 31 octobre 1977 à Kiev. Aujourd'hui, son héritage perdure, illustrant la complexité d'un homme qui a navigué entre art et espionnage, tout en laissant une empreinte indélébile sur la toile de l'histoire de l'art.
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Vitaliï Georgievitch Iablonovskiï-Snadzskiï (еn russe: Виталий Георгиевич Яблоновский-Снадзский) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre spécialisé dans les paysages et les natures mortes.
Vitaliï Iablonovskiï-Snadzskiï est également connu pour ses peintures monumentales de sanatoriums à Sochi, où il vit en permanence. Il crée activement depuis le début des années 1970. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent les tableaux "Cadeaux d'automne", "Coquelicots rouges", "Herbes sèches", "Grappes de baies de sorbier", "Écrevisses" et d'autres encore.
Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays - Allemagne, Pologne, Yougoslavie, Finlande, Syrie, France, Espagne, États-Unis, Turquie.
Stepan Petrovitch Iaremitch (en russe: Степан Петрович Яремич) était un peintre, critique d'art et écrivain russe, né en 1869 et décédé en 1939. Il est notamment connu pour avoir été l'un des fondateurs et membres de l'union artistique "Mir Iskusstva", aux côtés de figures emblématiques comme L. Bakst, A. Benua, et I. Bilibin. Iaremitch a marqué le monde de l'art par ses œuvres et sa contribution à la critique d'art, révélant une profonde compréhension de la culture artistique de son époque.
Au cours de sa carrière, il a participé à la VIIe Exposition des Peintures de l'Union des Artistes Russes, où il a présenté des œuvres telles que "Rider", "View from the Outskirts of St. Petersburg", et "Twilight (Venice)". Ces œuvres témoignent de sa capacité à capturer tant l'esprit de son temps que l'essence des paysages et des scènes urbaines.
Son travail en tant qu'artiste est encore reconnu aujourd'hui, avec des œuvres présentes sur le marché de l'art et faisant l'objet d'évaluations et de ventes aux enchères. Cela souligne l'impact durable de son art et l'intérêt qu'il suscite auprès des collectionneurs et des connaisseurs.
Pour ceux qui souhaitent en apprendre davantage sur Stepan Petrovitch Iaremitch et peut-être découvrir ses œuvres en vente, il est recommandé de consulter des plateformes spécialisées dans l'art comme Artprice et askART, qui offrent des informations détaillées sur les œuvres disponibles et leurs estimations.
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Piotr Kontchalovski (en russe: Пётр Петро́вич Кончало́вский), peintre russe né en 1876 et décédé en 1956, est reconnu pour avoir été une figure emblématique de l'avant-garde russe, en particulier en tant que membre fondateur du groupe d'artistes "Jack of Diamonds". Sa formation artistique s'est enrichie à Moscou, où il a été influencé par les œuvres de Paul Cézanne, avant de développer son propre style qui a finalement embrassé le réalisme socialiste.
Kontchalovski a passé une partie significative de sa carrière à peindre des natures mortes et des paysages, tout en participant activement à des expositions et en enseignant l'art. Son travail est caractérisé par une évolution complexe des styles, démontrant une forte influence de Cézanne dans ses premières œuvres, avant de se tourner vers le réalisme socialiste dans les années 1930. Cette transition stylistique ne l'a pas empêché de conserver une approche personnelle et innovante dans sa peinture, ce qui lui a valu la reconnaissance comme l'un des contributeurs majeurs au développement de l'art réaliste soviétique.
Au-delà de son propre travail, la vie et l'héritage de Kontchalovski sont marqués par son impact sur le monde de l'art à travers ses descendants, dont plusieurs ont joué des rôles notables dans les arts visuels et littéraires. Sa famille a continué à influencer le paysage culturel russe, avec des membres qui se sont distingués dans la peinture, le cinéma et la littérature.
En reconnaissance de sa contribution significative à l'art, une fondation a été établie pour préserver son héritage, promouvoir son travail à travers des expositions et des présentations, et assurer la conservation et l'authentification de ses œuvres. En outre, une rue de Moscou porte son nom, soulignant son importance durable dans la culture russe.
Pour ceux qui sont passionnés par la peinture, l'histoire de l'art et la culture russe, l'œuvre de Piotr Kontchalovski offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne au XXe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable.
Olga Iourievna Kotlyarova-Prokopenko (еn russe: Ольга Юрьевна Котлярова-Прокопенко) est une artiste ukrainienne soviétique et contemporaine. Elle est connue en tant que peintre et personnalité publique, artiste honorée d'Ukraine et membre de l'Union nationale des artistes.
Olga Kotlyarova-Prokopenko travaille à la peinture à l'huile et à l'aquarelle et se concentre sur les paysages, les natures mortes et les portraits. Depuis le début de sa carrière en 1977, elle a participé à plus de 600 expositions, dont 63 expositions individuelles. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses galeries en Ukraine et à l'étranger, ainsi que dans des collections privées dans de nombreux pays, dont la France, l'Allemagne, les États-Unis et l'Espagne. L'artiste est vice-présidente de l'Union des marinistes d'Odessa et a été décorée de l'Ordre de la princesse Olga III.
Vitaliï Nikolaevitch Koulikov (еn russe: Виталий Николаевич Куликов) était un artiste soviétique et ukrainien du dernier tiers du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, concepteur de livres, affichiste, ainsi que comme enseignant, qui a formé plusieurs générations d'artistes et d'architectes au cours de ses 40 années d'enseignement.
Vitaliï Koulikov a travaillé dans différents genres, notamment le portrait, le paysage et la nature morte, et s'est également engagé avec succès dans le graphisme et le design. Selon les critiques, il a réfracté les traditions de l'art d'avant-garde du début du XXe siècle, en les combinant avec une perspective philosophique et une exécution plastique pointue.
Lev Lagorio (en russe : Лев Феликсович Лагорио) était un peintre russo-italien, connu pour ses paysages maritimes et ses scènes de bataille. Né à Feodossia en 1827, il a étudié à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Lagorio a acquis une renommée pour ses peintures représentant la mer Noire et la Baltique, se distinguant par son talent à capturer les effets de lumière et l'atmosphère.
En plus de ses paysages maritimes, Lev Lagorio a également peint des scènes de batailles, illustrant la bravoure et le drame des conflits. Ses œuvres sont reconnues pour leur précision et leur dynamisme, témoignant de sa maîtrise technique et de sa capacité à transmettre des émotions fortes.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "La Bataille de Chesma" et "Vue de la mer Noire". Ces tableaux sont exposés dans des musées prestigieux comme le Musée Russe de Saint-Pétersbourg et la Galerie Tretiakov à Moscou, où ils continuent de fasciner les visiteurs par leur beauté et leur réalisme.
Inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes et événements aux enchères liés à Lev Lagorio. Ne manquez pas l'occasion d'acquérir des œuvres d'art exceptionnelles et de rester informé des dernières tendances dans le monde de l'art et des antiquités.
Konstantin Matveyevitch Lomykin (еn russe: Константин Матвеевич Ломыкин) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, artiste du peuple de la République socialiste soviétique d'Ukraine.
Depuis 1951, Konstantin Lomykin a participé activement à diverses expositions en URSS et à l'étranger. Son œuvre couvre une variété de genres, notamment la peinture thématique, le portrait, le paysage et la nature morte. L'une de ses œuvres les plus célèbres est le tableau "Le serment de Bogdan Khmelnitsky sur le corps d'un cosaque torturé", présenté à l'exposition républicaine de 1954.
Les œuvres de Lomykin se trouvent dans des musées d'art en Ukraine, ainsi que dans des collections privées dans différents pays, notamment au Japon, en France, en Grèce, en Allemagne, en Italie et au Portugal.
Aleksandr Grigorievitch Maksymenko (еn russe: Александр Григорьевич Максименко) était un peintre soviétique et ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, aquarelliste et historien de l'art.
Aleksandr Maksymenko a travaillé dans les genres de la nature morte, du paysage, du portrait et de la peinture de genre. Ses œuvres de genre traitent de la vie dans les fermes collectives, notamment "Masters of the Land" et "Innovators of Collective Farm Fields". Cette dernière œuvre lui a valu le prix Staline. Le maître a participé activement à des expositions en Ukraine et à l'étranger. Ses œuvres sont conservées au musée national d'art de l'Ukraine, au musée de l'histoire de l'Ukraine pendant la Seconde Guerre mondiale, ainsi que dans d'autres musées d'art et dans des collections privées.
Gavriil Kondratievitch Malych (еn russe: Гавриил Кондратьевич Малыш) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et aquarelliste, représentant de l'école de Leningrad.
Gavriil Malych a principalement travaillé dans les genres du paysage, de la nature morte et des compositions de genre. Il est devenu célèbre en tant qu'aquarelliste brillant, maître des paysages lyriques et des natures mortes décoratives. Ses œuvres se distinguent par une palette de couleurs dominée par des tons bleus, lilas et violets. Ses œuvres font partie de nombreux musées et collections privées en Russie et dans d'autres pays, notamment en France, aux États-Unis, au Japon et en Italie.
Viktor Mikhaïlovitch Malyï (еn russe: Виктор Михайлович Малый) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu en tant que peintre et professeur, honoré en tant que travailleur de l'art en Russie.
En tant que peintre, Viktor Malyï se spécialise dans les genres du paysage et de la nature morte. Sa carrière artistique a débuté par une grande exposition intitulée "Soviet South" en 1967. Pour sa contribution à l'art, il a reçu de nombreux certificats, diplômes et insignes d'honneur de la part de diverses organisations et départements. Ses œuvres se trouvent dans des musées, des collections privées et des galeries en Russie et à l'étranger.
Depuis 1976, il enseigne également la peinture à l'Institut académique d'art de Moscou Surikov, où il est professeur.
Vitold Antonovitch Manastyrskiï (еn russe: Витольд Антонович Манастырский) était un artiste ukrainien et soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et fils de l'artiste Anton Manastyrskiï.
Vitold Manastyrskiï a créé de nombreuses œuvres, notamment des peintures de genre, des portraits, des paysages et des natures mortes. Dans ses œuvres, il reflète la beauté de la région des Pré-Carpates, la vie de ses habitants, et dépeint ses contemporains - ouvriers, paysans et personnalités culturelles. Actif tant sur le plan créatif que dans les sphères publiques et pédagogiques, il a souvent été élu aux organes directeurs de l'Union des artistes d'Ukraine. Nombre de ses œuvres sont exposées dans les musées et galeries ukrainiens.
Emmanuel Mané-Katz (hébreu: מאנה כץ) est un artiste juif né en Ukraine, surtout connu pour ses représentations de la vie et de la culture juives.
Mané-Katz a étudié l'art à Kiev et à Paris, où il a été influencé par les mouvements fauviste et cubiste. Il est devenu une figure importante du monde de l'art juif, peignant des scènes de la vie juive en Europe de l'Est et au Moyen-Orient. Il s'est particulièrement intéressé aux cérémonies et rituels religieux juifs et a souvent représenté des rabbins, des juifs hassidiques et d'autres membres de la communauté juive.
Mané-Katz était également un collectionneur d'art et d'objets juifs, et sa collection d'objets judaïques est devenue célèbre dans le monde entier. Il a écrit plusieurs ouvrages sur l'art et la culture juifs, dont "Le Juif dans l'art" et "Les fêtes juives dans la peinture".
Aujourd'hui, les œuvres de Mané-Katz figurent dans les collections de musées tels que le Musée d'Israël à Jérusalem, le Jewish Museum à New York et le Musée d'art moderne de la ville de Paris. Son héritage continue d'être célébré par ceux qui apprécient sa contribution à la représentation de la vie et de la culture juives dans l'art.
Leonid Iakovlevitch Mejeritskiï (еn russe: Леонид Яковлевич Межерицкий) était un artiste soviétique, ukrainien et israélien de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre spécialisé dans la peinture à l'huile, représentant de l'école de la Russie du Sud (Odessa).
Leonid Mejeritskiï a créé principalement des paysages en plein air, mais il a également travaillé dans les genres du portrait et de la nature morte. Son style est basé sur les systèmes de couleurs de l'impressionnisme et du post-impressionnisme français. Ses œuvres figurent dans les musées d'État d'Ukraine et dans des collections privées de différents pays, dont les États-Unis, le Canada, l'Allemagne, l'Angleterre, Israël et la Russie.
Georgiï Moiseevitch Moroz (еn russe: Георгий Моисеевич Мороз) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad, dont l'œuvre comprend des paysages, des natures mortes, des compositions de genre et des portraits.
Georgiï Moroz a commencé à exposer en 1963 et a beaucoup voyagé en URSS et à l'étranger, notamment en Italie, aux États-Unis et au Japon. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie, au Japon, en Italie, en Allemagne, aux Pays-Bas, en France, en Suède, aux États-Unis et dans d'autres pays.
Samouil Grigorievitch Nevelchteïn (еn russe : Самуил Григорьевич Невельштейн) était un artiste russe, connu pour son rôle important dans la scène artistique de Leningrad, aujourd'hui Saint-Pétersbourg. Né en 1903, il a vécu une grande partie de sa vie dans cette ville, où il est décédé en 1983. Nevelshteïn est célèbre pour ses contributions aux expositions d'art tout-union, notamment celles de 1947, 1955 et à l'exposition "La Russie soviétique" à Moscou en 1960.
Son œuvre se caractérise par une variété de techniques, incluant la pastel, le fusain, et l'huile. Il a réalisé de nombreux portraits et scènes qui capturent des expressions tendres et introspectives, souvent avec une attention particulière aux détails et aux émotions des sujets. Ses travaux se retrouvent dans des collections privées et musées à travers le monde, notamment en Russie, aux États-Unis, en France, et plus encore.
Parmi ses œuvres notables, on trouve des portraits expressifs réalisés en fusain, tels que ceux listés dans des catalogues de vente et collections en ligne. Ces œuvres sont souvent appréciées pour leur capacité à capturer la complexité des émotions humaines avec une grande finesse.
Les collectionneurs et les amateurs d'art sont invités à découvrir plus sur les œuvres de Nevelshteïn disponibles à l'achat ou en exposition, en explorant des galeries et des ventes aux enchères spécialisées.
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Aleksandr Aleksandrovitch Osmiorkin (en russe: Александр Александрович Осмёркин) était un artiste russe remarquable, spécialisé dans la peinture, le graphisme, la conception de décors de théâtre, et reconnu comme professeur d'art. Après 1918, il a travaillé comme professeur d'art, d'abord à l'Institut VKhUTEMAS à Moscou, où il a enseigné aux côtés de Wassily Kandinsky jusqu'à l'émigration de ce dernier. Osmiorkin a ensuite ouvert son propre atelier et a également enseigné à l'Institut des beaux-arts Sourikov à Moscou. Durant les années 1920 et 1930, il a vécu et travaillé à Léningrad, où son œuvre "Gardes rouges au Palais d'Hiver" a été acquise pour la collection permanente du Musée russe d'État à Léningrad.
Malgré les risques associés à son originalité artistique sous le régime de Staline, Osmiorkin a survécu à la première vague de persécutions des intellectuels russes. Toutefois, en 1946, il a été accusé de formalisme et d'influences occidentales, ce qui lui a valu l'interdiction d'enseigner et d'exposer ses œuvres, le laissant sans revenu. Durant ses dernières années, il est devenu un artiste underground, s'exprimant à travers la peinture jusqu'à sa mort en 1953.
Son héritage comprend plus de 700 œuvres d'art dans divers genres, ses peintures et dessins étant présents dans la Galerie Tretiakov et le Musée des Beaux-Arts à Moscou, ainsi qu'au Musée Russe d'État à Saint-Pétersbourg. Ses droits d'auteur, étant représenté par l'ADAGP, ont expiré dans les pays ayant une durée de protection des droits d'auteur de 70 ans après la mort de l'auteur, rendant ses œuvres du domaine public dans ces juridictions.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'histoire d'Aleksandr Aleksandrovitch Osmiorkin, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste. Cette souscription vous garantira un accès privilégié à des informations exclusives et à des occasions d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Ivan Pavlovitch Pokhitonov (en russe: Иван Павлович Похитонов) était un artiste russe de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, maître du paysage, qui a vécu et travaillé en Europe pendant une grande partie de sa carrière.
Ivan Pokhitonov peignait principalement des paysages miniatures, réalisés avec un petit pinceau sur des planches de bois rouge ou citron, traitées et apprêtées avec une technique spéciale. Il peignait principalement en plein air. Le motif le plus répandu pour ses peintures miniatures pendant son émigration était les paysages urbains et marins français. Dans ses œuvres, toujours construites sur une combinaison de couleurs subtiles, le peintre combine organiquement les techniques de Barbizon, dont il était fan, et les traditions de l'école paysagiste russe. Il s'est également tourné vers le genre de la nature morte et du portrait.
Vasiliï Andreevitch Ponikarov (еn russe: Василий Андреевич Поникаров) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et aquarelliste, maître du paysage et de la nature morte.
Vasiliï Ponikarov utilisait la technique de l'aquarelle "humide", appliquant les peintures sur du papier pré-humidifié, ce qui conférait à ses œuvres une douceur particulière. L'artiste travaillait exclusivement à l'aquarelle, sans utiliser d'autres techniques. Ses paysages représentent souvent Odessa et ses environs, et ses natures mortes se distinguent par leurs couleurs vives et la représentation des abondantes richesses naturelles du sud de l'Ukraine. Son style personnel lui a valu une large reconnaissance et un grand succès.
Viktor Grigorievitch Pouzyrkov (еn russe : Виктор Григорьевич Пузырьков) était un artiste ukrainien né le 4 octobre 1918 et décédé le 30 octobre 1999. Sa formation artistique fut complète et diversifiée, s'étendant de l'école d'art de Dnepropetrovsk à l'institut d'art de Kiev, pour finir à Samarcande durant l'évacuation des instituts d'art de Kiev et de Moscou. Il a obtenu son diplôme en 1946 et est devenu professeur en 1957. Pouzyrkov a été reconnu comme Artiste du Peuple de l'URSS en 1979, une distinction qui souligne son impact et sa contribution significative à la culture et à l'art soviétiques.
Pouzyrkov est surtout connu pour ses peintures thématiques axées sur des sujets maritimes. Ses œuvres, telles que "Chernomorets" (1947), "Surf" (1952), "Après la tempête" (1957), et "Staline sur la rade" (1949), témoignent de sa capacité à capturer la puissance et la beauté de la mer, ainsi que des événements historiques et des figures importantes. Ces peintures montrent non seulement son habileté technique mais aussi son engagement envers les thèmes patriotiques et historiques de l'URSS.
Les œuvres de Pouzyrkov ont été reconnues et primées à plusieurs reprises. Il a remporté le prestigieux prix Shevchenko en 1976, une récompense qui souligne l'excellence dans le domaine de la culture et de l'art en Ukraine. Son tableau "Staline sur la rade" a été vendu pour une somme significative lors d'une vente aux enchères, illustrant l'intérêt et la valeur que les collectionneurs attribuent à son travail.
Pour les amateurs d'art, les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Pouzyrkov offre un aperçu fascinant de l'art soviétique du XXe siècle, mêlant habilement technique artistique et thématiques historiques et culturelles. Les intéressés peuvent explorer plus en détail les contributions de Pouzyrkov à l'art et à la culture soviétiques, ainsi que les disponibilités de ses œuvres sur le marché de l'art actuel.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Viktor Grigorievitch Pouzyrkov, garantissant ainsi que vous ne manquerez aucune opportunité de posséder une partie de l'héritage de cet artiste remarquable.
Mariia Dmitrievna Raevskaia-Ivanova (en russe: Мария Дмитриевна Раевская-Иванова) était une artiste russe du dernier tiers du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et enseignante et comme la première femme de l'Empire russe à avoir reçu le titre d'artiste de l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg.
Mariia Raevskaia-Ivanova a travaillé à l'huile et à l'aquarelle dans différents genres, créant des portraits, y compris des portraits de groupe, des paysages et des natures mortes. Elle est considérée comme une représentante de l'académisme. L'artiste est l'auteur du manuel "L'ABC du dessin pour la famille et l'école", ainsi que d'un certain nombre d'articles et de brochures sur des questions artistiques et pédagogiques.
Raphaël Schwartz était un artiste russe aux multiples facettes, d'origine ukrainienne, célèbre pour son travail de peintre, de graveur et de sculpteur. Né le 1er octobre 1874 à Kiev, il s'installe à Paris en 1892 après avoir épousé une aristocrate française. Sa présence dans le centre artistique de Paris, en particulier à la Villa des Ternes, lui a permis d'entretenir une vie sociale animée, décrite par son ami, le sculpteur Jacques Loutchansky, comme active et pleine d'humour.
La polyvalence artistique de Schwartz est mise en évidence dans des œuvres telles que le " Nu féminin assis ", une sculpture en bronze qui se distingue par sa patine brune et la qualité de son exécution. Cette pièce est signée " Raphael Schwartz " et porte la marque de la fonderie " CIRE C. VALSUANI PERDUE ", indiquant la qualité et l'authenticité appréciées par les collectionneurs et les commissaires-priseurs.
Éduqué à l'Académie Julian, les contributions de Schwartz au monde de l'art ont été reconnues lorsqu'il s'est vu décerner la Légion d'honneur. Son héritage en tant qu'artiste est ancré dans les traditions russe et française, malgré la fin tragique de sa vie par un suicide à Pau, en France, le 3 août 1942.
Pour ceux qui s'intéressent à la riche tapisserie de l'histoire de l'art et aux œuvres de Raphaël Schwartz, il est essentiel de s'inscrire aux mises à jour pour rester informé de l'influence durable de cet artiste distingué.
Ivan Fiodorovitch Selezniov (en russe: Иван Фёдорович Селезнёв) était un artiste russe et soviétique du dernier tiers du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle. Il est connu comme peintre académique et enseignant.
Ivan Selezniov a travaillé dans les genres historique, portrait et domestique, ainsi que dans les paysages et les natures mortes. Il était célèbre pour ses peintures sur l'histoire de la Russie, ses scènes de vie et ses portraits de genre réalistes. Il a également créé et restauré des fresques dans des églises de Kiev et a été l'un des organisateurs de l'association de peinture religieuse de Kiev.
Marc Sigismundovitch Sterling (en russe : Марк Сигизмундович Стерлинг) est un artiste français d'origine ukrainienne qui a marqué l'école de Paris. Formé à l'Académie d'Odessa, il a ensuite étudié sous la tutelle de Vladimir Tatline aux Vkhoutemas et a été influencé par le constructivisme avant de s'orienter vers le cubisme synthétique à Paris, côtoyant des figures comme Pablo Picasso et Georges Braque.
Son œuvre, variée et évolutive, comprend l'huile, la gouache, le dessin, lavis et la gravure. Après la guerre, il a adopté un style plus lyrique et, dans les années 1950, ses travaux ont gagné en couleur et en délicatesse. Les années 1960-1970 se caractérisent par une grande liberté dans les couleurs et les sujets, mêlant animaux fabuleux et paysages imaginaires dans une atmosphère poétique unique.
Les œuvres de Marc Sterling sont présentes dans des collections publiques prestigieuses, telles que le musée national d'Art moderne à Paris et le musée d'Art de Tel Aviv, ainsi que dans des collections privées à travers le monde.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Sterling offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne et de la diversité des influences et des styles qui l'ont marqué. Si vous êtes intéressé par les mises à jour relatives à Marc Sterling, il peut être bénéfique de vous abonner aux newsletters spécialisées dans l'art et les antiquités.
Vladimir Ievgrafovitch Tatline (en russe : Владимир Евграфович Татлин) était un artiste avant-gardiste russe, dont l'œuvre a grandement influencé le développement de l'art moderne. Né en 1885, Tatline est surtout connu pour ses contributions à l'art et à la culture, notamment dans les domaines de la peinture et de la sculpture. Son approche innovante et son exploration des matériaux et des formes ont fait de lui une figure centrale de l'avant-garde russe.
Au début de sa carrière, Tatline s'est intéressé à la peinture, mais c'est son travail dans le domaine de la sculpture qui l'a rendu célèbre. Ses réalisations dans l'art tridimensionnel ont défié les conventions et ont introduit de nouvelles manières de concevoir l'espace et la structure dans l'art. Parmi ses œuvres les plus célèbres, le "Monument à la Troisième Internationale", conçu en 1919 mais jamais construit, reste un symbole puissant de l'utopie artistique et architecturale. Cette tour, envisagée pour être plus haute que la Tour Eiffel, devait servir de quartier général au mouvement communiste international.
Tatline a également joué un rôle crucial dans l'éducation artistique en Russie, participant à la fondation de l'Artist School, un établissement dédié à l'avant-garde et à l'expérimentation dans l'art. Sa pédagogie était axée sur l'exploration de la forme et du matériau, encourageant ses étudiants à repousser les limites de l'expression artistique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Tatline offre un aperçu fascinant de l'avant-garde russe et de son impact sur l'art contemporain. Ses contributions à l'art et à la culture continuent d'inspirer et de défier les normes esthétiques. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Vladimir Ievgrafovitch Tatline, garantissant ainsi que vous restez informé des opportunités uniques d'apprécier et d'acquérir des œuvres de cet artiste révolutionnaire.
Vasiliï Dmitrievitch Tchegodar (еn russe: Василий Дмитриевич Чегодар) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme un peintre qui a travaillé dans les genres du paysage et de la nature morte.
Vasiliï Tchegodar s'est fait connaître en commençant à participer à des expositions d'art à partir de 1942. Les années 1950 constituent une période importante de son œuvre : il se consacre alors pleinement à la peinture et se fait connaître pour ses paysages de Kiev. L'artiste a laissé un riche héritage créatif, comprenant environ dix mille peintures et œuvres graphiques, dont certaines font partie de collections privées en Ukraine, en Russie et en Europe.
Leonid Ivanovitch Tchernov (еn russe: Леонид Иванович Чернов) était un artiste soviétique ukrainien de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
Leonid Tchernov a créé dans différents genres, notamment des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à de nombreuses expositions depuis 1945. Son travail a été inspiré par des voyages d'affaires en Inde, en Afghanistan, en Bulgarie et à Cuba. Parmi ses œuvres notables figurent des cycles de paysages "Across Ukraine", des gravures "In Folk Bulgaria", des dessins consacrés à des chansons folkloriques ukrainiennes et des poèmes de poètes soviétiques.
Tchernov a nourri une galaxie d'artistes ukrainiens et a joué un rôle important dans le développement de la communauté artistique ukrainienne.
Ivan Ivanovitch Tchiornyï (еn russe: Иван Иванович Чёрный) était un artiste soviétique, ukrainien et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il était connu pour ses œuvres monumentales et décoratives dans le style du réalisme socialiste.
Ivan Tchiornyï a réorienté son style à la fin des années 1990, inventant de nouvelles techniques et s'éloignant de la figuration au profit de la peinture abstraite. Ses compositions énigmatiques sont devenues des expressions expressives de sentiments intérieurs enrichis de couleurs et de lignes.
Viktor Ivanovitch Tolotchko (еn russe: Виктор Иванович Толочко) était un artiste soviétique et ukrainien de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu en tant que peintre, participant décoré de la Grande Guerre patriotique, maître du paysage, de la nature morte, de la bataille et des genres historiques.
En travaillant dans le genre historique, Viktor Tolotchko s'est efforcé de vivre dans l'atmosphère de l'époque. Pour réaliser le tableau "Défenseurs de la forteresse de Brest", il a vécu dans la forteresse pendant six mois et a réalisé plus de 50 croquis et esquisses. Outre le thème militaire, les paysages pleins de vie du maître ont également été très appréciés par les critiques.
Karp Demianovitch Trokhimenko (еn russe : Карп Демьянович Трохименко) était un artiste ukrainien, spécialisé dans la peinture et reconnu pour ses contributions significatives à l'art soviétique. Né en 1885, il a joué un rôle important dans la culture visuelle de son époque, notamment à travers ses œuvres monumentales et ses portraits expressifs.
Les peintures de Trokhimenko se distinguent par leur réalisme et leur profondeur émotionnelle. Il est surtout connu pour ses portraits de figures éminentes et ses représentations de la vie quotidienne en Union soviétique. Ses œuvres sont exposées dans plusieurs musées en Ukraine et en Russie, témoignant de son héritage durable.
Parmi ses œuvres célèbres, on trouve "Retour du front" et "Portrait de Taras Shevchenko", qui illustrent son talent pour capturer l'essence de ses sujets. Trokhimenko a également enseigné à l'Académie des beaux-arts de Kiev, influençant de nombreux jeunes artistes.
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Revekka Moiseevna Tsuzmer (Rena Tsuzmer) est une artiste céramiste soviétique et russe. Elle a étudié la peinture avec Robert Falk et Vladimir Favorski.
Le style de Revekka Tsuzmer combine des éléments de l'art contemporain et des influences de l'école d'avant-garde russe. Son travail se caractérise par des couleurs vives, des compositions dynamiques et une utilisation audacieuse des formes. Elle a expérimenté différents genres, notamment les portraits, les natures mortes et les compositions abstraites.
Valentina Petrovna Tsvetkova (еn russe: Валентина Петровна Цветкова) était une artiste soviétique et ukrainienne de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste, maître du paysage, de la nature morte et du portrait, maîtrisant diverses techniques de peinture et de dessin, notamment l'huile, le pastel, l'aquarelle, l'acrylique, le crayon et le stylo-feutre.
Dans son travail, Valentina Tsvetkova s'est concentrée sur la diversité des formes de la nature, les caractéristiques uniques du climat, de la flore, de l'architecture et du mode de vie des gens. Ses paysages se caractérisent par leur originalité et leur caractère décoratif, et ses portraits reflètent les principales caractéristiques de l'apparence et de l'essence intérieure de chaque personne représentée. L'artiste a peint des portraits de héros de guerre, ainsi que de scientifiques et de représentants de l'intelligentsia créative.