Céramistes
Yō Akiyama (秋山 陽) est un céramiste japonais basé à Kyoto. Il était une figure de proue tardive de Sōdeisha, un groupe d'artistes d'avant-garde du XXe siècle qui cherchait à redéfinir les conceptions de l'esthétique et de la finalité de la céramique moderne et contemporaine, en se concentrant sur les attributs sculpturaux plutôt que sur la stricte fonctionnalité. Akiyama a étudié directement auprès de Kazuo Yagi, l'un des fondateurs de Sōdeisha, pendant six ans. Akiyama est ensuite devenu professeur à l'Université municipale des arts et de la musique de Kyoto, où il est actuellement professeur émérite, ayant pris sa retraite en 2018. En tant qu'artiste, il travaille principalement avec la poterie noire, une technique qui consiste à cuire l'argile dans des conditions de basse température et de fumée pour créer un effet sombre. Ses œuvres, principalement à grande échelle, sont richement texturées et abstraites, mettant l'accent sur la matérialité terrestre de l'œuvre ainsi que sur sa forme.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Gabriel Argy-Rousseau, né Joseph Gabriel Rousseau, est un sculpteur, céramiste et maître verrier français qui a contribué à la redécouverte de la pâte de verre comme un art verrier majeur du début du ХХe siècle.
Charles Garabed Atamian est un artiste français d'origine arménienne né en Turquie.
Il étudie un temps à l'Académie des beaux-arts de Venise, puis travaille comme chef décorateur dans une fabrique de porcelaine à Istanbul. En 1894, Atamian travaille avec une équipe d'artistes à la décoration du nouveau palais du sultan Abdul-Hamid Il à Yildiz, sur la rive européenne du Bosphore. Il dessine, entre autres, les motifs des carreaux de céramique des murs du palais.
En 1897, Atamian émigre en France et commence à illustrer des livres et des magazines, ainsi qu'à travailler sur les décors de plusieurs théâtres parisiens. À partir de 1903, Atamian participe à diverses expositions avec un succès indispensable. Il peint des paysages, des scènes de mer et de plage avec des enfants (dont quelque 200 tableaux à Saint-Gilles, en Vendée, où il réside chaque année pendant les mois d'été, de 1923 à 1939). Tout au long de sa carrière, il est un excellent portraitiste. Il est devenu membre de la Société nationale des artistes en 1927.
Francesco Xanto Avelli est un peintre et un céramiste italien maniériste connu pour ses majoliques.
Il s'inspire de thèmes allégoriques, mythologiques car il est instruit et s'adonne aux écrits poétiques en l'honneur du duc d'Urbino, et ne néglige pas les événements contemporains rapportés par la littérature (Sac de Rome).
Jean-Jacques Bachelier était un peintre français, innovateur dans le domaine de la porcelaine et membre de l'Académie royale de peinture et de sculpture.
D'abord peintre de natures mortes, il a ensuite acquis une renommée mondiale pour sa contribution significative aux arts appliqués. En 1765, Bachelier a fondé une école d'art et d'artisanat à Paris avec ses propres fonds. Il était responsable des peintres de la manufacture de porcelaine de Vincennes, où l'on produisait des figurines en porcelaine non émaillée - le biscuit. Pendant de nombreuses années, Bachelier est directeur de la manufacture de porcelaine de Sèvres et devient de facto le créateur du style Sèvres.
Il mène également des recherches sur la peinture à l'encaustique (technique de peinture dans laquelle la cire sert de liant aux peintures) et publie des ouvrages sur l'enseignement artistique.
Elfriede Balzar-Kopp est une artiste céramiste allemande.
Elle a suivi une formation à l'atelier d'ingénierie céramique de l'État à Höhr, a travaillé à Karlsruhe à la manufacture nationale de maïolique et a fondé son propre atelier de poterie à Höhr en 1927. Elfriede Balzar-Kopp s'est d'abord concentrée sur les récipients baroques locaux, qu'elle a ensuite combinés avec d'autres styles.
Ses figurines animales, cruches et scènes de genre en céramique, uniques en leur genre, sont recherchées par les collectionneurs et de nombreux objets qu'elle a créés ornent des galeries dans le monde entier. Son fils Heiner Balzar (né en 1937) est l'un des plus grands artistes céramistes de la seconde moitié du XXe siècle.
Marcel-Louis Baugniet était un peintre, théoricien, designer de meubles, créateur d'affiches, de costumes et de décors de théâtre belge, et l'un des principaux défenseurs du concept de plasticité pure.
Il a étudié la peinture à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il a communiqué avec Paul Delvaux, René Magritte, Victor Servranck et Pierre-Louis Flouquet.
Matteo Bottiglieri est un sculpteur et peintre italien qui fut actif à Naples. L'une de ses premières œuvres est un marbre Christ mort (1724), dans la crypte de la cathédrale de Capoue, probablement exécuté d'après des dessins de Francesco Solimena. En 1733, il réalise trois œuvres pour l'église du Crucifix de Salerne et la même année, il participe à la décoration de l'église San Giuseppe dei Ruffi à Naples. Il a également exécuté de nombreux dessins représentant des bergers, utilisés comme modèles pour des personnages dans des scènes de la Nativité. On lui attribue également un groupe du « Christ et la Samaritaine » dans le cloître de San Gregorio Armeno, ainsi que le sépulcre d'Alessandro Vicentini dans le transept droit de l'église San Domenico Maggiore.
David Fielding Gough Boyd est un peintre et sculpteur australien et membre de la dynastie Boyd. En 1946, il travaille avec son frère Guy à la Poterie Martin Boyd à Sydney. Il a également établi une poterie à Londres au début des années 1950 et a continué à travailler principalement dans la poterie jusqu'au milieu des années 1960. Boyd et sa femme sont devenus largement connus comme les principaux potiers d'Australie. Ils ont introduit de nouvelles techniques d'émaillage et l'utilisation du tour de potier pour créer des figures sculptées.
La carrière de Boyd en tant qu'artiste a commencé en 1957 avec une série de peintures symboliques d'explorateurs australiens qui ont suscité beaucoup de controverse à l'époque alors qu'elles se concentraient sur l'histoire tragique des aborigènes de Tasmanie. En 1958, il expose une série de peintures basées sur des épisodes histologiques des études de Burke et Wills, Bass et Flinders. Il rejoint le Groupe des Antipodes dans les années 1950. En 1966, Boyd a découvert une technique qu'il a appelée sfumato après que de Vinci ait utilisé le mot pour décrire les dégradés de tons fumés dans la peinture. La méthode de Boyd a obtenu cet effet avec une nouvelle technique utilisant une flamme de bougie.
William Merrick Boyd, mieux connu sous le nom de Merrick Boyd, était un artiste, céramiste, sculpteur et graphiste australien qui a fait la chronique de sa famille et de son quartier dans des dessins au crayon.
Boyd a installé un studio à Murrumbin et des fours à poterie y ont été installés en 1911 avec le soutien de sa famille. Il a étudié avec Bernard Hall et Frederick McCubbin à la National Gallery School, où il a choisi la céramique comme voie vers la sculpture, mais a finalement opté pour la poterie. Il a tenu sa première exposition de poterie à Melbourne en 1912, et peu de temps après sa deuxième exposition à Besant Lodge.
Les meilleures œuvres de Boyd ont été créées entre 1920 et 1930 ; principalement des articles ménagers, souvent décorés par sa femme Doris, et quelques sculptures en poterie. Lui et Doris utilisaient souvent la flore et la faune australiennes comme motifs décoratifs.
Doris Lucy Eleanor Bloomfield Boyd est une artiste, peintre et céramiste australienne. Elle a étudié avec Bernard Hall et Frederick McCubbin à la National Gallery School, où elle a rencontré son camarade de classe Merrick Boyd, qui étudiait pour devenir potier. En 1915, elle l'épousa. Doris a honoré de nombreuses œuvres de Merrick Boyd entre 1920 et 1930. Il s'agissait principalement d'articles ménagers représentant la flore et la faune australiennes.
Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Roger Capron, de son nom de naissance Roger Henri Louis Capron, est un sculpteur céramiste et dessinateur français.
Capron a étudié les arts appliqués à Paris et a fondé en 1946 l'atelier de poterie l'Atelier Callis à Vallauris, qui a employé jusqu'à 120 personnes à différentes époques. Capron a remporté de nombreux prix, dont le Grand Prix International de la Céramique en 1970, et a fondé en 1983 le désormais célèbre Atelier Capron.
Les créations de Roger Capron utilisent souvent des carreaux d'argile ou des carreaux de lave émaillés, traditionnellement utilisés pour les panneaux décoratifs. Cette façon reconnaissable d'utiliser la céramique dans les meubles et les objets est devenue la marque de fabrique du designer. Capron a été le premier à mettre son savoir-faire en matière de céramique au service d'une production semi-industrielle. L'atelier s'est transformé en petite usine et a acquis une réputation internationale.
Andrea Cascella était un peintre et sculpteur italien issu de la famille d'artistes Cascella.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été un membre actif de la Résistance dans les formations Garibaldi Ossola en tant que commandant d'entraînement. Andrea Cascella a également collaboré avec les frères Menghi Osteria, artistes, réalisateurs, scénaristes, écrivains et poètes des années 1940 à 1970.
L'une de ses plus belles œuvres est considérée comme le monument aux morts d'Auschwitz, qu'il a conçu avec son frère Pietro. Cascella a également réalisé des sculptures pour des églises et des bas-reliefs pour des bâtiments publics.
Lorenzo Cassio était un peintre-restaurateur italien et un maître de la micromosaïque. Pendant deux siècles, les mosaïques ont été l'affaire familiale de Lorenzo Cassio et de ses descendants. Au début du XXe siècle, Lorenzo était directeur de l'atelier de mosaïque du Vatican.
Mario Ceroli est un sculpteur et scénographe italien.
Son travail se concentre sur des silhouettes incolores, parfois répétées en série, liées à l'espace qui devient le thème principal, ou dessinées à la détrempe et à l'encre. Les formes comprennent des lettres, des chiffres, la géométrie et des objets, qui peuvent être rattachés à des études de pop art et à des réinterprétations des grands classiques de l'histoire de l'art.
Hans Christiansen était un peintre allemand, représentant du modernisme classique, décorateur et illustrateur.
Christiansen suit une formation de peintre décorateur à Flensburg, puis à l'École des arts appliqués de Munich, avant d'étudier à l'Académie Julian à Paris. Après un voyage d'étude en Italie en 1889, il s'installe à Hambourg, où il enseigne à l'Université technique.
Parallèlement, Christiansen travaille comme artiste décorateur indépendant et est actif au sein du Volkskunst-Verein. Il est l'un des fondateurs et des premiers résidents de la colonie d'artistes de Darmstadt à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Avec Josef Olbrich et Peter Behrens, il a conçu des meubles, des céramiques, des tapisseries, des vitraux et des affiches graphiques. Il a également conçu sa propre maison dans la colonie, qu'il a appelée Villa Rose, et qui a été détruite pendant la Seconde Guerre mondiale.
À cette époque, l'artiste polyvalent écrit régulièrement pour le magazine Jugend et crée de nombreuses illustrations et couvertures. À partir de 1911, il donne des cours à l'école des arts et métiers de Wiesbaden et est membre de l'association des artistes libres de Wiesbaden.
En 1933, l'œuvre de Christiansen est interdite par le parti nazi allemand en raison de son épouse juive, et il est presque oublié jusqu'à sa mort en 1945.
Dieter Crumbiegel est un peintre et céramiste allemand.
Il a étudié la céramique à l'Académie des beaux-arts de Kassel et a ouvert son propre atelier à Fulda en 1964. Les peintures de Dieter Crumbiegel, quant à elles, véhiculent des messages qui ne lui sont révélés que pendant qu'il peint. Ces œuvres n'ont pas de titre, mais un numéro de série.
Depuis 1961, les œuvres de Crumbiegel ont été largement exposées en Allemagne et à l'étranger, en Australie, en Irlande, en Italie, au Japon, en Espagne et à Taïwan.
Hanna Dąbkowska-Skriabin est une artiste polonaise.
Elle est diplômée de l'Académie des beaux-arts de Varsovie, faculté de peinture.
Hanna était profondément préoccupée par le sort de la race humaine, qui se ruine à cause de l'avidité et de la myopie. Cela se reflète dans ses œuvres : nombre de ses tableaux sont une vision intemporelle d'un monde dur, dominé par la souffrance et l'injustice. Comme pour protester contre tous ces maux, Hanna Dąbkowska-Skriabin a peint des scènes d'amour et de magnifiques paysages. Elle est surtout connue pour ses peintures à l'huile. Elle maîtrise également les techniques de la céramique et de la tapisserie.
Natalia Iakovlevna Danko (en russe : Наталья Яковлевна Данько), née en 1892 à Tiflis dans une famille de cheminots, s'est imposée comme une figure marquante de la céramique et de la sculpture soviétique. Après ses études à l'Institut d'Art Stroganov à Moscou entre 1900 et 1902, Danko a approfondi sa formation artistique dans divers ateliers privés, y compris ceux de Hjalmar Jaanson à Vilnius et de Leonid Sherwood et Vasily Kuznetsov à Saint-Pétersbourg. Sa carrière a véritablement pris son envol en 1914 lorsqu'elle a commencé à travailler à la Fabrique Impériale de Porcelaine de Petrograd, devenant chef du département de sculpture en 1919.
L'œuvre de Danko est reconnue pour sa diversité et sa richesse, comprenant plus de 300 travaux sculpturaux. Parmi ses créations les plus célèbres, on trouve des figures représentant le soldat de l'Armée Rouge, la travailleuse brodant une bannière, Le Marin (1919), La Milicienne (1920), Les Chargeurs, La Diseuse de bonne aventure, La Famine, Les Joueurs d'échecs (1922), ainsi que des portraits de figures telles que Nijinsky, Fedorova II, Anna Akhmatova, et Meyerhold (1935). Beaucoup de ses premières œuvres ont été peintes par sa sœur, Elena Danko, une écrivaine, poétesse et artiste russe.
Durant la Seconde Guerre mondiale, Natalia Danko a vécu le siège de Leningrad. Fin février 1942, elle a été évacuée vers la ville d'Irbit avec sa sœur et sa mère, qui sont malheureusement décédées des suites de l'épuisement en cours de route. Danko elle-même est décédée peu après leur arrivée à Irbit, le 18 mars 1942.
L'héritage de Natalia Danko demeure un témoignage vibrant de l'art et de la culture soviétiques, ses œuvres étant un mélange unique de technique sculpturale et de sensibilité artistique à la porcelaine. Pour ceux qui s'intéressent de près à l'histoire de l'art soviétique et à la céramique, l'étude de son travail offre un aperçu fascinant de cette époque.
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Juan Manuel De la Rosa est un peintre, graveur et céramiste connu pour ses œuvres sur papier faites à la main. Il a étudié des techniques moins connues de peinture et de fabrication de papier au Japon, en Égypte, au Fiyi et en France ; son papier fait main est généralement fabriqué en lin, en coton ou en chanvre. Grâce à ces approches traditionnelles, il crée des couches et ajoute de nouvelles dimensions à ses œuvres d'art.
André Derain était un peintre français, sculpteur et co-fondateur du Fauvisme avec Henri Matisse. Né en 1880 à Chatou, près de Paris, il est surtout connu pour sa participation au mouvement Fauviste, caractérisé par l'utilisation audacieuse et innovante de couleurs vives. Derain a également exploré d'autres styles, notamment le Cubisme et le Classicisme, montrant ainsi une grande versatilité artistique.
Au début de sa carrière, Derain s'est fait remarquer par ses tableaux aux couleurs éclatantes et ses techniques avant-gardistes. Son talent a rapidement attiré l'attention des collectionneurs et des marchands d'art, lui permettant de gagner une stabilité financière et de continuer à expérimenter dans son art. En 1907, il déménage à Montmartre, où il côtoie des artistes renommés comme Pablo Picasso. Cette période marque un tournant dans son œuvre, avec une transition vers des tons plus sobres et une influence croissante du Cubisme et de l'œuvre de Paul Cézanne.
Durant la Première Guerre mondiale, Derain a servi dans l'armée française, ce qui a interrompu temporairement sa carrière artistique. Après la guerre, il a connu un regain de popularité et a été reconnu comme un leader du renouveau classique, s'éloignant des extravagances du Fauvisme pour adopter un style plus traditionnel.
Ses œuvres les plus notables, telles que "Pinède à Cassis" (1907) et "Paysage à Cassis" (1907), sont exposées dans des musées prestigieux comme le Musée Cantini à Marseille et le Musée d'art moderne de Troyes. Ces peintures illustrent son habileté à fusionner des influences diverses, allant du Primitivisme au Constructivisme, tout en préservant une esthétique distincte et personnelle.
Le parcours artistique de Derain est un témoignage de l'évolution de l'art moderne au début du XXe siècle, et son influence reste perceptible dans de nombreux domaines de l'art contemporain. Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de son œuvre offre une perspective précieuse sur les courants artistiques et les techniques de cette époque.
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Otto D. Douglas-Hill ou Otto Douglas-Hill est un artiste, sculpteur et céramiste allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Berlin et a fondé son propre atelier Douglas-Hillsche en 1926, où il a produit des vases, des céramiques de jardin et de la vaisselle. Douglas-Hillsche a également enseigné à la United State Schools of Liberal and Applied Arts de Berlin. Dans les années 1930, il gagne les faveurs de l'élite nazie et travaille pour elle, si bien qu'après la fin de la Seconde Guerre mondiale, il doit s'enfuir au Chili, puis en Espagne, où il vit jusqu'à la fin de ses jours. Douglas-Hill a principalement créé des récipients préfabriqués avec des glaçures de sa propre conception.
André Dubreuil est un artiste français renommé, maître des arts décoratifs, céramiste et créateur de meubles. Il travaille avec différents matériaux, du bois au métal en passant par la porcelaine.
Les œuvres d'André Dubreuil ont été exposées dans le monde entier.
Klaus Eberlein était un graphiste, illustrateur et sculpteur céramiste allemand. Il a d'abord suivi une formation de chromolithographe. De 1962 à 1968, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Munich et, à partir de 1968, il est l'élève de Hermann Kaspar et reçoit un diplôme final de l'Académie. Eberlein était membre de l'Association pour la gravure originale, de l'Association des artistes de Dachau et de l'Association des artistes de Munich. En 2013, il a été accepté dans l'association littéraire sud-allemande Münchner Turmschreiber.
Pierrette Favarger était une céramiste suisse, reconnue pour son approche unique de la céramique. Elle refuse d'utiliser le feu pour cuire ses créations, une méthode qui lui permet de travailler avec des matériaux tels que des textiles, des plumes, de la fourrure, ou encore des ongles. Cette technique particulière lui offre la liberté d'explorer davantage les effets de peinture et d'ajouter une dimension texturale à son travail. Elle se distingue également par son choix de travailler la terre cuite et son intérêt pour la figure humaine, imposant son style tout en restant à l'écart des tendances, refusant d'être qualifiée de "moderne".
Au cours de sa carrière, Pierrette Favarger a participé à de grandes expositions collectives, comme à Faenza en 1984, au Heimatwerk de Zurich en 1986, et en Chine en 1987. Elle a également eu de nombreuses expositions personnelles, notamment au Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel en 1975 et 1999, à la Galerie Ditesheim en 1982 et 1990, et au Heimatwerk en 1973. Son œuvre a été exposée en 2020 au Musée Ariana dans l'exposition "Anatomie fragmentée".
Pour ceux qui s'intéressent de près à la céramique et à l'art, et notamment aux collectionneurs, commissaires-priseurs et experts en art et antiquités, la découverte de l'œuvre de Pierrette Favarger représente une opportunité unique. Pour rester informés sur les ventes aux enchères et les événements liés à ses œuvres, n'hésitez pas à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous alerte uniquement sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Pierrette Favarger.
Alfred William Finch, plus connu sous le nom de Willy Finch, est un artiste peintre, graveur et céramiste belge. En 1883, il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant-garde Les Vingt. En 1886, à Londres, il fait la connaissance du peintre Whistler mais ce fut la rencontre avec un autre peintre, Georges Seurat, en 1887, qui eut le plus d'influence sur son travail et permit ainsi l'introduction du néo-impressionnisme (pointillisme) en Belgique. En 1890, à La Louvière, il devint décorateur sur faïence, puis se consacra de plus en plus à la céramique. C'est ainsi qu'il fut appelé à diriger une usine près d'Helsinki en 1897. Ce n'est qu'en 1905 qu'il revint à la peinture, en réalisant des paysages de Finlande dans une facture pointilliste qui influença la jeune génération de peintres finlandais. En 1912, alors qu'il est professeur à l'École des Arts décoratifs d'Helsinki, il fonda le groupe Septem, avec Enckell et le critique Frosterus. Ce groupe tenta par ailleurs des rapprochements avec les peintres français. Ses œuvres sont visibles entre autres au Musée communal des beaux-arts d'Ixelles, au Musée des beaux-arts de Tournai, aux Musées royaux des beaux-arts à Bruxelles et à l'Ateneum d'Helsinki.