Designers 19e siècle
Louise Abbéma était une artiste peintre française, sculpteure et designer de l'époque de la Belle Époque, née le 30 octobre 1853 à Étampes et décédée le 29 juillet 1927 à Paris. Elle s'est fait connaître grâce à ses portraits hauts en couleur de la société parisienne et des célébrités de son temps, y compris de la célèbre actrice Sarah Bernhardt. Abbéma a étudié l'art avec des maîtres renommés et a souvent peint des portraits et des scènes de genre influencés par l'impressionnisme.
Son talent lui a valu de nombreuses distinctions, dont la Palme Académique en 1887 et la Légion d'honneur en 1906, faisant d'elle une des premières femmes à recevoir cette honneur. Elle a également été nommée Peintre officielle de la Troisième République. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux salons et elle a reçu une médaille de bronze lors de l'Exposition Universelle de 1900.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "Le Matin d’avril, Place de la Concorde, Paris" (1894), "Portrait de Jeanne Samary" et divers portraits de Sarah Bernhardt. Ses peintures sont reconnues pour leur style vif et leur technique impressionniste, reflétant la vie sociale et culturelle de son époque.
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Erik Gunnar Asplund est un architecte suédois de renommée internationale, représentant du courant de l'architecture néoclassique des années 1920. Il a étudié à l'Institut royal de technologie de Stockholm où il obtint son diplôme d'architecte en 1909. Il a également étudié à la Klara Skolan, un institut privé dirigé par des architectes, où il a commencé à participer à des concours. Il fut à la fin de sa vie un pionnier du fonctionnalisme.
Léon Bakst (en russe: Лев Самойлович Бакс), un artiste russe de renom, a marqué l'histoire de l'art et de la culture par ses contributions significatives en tant que peintre, scénographe, et créateur de costumes. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est illustré par son travail novateur pour les Ballets Russes, apportant une dimension visuelle révolutionnaire à la danse et au théâtre du début du XXe siècle.
L'œuvre de Bakst se distingue par son utilisation audacieuse de la couleur et son style exotique, qui ont captivé l'imaginaire du public et influencé la mode et l'art décoratif de son époque. Ses décors et costumes pour des productions telles que "L'Après-midi d'un faune" et "Le Spectre de la rose" demeurent des exemples emblématiques de son génie créatif, témoignant de son rôle prépondérant dans l'avant-garde artistique.
Les réalisations de Bakst sont conservées dans des musées et collections à travers le monde, attestant de son héritage durable. Le Musée d'Orsay à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York, entre autres, abritent certaines de ses œuvres les plus célèbres, permettant au public de se familiariser avec son art innovant.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Léon Bakst offre une fenêtre unique sur une période clé de l'innovation artistique et culturelle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Léon Bakst, garantissant ainsi un accès privilégié à des pièces exceptionnelles de cet artiste légendaire.
George Barbier était un artiste et illustrateur français, créateur de mode, qui a influencé le développement du mouvement Art déco.
George Barbier a étudié la peinture à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Il a d'abord travaillé comme illustrateur pour plusieurs célèbres magazines de mode parisiens et, peu à peu, ses dessins ont commencé à définir le style des vêtements féminins. L'émergence du style Art nouveau incite Barbier à créer une mode luxueuse pour le cabaret, le théâtre et le cinéma. Il représente des costumes de théâtre extravagants avec des strass étincelants, de hautes coiffes et d'immenses panaches. Barbier a conçu des costumes de scène pour les célèbres Ballets russes de Diaghilev.
Il a également illustré des catalogues et de nombreuses œuvres littéraires, dont celles de Charles Baudelaire et de P. Verlaine, et a été auteur et créateur de bijoux.
Marcus Behmer, de son nom complet Marcus Michael Douglas Behmer, connu sous les pseudonymes de Marcotino et Maurice Besnaux, est un artiste, graphiste et illustrateur allemand.
Fils du peintre Hermann Behmer, Marcus a participé à la Première Guerre mondiale et a peint des portraits miniatures de ses compagnons d'armes. À partir de 1900, il commence à collaborer avec des périodiques et des éditeurs de livres de Munich. Bemer a réalisé des centaines de dessins et d'illustrations et a publié une série de gravures qui ont été reconnues et ont eu du succès. Il conçoit également des caractères typographiques.
En 1936, Behmer est condamné pour homosexualité et passe un an et demi en prison, où l'artiste trouve également la force de dessiner. Pendant la Seconde Guerre mondiale, presque toutes les créations de Bemer ont été perdues ou détruites.
Peter Behrens, né le 14 avril 1868 à Hambourg et décédé le 27 février 1940 à Berlin, était un architecte, graphiste et designer industriel allemand, considéré comme un pionnier dans le développement de l'architecture moderne en Allemagne. Sa collaboration avec AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) en tant que consultant artistique dès 1907 lui a valu d'être reconnu comme le premier designer industriel de l'histoire, concevant l'identité corporative complète de l'entreprise, y compris le design des produits et des bâtiments emblématiques comme la fameuse Usine de Turbines AEG à Berlin.
Au début de sa carrière, Behrens a travaillé comme peintre et designer dans le style Jugendstil, ou Art nouveau allemand, avant de se tourner vers l'architecture sous l'influence de J. M. Olbrich. Il est devenu un membre influent de la colonie d'artistes à Darmstadt, où il a réalisé sa propre maison, un exemple caractéristique du travail Art nouveau.
Tout au long de sa carrière, Behrens a influencé significativement l'architecture européenne. Ses bâtiments, du monumental classicisme industriel de l'Usine de Turbines AEG au style expressionniste en brique de l'édifice administratif de Hoechst AG à Francfort, reflètent une diversité de styles et d'intérêts architecturaux. Son travail a non seulement marqué l'avènement de l'architecture moderne mais a également servi de mentor à des architectes modernistes majeurs tels que Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier et Walter Gropius.
Behrens a également joué un rôle important dans l'éducation en architecture, enseignant à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne de 1922 jusqu'à 1936, période durant laquelle il a continué à influencer le développement de l'architecture moderne en Europe.
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Gottlieb Bodmer était un peintre allemand de la première moitié du XIXe siècle. Il est connu comme portraitiste, dessinateur et lithographe.
Bodmer a pratiqué le portrait pendant plusieurs années avant de se lancer dans la lithographie. Son œuvre la plus importante de l'époque est une lithographie de la Madone Sixtine. L'artiste séjourne quelque temps à Paris, où il améliore sa technique. Il copie des gravures et aime particulièrement reproduire les peintures des artistes de l'école de Munich. Les réalisations de Bodmer dans le domaine de la lithographie ont jeté les bases de l'école lithographique bavaroise, qui a fait de Munich la "capitale lithographique de l'Allemagne".
Carlo Bugatti est un artiste, ébéniste, décorateur, créateur et fabricant de mobilier, de modèles d'orfèvrerie, d'instruments de musique italien, avec une prédilection pour l'Art nouveau. Il est le père de Deanice Bugatti, Ettore Bugatti (1881-1947) fondateur de Bugatti, et de Rembrandt Bugatti (1884-1916) sculpteur animalier.
Frederick Carder était un artiste et designer d'origine anglaise, surtout connu pour son travail dans le domaine de la verrerie et son rôle de cofondateur de la Steuben Glass Works aux États-Unis. Il était une figure importante du mouvement américain du verre d'art et a apporté des contributions significatives à ce domaine.
En 1903, Carder a immigré aux États-Unis et s'est finalement installé à Corning, dans l'État de New York. En collaboration avec Thomas G. Hawkes, il a cofondé la Steuben Glass Works en 1903. Carder a été le directeur artistique et le designer en chef de Steuben pendant plusieurs décennies. Sous sa direction, Steuben est devenue célèbre pour sa production de verre d'art de haute qualité, connu pour son élégance, son savoir-faire et ses designs innovants.
Carder a expérimenté diverses techniques de fabrication du verre et était compétent pour créer une large gamme d'objets en verre, notamment des vases, des bols, des lampes et des articles de table. Ses créations présentaient un large éventail de styles, allant de pièces délicates et complexes inspirées de l'Art nouveau à des créations audacieuses et modernes de l'Art déco. Les œuvres de Carder se caractérisent souvent par des couleurs vives, des motifs complexes et des techniques de verre complexes telles que l'iridisation et la gravure à l'acide.
Louis Carrogis, plus connu sous le nom de Carmontelle était un artiste, un jardinier, un architecte, un dramaturge et un inventeur français.
Carmontelle était d'origine simple mais doué d'un talent polyvalent. Il a écrit plusieurs pièces de théâtre et trois romans, et a réalisé des portraits de personnages historiques. Il est devenu célèbre pour sa peinture du petit Mozart au clavier. Au service de Louis-Philippe Ier, duc d'Orléans, il est responsable des représentations théâtrales de la famille en tant que décorateur et metteur en scène.
Carmontelle est le planificateur et le concepteur de l'un des premiers exemples de jardin paysager français à Paris, aujourd'hui connu sous le nom de parc Monceau. En concevant ce jardin, Carmontel a rejeté la plupart des tendances à la mode dans l'aménagement paysager de l'époque, s'inspirant des jardins d'agrément japonais et insistant sur l'inclusion de l'illusion et de la fantaisie.
Carmontelleest également considéré comme l'inventeur des images animées. Un ruban translucide sur lequel étaient représentés des paysages était lentement déroulé d'un rouleau à l'autre sur fond de lumière du jour, créant ainsi l'illusion d'une promenade dans un jardin.
Adolf Yosipovich Charlemagne (еn russe : Адольф Иосифович Шарлемань) était un peintre russe, né le 20 décembre 1826 à Saint-Pétersbourg. Il est reconnu pour ses peintures historiques, de genre et de scènes de bataille. Formé à l'Académie impériale des beaux-arts, il a remporté plusieurs médailles et a étudié à l'étranger, notamment à Munich et Paris.
Charlemagne est célèbre pour ses représentations de moments historiques, comme son tableau "Le maréchal Souvorov dans le col du Saint-Gothard". Il a également créé un jeu de cartes populaire, le "Satin Deck".
Ses œuvres, appréciées pour leur précision et leur dynamisme, sont exposées dans des musées russes tels que le Musée Russe de Saint-Pétersbourg.
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Hans Christiansen était un peintre allemand, représentant du modernisme classique, décorateur et illustrateur.
Christiansen suit une formation de peintre décorateur à Flensburg, puis à l'École des arts appliqués de Munich, avant d'étudier à l'Académie Julian à Paris. Après un voyage d'étude en Italie en 1889, il s'installe à Hambourg, où il enseigne à l'Université technique.
Parallèlement, Christiansen travaille comme artiste décorateur indépendant et est actif au sein du Volkskunst-Verein. Il est l'un des fondateurs et des premiers résidents de la colonie d'artistes de Darmstadt à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Avec Josef Olbrich et Peter Behrens, il a conçu des meubles, des céramiques, des tapisseries, des vitraux et des affiches graphiques. Il a également conçu sa propre maison dans la colonie, qu'il a appelée Villa Rose, et qui a été détruite pendant la Seconde Guerre mondiale.
À cette époque, l'artiste polyvalent écrit régulièrement pour le magazine Jugend et crée de nombreuses illustrations et couvertures. À partir de 1911, il donne des cours à l'école des arts et métiers de Wiesbaden et est membre de l'association des artistes libres de Wiesbaden.
En 1933, l'œuvre de Christiansen est interdite par le parti nazi allemand en raison de son épouse juive, et il est presque oublié jusqu'à sa mort en 1945.
Charles Edouard De Beaumont était un peintre, aquarelliste et lithographe réaliste français.
Beaumont a illustré les livres classiques de son époque et était un collaborateur régulier et très populaire des périodiques parisiens. Il est largement connu pour ses scènes humoristiques et parfois satiriques de la vie parisienne.
Fortunato Depero est un artiste futuriste, designer, sculpteur et poète italien. En 1913, Depero arrive à Rome, où il rencontre les futuristes Giacomo Balla et Umberto Boccioni.
Au début des années 1920, Fortunato Depero s'essaie à la publicité commerciale, dessine des costumes de théâtre, travaille pour des revues et comme décorateur d'intérieur, et participe à de nombreuses expositions d'art.
Jean-Charles Develly est un designer et un artiste français. Il est particulièrement célèbre pour ses peintures sur porcelaine lorsqu'il travaillait à la manufacture de Sèvres. Jean-Charles Develly a travaillé à la Manufacture de Porcelaine de Sèvres de septembre 1813 à 1847 et est devenu l'un des artistes les plus célèbres de cet établissement.
Raoul Dufy, peintre français du mouvement Fauviste, est célèbre pour son style vibrant et décoratif. Né le 3 juin 1877 au Havre, Dufy a commencé par des études artistiques tout en travaillant. Il a été profondément influencé par le Fauvisme après avoir vu l'œuvre de Henri Matisse, "Luxe, Calme et Volupté", en 1905. Cette révélation a orienté ses intérêts vers ce mouvement, caractérisé par des couleurs vives et des contours audacieux.
Dufy a développé une approche distinctive vers 1920, après avoir expérimenté brièvement le cubisme. Sa technique impliquait des structures squelettiques, une perspective raccourcie, et l'utilisation de lavis de couleur appliqués rapidement, connue sous le nom de sténographique. Ses œuvres joyeuses, tant en huile qu'en aquarelle, représentent des scènes de l'époque, comme des régates, des vues pétillantes de la Côte d'Azur, des fêtes chics et des événements musicaux.
En plus de la peinture, Dufy était également un illustrateur et artiste commercial renommé. Il a peint des fresques pour des bâtiments publics et produit un nombre significatif de tapisseries et de designs en céramique. Ses créations étaient très demandées dans l'industrie textile, influençant la mode de l'époque.
Les œuvres de Dufy sont présentes dans de nombreuses collections publiques, telles que l'Art Institute of Chicago, le Musée d'Art Moderne de Paris, et la National Gallery of Art à Washington, D.C. Parmi ses œuvres notables figurent "Les Alliés" (1914) et "Regatta at Cowes" (1934).
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, la richesse et la diversité de l'œuvre de Dufy offrent un panorama fascinant de l'art moderne français. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Raoul Dufy, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir des pièces uniques et de saisir des opportunités exceptionnelles dans le monde de l'art.
Edmund Dulac est un artiste britannique et français, illustrateur de livres et graphiste.
Edmund dessine beaucoup depuis l'enfance et, après une formation d'avocat, décide de se lancer dans l'art : il étudie à l'Académie des beaux-arts de Toulouse et à l'Académie Julian. À l'âge de 22 ans, il s'installe à Londres et est chargé par l'éditeur J. M. Dent d'illustrer le roman "Jane Eyre" et d'autres œuvres des sœurs Brontë. Il devient alors un collaborateur régulier du Pall Mall Magazine et rejoint le London Sketch Club, où il rencontre les principaux illustrateurs de livres et de magazines de l'époque. Ces connaissances ouvrent une large voie au jeune artiste talentueux.
Dulac décore de ses images magiques de nombreuses éditions des contes d'Andersen, des œuvres de Shakespeare, d'Edgar Poe, d'Omar Khayyam et d'autres. En collaboration avec le célèbre animateur Walt Disney, il a participé au développement du type de Blanche-Neige, et son œuvre la plus célèbre est considérée comme l'image de la princesse Boudour.
Par la suite, Dulac a travaillé dans divers domaines : dessins de presse, costumes et décors de théâtre, médailles et même timbres-poste, notamment ceux émis pour commémorer le couronnement du roi George VI (1937), le début du règne de la reine Elizabeth II et les Jeux olympiques d'été (1948).
William Dunlap était un dramaturge, directeur de théâtre, artiste et historien américain.
William Dunlap a été un pionnier du théâtre du jeune pays. Il a dirigé deux des premiers et plus célèbres théâtres de New York, le John Street Theatre et le Theatre in the Park. Au cours de sa vie, il a mis en scène plus de soixante pièces, dont la plupart étaient des adaptations ou des traductions d'œuvres françaises et allemandes. Mais il y a aussi des pièces originales, basées sur des thèmes américains et mettant en scène des personnages américains. En 1832, Dunlap a publié A History of the American Theatre en deux volumes.
En 1825, Dunlap a cofondé la National Academy of Design et a enseigné dans son école. Aujourd'hui encore, Dunlap est surtout connu pour son ouvrage encyclopédique en trois volumes intitulé History of the Origin and Progress of the Art of Design in the United States (Histoire de l'origine et des progrès de l'art du design aux États-Unis). Ce livre, publié en 1834, est aujourd'hui une source inestimable d'informations sur les artistes, les collections et la création artistique dans le pays à cette époque.
Fritz Helmuth Ehmcke était un graphiste, dessinateur de caractères, illustrateur et concepteur de livres allemand. occasionnellement, il est également mentionné comme architecte (autodidacte) de quelques bâtiments achevés. Fritz Helmuth Ehmcke a effectué un apprentissage de lithographe à Berlin de 1893 à 1897 et a ensuite exercé pratiquement son métier. À partir de 1903, il enseigne à la Kunstgewerbeschule de Düsseldorf et en 1907, il est co-fondateur du Deutscher Werkbund. De 1913 à 1938, il a vécu à Munich et y a travaillé à l'École des arts appliqués et plus tard à l'École nationale des arts appliqués. De 1924 à 1925, il dirige l'Association des artistes commerciaux allemands. Entre 1913 et 1934, il dirigea sa propre entreprise d'art du livre à Munich, la Rupprecht Presse. De 1946 à 1948, il enseigne comme professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Munich. Sa préoccupation pour la conception de caractères est devenue le sujet central de son travail pratique et théorique. À partir de 1907, il crée des polices de caractères Antiqua et Fraktur pour diverses fonderies de caractères.
Alexandra Alexandrovna Exter (en russe: Александра Александровна Экстер), née le 6 janvier 1882 à Bialystok (aujourd'hui Bialystok, Pologne) et morte le 17 mars 1949 à Fontenay-aux-Roses, France, est une artiste russo-française de stature internationale qui a vécu entre Kiev, Saint-Pétersbourg, Moscou, Vienne et Paris. Par ses réalisations artistiques, elle a grandement contribué au renforcement des liens culturels entre la Russie et l'Europe et a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe.
Ekster a eu une influence particulière sur les mouvements suprématistes et constructivistes et a été une figure majeure du mouvement Art déco. Son style se caractérise par une approche expérimentale, combinant différentes influences culturelles pour créer un style original. Entre 1915 et 1916, elle a travaillé dans des coopératives d'artisanat paysan, a fondé un atelier de formation et de production à Kiev et a été l'un des principaux scénographes du théâtre de chambre d'Alexandre Taïrov.
Ses peintures sont connues pour leur dynamisme, le jeu des couleurs vives et des compositions à la fois ludiques et théâtrales, incorporant des éléments géométriques qui soulignent le désir de dynamisme et de contrastes vifs. Ses créations de costumes, notamment pour le ballet et le cinéma, reflètent la même attention à la couleur, au mouvement et à la structure géométrique qui lui a valu une réputation de créatrice d'avant-garde dans de nombreux domaines.
Exter a également eu une influence significative sur la conception des décors et des costumes, en expérimentant la transparence, le mouvement et l'éclat des tissus. Ses décors de théâtre utilisaient des dimensions multicolores et expérimentaient des structures spatiales, poursuivant ces tendances expérimentales dans ses dernières créations de marionnettes.
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Albert Henry Fullwood était un artiste australien qui a apporté une contribution significative à l'art en Australie. Il a peint avec des artistes de l'école Heidelberg autour de Melbourne et a déménagé pour vivre et peindre dans leur camp à Sirius Cove, Sydney. Fullwood était l'artiste de guerre officiel australien de la 5e division de la Première Guerre mondiale. Fullwood est représenté dans de nombreuses galeries.
Eugène Gaillard est un architecte et un créateur de meubles. Ce fut un des artistes décorateurs Art nouveau qui s’adaptèrent naturellement au mouvement Art déco.
Avec Georges de Feure et Édouard Colonna, il a réalisé le pavillon Art nouveau de Siegfried Bing à l’Exposition universelle de Paris en 1900.
Il a écrit un livre intitulé «À propos du mobilier» en 1906.
Akseli Gallen-Kallela, né Axel Waldemar Gallén, est un artiste finlandais d'origine suédoise.
Il a étudié à l'Académie Julian à Paris, a voyagé en Afrique et a ensuite dessiné des drapeaux, des armoiries et des uniformes pour l'armée de la Finlande indépendante.
Akseli Gallen-Kallela est un représentant du romantisme national finlandais et de l'art nouveau nordique des années 1880-1910. Dans son œuvre, il a utilisé le symbolisme et les techniques artistiques du style Art nouveau. La représentation sans fard de la maladie, de la souffrance et des difficultés sociales fait partie de la conception naturaliste de l'art que Gallen-Kallela a suivie dès le début de sa carrière. Il a fréquemment peint la dureté de la vie, souvent avec des éléments de symbolisme chrétien.
Alexander Gerbig était un peintre expressionniste, un graphiste et un artiste décorateur allemand.
Gerbig a travaillé avec succès comme peintre décorateur, a étudié à l'École royale des arts et métiers de Dresde, puis à l'Académie royale des arts de Dresde, a parcouru l'Europe dans le cadre de voyages d'études et a remporté plusieurs prix pour sa peinture.
Pendant la Première Guerre mondiale, il a servi comme soldat et a réalisé de nombreux croquis des événements dont il a été témoin. Dans les années 1920, Gerbig organise plusieurs expositions à succès et fréquente activement presque toutes les associations artistiques de l'époque. Pendant les années du régime national-socialiste en Allemagne, l'œuvre de Gerbig a été déclarée dégénérée, ses tableaux ont été retirés des musées et il lui a été interdit de peindre. En 1945, il devient cependant président honoraire de la section des arts visuels de l'association culturelle de Zuhl.
Alexandre Iakovlevitch Golovine (en russe: Александр Яковлевич Головин) fut un artiste et décorateur de scène russe remarquable, né le 1er mars 1863 à Moscou et décédé le 17 avril 1930. Initialement orienté vers l'architecture, il s'est par la suite consacré à la peinture et au design d'intérieur, enrichissant son expérience dans divers domaines artistiques comme la conception de meubles. Il a marqué l'histoire par ses collaborations avec des figures emblématiques telles que Sergei Diaghilev, Constantin Stanislavski et Vsevolod Meyerhold, pour qui il a conçu des décors et costumes de théâtre innovants, combinant symbolisme et modernisme.
Ses contributions au ballet, notamment pour le célèbre "L'Oiseau de feu" de Stravinsky en 1910, et pour la mise en scène de "Le Mariage de Figaro" de Beaumarchais au Théâtre d'Art de Moscou, dirigé par Stanislavski, ont été saluées. Ces œuvres témoignent de sa capacité à fusionner les décors et costumes, créant ainsi une harmonie visuelle exceptionnelle sur scène.
Golovine a également laissé un héritage précieux à travers ses peintures, comme les portraits de Fedor Chaliapin et Vsevolod Meyerhold, ainsi que ses œuvres "Porcelaine et fleurs" et "Saules argentés", qui illustrent sa maîtrise de la couleur et son sens du détail.
Reconnu pour son talent, il fut nommé Artiste du peuple de la RSFSR. Ses créations sont préservées dans des collections publiques, telles que celles du musée du Théâtre de Moscou, enrichissant ainsi le patrimoine culturel russe.
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Johann Georg Grimm était un peintre allemand du milieu du XIXe siècle. Il est connu comme peintre paysagiste et designer, surtout pour ses œuvres créées pendant son séjour dans l'Empire brésilien.
Georg Grimm est reconnu comme un maître exceptionnel de l'art brésilien et est considéré comme un chef de file du modernisme dans ce pays. Il a eu une influence significative sur le développement de la peinture moderne au Brésil, en fondant une école de plein air et en devenant professeur. Ses paysages naturalistes sont reconnus comme un héritage précieux et nombre d'entre eux se trouvent dans des collections privées. En Allemagne, il est resté peu connu.
Walter Adolph Georg Gropius était un architecte germano-américain et fondateur de l'école du Bauhaus, reconnu comme l'un des maîtres pionniers de l'architecture moderniste. Né à Berlin, il a initialement étudié l'architecture à Munich et Berlin avant de rejoindre le bureau de l'architecte Peter Behrens, où il a travaillé aux côtés de Ludwig Mies van der Rohe et Le Corbusier. Gropius a établi sa propre pratique avec Adolf Meyer, avec qui il a partagé le crédit pour la création du Faguswerk, un exemple fondateur du modernisme européen. Ses contributions au Bauhaus et à l'architecture moderne sont vastes, y compris la conception du Harvard Graduate Center, qui a introduit les principes du Bauhaus dans un cadre international et a marqué un tournant dans l'acceptation du modernisme international aux États-Unis.
Gropius a également conçu des résidences importantes, telles que la Josephine M. Hagerty House et la Alan I W Frank House, qui démontrent son approche innovante de l'architecture résidentielle. La Hagerty House, située à Cohasset, Massachusetts, et la Frank House à Pittsburgh, Pennsylvanie, reflètent son engagement envers le design moderne et fonctionnel.
Son impact sur l'architecture et le design va au-delà de ses créations physiques; en tant que directeur du Bauhaus, Gropius a promu l'intégration des arts et du design industriel, influençant profondément le développement du design moderne. Son œuvre, caractérisée par l'utilisation innovante de nouveaux matériaux et techniques de construction, ainsi que par une approche intégrée de la conception, reste une source d'inspiration pour les architectes et les designers du monde entier.
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Paul Guignebault, né Paul Amand Guignebault, est un peintre, illustrateur, designer et graveur français.
Paul a étudié à l'École des Beaux-Arts de Paris. Au début de 1902, il fonde avec Henri Boutet l'Atelier d'art, où ils impriment des gravures et des eaux-fortes en couleurs. Paul Guignebault travaille également comme illustrateur d'ouvrages pour enfants pour plusieurs éditeurs de livres à Paris et participe à la création de reproductions d'images pour l'Imagerie Quantin.
Walter Gay était un artiste américain connu pour ses peintures élégantes et sobres d'intérieurs et de natures mortes. Il a étudié à l'École du Musée des beaux-arts de Boston avant de se rendre à Paris pour poursuivre sa formation à l'Académie Julian.
Gay faisait partie d'un groupe d'artistes américains attirés par Paris à la fin du XIXe siècle, et il s'est associé à la communauté d'artistes américains et britanniques expatriés qui se sont installés dans le quartier de Montparnasse.
Les peintures de Gay se caractérisent par leurs harmonies de couleurs subtiles, leur composition raffinée et leur souci du détail. Il s'est spécialisé dans la représentation d'intérieurs élégants et aménagés avec goût, mettant souvent en scène des meubles anciens, des œuvres d'art et des détails architecturaux. Il était également connu pour ses natures mortes, qui comprenaient des arrangements simples de fleurs, de fruits et d'autres objets disposés sur des tables ou des rebords de fenêtres.
Les œuvres de Gay étaient très recherchées par les collectionneurs de son vivant, et il exposait régulièrement à Paris, Londres et New York. En 1908, le gouvernement français lui a décerné la Légion d'honneur en reconnaissance de sa contribution aux arts. Aujourd'hui, ses peintures figurent dans les collections de musées du monde entier, dont le Metropolitan Museum of Art à New York et le musée d'Orsay à Paris.
Albert Pieter Hahn est un artiste peintre, dessinateur, caricaturiste et affichiste néerlandais, proche du mouvement socialiste et antimilitariste. Ses dessins rencontrent un grand succès auprès des lecteurs. Il illustre les mouvements de grèves, la misère ouvrière, les problèmes de logement dans certains quartiers d'Amsterdam. Son trait mordant, son acuité, le rendent célèbre dans les milieux de gauche. Il est l'un des piliers du journal satirique De Notenkraker, qui devient le supplément hebdomadaire illustré de Het Volk en 1907. Il y dessinera jusqu'à sa mort et prend régulièrement pour cible l'antirévolutionnaire Abraham Kuyper1. D'autres périodiques, tout aussi engagés, font appel à ses talents. Il réalise aussi quelques affiches lithographiées, parmi les plus belles de cette période, dans la lignée du Nieuwe Kunst, d'une grande puissance graphique. Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Hahn se consacre pendant des mois uniquement à la représentation de scènes de combats ou de privations, des dessins souvent jugés pessimistes, sarcastiques et noirs.
John Hassall était un illustrateur anglais, connu pour ses publicités et ses affiches. En 1895, il a commencé à travailler comme artiste publicitaire pour David Allen & Sons, une carrière qui a duré cinquante ans. Entre 1896 et 1899 seulement, il réalise plus de 600 dessins d'affiches de théâtre pour cette firme tout en illustrant plusieurs journaux illustrés. Utilisant des couleurs plates entourées de lignes noires épaisses, son style d'affiche était très approprié pour les livres pour enfants, et il a produit de nombreux volumes de comptines et de contes de fées, tels que Mother Goose's Nursery Rhymes.
Frans / Franz Hens est un peintre post-impressionniste, dessinateur, aquarelliste et graphiste belge néerlandophone, surtout connu comme peintre de l'Escaut, mais aussi comme pionnier de l'art africaniste. Frans Hens est le premier artiste à se rendre dans l'État indépendant du Congo. Outre de nombreux dessins et peintures, il se constitue un herbier qu'il déposera au Jardin botanique de Bruxelles. Il exposera ses travaux en 1889 et 1890 à Bruxelles et à Anvers. Frans Hens était membre des cercles artistiques Pour l'Art, De Scalden et Weest U Zelve et fut membre fondateur du groupe anversois Les XIII en 1891 puis du mouvement Kunst van Heden en 1905. Il sera nommé professeur à la fin de sa carrière à l'Institut national supérieur des beaux-arts d'Anvers.
Johann Caspar Herterich était un peintre allemand du dernier tiers du XIXe siècle. Il est connu comme peintre d'histoire et de genre, ainsi que comme professeur à l'Académie royale des beaux-arts de Munich.
Herterich a réalisé un certain nombre de portraits, ainsi que des toiles sur des thèmes historiques, religieux et de genre. Ses œuvres comprennent des scènes dramatiques, des scènes de genre sentimentales de la vie familiale. L'artiste a participé activement au mouvement Arts and Crafts et a été impliqué dans la conception de lustres et d'autres éléments décoratifs. Parmi les élèves du maître figurait son frère cadet Ludwig von Herterich, qui devint lui aussi un artiste célèbre.
Olle Hjortzberg ou Gustaf Olof Hjortzberg est un peintre, illustrateur et designer suédois.
Il a étudié à l'Académie royale suédoise des beaux-arts, puis a voyagé en Palestine, en Syrie et en Grèce.
Hjortzberg est surtout connu pour ses natures mortes florales flamboyantes, mais il a également peint l'église St Katharina à Stockholm et la cathédrale d'Uppsala et a été professeur à l'Académie royale des beaux-arts. L'artiste a illustré la Bible et dessiné des affiches et des timbres.
Frances Mary Hodgkins est une peintre néo-zélandaise. Elle est considérée comme l'une des peintres les plus prestigieuses et les plus influentes de la Nouvelle-Zélande, bien que sa réputation repose sur ses œuvres réalisées en Europe.
Marcel Jefferis est un peintre impressionniste belge. Il peint des personnages, des scènes de genre, des paysages et des natures mortes à l'huile et à l'aquarelle, et réalise des eaux-fortes. Ses toiles mettent souvent en scène des manifestations festives avec de nombreux personnages. Il a également conçu des meubles, des papiers peints, des tissus, des tapisseries et des intérieurs pour la société Vanderborght à Bruxelles.
Owen Jones était un architecte, designer, théoricien et artiste des arts décoratifs britannique.
Formé à la Royal Academy, Jones a voyagé au Moyen-Orient et en Espagne entre 1833 et 1834, étudiant l'architecture et le design du monde islamique et surtout arabe. Jones a consacré son œuvre Plans, façades, sections et détails de l'Alhambra (1842-45) au célèbre palais de Grenade, un exemple exceptionnel d'architecture mauresque.
Jones est également connu pour son ouvrage sur les motifs orientaux et occidentaux, Grammar of Ornament (1856), qui est un compendium pictural systématique axé sur l'utilisation de la couleur et l'application de principes logiques dans la conception de tapis, de papiers peints, de meubles et de décorations d'intérieur.
Carl Friedrich August von Kloeber était un peintre allemand de la première moitié du XIXe siècle. Il est connu comme peintre et professeur, membre de l'Académie des arts de Berlin.
August Kloeber préférait utiliser des motifs mythologiques dans ses œuvres, ce qui le distinguait de nombreux artistes allemands de l'époque. Il a également peint des sujets religieux et historiques. Il a également peint des portraits, et ses modèles comprenaient des membres de la famille de Beethoven. Kloeber a reçu des commandes de la famille royale prussienne et a travaillé à la peinture de châteaux, d'églises et d'autres sites. Il a également conçu des porcelaines, des bijoux et des médailles.
Otto Albert Koch était un peintre allemand de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre d'histoire et de genre, ainsi que comme maître de l'aquarelle.
Otto Albert Koch a réalisé des peintures de genre, des œuvres sur des thèmes mythologiques et historiques, ainsi que des paysages. Il est devenu célèbre, en particulier, pour son tableau "Procession triomphale de Bacchus". L'artiste s'est également consacré au graphisme publicitaire et à la création d'affiches. Il est l'un des fondateurs de la Communauté libre des artistes de Baden-Baden.
Max Koner était un peintre allemand de la fin du XIXe siècle. Il est connu comme portraitiste.
Max Koner a commencé sa carrière par des paysages, mais il s'est ensuite tourné vers la peinture de figures et plus particulièrement vers les portraits. Il a peint plus de 100 portraits, dont trente portraits de l'empereur Guillaume II. Ses clients n'étaient pas seulement la cour impériale, mais aussi d'autres familles aristocratiques, des artistes célèbres, des érudits et l'élite de la société berlinoise. Koner était l'un des artistes les plus recherchés de son époque et a reçu des commandes de design de la part de Stolwerk, un fabricant de chocolat de Cologne.
