Дизайнеры XIX век
Луиза Аббема (франц. Louise Abbema) была французской художницей, скульптором и гравером, родившейся в 1853 году в аристократической семье в Этампе. С раннего возраста она обучалась живописи у таких мастеров, как Шарль Шаплен и Жан-Жак Эннер, и быстро заявила о себе, благодаря портретам актеров и актрис Комеди Франсез, в том числе Сары Бернар. Её работы отражали влияние импрессионизма и академического искусства, а также были вдохновлены японским искусством.
Аббема активно участвовала в художественной жизни Парижа, её картины выставлялись в Салоне художников Франции и на Всемирных выставках. Она также выполняла заказы на декоративные панно для ратуш и других общественных зданий в Париже, а также работала над интерьерами таких мест, как Театр Сары Бернар (ныне Театр города Парижа) и дворец губернатора в Дакаре.
В 1906 году Луиза Аббема была награждена орденом Почётного легиона. Несмотря на признание в течение её жизни, после смерти в 1927 году её работы на некоторое время были забыты, но в конце XX века они снова стали популярны, особенно в контексте исследования вклада женщин в искусство прошлых веков.
Если вас заинтересовала работа Луизы Аббема и хотели бы получать обновления о новых продажах её произведений или предстоящих аукционах, подписывайтесь на наши обновления.
Лев Самойлович Бакст, настоящее имя Лейб-Хаим Израилевич Розенберг, является выдающимся русским художником, сценографом, иллюстратором и дизайнером, оставившим неизгладимый след в мировой культуре и искусстве. Родившийся в 1866 году в Гродно, Бакст проявил свой талант с ранних лет, несмотря на семейные трудности и общественные предрассудки, связанные с его еврейским происхождением.
В молодости Бакст начал свою карьеру в качестве иллюстратора, однако его истинное призвание обнаружилось в театральном искусстве. С начала XX века он активно сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева "Русские сезоны", для которой создал ряд запоминающихся сценографий и костюмов. Среди наиболее известных работ Бакста для балета - декорации и костюмы к спектаклям "Клеопатра" (1909), "Шехерезада" (1910), "Карнавал" (1910), "Спящая красавица" (1921), которые поразили зрителей своей яркостью, экзотикой и оригинальностью.
Также Бакст оказал значительное влияние на моду начала XX века, внеся в нее элементы экзотики и ориентализма. Его дизайны одежды и тканей отличались необычайной красочностью и оригинальностью, вдохновляя модельеров того времени.
Творческое наследие Льва Бакста не ограничивается только театральными работами. Он оставил после себя множество портретов известных личностей того времени, а также живописных произведений, которые можно увидеть в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Приглашаем всех коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Львом Самойловичем Бакстом. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж продукции и аукционных мероприятий, связанных с этим выдающимся художником.
Жорж Барбье (фр. George Barbier) — французский художник и иллюстратор, дизайнер одежды, оказавший влияние на развитие направления арт-деко.
Жорж Барбье изучал живопись в Национальной высшей школе изящных искусств в Париже. Первоначально он работал иллюстратором нескольких известных парижских журналов мод, и постепенно его рисунки стали определять стиль женской одежды. Появление стиля модерн подвигло Барбье к созданию роскошной моды для кабаре, театров и кино. Он изображал экстравагантные театральные костюмы со сверкающими стразами, высокими головными уборами и огромными шлейфами. Барбье создал эскизы сценических костюмов для знаменитого Русского балета Дягилева.
Он также иллюстрировал каталоги и многие литературные произведения, в том числе сочинения Ш. Бодлера и П. Верлена; был автором и дизайнером ювелирных украшений.
Маркус Бемер (нем. Marcus Behmer), полное имя Маркус Михель Доуглас Бемер (Marcus Michael Douglas Behmer), известный под псевдонимами Маркотино или Маурице Беснаукс (Marcotino und Maurice Besnaux) — немецкий художник, графический дизайнер и иллюстратор.
Маркус был сыном художника Германа Бемера, участвовал в Первой мировой войне и рисовал миниатюрные портреты сослуживцев. С 1900 года он начал сотрудничать с периодическими журналами Мюнхена и книжными издательствами. Бемер нарисовал сотни рисунков и иллюстраций, а также издал серию гравюр, которые получили признание и успех. Он также разрабатывал шрифты.
В 1936 году Бемер был осужден за гомосексуализм и провел полтора года в тюрьме, где художник тоже находил силы рисовать. Во время Второй мировой войны почти все творения Бемера были утеряны или уничтожены.
Пе́тер Бе́ренс (нем. Peter Behrens) —
Петер Беренс — выдающийся немецкий архитектор, художник и пионер промышленного дизайна, оставивший значительный след в истории искусства и архитектуры. Родившийся в Гамбурге в 1868 году, он начинал свою карьеру как художник и был одним из основателей Мюнхенского сецессиона. Его работа "Поцелуй" является прекрасным образцом стиля югендстиль и способствовала развитию художественного направления новой вещественности в 1920-е годы.
С 1907 года Беренс стал художественным консультантом для AEG, благодаря чему его считают создателем промышленного дизайна и новой промышленной архитектуры. Он также активно занимался разработкой концепции корпоративного стиля, которая оказала огромное влияние на развитие многих компаний. Для AEG Беренс проектировал не только предметы серийного производства, но и производственные здания, выставочные стенды, а также квартиры для рабочих, демонстрируя возможность создания целых серий однородных предметов с вариацией элементов дизайна.
Особое внимание в его работе уделялось синтезу различных направлений дизайна, стремлению к созданию визуального "гезамткунстверка", где каждая деталь играет важную роль. Этот подход сделал его не только архитектором, но и теоретиком, преподавателем, вносящим значительный вклад в развитие современного искусства и архитектуры.
Петер Беренс активно преподавал и влиял на развитие молодых талантов в Дюссельдорфской, Венской и Берлинской художественных академиях, где среди его учеников были будущие звезды Баухауса, такие как Людвиг Мис ван дер Роэ, Вальтер Гропиус и Ле Корбюзье. Его принцип "форма следует функции" оказал глубокое влияние на основополагающие принципы современной архитектуры.
Если вас интересует творчество Петера Беренса, обратите внимание на книгу "DESIGN OF THE 20TH CENTURY", посвященную истории дизайна 20 века, где собраны материалы по его работам и вкладу в искусство и дизайн.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах продуктов и аукционных мероприятиях, связанных с Петером Беренсом.
Готлиб Бодмер (нем. Gottlieb Bodmer) — немецкий художник первой половины XIX века. Он известен как портретист, дизайнер и литограф.
Бодмер в течение нескольких лет практиковался в портретной живописи, затем занялся литографией. Наиболее важной его работой того времени стала литография «Сикстинской мадонны». Некоторое время художник пробыл в Париже, где совершенствовался в технике. Он копировал гравюры, особенно увлекался репродукцией картин художников Мюнхенской художественной школы. Достижения Бодмера в литографии положили начало баварской литографической школе, благодаря которой Мюнхен приобрёл славу «литографической столицы Германии».
Фрэнк Уильям Брэнгвин (англ. Frank William Brangwyn) — британский художник, колорист и дизайнер.
Считается, что он более, чем кто-либо другой из европейских мастеров, отразил в своём творчестве влияние восточного декоративно-прикладного искусства, включавшего рисунки на плитках и ковроткачество. Его работы были высоко оценены современниками, стали экспонатами многих музеев, он был избран ассоциированным членом Королевской Академии в 1904 году.
Эмиль Рудольф Вайсс (нем. Emil Rudolf Weiss) — немецкий живописец, типограф, графический дизайнер и поэт.
Вайсс учился в Академии изящных искусств Карлсруэ, затем в Академии Жюлиана, выпустил свой первый сборник стихов. В 1895 году он начал свою деятельность в области книжного искусства с разработки шрифтов для художественного журнала «Пан». Он также работал над оформлением и иллюстрированием различных изданий. В 1907 году он присоединился к Берлинскому сецессиону.
Первые графические работы Вайсса находились под влиянием символизма и югендстиля, а также работ Эдварда Мунка и Феликса Валлоттона. С 1910 года Вайсс все больше определяет себя как живописец, создавая натюрморты, портреты, пейзажи и жанровые сцены. Вайсс разработал множество шрифтов и дизайн монет. В 1907-33 годы Вайсс одновременно с творческой деятельностью преподавал в берлинской Кунстгевербешуле, которая с 1924 г. была объединена с Государственной высшей школой искусств. С 1920-х годов Эмиль Рудольф Вайс был представителем галереи Флехтхайм.
Нацистский режим подверг Эмиля Вайсса гонениям, запретив его картины, а также преподавать, и в 1942 году он умер от сердечного приступа.
Йозеф Вакерле (нем. Josef Wackerle) — выдающийся немецкий скульптор, чье творчество оказало значительное влияние на искусство XX века. Йозеф Вакерле обучался в Школе прикладных искусств и в Мюнхенской академии изящных искусств, где позже стал преподавателем. С 26 лет он стал художественным директором фабрики по производству фарфора Nymphenburg в Мюнхене, где создавал свои знаменитые произведения.
Одной из известных работ Йозефа Вакерле является фонтан «Бамбергская девушка», установленный в городе Познань, Польша. Этот фонтан, демонстрирующий девушку в традиционной одежде, стал символом города. Кроме того, Йозеф Вакерле создал серию статуэток «Четыре континента» для фабрики Nymphenburg, которые демонстрируют его мастерство в работе с фарфором.
Помимо скульптуры, Йозеф Вакерле также занимался творчеством в области декоративно-прикладного искусства, оставив значительное наследие в истории немецкого и европейского искусства. Его работы высоко ценятся коллекционерами и экспертами в области искусства и антиквариата.
Для тех, кто интересуется искусством и хочет узнавать о новых открытиях и аукционах, связанных с Йозефом Вакерле, мы предлагаем подписаться на наши обновления. Это позволит вам оставаться в курсе последних событий и новостей о произведениях этого знаменитого художника.
Барт ван дер Лек (нидерл. Bart van der Leck) — нидерландский художник и дизайнер. Он был членом движения De Stijl, группы художников и дизайнеров, которые стремились создать новый визуальный язык, отражающий современную эпоху.
Ван дер Лек начал свою карьеру как художник-декоратор, работая над различными проектами, включая фрески и витражи. Позже он обратился к живописи, создавая абстрактные композиции, характеризующиеся смелыми, плоскими областями цвета и простыми геометрическими формами. На его творчество повлиял интерес к визуальному языку незападного искусства, а также работы голландских художников, таких как Пит Мондриан и Тео ван Досбург.
В дополнение к своей работе художника, ван дер Лек был также дизайнером, создавая текстиль, мебель и керамику. Он считал, что искусство должно быть интегрировано в повседневную жизнь, и работал над созданием дизайна, который был бы одновременно функциональным и эстетически приятным.
Работы Ван дер Лека сыграли важную роль в развитии движения De Stijl, и он тесно сотрудничал с другими членами группы, включая Мондриана и ван Досбурга. Его картины и проекты по-прежнему славятся своей смелой простотой и вкладом в развитие современного искусства и дизайна.
Анри Вевер — выдающийся французский ювелир, историк искусства и коллекционер японских гравюр. Представитель большой семьи потомственных мастеров. Ювелирная продукция фирмы демонстрировала постепенную эволюцию изделий от вкусов Второй Империи к стилю неоренессанс и ар нуво. Вевер является автором капитального труда «Французское ювелирное искусство XIX века».
Отто Леонард Вретлинг (швед. Otto Leonard Wretling) — шведский визуальный художник, архитектор, дизайнер и производитель мебели.
В 1928 году столярная компания Otto Wretling была избрана Королевским дворовым поставщиком мебели королем Густавом V.
Феликс Михал Выгживальский (польск. Feliks Michał Wygrzywalski) — польский художник.
Автор жанровых сцен, картин на религиозные темы, морских пейзажей; занимался также витражами и дизайном интерьеров.
Уолтер Гай (англ. Walter Gay) — американский художник, известный своими элегантными, сдержанными картинами интерьеров и натюрмортов. Он учился в Школе Музея изящных искусств в Бостоне, а затем отправился в Париж, чтобы продолжить свое образование в Академии Жюлиана.
Гай был частью группы американских художников, которых привлек Париж в конце XIX века, и он стал ассоциироваться с эмигрантской общиной американских и британских художников, поселившихся в районе Монпарнас.
Картины Гая отличаются тонкими цветовыми гармониями, изысканной композицией и вниманием к деталям. Он специализировался на изображении элегантных, со вкусом оформленных интерьеров, часто с использованием антикварной мебели, произведений искусства и архитектурных деталей. Он также был известен своими натюрмортами, которые включали простые композиции из цветов, фруктов и других предметов, расставленных на столешницах или подоконниках.
При жизни работы Гая пользовались большим спросом у коллекционеров, и он регулярно выставлялся в Париже, Лондоне и Нью-Йорке. В 1908 году французское правительство наградило его орденом Почетного легиона в знак признания его вклада в искусство. Сегодня его картины находятся в коллекциях музеев по всему миру, включая Музей Метрополитен в Нью-Йорке и Музей д'Орсэ в Париже.
Аксели Галлен-Каллела (фин. Akseli Gallen-Kallela), урожденный Аксель Валдемар Галлéн (швед. Axel Waldemar Gallén) — финский художник шведского происхождения.
Он обучался в академии Жулиана в Париже, путешествовал по Африке, а позже разрабатывал дизайн флагов, гербов и униформы для армии независимой Финляндии.
Аксели Галлен-Каллела является представителем живописи национального романтизма и северного модерна Финляндии 1880-1910 годов. В своём творчестве он использовал символику и художественные приемы стиля модерн. Неприукрашенное изображение болезней, страданий и социальных невзгод было частью натуралистической концепции искусства, которой Галлен-Каллела следовал с начала своей карьеры. Он часто писал суровую жизнь, часто с элементами христианского символизма.
Александер Гербиг (нем. Alexander Gerbig) — немецкий художник-экспрессионист, график и художник-декоратор.
Гербиг успешно работал художником-декоратором, учился в Королевской школе искусств и ремесел в Дрездене, а затем в Королевской академии художеств в Дрездене, совершал учебные поездки по Европе и получал различные награды за свои живописные работы.
Во время Первой мировой войны он служил солдатом и делал многочисленные зарисовки событий, свидетелем которых он стал. В 1920-х Гербиг провел несколько успешных выставок, активно общался почти со всеми художественными объединениями того времени. В годы власти национал-социалистов в Германии творчество Гербига было объявлено дегенеративным, картины его были изъяты из музеев и ему было запрещено рисовать. Однако в 1945 году он стал почетным председателем секции изобразительного искусства Культурной ассоциации города Зуль.
Иоганн Каспар Гертерих (нем. Johann Caspar Herterich) — немецкий художник последней трети XIX века. Он известен как исторический и жанровый живописец, а также преподаватель в Мюнхенской королевской академии художеств.
Гертерих, помимо полотен по исторической, религиозной и жанровой тематике, создал ряд портретов. В его работах присутствовали драматические сцены, сентиментальные жанровые сцены из семейной жизни. Художник активно участвовал в движении «Искусство и ремёсла» и занимался проектированием люстр и других декоративных элементов. В числе учеников мастера был его младший брат Людвиг фон Гертерих, который тоже стал известным художником.
Поль Гиньебо (фр. Paul Guignebault), урожденный Поль Аманд Гиньебо (Paul Amand Guignebault) — французский художник, иллюстратор, дизайнер и гравер.
Поль учился в Парижской школе изящных искусств. В начале 1902 года вместе с Анри Буте он основал компанию L'Atelier d'art, где печатали мелкую гравюру и цветные офорты. Поль Гиньебо также работал иллюстратором произведений для детей в нескольких книжных издательствах Парижа, а также участвовал в создании репродукций с картинками для Imagerie Quantin.
Александр Яковлевич Головин, выдающийся русский художник, сценограф и декоратор, родился в семье московского священника. Его талант к живописи проявился рано, благодаря встрече с ботаником и художником Николаем Железновым, который и раскрыл юного Головина миру искусства. Особое влияние на формирование его творческой манеры оказали учёба в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где Головин встретил таких мастеров, как Левитан и Коровин, и работа с Василием Поленовым.
Головин известен своим уникальным стилем, объединяющим русские национальные традиции и европейский модерн, что нашло отражение в его работах для театра и живописи. Его сценография к операм и балетам, таким как "Ледяной дом", "Борис Годунов", "Лебединое озеро", и "Русалка", получила высокую оценку за глубокое понимание национальных традиций и потрясающее колористическое решение. Работы Головина украшают многие музеи, в том числе Третьяковская галерея и Русский музей, где хранятся его знаменитые произведения, включая портреты и пейзажи.
Александр Головин также известен своим вкладом в книжную графику, создав иллюстрации к произведениям Э. Т. А. Гофмана. Его работы отличаются исключительным чувством стиля, сценической интуицией и неисчерпаемой фантазией, что сделало его одним из ведущих мастеров русского театрально-декорационного искусства.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Александром Яковлевичем Головиным, чтобы не пропустить информацию о новых продажах произведений и аукционах. Подписка позволит вам быть в курсе самых актуальных событий, связанных с этим знаменитым художником.
Иоганн Георг Гримм (нем. Johann Georg Grimm) — немецкий художник середины XIX века. Он известен как живописец-пейзажист и дизайнер, наиболее прославившийся своими работами, созданными во время пребывания в Бразильской империи.
Георг Гримм признан выдающимся мастером бразильского искусства и считается лидером модернизма в этой стране. Он оказал значительное влияние на развитие современной живописи в Бразилии, основав школу пленэра и став учителем. Его натуралистические пейзажи признаны ценным наследием, многие из них находятся в частных коллекциях. В Германии он остался малоизвестным.
Вальтер Адольф Георг Гропиус (нем. Walter Adolph Georg Gropius), немецкий архитектор, основатель и первый директор школы Баухаус, оставил неизгладимый след в архитектуре и дизайне XX века. Он родился в Берлине и с детства был окружен атмосферой творчества, благодаря чему его интерес к архитектуре начал развиваться в раннем возрасте. Важным этапом в его жизни стало основание Баухауса в 1919 году, школы, ставшей колыбелью модернизма и объединившей искусство и ремесло с индустриальным дизайном.
Принципы Гропиуса были революционными: он считал, что архитектура должна быть функциональной, предметы быта — доступными и качественными, а образование в области дизайна — интегрированным. Его работа характеризуется использованием новых материалов и технологий, таких как сталь, стекло и железобетон, что позволяло создавать легкие и прочные конструкции. Гропиус активно экспериментировал с промышленными методами строительства, стремясь сделать качественное жилье доступным для всех слоев населения.
Среди значимых проектов Гропиуса — здание школы Баухаус в Дессау, символ модернизма, и ряд жилых комплексов, разработанных им в Германии. После прихода к власти национал-социалистов Гропиус эмигрировал, сначала в Великобританию, а затем в США, где продолжил свою работу, в том числе основав The Architects Collaborative и преподавая в Гарвардском университете.
Гропиус умер в 1969 году в Бостоне, США, но его идеи и принципы продолжают влиять на архитектуру и дизайн по всему миру. Его наследие — это не только здания и предметы дизайна, но и новый взгляд на архитектуру как на социальное искусство, способное изменять жизнь людей к лучшему.
Подписывайтесь на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах продуктов и аукционах, связанных с Вальтером Гропиусом и его наследием.
Уильям Данлэп (англ. William Dunlap) — американский драматург, театральный постановщик, художник, историк.
Уильям Данлэп был пионером театра молодой страны. Он руководил двумя самыми ранними и самыми известными театрами Нью-Йорка: Театром на Джон-Стрит и Театром в Парке. За свою жизнь он поставил более шестидесяти пьес, большинство из которых были адаптациями или переводами французских и немецких произведений. Но среди них были и оригинальные, основанные на американских темах с американскими же персонажами. В 1832 году Данлэп опубликовал «Историю американского театра» в двух томах.
В 1825 году Данлэп был одним из основателей Национальной академии дизайна и преподавал в ее школе. И сегодня Данлэп наиболее известен своим энциклопедическим трехтомником «История возникновения и прогресса искусства дизайна в Соединенных Штатах». Книга была опубликована в 1834 году и сейчас является бесценным источником информации о художниках, коллекционировании и художественном творчестве в стране того исторического периода.
Шарль Эдуар де Бомон (фр. Charles Edouard De Beaumont) — французский художник-реалист, акварелист и литограф.
Бомонт иллюстрировал классические книги своєй эпохи, Был постоянным и очень популярным автором парижских периодических журналов. Широко известен своими гумористическими, а иногда и сатирическими сценами парижской жизни.
Жан-Шарль Девелли (фр. Jean-Charles Develly) — французский дизайнер и художник. Он особенно известен своими росписями на фарфоре во время работы на фабрике в Севре (Sèvres). На Севрской фарфоровой мануфактуре Жан-Шарль Девелли пробыл с сентября 1813 года по 1847 год и стал одним из самых известных художников этого заведения.
Фортунато Деперо (итал. Fortunato Depero) — итальянский художник, дизайнер, скульптор и поэт футуристического направления. В 1913 году Деперо приезжает в Рим, где знакомится с футуристами Джакомо Балла и Умберто Боччони.
Фортунато Деперо в начале 1920-х годов пробует свои силы как художник в коммерческой рекламе, разрабатывает театральные костюмы, работает для журналов и как декоратор помещений, участвует во многих художественных выставках.
Марсель Джефферис (фр. Marcel Jefferys) — бельгийский художник-импрессионист. Рисовал фигуры, жанровые сцены, пейзажи и натюрморты маслом и акварелью, делал офорты. На его картинах часто изображены праздничные манифестации со множеством персонажей. Он также был дизайнером мебели, обоев, тканей, гобеленов и интерьеров для компании Vanderborght в Брюсселе.
Оуэн Джонс (англ. Owen Jones) — британский архитектор, дизайнер, теоретик и художник декоративно-прикладного искусства.
Получив образование в Королевской академии, Джонс в 1833-1834 гг. путешествовал по Ближнему Востоку и Испании, изучая архитектуру и дизайн исламского, и в особенности арабского мира. Свою работу «Планы, фасады, разрезы и детали Альгамбры» (1842-45 гг.) Джонс посвятил знаменитому дворцу в Гранаде, выдающемуся образцу мавританской архитектуры.
Джонс известен также своим трудом по восточным и западным мотивам дизайна «Грамматика орнамента» (1856 г.), который является систематизированным живописным сборником с акцентом на использование цвета и применение логических принципов в дизайне ковров, обоев, мебели и оформлении интерьера.
Эдмунд Дюлак (англ. Edmund Dulac) — британский и французский художник, книжный иллюстратор и график.
Эдмунд с детства много рисовал и, получив образование юриста, решил плотно заняться искусством: учился в Тулузской академии изящных искусств и в Академии Джулиана. В 22 года он поселился в Лондоне и получил заказ от издателя Дж. М. Дента на иллюстрацию романа «Джейн Эйр» и других произведений сестер Бронте. Затем он стал постоянным автором журнала Pall Mall Magazine и присоединился к Лондонскому клубу эскизов, где познакомился с ведущими книжными и журнальными иллюстраторами того времени. Эти знакомства открыли молодому талантливому художнику широкую дорогу.
Дюлак украсил своими волшебными картинками множество изданий сказок Андерсена, произведений Шекспира, Эдгара По, Омара Хайяма и других. Сотрудничая со знаменитым мультипликатором Уолтом Диснеем, он участвовал в разработке типажа Белоснежки, а самым известным его произведением считается образ царевны Будур.
Позже Дюлак работал в различных областях, включая газетные карикатуры, театральные костюмы и декорации, медали и даже почтовые марки, в том числе выпущенные в честь коронации короля Георга VI (1937 г.), начала правления королевы Елизаветы II и летних Олимпийских игр (1948 г.).
Рауль Дюфи (фр. Raoul Dufy) — выдающийся французский художник, чье имя прочно связано с историей постимпрессионизма, фовизма и кубизма. Его творчество ознаменовано ярким индивидуальным стилем, который развивался и трансформировался на протяжении всей его карьеры.
В начале своего пути Дюфи был вдохновлен фовизмом, а затем обратился к кубизму, стремясь изучить и отразить структуру форм. Однако из-за низкой покупательской спросности на его работы, Дюфи начал заниматься ксилографией, иллюстрированием и разработкой узоров для тканей. Этот период отмечен возвращением к более светлым и ярким краскам в его живописи.
Существенным этапом в карьере Дюфи стало создание настенного полотна площадью 600 квадратных метров для Парижской международной выставки 1937 года. В своих поздних работах он часто сосредотачивался на использовании одного основного цвета.
Кроме того, Дюфи зарекомендовал себя как талантливый иллюстратор и коммерческий художник. Он создавал муралы для общественных зданий, а также значительное количество гобеленов и керамических работ. Его работы украшали страницы книг таких авторов, как Гийом Аполлинер, Стефан Малларме и Андре Жид.
Произведения Рауля Дюфи представлены в множестве публичных коллекций, включая Арт-институт Чикаго, Музей искусств Онтарио, Музей искусств Макней в Техасе, Музей современного искусства в Париже и Национальную галерею искусств в Вашингтоне.
Рауль Дюфи был мастером, который оставил значительный след в истории искусства, своими работами вдохновляя как современников, так и будущие поколения художников и ценителей искусства.
Если вас интересует искусство Рауля Дюфи и вы хотите быть в курсе новинок, связанных с его творчеством, подписывайтесь на наши обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и предстоящих аукционах. Оставайтесь на связи с миром культуры и искусства, не упустите уникальную возможность расширить вашу коллекцию.
Антанас Жмуйдзинавичюс (лит. Antanas Žmuidzinavičius) был выдающимся литовским художником и коллекционером, оставившим значительный след в искусстве и культуре Литвы. Он проявил себя не только как талантливый живописец, но и как активный участник культурной жизни своей страны. Он был одним из организаторов Литовского художественного общества и активно участвовал в преподавательской деятельности, способствуя развитию искусства в Литве.
Его творческое наследие включает в себя около 2000 работ, среди которых преобладают пейзажи, отличающиеся лиризмом и идеализацией природы. Жмуйдзинавичюс также был активным участником в создании проекта литовского флага, что подчеркивает его вклад не только в искусство, но и в национальное движение Литвы.
Особенно заметный след в истории оставил Жмуйдзинавичюс своей коллекцией масок и малой пластики, изображающих чертей, на основе которой был создан уникальный Музей чертей в Каунасе. Этот музей является единственным в своем роде и привлекает внимание не только исследователей искусства, но и широкой публики.
Жмуйдзинавичюс также оставил после себя автобиографическую книгу "Палитра и жизнь", которая дает уникальное представление о его жизни и творчестве, а также о культурной жизни Литвы того времени.
Его наследие продолжает жить не только через его произведения искусства и музей, но и через работу его правнука, Ромаса Жмуйдзинавичюса, который также является признанным художником.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Литвы, а также для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, изучение жизни и творчества Антанаса Жмуйдзинавичюса открывает новые горизонты понимания культурного наследия региона. Подписывайтесь на обновления и не пропустите возможность узнать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Антанасом Жмуйдзинавичюсом.
Рудольф Зик (нем. Rudolf Sieck) — немецкий живописец-пейзажист, дизайнер и иллюстратор.
Он обучался в Мюнхенской школе прикладных искусств, делал пейзажные и архитектурные рисунки. Зик сотрудничал с журналом «Югенд», а также иллюстрировал издания произведений Ги де Мопассана, Эмиля Золя и других классиков. В 1906-м Рудольф Зик работал дизайнером для Нимфенбургской фарфоровой фабрики, а в 1913 году переехал в Пинсванг недалеко от Прина и стал членом ассоциации художников Die Welle. Здесь были созданы многочисленные пейзажные картины, преимущественно в ярком графическом стиле.
Рудольф Зик был членом Ассоциации немецких художников, с 1914 года — членом Нового Мюнхенского сецессиона и принимал участие в выставках Стеклянного дворца. С 1937 по 1941 год на художественных выставках в Мюнхене некоторые пейзажные картины Зика были приобретены высшими членами правительства Германии.
Фредерик Кардер (англ. Frederick Carder ) — художник и дизайнер английского происхождения, который наиболее известен своими работами в области стеклоделия и своей ролью в соучредительстве Steuben Glass Works в США. Он был выдающейся фигурой в американском движении художественного стекла и внес значительный вклад в эту область.
В 1903 году Кардер иммигрировал в США и поселился в Корнинге, штат Нью-Йорк. В сотрудничестве с Томасом Г. Хоуксом в 1903 году он стал одним из основателей Steuben Glass Works. В течение нескольких десятилетий Кардер был художественным руководителем и главным дизайнером Steuben. Под его руководством компания Steuben стала известна как производитель высококачественного художественного стекла, известного своей элегантностью, мастерством и инновационным дизайном.
Кардер экспериментировал с различными техниками изготовления стекла и умело создавал широкий спектр стеклянных предметов, включая вазы, чаши, лампы и посуду. Его работы демонстрировали разнообразные стили, от тонких и замысловатых изделий в стиле модерн до смелых и современных конструкций в стиле ар-деко. Работы Кардера часто отличались яркими цветами, замысловатыми узорами и сложными техниками работы со стеклом, такими как иридизация и кислотное травление.
Луи Каррожи, более известный как Кармонтель (фр. Louis Carrogis, Carmontelle) — французский художник, дизайнер сада, архитектор, драматург и изобретатель.
Кармонтель был простого происхождения, но разносторонне одарён. Он написал несколько пьес и три романа, создавал портреты исторических личностей. Прославила его картина с изображением маленького Моцарта за клавиром. На службе у Луи-Филиппа I, герцога Орлеанского, он отвечал за театральные представления для семьи в качестве сценографа и постановщика.
Кармонтель является проектировщиком и дизайнером одного из самых ранних образцов французского ландшафтного сада в Париже, известного сейчас как Парк Монсо. При проектировании сада Кармонтель отказался от многих модных в то время тенденций в ландшафтном дизайне, черпая вдохновение в японских прогулочных садах и настаивая на включении иллюзий и фантазий.
Кармонтель также считается изобретателем анимированных изображений. Полупрозрачная лента с изображенными на ней пейзажами медленно перекручивалась с одного рулона на другой на фоне дневного света, таким образом создавая иллюзию прогулок по саду.
Джесси Мэрион Кинг (англ. Jessie Marion King) — британская художница и иллюстратор детской литературы.
Уже первые работы Джесси Кинг, вышедшие в 1899-1902 годах в берлинском издательстве «Глобус», принесли ей известность. Иллюстрации Кинг были выполнены в стиле модерн; творчество художницы также было тесно связано с деятельностью шотландской модернистской группы «Четвёрка», возглавляемой Чарльзом Р. Макинтошем.
Карл Фридрих Август фон Клёбер (нем. Carl Friedrich August von Kloeber) — немецкий художник первой половины XIX века. Он известен как живописец и педагог, член Берлинской академии искусств.
Август Клёбер в своих работах предпочитал использовать мотивы из мифологии, что отличало его от многих немецких художников того времени. Он также создавал картины на религиозные и исторические сюжеты. Кроме того, он был автором портретов, в числе его моделей были члены семьи Бетховена. Клёбер получал заказы от прусской королевской семьи и работал над росписью замков, церквей и других объектов. Он также занимался дизайном фарфора, ювелирных изделий и медалей.
Макс Иоганн Бернхард Конер (нем. Max Koner) — немецкий художник конца XIX века. Он известен как портретист.
Макс Конер начинал свою карьеру с пейзажей, но затем переключился на фигурную живопись и особенно на портреты. Он написал более 100 портретов, включая тридцать портретов кайзера Вильгельма II. Его заказчиками были не только императорский двор, но и другие аристократические семьи, известные художники, учёные и элита берлинского общества. Конер был одним из наиболее востребованных художников своего времени и получал заказы на дизайн от компании «Штольверк», производителя шоколада в Кёльне.
Франц Корван (нем. Franz Korwan), урожденный Салли Катценштайн (нем. Salli Katzenstein) — изветный немецкий художник-пейзажист еврейского происхождения, относится к Дюссельдорфской школе.
Большинство произведений находится в частных коллекциях.
Отто Альберт Кох (нем. Otto Albert Koch) — немецкий художник конца XIX – начала ХХ веков. Он известен как исторический и жанровый живописец, а также мастер акварельной живописи.
Отто Альберт Кох создавал жанровые картины, работы на мифологические и исторические темы, а также пейзажи. Он прославился, в частности, своим полотном «Триумфальная процессия Вакха». Художник также занимался рекламной графикой и созданием плакатов. Он был одним из основателей творческого объединения «Свободное сообщество художников Баден-Бадена».
Эрих Куитан (нем. Erich Kuithan) — немецкий художник конца XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец, график, график, иллюстратор и плакатист.
Эрих Куитан в разные периоды своей карьеры увлекался модернизмом, символизмом и экспрессионизмом. Его творческое наследие включает множество картин, рисунков, иллюстраций, а также дизайн мебели, одежды, экслибрисов, фарфоровых изделий и рекламных плакатов в стиле «ар-нуво». Куитан проводил учебные поездки, выставлялся в художественных клубах, работал как иллюстратор в журналах и создавал иллюстрации для детских книг.
Август Лаукс или Огюст Ло (фр. August Laux) — живописец и дизайнер французского происхождения, работавший в Германии и США.
В 1863 году вместе с родителями он эмигрировал из Германии в Нью-Йорк, где изучал скульптурное искусство и живопись, затем поступил на курсы в Национальную академию дизайна. В 1870-х он получил заказ на роспись декораций для частного театра клуба на Манхэттене. После успешного результата работа Лаукса стала пользоваться спросом в богатых домах и отелях.
В живописи Лаукс брался за разные жанры: он писал цветочные и фруктовые натюрморты, жанровые анималистические сценки, сельские пейзажи.
Бланш Лейзел (англ. Blanche Lazzell) — американская художница-график и дизайнер. Она стала известна своими работами в стиле модернизма, особенно в гравюре и резьбе на дереве, белыми гравюрами.
Лейзел начала свою художественную карьеру в Нью-Йорке, где она училась в Лиге студентов и Арт Students League. В 1905 году она продолжила обучение в Академии Жюльен в Париже, а также изучала гравюру под руководством полиграфиста Пола Эмиле Бека. В 1912 году Лейзел вернулась в США и переехала в Коннектикут, где стала участником знаменитой художественной колонии в Стонингтоне. Там она начала экспериментировать с резьбой на дереве и создала серию работ, названную «Деревянные гравюры» (Woodblock Prints), которая принесла ей большую популярность.
Лейзел была одним из первых художников, которые использовали технику карточной гравюры (прием, при котором мастерская для высечки изображения использует карточный нож, чтобы вырезать изображение на печатной пластине). Она также использовала множество других техник, включая литой металл, гравюру на дереве и линогравюру.
Художница получила множество наград и почетных званий, включая членство в Академии дизайна народных промыслов, а также стипендии и награды от национальных художественных организаций. Ее работы находятся в постоянных коллекциях многих музеев, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Национальный музей женщин в искусстве в Вашингтоне.
Вальтер Лейстиков (нем. Walter Leistikow) — немецкий художник конца XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец-пейзажист, график, дизайнер и искусствовед, представитель югендштиля.
Лейстиков в начале своей карьеры был одним из основателей художественной группы «Объединение одиннадцати», которая выступала за современное искусство, отвергая академизм. Его пейзажи, вдохновленные барбизонской школой, эволюционировали в сторону упрощения, иногда с влиянием ар-нуво. Художник стремился к стилизации пейзажей, отказываясь от избыточных деталей в пользу силуэтов и размытых линий.
Он также разрабатывал дизайн мебели, ковров и обоев, а в 1902 году создал торговые карточки для шоколадной компании Stollwerck.
