Graveurs Art abstrait
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Giuseppe Ajmone est un peintre et graveur italien.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Brera, à Milan, et a été l'un des signataires, en 1946, du Manifeste réaliste, également connu sous le nom de "Oltre Guernica".
Ajmone a peint des paysages et des natures mortes, ainsi que des figures semi-abstraites.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Gillian Ayres est une peintre britannique nommée pour le prix Turner.
Elle est surtout connue pour la peinture abstraite et la gravure à l'aide de couleurs vives.
Elle est commandeur de l'ordre de l'Empire britannique et membre de la Royal Academy of Arts.
Siegfried Berndt, né en 1880 et décédé en 1946, était un peintre et graveur allemand talentueux, mais dont les détails de la vie et de l'œuvre restent souvent méconnus, en partie en raison des turbulences historiques de l'époque où il a vécu. Après avoir étudié à l'Académie des Arts de Dresde, Berndt a bénéficié d'une bourse de voyage étendue qui l'a emmené à Paris, Bruxelles, Anvers, Londres et en Écosse. Ces voyages ont eu une influence durable sur son travail, lui permettant d'explorer divers mouvements artistiques comme l'Impressionnisme, l'Expressionnisme et la Nouvelle Objectivité.
Berndt était particulièrement compétent dans la technique japonaise de gravure sur bois, qu'il a fusionnée avec ces styles européens, créant ainsi des œuvres aux caractéristiques uniques. Ses gravures sur bois colorées sont appréciées pour leur personnalité distincte et attirent une grande diversité de collectionneurs.
Les collectionneurs, commissaires-priseurs et experts en art et antiquités trouveront dans les œuvres de Siegfried Berndt un mélange fascinant de techniques traditionnelles et de styles artistiques modernes, reflétant l'ambiance et les tendances de son époque. Pour ceux qui s'intéressent à Siegfried Berndt et souhaitent en apprendre davantage sur ses œuvres et leur disponibilité sur le marché, s'inscrire pour recevoir des mises à jour pourrait être un excellent moyen de rester informé sur les nouvelles ventes et les événements d'enchères liés à cet artiste.
Arun Bose est un éminent artiste indien né à Dhaka, qui faisait alors partie de l'Inde britannique (aujourd'hui le Bangladesh). Il a reçu sa formation artistique à Calcutta, au Government College of Arts and Crafts, dont il est sorti diplômé en 1955. Par la suite, il a activement créé et enseigné à Calcutta pendant les sept années suivantes. En 1962, il s'est rendu en Occident où il a appris la gravure et étudié les techniques murales à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Ses nombreuses gravures ont été réalisées à l'aquatinte et à l'eau-forte, avec impression simultanée de couleurs. Il s'installe ensuite à New York, où il étudie au Pratt Graphic Centre et reçoit en 1968 une bourse du Third John D. Rockefeller. Il a également fait partie de l'atelier de Robert Blackburn et a lui-même enseigné la gravure au Queens College.
Les peintures et les gravures d'Arun Bose se caractérisent par des couleurs vives et l'abstraction, ce qui rend son travail unique et important dans le monde de l'art.
James Brown est un peintre, sculpteur, dessinateur et graphiste américain. Il travaille entre Paris et Oaxaca de Juárez (Mexique). Il a atteint le sommet de sa reconnaissance dans les années 1980 avec une peinture semi-figurative et proche de l'art rupestre. Son travail a évolué au fil des ans, mais il maintient toujours l'équilibre entre tradition et modernisme, attachant une grande importance au fait-main. Il mêle dans ses œuvres des motifs de l'art tribal et des intérêts spirituels. Une grande partie de son travail est non-réaliste, mais contient des scènes ou des objets ou des signes de visages reconnaissables. La ligne entre la représentation et l’abstraction est souvent difficile à cerner dans son travail. Outre les peintures et sculptures, Brown a également produit des séries de gravures à divers moments de sa carrière, et dans les années 1990, il a commencé à utiliser massivement la technique du collage. Le dessin et d'autres œuvres uniques sur papier ont joué un rôle important dans son développement artistique et dans sa production.
Fran Bull est un sculpteur, peintre et graveur américain vivant et travaillant à Brandon, Vermont et Barcelone, Espagne. Bull s'est fait connaître à l'origine pour ses peintures photoréalistes réalisées au milieu des années 1970 et 80. À la fin des années 1980, l'art de Bull commence à évoluer vers l'abstraction ou l'expressionnisme néo-abstrait. Stimulée par sa nouvelle approche de la peinture, au milieu des années 1990, Bull a commencé à explorer d'autres médias. Depuis lors, sa production artistique comprend l'art de la performance, la sculpture, les techniques mixtes et la gravure, ainsi que la peinture. Elle a été particulièrement prolifique dans le domaine de la gravure. Bull a produit de nombreuses séries diverses de gravures qui continuent d'être exposées dans le monde entier.
Arturo Carmassi est un peintre, sculpteur et graveur abstractionniste italien.
Il a étudié à l'Académie Albertina de Turin. Carmassi a créé de nombreuses images, sculptures et gravures sur métal et a travaillé en lithographie et en sérigraphie. Il a participé à de nombreuses expositions et biennales et est un sculpteur de renommée internationale.
Vija Celmins est une artiste américaine d'origine lettone. Elle est surtout connue pour ses peintures et dessins photoréalistes d'objets naturels et artificiels.
Vija Celmins et sa famille ont fui la Lettonie pendant la Seconde Guerre mondiale et se sont finalement installés aux États-Unis. Elle a étudié l'art à la John Herron School of Art d'Indianapolis, puis à l'université de Californie à Los Angeles.
Celmins a commencé sa carrière de peintre dans les années 1960 et, dans les années 1970, elle a développé son style caractéristique de photoréalisme. Elle est connue pour son souci du détail et ses peintures et dessins prennent souvent des mois, voire des années, à être réalisés. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent des images du ciel nocturne, des océans et des rochers.
Celmins a fait l'objet de nombreuses expositions individuelles dans des musées et galeries du monde entier, dont une rétrospective au Centre Pompidou à Paris en 2006. Ses œuvres font partie des collections de nombreux grands musées, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Modern Art de New York et la National Gallery of Art de Washington.
Alfredo Chighine est un peintre et sculpteur italien du mouvement Informel.
Son art a évolué des premières lignes griffonnées à des peintures de précision vives et animées. Ces dernières années, Chighine a atteint son objectif principal : la luminosité, la texture de la surface et les lignes fluides.
Alvin Langdon Coburn était un photographe et artiste américain surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie picturale. Il était membre du mouvement Photo-Secession, un groupe de photographes qui cherchait à élever la photographie au rang d'art.
Coburn est né à Boston, dans le Massachusetts, et a grandi en Angleterre. Il a commencé à prendre des photos à l'âge de huit ans et a ensuite étudié la photographie à New York. Il est devenu l'un des principaux photographes de son époque et son travail a été largement exposé en Europe et aux États-Unis.
Coburn est peut-être surtout connu pour son utilisation novatrice du "vortographe", une technique qu'il a mise au point en 1917 et qui consiste à photographier des objets à travers une disposition triangulaire de miroirs. Les images qui en résultent sont très abstraites et géométriques, et anticipent le travail de nombreux artistes ultérieurs, y compris les surréalistes.
Outre son travail photographique, Coburn était également un peintre et un graveur accompli. Il a continué à travailler en tant qu'artiste tout au long de sa vie, et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les collections de nombreux grands musées à travers le monde.
Karin Davie est une artiste contemporaine qui vit et travaille à New York et Seattle, Washington. Davie est surtout connue pour sa touche idiosyncratique sur la « bande » moderniste et ses abstractions hyperboliques en boucle. Sa pratique contemporaine a été considérée dans le contexte des idées de la peinture comme performance de l'expressionnisme abstrait des années 1950 et de l'Op Art des années 1960.
Juan Manuel De la Rosa est un peintre, graveur et céramiste connu pour ses œuvres sur papier faites à la main. Il a étudié des techniques moins connues de peinture et de fabrication de papier au Japon, en Égypte, au Fiyi et en France ; son papier fait main est généralement fabriqué en lin, en coton ou en chanvre. Grâce à ces approches traditionnelles, il crée des couches et ajoute de nouvelles dimensions à ses œuvres d'art.
plasticien péruvien connu principalement par son travail en peinture et sculpture. C'est l'un des artistes d'avant-garde les plus en vue du Pérou et une figure clé du développement de l'art abstrait en Amérique Latine.
David Diao est un artiste et enseignant sino-américain basé à New York. Il a d'abord été acclamé et attiré l'attention du public avec une exposition à la Paula Cooper Gallery en 1969. Il est connu pour sa simplification de la forme, ses compositions minimales et ses utilisations de texte stylisé et de typographie. Le travail de Diao a été inclus dans la dOCUMENTA 13. Son travail est présenté dans la collection du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, du MoMA, du Whitney Museum of American Art, du SFMOMA, de la collection du conseil public de Rennes, entre autres. Diao a enseigné à la Cooper Union au début des années 70 et faisait alors principalement de la peinture sur champ de couleur faite en étalant de la peinture sur une grande toile. En 2008, il a eu sa première exposition en Chine. En 2012, il a été élu à la National Academy of Design. Il a reçu le prix Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists (2015).
Tomory Dodge est un artiste américain. Il est diplômé du California Institute of the Arts de Valencia, Californie, en 2004. Auparavant, il a eu une exposition personnelle à la galerie Taxter & Spengemann à New York. Il peint des paysages d'influence surréaliste, la peinture étant largement appliquée au pinceau ou au couteau.
Bertrand Dorny est un artiste abstractionniste français, peintre, graveur et graphiste.
D'abord peintre, Dorny s'est intéressé à différentes techniques, dont la gravure, dans laquelle il a connu un grand succès et une grande reconnaissance. Il a réalisé plus de 650 gravures.
Dorny aimait travailler le bois et le papier, à partir desquels il créait des collages élaborés, des reliefs et assemblait de grands panneaux de bois. Il a également travaillé dans le domaine du collage de livres.
Kęstutis Grigaliūnas - artiste graphique lituanien, professeur d'art. 1988-1989 créé des sculptures sur lin, des sculptures sur bois, des sérigraphies, des gravures, des livres illustrés. Depuis 1990 l'un des premiers graphistes lituaniens à utiliser la technique de la sérigraphie couleur. Fait une découpe en carton et contreplaqué. Il se caractérise par un début graphique prononcé - des lignes, des signes, des ornements, des motifs figuratifs et abstraits sont utilisés. Depuis 1998 crée des œuvres graphiques plastiques plus complexes et des découpes, elles présentent des caractéristiques postmodernes, du pop art, des éléments Fluxus, des images décoratives et éclectiques. Une ambiance ludique, ironique et diverses références intellectuelles aux images de la Lituanie et d'autres cultures et civilisations prévalent.
Mariann Grunder ou Susie Mariann Grunder est une artiste et sculptrice suisse. Elle a créé de grands reliefs muraux avec des éléments en béton. Ses sculptures en pierre, qui traitent souvent de thèmes littéraires ou mythologiques, combinent des éléments de surréalisme, d'abstraction et de minimalisme. Grunder a également réalisé de nombreux dessins et gravures.
Philip Guston, né Phillip Goldstein, était un artiste, muraliste, graveur et dessinateur canado-américain. Il était l'un des représentants les plus importants de l'expressionnisme abstrait. Il est considéré comme un précurseur de la Nouvelle Peinture Figurative.
Philip Gaston était membre de la New York School, qui comprenait de nombreux représentants de l'expressionnisme abstrait, tels que Jackson Pollock et Willem De Kooning.
Hans-Uwe Hähn, né en 1955 à Kreuztal, en Allemagne, est un artiste graphique contemporain dont le travail a considérablement influencé le paysage artistique. Éduqué à la Hochschule für Kunst Ottersberg et à la Hochschule für Bildende Künste Hamburg, Hähn s'est rapidement distingué par son approche novatrice et ses techniques dans le domaine du graphisme.
Depuis 1986, Hähn a enrichi le monde de l'art avec ses expositions solo et en groupe, tant au niveau national qu'international. Son adhésion à des groupes prestigieux comme Neue Gruppe München et XYLON International – section allemande, témoigne de son engagement et de son influence dans le milieu artistique. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques et privées, preuve de l'estime et de la reconnaissance qu'il suscite auprès des amateurs d'art.
Ses créations sont un mélange fascinant de tradition et d'innovation. Hähn excelle dans l'utilisation du bois gravé, une technique exigeant à la fois planification et stratégie, tout en laissant place à l'imprévu et à l'expérimentation. Ses œuvres sont souvent le résultat d'un processus complexe, reflétant les transformations qu'elles subissent durant leur création.
L'art de Hähn ne se limite pas à la création en atelier ; il inclut également l'exploration et l'expérience du monde extérieur. Ses promenades dans la nature ou en milieu urbain nourrissent son inspiration et se reflètent dans ses travaux. La série de gravures sur bois "Am blinden Kanal", réalisée en 2011, illustre cette symbiose entre l'environnement et l'expression artistique.
Des expositions notables de ses œuvres incluent "Revierwechsel" au Museum für Druckkunst de Leipzig en 2021 et "Andere Bäume" à la Galerie Lände, Kressbronn en 2017. Ces événements et bien d'autres soulignent l'importance et la portée de son art.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et en antiquités, la découverte de l'œuvre de Hans-Uwe Hähn représente une occasion unique d'explorer un art graphique allemand contemporain riche et diversifié. Son travail est non seulement un témoignage de son talent mais aussi une source d'inspiration continue pour les artistes et les amateurs d'art du monde entier.
Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hans-Uwe Hähn. Cette souscription vous tiendra informé des dernières actualités et opportunités concernant son œuvre.
Yozo Hamaguchi était un artiste japonais et un graveur sur cuivre qui a fait revivre la technique presque oubliée de la mezzotinte au XXe siècle.
Il a étudié à l'université d'art de Tokyo, voyagé en Europe, travaillé à Paris et participé à des expositions. Hamaguchi a innové en insérant des couleurs vives dans ses estampes mezzo en noir et blanc, produisant des peintures surréalistes et abstraites.
Fritz Harnest est un peintre moderne et Graveur allemand. Fritz Harnest a commencé ses études à l'âge de seize ans. De 1921 à 1929, il étudiait la peinture à l' Académie des beaux-arts de Munich. De 1930 à 1931, il fit des voyages avec son ami, le peintre allemand Otto Baumann, en France, en Normandie et à Paris. Influencé par l'expressionnisme de Emil Nolde, il s'orientait vers l'abstraction après la guerre mondiale. Dès le début de la prise de contrôle par le national-socialiste, il se retirait. En 1946, il participait aux premières foires d'après-guerre "Bavarian Art of Today" à Munich et à Bâle. Harnest se tournait totalement vers le travail graphique avec des gravures sur bois et des abstractions. Ses graphiques ont été exposées à cette époque en Suisse, en Italie, en Hollande, en Autriche, dans toutes les régions d'Allemagne et en Ohio.
Burkhard Held est un peintre allemand vivant et travaillant à Berlin, en Allemagne. Son art est basé sur la figuration se fondant dans l'abstraction. En 1993, il est devenu professeur à l'Université des Arts de Berlin et a ensuite été professeur à l'Académie des Arts de Chine à Hangzhou, RPC. Burkhard Held est un peintre figuratif, qui dissout ses motifs – paysages, portraits, fleurs – dans des aplats de couleur avec une forte tendance à l'autonomie. Ses images all-over fortement colorées réinterprètent les choses comme abstraites et ramènent ensuite le dos à la figuration. En 2009, Held a commencé à se consacrer au sujet des fleurs : les fleurs deviennent des compositions à caractère paysager et sont réparties dans des couleurs tout aussi fortes sur la toile.
Dieter Huthmacher, né en 1947 à Pforzheim en Allemagne, est un artiste, caricaturiste, graveur et peintre de paysages et de portraits. Il se distingue par son style abstrait et contemporain, qui se reflète dans ses œuvres de caricature, de peinture de paysage et de portrait. Huthmacher s'est fait remarquer dans le monde de l'art pour sa polyvalence et son engagement dans divers genres artistiques.
Son œuvre est reconnue pour sa capacité à capturer des expressions et des atmosphères uniques, ce qui lui a valu une place importante dans le domaine des beaux-arts. Bien qu'il s'exprime à travers différents médiums, c'est son travail dans l'art abstrait et la peinture contemporaine qui le distingue particulièrement.
Les collectionneurs, commissaires-priseurs et experts en art et antiquités apprécieront particulièrement la diversité et l'originalité de ses créations. Les œuvres de Huthmacher sont non seulement des pièces d'art distinctives, mais elles représentent également un intérêt particulier pour ceux qui sont passionnés par l'art contemporain et abstrait.
Pour ceux intéressés par Dieter Huthmacher et ses œuvres, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Vous recevrez des informations sur les nouvelles ventes de produits et les événements de vente aux enchères liés à cet artiste. Cette inscription vous permettra de rester informé sur l'un des artistes contemporains les plus intrigants de notre époque.
Rolf Iseli est un artiste suisse d'avant-garde qui vit et travaille à Berne.
Au début de sa carrière artistique, Iseli était un représentant radical du Taschisme et du mouvement Informel, et peignait également en technique gestuelle. Au cours de sa longue vie, il a travaillé dans différents domaines : peinture, collage, dessin, lithographie, dessin, plastique, sculpture et art dans l'architecture. Rolf Iseli est l'un des plus importants représentants de l'avant-garde artistique suisse de la seconde moitié du XXe siècle.
Vladimir Kokolia est un peintre, poète et parolier tchèque, professeur à l'Académie des beaux-arts de Prague.
Artiste polyvalent et talentueux, Kokolia maîtrise de nombreuses techniques picturales et graphiques et est connu pour ses linogravures en couleur.
Charles Lapicque est un artiste peintre et graveur français de la Nouvelle École de Paris.
Ses œuvres furent jugées importantes, entre 1939 et 1943, pour le développement de la peinture non figurative et dans les années 1950 pour les courants Pop art, figuration narrative, figuration libre.
Il est reconnu Juste parmi les nations, avec son épouse, pour avoir caché des Juifs pendant la Seconde Guerre mondiale.
Riccardo Licata est un artiste italien connu pour ses grandes mosaïques peintes dans des espaces publics en Europe.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Venise et a été un membre actif du mouvement artistique international "Space".
Licata a déployé ses multiples talents dans différents domaines artistiques : il a travaillé sur des décors et des costumes de théâtre, a été sculpteur et graveur, maître de la mosaïque et concepteur de verre.
Mais son œuvre la plus importante est le langage artistique qu'il a créé, une sorte d'alphabet composé de symboles et de traits graphiques qui caractériseront une grande partie de son travail. Ces traits, que Licata définit lui-même comme des lettres imaginaires, des "peintures graphiques" inspirées du langage musical, sont utilisés par l'artiste pour créer des œuvres qui le rendront célèbre.
Licata a vécu et travaillé à Paris et à Venise, a été nommé professeur de mosaïque à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, professeur d'arts plastiques à la Sorbonne et de gravure à l'Académie Götz, à Paris.
Werner Lichtner-Aix est un peintre, graphiste, sculpteur et designer graphique allemand.
Inspiré par l'idée de communauté et le lien étroit entre l'homme et la nature, l'artiste a peint des paysages émouvants en utilisant diverses techniques. Il a produit de nombreuses œuvres d'art, notamment des peintures à l'huile, à l'aquarelle et à la gouache, des collages et des sculptures.
Israel Lund ist ein konzeptioneller Maler aus Brooklyn, New York. Er schafft Acrylbilder mit einer Kombination aus digitalen und analogen Techniken, darunter Siebdruck, digitale Malerei und die Bearbeitung von Fotokopien, Fotos und PDF-Dateien mit Smartphone-Anwendungen. Seine Praxis wurde als eine "eigene, unverwechselbare Art der postdigitalen Abstraktion" beschrieben.
Lunds Arbeit befasst sich mit der "Modularität und Skalierbarkeit" der analogen Malerei. Wie der Kritiker und Kunsthistoriker Alex Bacon beschreibt, evozieren Lunds Gemälde einen unheimlichen "Bildschirm-Raum", der in einem "Analog-Modus" mittels eines Siebdruckverfahrens hergestellt wird, ein Konzept, das der Künstler als "analog.jpg" bezeichnet. Bei seinen jüngsten Arbeiten wird das Spachtelmesser durch einen Siebdruck auf die Kette und den Schuss einer rohen, groben Leinwand gedruckt. Das Ergebnis ist ein gesprenkeltes oder "verpixeltes" Miasma aus Cyan, Magenta und Gelb.
André Marfaing était un artiste français connu pour ses peintures et ses gravures abstraites.
L'œuvre de Marfaing a été fortement influencée par le mouvement expressionniste abstrait des États-Unis, qu'il a découvert lors d'un voyage à New York au début des années 1950. Il s'est intéressé au potentiel de la couleur et de la texture pour transmettre l'émotion et l'humeur, et a commencé à développer son propre style, caractérisé par des formes géométriques audacieuses et une palette limitée de tons terreux.
Les œuvres de Marfaing présentent souvent de grandes formes semblables à des blocs qui semblent flotter ou planer sur un fond de couleurs texturées. Il travaillait principalement à l'huile sur toile, mais produisait également des gravures et des dessins qui reflétaient son intérêt pour la relation entre la ligne et la forme.
Tout au long de sa carrière, Marfaing a beaucoup exposé en France et à l'étranger. Il a également reçu de nombreux prix et distinctions.
Les œuvres de Marfaing figurent dans de nombreuses collections privées et musées, dont le Museum of Modern Art de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et le musée Guggenheim de Bilbao.
Emily Mason est une artiste américaine spécialisée dans l'abstraction et la gravure. Elle a commencé sa formation auprès de sa mère Alice Trambal Mason, pionnière de l'abstraction américaine et fondatrice de l'American Abstract Artists. Le travail d'Emily Mason est basé sur l'expressionnisme abstrait et la peinture en champs de couleurs. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques et privées.
Lei Molin ou Leopold Hubertus Molin est un peintre, dessinateur, graveur et sculpteur néerlandais.
Il a étudié à l'École des arts appliqués de Maastricht et à l'Académie Julian à Paris. Au début, Molin a travaillé dans le style de l'impressionnisme. Plus tard, alors qu'il vivait en Hollande-Septentrionale, il a rejoint les "Limbourgeois d'Amsterdam".
François Morellet est un peintre, graveur et sculpteur français.
Il est considéré comme l'un des acteurs majeurs de l'abstraction géométrique de la seconde moitié du ХХe siècle et un précurseur du minimalisme. Il est également industriel de 1948 à 1975.
Johann Georg Müller était un peintre et un graphiste allemand. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich.
L'œuvre de Müller a été fortement influencée par les mouvements expressionniste et surréaliste. Ses peintures et ses œuvres graphiques présentent souvent des couleurs vives et une imagerie abstraite et onirique. Il est connu pour son utilisation de motifs symboliques et son intérêt pour les thèmes mythologiques et religieux.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Müller a été enrôlé dans l'armée allemande et a servi sur le front de l'Est. Après la guerre, il retourne à Munich et reprend sa carrière artistique. Il devient membre du groupe expressionniste allemand "Die Neue Gruppe" et participe à plusieurs expositions dans toute l'Europe.
Son œuvre continue d'être exposée et étudiée dans le monde entier, et son héritage a eu un impact significatif sur le développement de l'art moderne et contemporain en Allemagne et au-delà.
Hermann Naumann est un artiste diversifié, connu pour ses peintures, ses illustrations, ses graphiques et ses sculptures. Après sa formation initiale en tant que sculpteur, Hermann Naumann s'est tourné vers la peinture et le graphisme, explorant divers médiums tels que la lithographie, l'eau-forte et le punzenstich.
Hermann Naumann a réalisé des œuvres marquantes, dont des reliefs, des monuments funéraires et des sculptures en acier, telles que « Der Fahnenschwinger » à Riesa et « Der Büchernarr » en bronze. En outre, il a illustré de nombreux livres pour des auteurs renommés comme Heinrich Böll et Fjodor Dostoïevski, laissant une empreinte significative dans le monde de l'édition.
Au fil de sa carrière, Hermann Naumann a été reconnu pour son talent, recevant plusieurs distinctions, notamment le prix de la CDU pour ses illustrations. Malgré ses succès, il demeure un artiste à redécouvrir, dont l'œuvre reflète une profonde sensibilité artistique et une maîtrise technique.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les travaux de Hermann Naumann offrent une fenêtre sur l'expression artistique post-guerre en Allemagne, alliant tradition et innovation.
Inscrivez-vous pour rester informé sur les expositions et les ventes d'œuvres de Hermann Naumann, et découvrez un artiste qui continue d'inspirer par sa polyvalence et son engagement dans l'art.
Otto Wilhelm Nebel était un artiste d'avant-garde, un poète et un acteur allemand. Il a passé sa jeunesse pendant la Première Guerre mondiale, qu'il a vécue sur les fronts Est et Ouest de l'Allemagne. En 1918, alors qu'il est emprisonné pendant 14 mois en Angleterre, Nebel écrit le poème expressionniste "Zuginsfeld", qui dénonce la guerre.
En 1919, il retourne à Berlin et rencontre Wassily Kandinsky, Paul Klee, Georg Mouche et Kurt Schwitters, ainsi que leur art.
La série "Middle East" de Nebel est bien connue et est le résultat de ses voyages au Moyen-Orient. Sur 60 feuilles de grand format, l'artiste a représenté des figures ressemblant à des lettres arabes ou cyrilliques. Plus tard, il s'est intéressé à la technique de la peinture inversée sur verre et a créé des compositions abstraites lumineuses et colorées sur des panneaux de verre.
Ben Nicholson était un artiste britannique, né le 10 avril 1894 à Denham, Buckinghamshire, en Angleterre, et décédé le 6 février 1982 à Londres. Connu pour ses compositions abstraites, parfois en bas-relief, ainsi que pour ses paysages et natures mortes, Nicholson a joué un rôle de premier plan dans la promotion de l'art abstrait dans son pays. Issu d'une famille d'artistes, il s'est peu à peu éloigné de l'approche figurative pour embrasser l'abstraction, sous l'influence notable de ses rencontres avec des figures majeures de l'art moderne telles que Pablo Picasso, Piet Mondrian, et son mariage avec la sculptrice Barbara Hepworth.
Nicholson a également été influencé par le cubisme et le constructivisme, intégrant ces influences dans un style qui lui est propre, marqué par une prédilection pour les formes géométriques simples. En 1933, il réalise son premier relief en bois, marquant un tournant décisif vers l'abstraction. Son talent dans l'abstraction lui a valu de nombreux prix, dont le prestigieux prix Carnegie en 1952 et le premier prix de peinture Guggenheim International en 1956.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, y compris la Tate Gallery, Tate St Ives, la Kettle's Yard Art Gallery à Cambridge, The Hepworth Wakefield, la Pallant House Gallery à Chichester, et le Pier Arts Centre à Stromness, Orkney.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Ben Nicholson demeure un témoignage captivant de l'évolution de l'art britannique au XXe siècle, offrant une fenêtre sur l'abstraction géométrique et son impact sur la scène artistique internationale. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à Ben Nicholson, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette inscription vous permettra d'accéder exclusivement à des informations sur les nouvelles opportunités d'acquisition liées à son œuvre.
Leonardo Nierman, de son nom complet Leonardo Nierman Mendelejis, est un artiste mexicain connu principalement pour ses peintures et ses sculptures. Ses œuvres sont abstraites mais contiennent néanmoins des images visibles de la nature, comme des oiseaux, de l'eau, des éclairs, etc. Ses peintures sont en couleurs pures, tandis que ses sculptures sont généralement en métal, souvent avec une teinte argentée.
Mario Nigro est un peintre, dessinateur et graveur italien, considéré comme l'un des plus importants représentants de l'abstraction géométrique d'après-guerre en Italie.
Dans les années 1940, il étudie la chimie et la pharmacologie à l'université de Pise et, parallèlement, la musique et la peinture. Dans les années 1950, Mario Nigro décide de se consacrer entièrement à la peinture et recherche une dynamique quasi musicale dans ses abstractions.
Alejandro Jesús Obregón Rosés, plus connu comme Alejandro Obregón, est un peintre, muraliste, sculpteur et graveur hispano-colombien.
La peinture d'Obregón a été nourrie des propositions impulsant l'art moderne et en même temps, elle a été localisée, c'est-à- dire, le lieu a été l'une de ses préoccupations principales : lieu en tant que géographie, en tant que culture, en tant qu'élément de pertinence. D'où le fait qu’il n’a jamais milité pour une abstraction radicale, mais par contre, sa peinture fusionne des éléments abstraits et figuratifs comme une façon de se rebeller contre les approches puristes modernistes.
À différents moments au long de sa carrière, Obregón réalise des peintures liées à la Violencia politique en Colombie.
Jevel Demikovski, connu professionnellement sous le nom de Jules Olitski, était un peintre, graveur et sculpteur américain.
Il représente les États-Unis à la Biennale de Venise de 1966 et il est le premier à bénéficier d'une rétrospective au Metropolitan Museum of Art de New York. À partir des années 1970 son travail retourne à une texture ample et lourde qui caractérisait son travail des années 1950, mais avec des innovations techniques à base de gels acrylique et de polymère.
Il est représenté par la Galerie Daniel Templon à Paris et Bruxelles.
Wolfgang Opitz est un artiste allemand contemporain connu pour ses peintures abstraites.
Wolfgang Opitz a étudié l'art de 1964 à 1968 à Erfurt et à Dresde. Il rencontre A. R. Penck avec qui il réalise de nombreux films expérimentaux en 1969. Ils fondent également le groupe Lücke en 1971, avec les artistes Harald Gallasch et Steffen Koonert (Turk). Opitz a fui l'Allemagne de l'Est pour passer à l'Ouest en 1989, où il a obtenu un poste d'enseignant à l'université de Lüneburg en 1991.
Maria Inês Ribeiro da Fonseca, également connue sous son nom de plume Menez, est une artiste portugaise qui a joué un rôle pionnier dans le développement de l'art abstrait dans son pays.
Dans ses premières œuvres, Menez fait preuve d'une sensibilité poétique qui reflète clairement l'influence de la célèbre École de Paris, et adopte une forme particulière d'abstraction lyrique qui a eu une grande influence sur l'ère artistique. À la fin des années 1950, l'artiste transforme habilement l'ambiguïté entre la figuration et l'abstraction dans ses atmosphères chromatiques vives, plongeant dans une perspective néo-impressionniste qui suggère habilement l'espace intérieur.
Dans les années 1980, Menezes a surmonté avec grâce le changement de paradigme qui a conduit au renouveau de la peinture figurative, établissant fermement son langage artistique unique auquel elle est restée fidèle jusqu'à la fin.
