Illustrateurs Autoportrait
Louise Abbéma était une artiste peintre française, sculpteure et designer de l'époque de la Belle Époque, née le 30 octobre 1853 à Étampes et décédée le 29 juillet 1927 à Paris. Elle s'est fait connaître grâce à ses portraits hauts en couleur de la société parisienne et des célébrités de son temps, y compris de la célèbre actrice Sarah Bernhardt. Abbéma a étudié l'art avec des maîtres renommés et a souvent peint des portraits et des scènes de genre influencés par l'impressionnisme.
Son talent lui a valu de nombreuses distinctions, dont la Palme Académique en 1887 et la Légion d'honneur en 1906, faisant d'elle une des premières femmes à recevoir cette honneur. Elle a également été nommée Peintre officielle de la Troisième République. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux salons et elle a reçu une médaille de bronze lors de l'Exposition Universelle de 1900.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "Le Matin d’avril, Place de la Concorde, Paris" (1894), "Portrait de Jeanne Samary" et divers portraits de Sarah Bernhardt. Ses peintures sont reconnues pour leur style vif et leur technique impressionniste, reflétant la vie sociale et culturelle de son époque.
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Vassily Vassilievitch Belyashin (еn russe: Василий Васильевич Беляшин) était un artiste russe et soviétique né le 8 septembre 1874 à Vilnius, dans l'Empire russe, et décédé le 8 mai 1929 à Saint-Pétersbourg, en URSS. Connu principalement comme peintre de portraits, paysagiste, graveur et illustrateur, Belyashin a marqué l'ère de l'Âge d'argent par son talent exceptionnel. Il a brillé particulièrement dans la réalisation de séries d'autoportraits, affirmant son identité artistique à travers le prisme de son propre regard.
Sa formation académique à l'Académie des Beaux-Arts entre 1901 et 1906, suivie d'une période d'études à l'étranger financée par une bourse en 1907, a joué un rôle clé dans son développement artistique. Belyashin a travaillé principalement dans le style impressionniste, se distinguant par sa capacité à capturer l'essence éphémère de l'instant à travers ses paysages et portraits.
Ses œuvres reflètent un intérêt marqué pour le symbolisme et l'impressionnisme, genres dans lesquels il a excellé en explorant divers sujets, allant du paysage urbain et naturel aux scènes de vie quotidienne et aux portraits introspectifs. Son approche unique du portrait, en particulier, a permis de révéler la complexité de l'âme humaine, faisant de lui une figure emblématique de son époque.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Belyashin offre un aperçu précieux de la transition artistique de la Russie impériale vers l'URSS, encapsulant l'essence d'une époque révolue. Ses contributions à la culture et à la peinture restent une source d'inspiration et de fascination, invitant à une exploration plus approfondie de son héritage.
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Varvara Dmitrievna Boubnova (en russe: Варвара Дмитриевна Бубнова), née à Saint-Pétersbourg en 1886 et décédée à Leningrad en 1983, était une peintre, artiste graphique lithographe et pédagogue russe. Ses études à l'école de dessin de la Société pour l'encouragement des arts et à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg l'ont préparée à devenir une figure de l'avant-garde russe, collaborant avec des artistes comme Pavel Filonov et son futur mari V. Markov Matvey. Membre de l'Union de la jeunesse, elle a exposé aux côtés de Maïakovski et Kandinsky, contribuant à façonner l'art avant-gardiste de son époque.
Après avoir vécu à Moscou où elle a travaillé à l'Institut de culture artistique (INKHUK), Boubnova déménage au Japon en 1923, où elle reste jusqu'en 1958, s'adonnant à la lithographie et à l'aquarelle. Ses années au Japon ont marqué un chapitre significatif de sa vie, où elle a non seulement développé son art mais a également influencé la scène artistique locale, ce qui lui a valu l'ordre de la Couronne précieuse du quatrième degré de l'empereur du Japon.
De retour en URSS, elle s'installe en Abkhazie, où elle vit et travaille jusqu'à la fin de sa vie, laissant derrière elle un héritage artistique qui continue d'être célébré. Ses œuvres, notamment de la période japonaise et de son temps en Abkhazie, sont considérées comme vitales pour comprendre le dialogue entre l'avant-garde russe et les traditions artistiques japonaises. Des expositions dédiées à son travail, comme celle organisée par son étudiant et critique d'art Alexander Lozovoy, mettent en lumière ses contributions à l'art et son impact durable.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Boubnova offrent une fenêtre unique sur l'intersection de l'avant-garde russe et de l'art japonais, marquant une époque de grandes expérimentations artistiques. Son approche de l'art, marquée par une formation classique russe et une immersion profonde dans les traditions artistiques japonaises, en fait une artiste dont le travail mérite une étude approfondie.
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William Merritt Chase, né le 1er novembre 1849 à Williamsburg, Indiana, et décédé le 25 octobre 1916 à New York, était un peintre américain, enseignant influent et figure majeure de l'impressionnisme américain. Sa carrière débute après des études à l'Académie royale de Munich, où il adopte un style réaliste sombre, avant de s'orienter vers l'impressionnisme sous l'influence des œuvres des impressionnistes français exposées à New York en 1886.
Chase a fondé plusieurs institutions d'enseignement, dont l'école d'été de Shinnecock Hills à Long Island en 1891, devenue un lieu important pour l'enseignement de la peinture en plein air. Son studio à New York, situé dans les Tenth Street Studios, était célèbre pour son opulence et servait de centre social pour l'élite artistique de la ville.
Parmi ses œuvres, Chase est particulièrement réputé pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes, notamment les séries de poissons qui ont connu un grand succès commercial. Son style mélangeait l'influence des maîtres anciens avec des techniques plus modernes, lui permettant de capturer à la fois l'élégance et la spontanéité dans ses œuvres.
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Jules De Bruycker, un artiste belge prolifique, était connu pour ses gravures et dessins précis. Il a représenté la ville de Gand, les tranchées de la Première Guerre mondiale et a illustré des livres. Son travail a été influencé par des artistes tels que James Ensor et Frank Brangwyn. De Bruycker a également produit des gravures de cathédrales et des portraits sensuels. Son impact s'est étendu à une nouvelle génération d'artistes, dont Gustave van de Woestijne.
Günter Wilhelm Grass est un écrivain et artiste allemand.
Lauréat du prix Nobel de littérature en 1999, Grass est principalement connu pour son roman Le Tambour.
Marquée par l'expérience traumatique du nazisme, son œuvre, baroque et ironique, puise son inspiration dans son origine germano-polonaise et condense réalisme et mythe afin d'explorer les méandres de l'Histoire, la mémoire et la culpabilité. Considéré comme l'un des plus grands écrivains allemands contemporains et le plus célèbre auteur germanophone de la seconde moitié du ХХe siècle, il est aussi remarqué pour ses prises de positions politiques à l'origine de nombreuses controverses en Allemagne et à l'international.
Boris Dmitrievitch Grigoriev (en russe : Бори́с Дми́триевич Григо́рьев), artiste russe né en 1886 et décédé en 1939, est reconnu pour ses peintures, ses œuvres graphiques et ses écrits. Immergé dans la bohème de Saint-Pétersbourg dès 1913, il a côtoyé et portraituré de nombreuses figures artistiques et littéraires de l'époque, telles qu'Anna Akhmatova et Velimir Khlebnikov. Grigoriev s'est profondément intéressé à la vie rurale russe, capturant la pauvreté et la résilience des paysans à travers sa série de peintures et d'œuvres graphiques "Raseja" (Russie), qui lui a valu les louanges du critique d'art Alexandre Benois.
Après 1919, Grigoriev a voyagé et vécu dans de nombreux pays, y compris la France, les États-Unis, l'Amérique centrale et du Sud, laissant une empreinte significative sur l'art moderne par son exploration de la vie quotidienne et ses influences primitivistes. Ses œuvres reflètent une fascination pour la trivialité quotidienne, vue non pas comme une imitation du réel mais comme une expression de la vie contemporaine. En Bretagne, où il s'est installé à partir de 1914, il a produit un important corpus d'œuvres, y compris des peintures et des dessins capturant la vie et les traditions locales, travaillant dans un état d'inspiration constante et produisant ce qu'il appelait un "cycle catholique" profondément enraciné dans la culture bretonne.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Double portrait de Vsevolod Meyerhold" (1916), "La Mère Agathe" (1925), et plusieurs portraits captivants de figures culturelles et scènes rurales russes qui témoignent de son intérêt pour le caractère et la condition humaine. Grigoriev est décédé à Cagnes-sur-Mer en 1939, laissant derrière lui un héritage artistique riche et diversifié qui continue d'influencer le monde de l'art.
Pour ceux qui souhaitent explorer davantage l'univers de Boris Dmitrievitch Grigoriev et son impact sur la peinture et la culture, s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste éminent est une démarche enrichissante.
Edmund Harburger était un artiste allemand du dernier tiers du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur et caricaturiste.
Harburger est devenu célèbre grâce à plus de 1 500 dessins humoristiques pour le magazine Fliegende Blätter. Il a également réalisé des illustrations de livres et des caricatures politiques. Après avoir vécu deux ans à Venise, l'artiste s'est employé à copier les œuvres des maîtres anciens. Ses expositions ont eu lieu dans plusieurs villes européennes, notamment à Paris, Berlin et Munich. Ses œuvres sont conservées dans des musées de différents pays, dont la Nouvelle Pinacothèque de Munich et les musées de Gdansk, Leipzig, Prague et d'autres villes.
Wilhelm Heise était un peintre allemand associé à la Nouvelle Objectivité. Il gagnait sa vie en peignant des horloges, pour lesquelles il développa une technique minutieuse. En 1925, il participe à l'exposition Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité) à Mannheim qui réunit de nombreux artistes "post-expressionnistes" de premier plan, dont George Grosz, Otto Dix, Max Beckmann et Georg Scholz. Son autoportrait peint intitulé Fading Spring est représentatif de son style. Heise a remporté le prix Nuremberg Dürer en 1937.
Horst Janssen était un artiste graphique, graveur, affichiste et illustrateur allemand. Il a réalisé de nombreux dessins, eaux-fortes, gravures sur bois, lithographies et gravures sur bois.
Oldenburg, la ville natale de Horst Janssen, possède un musée dédié à son héritage. Son œuvre est représentée internationalement dans de grands musées.
Vera Khlebnikova (еn russe: Вера Владимировна Хлебникова), née en 1890 et décédée en 1941, était une artiste russe, sœur cadette du poète futuriste Velimir Khlebnikova. Elle est reconnue pour ses œuvres d'art qui ont été grandement appréciées par son frère. Ses meilleures œuvres sont exposées dans une salle qui lui est dédiée au musée Velimir Khlebnikova. Parmi celles-ci, on trouve «Sirènes» (1920), qui dépeint des sirènes regardant un chevalier oriental noyé avec curiosité et admiration, et «Le passage du hareng» (1931), une commande de la section de la pêche du musée Polytechnique de Moscou.
Khlebnikova est connue pour sa peinture, ayant créé un large éventail d'œuvres allant des panneaux de cinq mètres à des autoportraits intimes. Sa technique et sa palette de couleurs uniques ont contribué à sa réputation dans le monde de l'art moderne russe.
Pour ceux qui s'intéressent de près aux collections d'art et à l'histoire de l'art russe, la découverte ou la redécouverte des œuvres de Vera Khlebnikova offre une perspective unique sur l'évolution artistique au début du XXe siècle en Russie. Ses œuvres, souvent empreintes de symbolisme et d'expressionnisme, témoignent de la richesse de la scène artistique de l'époque et de la complexité des parcours individuels des artistes.
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Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (en russe: Борис Михайлович Кустодиев) était un artiste peintre russe, connu pour ses portraits et ses représentations vivantes de la vie russe. Né en 1878, son œuvre se distingue par sa capacité à capturer l'esprit et la culture de son époque, faisant de lui une figure emblématique dans le monde de l'art et de la culture.
Koustodiev avait un talent particulier pour illustrer la vie quotidienne avec une palette de couleurs vives et une attention particulière aux détails, ce qui rendait ses œuvres à la fois riches et captivantes. Ses tableaux, tels que « La Foire de Shrovetide » et « Le Marchand de tissus », sont célèbres pour leur représentation joyeuse et colorée de la société russe, offrant un aperçu unique des traditions et des modes de vie de l'époque.
Au-delà de ses scènes de genre, Koustodiev a également produit des portraits remarquables, capturant l'essence de ses sujets avec profondeur et sensibilité. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, attestant de son importance et de sa reconnaissance internationale dans le domaine de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Boris Mikhaïlovitch Koustodiev reste une source d'inspiration et un témoignage précieux de l'histoire culturelle russe. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de nouveaux produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel, vous permettant de rester informé des opportunités uniques de compléter votre collection avec des œuvres de ce maître de l'art russe.
Pegi Nicol MacLeod est une aquarelliste canadienne et américaine.
Elle a étudié la peinture à l'École des beaux-arts de Montréal et a été membre de la Société canadienne de l'aquarelle et du Groupe des artistes canadiens. L'influence du Groupe des Sept est évidente dans les premiers paysages de MacLeod, et elle a ensuite commencé à peindre dans un style plus expressif.
Les aquarelles et les peintures à l'huile de Pegi Nicol MacLeod se caractérisent par des lignes sinueuses et des couleurs dynamiques. L'artiste s'inspirait du monde qui l'entourait : enfants, portraits, jardins, rues urbaines bondées. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, MacLeod a connu le succès. Son cycle de Manhattan a rapidement conquis un large public au Canada, passant de la National Gallery à une tournée nationale.
Francis Prout Mahony, également connu sous le nom de Frank Mahony, était un peintre, aquarelliste et illustrateur australien. Mahony est devenu connu pour ses excellents dessins de chevaux. Il a travaillé pour The Antipodean, The Sydney Mail et l'Australian Town and Country Journal. En plus de son travail périodique, il a illustré de nombreux livres, dont Where the Dead Men Lie et Other Poems de Barcroft Boake, While the Billy Boils de Henry Lawson et Dot and the Kangaroo, un livre pour enfants d'Ethel Pedley. Ses huiles ont eu un succès modéré. Il est surtout connu comme un peintre animalier capable et est représenté dans les galeries de Sydney, Hobart et Wanganui, en Nouvelle-Zélande.
Ruvim (Ilia) Mazel était un artiste, illustrateur et enseignant russe et soviétique. Il a étudié la peinture avec Nikolai Roerich et Alexander Benois.
Pendant la période "européenne" de sa vie, Mazel a été fortement influencé par l'Art nouveau de Munich. Après son déménagement à Ashgabat, les motifs orientaux sont devenus les principaux motifs de ses peintures.
Benjamin Edwin Minns était un artiste australien, reconnu comme l'un des plus grands aquarellistes d'Australie. Minns a obtenu son premier emploi au Illustrated Sydney News ; Minns a également dessiné pour le Sydney Mail et a régulièrement contribué au Bulletin. De 1895 à 1915, Minns travailla en Angleterre, contribuant au St Paul's Magazine, au Punch, au Strand Magazine, au Bystander et à d'autres publications ainsi qu'à l'envoi de dessins au Bulletin. Minns a été l'un des fondateurs en 1924 et le premier président (jusqu'en 1937) de l'Australian Watercolour Institute.
Hanna Nagel, artiste allemande, est reconnue pour son approche critique du patriarcat et son engagement contre les discriminations. À travers ses œuvres, elle aborde des thèmes socialement pertinents et intemporels, tels que les relations entre hommes et femmes et les défis de la maternité face à la carrière professionnelle.
Hanna Nagel, principalement connue pour son œuvre graphique, a exploré les réalités et les complexités de la condition féminine. Ses travaux, souvent autobiographiques, offrent des réponses visuelles à des questions de société. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a trouvé refuge dans l'illustration de livres, contribuant à plus de 100 publications, y compris des œuvres pour enfants et des classiques littéraires.
Les œuvres de Hanna Nagel sont principalement détenues par des collections privées, et bien qu'une partie de son héritage artistique soit encore méconnue du grand public, ses contributions restent un témoignage puissant de son temps. En 2022, la Kunsthalle Mannheim a redécouvert son travail en mettant en lumière son rôle de pionnière de l'art féministe.
Inscrivez-vous pour suivre les mises à jour et découvrir plus sur Hanna Nagel, une artiste dont l'œuvre continue de résonner avec les enjeux contemporains.
Otto Nückel est un peintre, graveur, illustrateur et caricaturiste allemand. Avec Frans Masereel et Lynd Ward, il est l'un des pionniers d'un style de roman graphique ne comportant qu'un minimum de mots, et illustré seulement par des gravures sur plomb. Après un court séjour à Fribourg-en-Brisgau, il s'installe à Munich en 1911. Au cœur de la Sécession de Munich, il croise de nombreux artistes, reçoit l'enseignement de Heinrich Knirr et de Leopold Durm, admire Alfred Kubin, et se passionne aussi bien pour la peinture que pour la gravure sur bois. Sa production se caractérisant par un style expressionniste appuyé. En 1926, il produit une suite graphique, Destin, une narration sans mot réalisée en gravure sur métal composée de 190 vignettes qui constitue sans doute son chef-d'œuvre livresque.
Aleksander Orłowski (еn russe : Александр Осипович Орловский) était un peintre et dessinateur polonais, né à Varsovie le 9 mars 1777 et décédé à Saint-Pétersbourg le 13 mars 1832. Reconnu comme pionnier de la lithographie dans l'Empire russe, Orłowski est célèbre pour ses esquisses de la vie quotidienne en Pologne et en Russie ainsi que pour ses scènes de batailles historiques.
Issu d'une famille noble appauvrie, son talent artistique fut rapidement reconnu et financé par des mécènes tels que la princesse Izabela Czartoryska et le prince Józef Poniatowski. Après avoir combattu dans l'insurrection de Kościuszko, Orłowski a approfondi ses études artistiques et a voyagé pour capturer les cultures et les paysages de la Russie.
Durant sa carrière, il a également produit des portraits et des caricatures qui reflètent un esprit vif et critique. Son œuvre inclut des aquarelles de scènes militaires et des illustrations pour des uniformes de l'armée impériale, témoignant de son intégration dans les cercles artistiques et littéraires russes de l'époque. Il fréquentait des figures littéraires comme Pouchkine et Viazemsky.
Orłowski est resté actif jusqu'à la fin de sa vie, malgré les difficultés financières après la mort de son mécène, le Grand-Duc Konstantin Pavlovich. Il est décédé en 1832 après une période de maladie et de précarité économique. Ses œuvres restent exposées dans de nombreux musées, capturant l'esprit des époques qu'il a traversées.
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Arthur Rackham est un artiste britannique, illustrateur de nombreux livres.
Rackham gagne la médaille d’or à l’exposition universelle de Milan en 1906 et une autre à l’exposition internationale de Barcelone en 1911. Ses œuvres font l’objet de nombreuses expositions, notamment au Louvre (Paris) en 1914. Membre de la Royal Watercolour Society, il est nommé Maître de l'Art Workers' Guild en 1919.
Carl Friedrich Sandhaas était un peintre et dessinateur allemand. Sandhaas a préféré travailler comme paysagiste et portraitiste; il a également travaillé comme illustrateur d'œuvres littéraires et mythologiques. Dessinateur et aquarelliste, il est l'un des plus importants représentants du romantisme tardif à Baden.
Martiros Sarian (en russe : Мартирос Сергеевич Сарьян) était un peintre arménien, connu comme le fondateur d'une école nationale moderne de peinture arménienne. Né dans une famille arménienne à Nakhitchevan-sur-le-Don (aujourd'hui partie de Rostov-sur-le-Don, Russie), Sarian a joué un rôle clé dans l'art arménien, reflétant souvent le paysage arménien dans ses œuvres.
Sarian a voyagé largement, visitant l'Arménie, la Turquie, l'Égypte, et l'Iran entre 1910 et 1913, et s'est engagé activement dans l'aide aux réfugiés de l'Arménie génocidée en 1915. Après la prise de pouvoir bolchévique en 1917, il s'installe en Russie puis en Arménie en 1921, où il continue à influencer fortement l'art arménien, concevant même l'emblème national de l'Arménie soviétique. Ses années à Paris de 1926 à 1928 ont été marquées par la tragédie lorsque ses œuvres de cette période ont été détruites dans un incendie.
Sarian a été honoré de multiples récompenses, dont l'Ordre de Lénine à trois reprises, et a été membre de l'Académie des arts de l'URSS ainsi que de l'Académie des sciences d'Arménie. Sa maison à Erevan est devenue un musée dédié à son œuvre, exposant des centaines de ses travaux. Sarian est décédé en 1972 à Erevan, laissant derrière lui un héritage durable dans l'art arménien.
Son art, influencé par ses voyages et son amour pour la nature arménienne, se caractérise par l'utilisation de couleurs pures et vives, gagnant le surnom de "le Matisse de l'Est". Il a peint de nombreux portraits de figures célèbres, ainsi que des paysages et des natures mortes, préférant la simplicité et la clarté dans ses œuvres.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre de Martiros Sarian, son influence sur l'art arménien et son rôle dans la préservation du patrimoine culturel arménien restent un sujet d'étude important. Sa vision artistique, imprégnée d'un amour profond pour son pays et sa culture, continue d'inspirer et de captiver.
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Paul Schroeter, également Schroeter était un peintre et graveur allemand. Travaillant à Munich depuis 1893, il devient membre de la Sécession de Munich et participe à l'exposition de printemps en mai 1894. Schroeter vit à Hambourg de 1898 à 1901 et se lie d'amitié avec Ernst Eitner et Arthur Illies, les co-fondateurs de la Hamburg Club des artistes. Schroeter était un peintre de nature morte, de paysage, de genre et de portrait ainsi qu'un graphiste. Plusieurs de ses œuvres sont dans des collections privées. La plupart de ses œuvres ont été perdues pendant la Seconde Guerre mondiale.
Everett Shinn est un peintre impressionniste américain. Dès l'âge de 17 ans, il travaille comme artiste pour le Philadelphia Press. Après avoir déménagé à New York en 1897, il s'est rapidement fait connaître comme l'un des peintres réalistes urbains les plus talentueux, dépeignant la vie urbaine contemporaine.
En 1899, Shinn devient illustrateur pour le Ainslee's Magazine. Pendant un certain temps, il travaille au pastel. Un voyage en Europe en 1900 influence grandement son travail : l'artiste est fasciné par l'impressionnisme, qui se manifeste particulièrement dans son travail sur le théâtre.
Les meilleures œuvres de Shinn dépeignent de manière réaliste la vie urbaine américaine des premières années du XXe siècle.
Lucien Simon était un peintre français connu pour ses portraits réalistes, ses paysages et ses scènes de genre de pêcheurs et de paysans. Il a étudié à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a exposé à Paris et dans d'autres villes françaises.
Lucien Simon a souvent dépeint la vie des gens ordinaires, en essayant de rendre leur naturel et leur simplicité. En 1934, il a reçu la Légion d'honneur pour services rendus à l'art.
Lynd Kendall Ward est un artiste et romancier américain connu pour sa série de roman sans paroles en gravures sur bois et pour ses illustrations de livres pour enfants et adultes. Ses romans sans paroles ont fortement influencé le développement du roman graphique. Principalement associé à ses gravures sur bois, il travaillait également l’aquarelle, la peinture à l’huile, le pinceau, l’encre, la lithographie et la Manière noire. Ses livres les plus connus sont Gods’ Man et The Biggest Bear, lauréat de la médaille Caldecott.
