Иллюстраторы Автопортрет
Луиза Аббема (франц. Louise Abbema) была французской художницей, скульптором и гравером, родившейся в 1853 году в аристократической семье в Этампе. С раннего возраста она обучалась живописи у таких мастеров, как Шарль Шаплен и Жан-Жак Эннер, и быстро заявила о себе, благодаря портретам актеров и актрис Комеди Франсез, в том числе Сары Бернар. Её работы отражали влияние импрессионизма и академического искусства, а также были вдохновлены японским искусством.
Аббема активно участвовала в художественной жизни Парижа, её картины выставлялись в Салоне художников Франции и на Всемирных выставках. Она также выполняла заказы на декоративные панно для ратуш и других общественных зданий в Париже, а также работала над интерьерами таких мест, как Театр Сары Бернар (ныне Театр города Парижа) и дворец губернатора в Дакаре.
В 1906 году Луиза Аббема была награждена орденом Почётного легиона. Несмотря на признание в течение её жизни, после смерти в 1927 году её работы на некоторое время были забыты, но в конце XX века они снова стали популярны, особенно в контексте исследования вклада женщин в искусство прошлых веков.
Если вас заинтересовала работа Луизы Аббема и хотели бы получать обновления о новых продажах её произведений или предстоящих аукционах, подписывайтесь на наши обновления.
Василий Васильевич Беляшин, российский художник, график и живописец Серебряного века, оставил заметный след в истории русского искусства. Родился в 1874 году в Виленской губернии, он начал своё обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества под руководством В. А. Серова, а затем продолжил образование в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств. Его талант был отмечен уже в студенческие годы: за этюд он получил малую серебряную медаль и звание неклассного художника.
Беляшин активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы были представлены на Весенних выставках и выставках Товарищества художников, а также в различных журналах, таких как «Новое время» и «Вершины». Его иллюстрации и живописные произведения пользовались успехом и признанием среди современников.
Произведения Василия Васильевича находятся в ведущих музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что свидетельствует о высокой оценке его вклада в искусство. Это делает его творчество значимым не только для истории русского искусства, но и для коллекционеров и исследователей.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, произведения Беляшина представляют особенную ценность. Его уникальный стиль и вклад в развитие живописи и графики делают его одним из выдающихся художников своего времени. Чтобы узнать больше о его работах и возможностях приобретения, рекомендуем подписаться на обновления и уведомления о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с Василием Васильевичем Беляшиным.
Варвара Дмитриевна Бубнова — выдающаяся русская художница, педагог и искусствовед, чья жизнь и творчество оказали значительное влияние на развитие искусства в России и Японии. Она родилась в Санкт-Петербурге и окончила Императорскую Академию художеств, став активной участницей художественной жизни начала 20-го века. В 1923 году Бубнова переехала в Японию, где прожила более 30 лет, внося вклад в культурное взаимодействие между двумя странами. Она преподавала русский язык и литературу, вела лекции по русскому искусству и литературе, и разработала новый метод автолитографии на цинке, что повлияло на развитие литографии в Японии.
Бубнова участвовала в выставках японского авангарда и была членом нескольких художественных обществ. В Японии она подружилась с местными художниками и активно выставлялась, провела несколько персональных выставок. В 1958 году вернулась в СССР, где продолжила творческую и педагогическую деятельность, проведя множество выставок по всей стране. Её вклад в развитие культурных связей между СССР и Японией был отмечен орденом Драгоценной короны IV степени.
Работы Варвары Бубновой хранятся в Государственном Русском музее, а также в частных коллекциях и музеях по всему миру. Среди её известных произведений - "Портрет переводчика X. Никамуры", "Японец в кимоно", "Следы войны" и "Хризантемы". Она также оставила значительное наследие в виде публикаций по русскому искусству и литературе, а также воспоминаний о жизни в России и Японии.
Её вклад в искусство и культуру, а также межкультурное взаимопонимание между Россией и Японией, делают её фигурой глобального масштаба. Варвара Бубнова была не просто художником, но и мостом между культурами, чьё наследие продолжает вдохновлять новые поколения.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Варвары Дмитриевны Бубновой, приглашаем подписаться на обновления. Это позволит получать информацию о новых выставках, аукционах и событиях, связанных с её творчеством.
Гюнтер Вильгельм Грасс (нем. Günter Wilhelm Grass) — немецкий писатель, скульптор, художник и график. Лауреат Нобелевской премии по литературе 1999 года.
Грасс был членом объединения немецкоязычных авторов «Группа 47» (нем. Gruppe 47). Благодаря дебютному роману «Жестяной барабан» (нем. Die Blechtrommel) (1959 год) получил международное признание как выдающийся немецкий писатель послевоенного периода.
Творчество Грасса и его роль как писателя и представителя интеллигенции, активно участвующего в политической жизни, были и остаются предметом глубоких исследований и продолжают вызывать неослабевающий интерес читателей и СМИ как в Германии, так и во всём мире. Главной мотивацией для Грасса была утрата его родного города Данцига и осмысление опыта нацизма, что нашло отражение практически во всех его произведениях. Благодаря своей известности и популярности, он публично комментировал политические и общественные события. Его книги переведены на целый ряд языков, некоторые из произведений экранизированы.
Борис Дмитриевич Григорьев — знаменитый русский художник, чьё творчество оставило неизгладимый след в истории мирового искусства начала XX века. Родившись в 1886 году, с ранних лет Григорьев проявил ярко выраженный талант к живописи, что позволило ему уже в юности успешно копировать произведения известных художников. Несмотря на желание отца видеть сына коммерсантом, Григорьев посвятил свою жизнь искусству, обучаясь в Строгановском училище и позже в Академии художеств в Петербурге.
Живописец известен своими графическими и живописными циклами, в которых он стремился соединить изображение с текстом, создавая уникальный вид "экспонирования" в книге. Его работы, такие как издания циклов "Intimité" и "Расея", показывают глубокое понимание и любовь к русской культуре и народу, отражая повседневную жизнь русской деревни и её жителей с невероятной искренностью и мастерством.
Григорьев также был известен своими портретами, в которых часто использовал гротеск, чтобы раскрыть внутренний мир изображаемых личностей. Среди наиболее знаковых его работ - портреты М. Горького и В. Э. Мейерхольда, которые демонстрируют не только внешнее сходство, но и глубокий психологический портрет персонажей.
После революции 1917 года Григорьев был вынужден покинуть Россию, и большую часть своей жизни провёл за границей, в Европе и США, где продолжал работать и создавать произведения, вдохновляющие на размышления о судьбах России и её культуре.
Его работы находятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, продолжая привлекать внимание искусствоведов и коллекционеров. На протяжении всей своей карьеры Григорьев оставался верен своему стилю, отличающемуся глубоким лиризмом и острой социальной направленностью, что делает его одним из наиболее выдающихся представителей русского искусства первой половины XX века.
Если вас интересует творчество Бориса Дмитриевича Григорьева и вы хотите узнавать о новых выставках его работ, продажах и аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и открыть для себя уникальное наследие этого выдающегося художника.
Жюль де Брёйкер (нидерл. Jules de Bruycker) — бельгийский художник. Работал в технике акварели, графики, офорта. Художественный талант Жюля проявился в раннем возрасте и он начал изучать живопись в Академии изящных искусств. Четыре года спустя он прекратил посещать художественные классы и присоединился к семейному бизнесу. После девятилетнего перерыва снова поступил в Гентскую академию. Впервые выставил свои работы на Гентском салоне в 1903 году. Тогда правительство купило его акварель «Тряпичный рынок» (Voddenmarkt). С 1906 года начал работать в технике офорта. В 1914-1919 году жил в Лондоне, после чего вернулся в Гент. Родной город стал важным объектом его творчества. Он неоднократно изображал городские пейзажи и памятники архитектуры, в особенности — церковь Святого Николая и Замок графов Фландрии, рядом с которыми жил в детстве. О его интересе к архитектуре свидетельствует созданная им серия офортов с изображениями соборов Фландрии и Франции. В то же время в творчестве Де Брёйкера уделяется внимание бедным «маленьким» людям. Героями его работ были бедняки, старики, уличные дети, а также среда их повседневной жизни — бедные районы, блошиные рынки.
Борис Михайлович Кустодиев — выдающийся русский художник, чьё творчество занимает особое место в истории русского искусства. Родившись в 1878 году в Астрахани, Кустодиев проявил себя не только как талантливый живописец, но и как иллюстратор и сценограф. Его произведения отличаются яркостью, насыщенностью цветов и глубоким пониманием русской души и культуры.
С началом Революции 1905 года, Кустодиев активно участвует в жизни художественных кругов, внося свой вклад в сатирические журналы и становясь членом ассоциации "Мир Искусства". Его иллюстрации к произведениям классиков русской литературы, таких как Гоголь, Лермонтов и Толстой, стали важным вкладом в историю русского книжного дизайна.
Одним из наиболее известных произведений Кустодиева является картина "Купчиха за чаем", написанная в 1918 году, которая стала символом русского быта и культуры. Несмотря на тяжелое заболевание, которое привело к параличу в 1916 году, Кустодиев продолжал работать, создавая произведения, отличающиеся жизнелюбием и оптимизмом.
Кустодиев также известен своими портретами, среди которых особо выделяется портрет Федора Шаляпина, созданный в 1921 году. Эта работа, полная символизма и отражающая русские традиции Масленицы, занимает особое место в коллекции Государственного музея театра и музыки в Санкт-Петербурге.
Кустодиевские произведения сегодня можно увидеть в музеях и галереях по всему миру, где они продолжают вдохновлять любителей искусства своей уникальной красотой и глубиной.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Борисом Михайловичем Кустодиевым. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж произведений и аукционных мероприятий, связанных с этим замечательным художником.
Рувим (Илья) Моисеевич Мазель (англ. Ruvim (Ilya) Mazel) — российский и советский художник, иллюстратор и педагог. Учился живописи у Николая Рериха и Александра Бенуа.
В «европейский» период жизни сильное влияние на Мазеля оказывал мюнхенский модерн, а после переезда в Ашхабад основными в картинах художника становятся восточные мотивы.
Пеги Николь Маклауд (англ. Pegi Nicol MacLeod) — канадская и американская художница-акварелист.
Она обучалась живописи в Школе изящных искусств Монреаля, состояла в Канадском обществе акварелистов и Канадской группе художников. Влияние «Группы семи» заметно в ранних пейзажах Маклауд, а позже она начала писать в более экспрессивном стиле.
Акварели и картины маслом Пеги Николь Маклауд — это извилистые линии и динамичный цвет. Художница брала сюжеты из окружающего ее мира — дети, портреты, сады, переполненные городские улицы. После окончания Второй мировой войны Маклауд достигла своего успеха. Ее «Манхэттенский цикл» быстро завоевал широкую аудиторию в Канаде, перейдя из Национальной галереи в общенациональное турне.
Фрэнсис Праут Махони, также известный как Фрэнк Махони, был австралийским художником, акварелистом и иллюстратором. Махони стал известен своими превосходными рисунками лошадей. Он работал в The Antipodean, The Sydney Mail и Australian Town and Country Journal. В дополнение к своим периодическим работам он иллюстрировал множество книг, в том числе «Где лежат мертвецы» и «Другие стихи» Баркрофта Боука, «Пока Билли кипит» Генри Лоусона и «Дот и кенгуру», детскую книгу Этель Педли. Его масла имели умеренный успех. Его лучше всего помнят как способного художника животных, и он представлен в галереях Сиднея, Хобарта и Вангануи, Новая Зеландия.
Бенджамин Эдвин Миннс был австралийским художником, признанным одним из выдающихся акварелистов Австралии. Миннс получил свою первую работу в Illustrated Sydney News; Миннс также рисовал для Sydney Mail и регулярно писал для The Bulletin. С 1895 по 1915 год Миннс работал в Англии, сотрудничая с St Paul's Magazine, Punch, The Strand Magazine, Bystander и другими изданиями, а также посылая рисунки в The Bulletin. Миннс был основателем в 1924 году и первым президентом (до 1937 года) Австралийского института акварели.
Ханна Нагель (нем. Hanna Nagel) — выдающаяся немецкая художница, чьё творчество оставило значительный след в искусстве XX века. Она получила образование в Карлсруэ и Берлине, где её талант был высоко оценен преподавателями и коллегами. Нагель активно участвовала в художественной жизни, её работы экспонировались на многочисленных выставках, в том числе в Прусской академии искусств в Берлине и Стэдтлише Кунстхалле в Мангейме.
Её творчество характеризуется акцентом на феминистские темы, особенно на отношения между мужчинами и женщинами, а также на проблематику сочетания профессиональной деятельности с материнством. В её работах чувствуется глубокая социальная проницательность и стремление к выражению актуальных вопросов, которые остаются релевантными и в наше время.
После Второй мировой войны Ханна Нагель продолжила свою карьеру, создавая иллюстрации для книг, что стало основным источником её дохода. Её творческое наследие, включая более 110 книжных иллюстраций, продолжает вдохновлять и сегодня, о чем свидетельствует внимание к её работам, в том числе в рамках выставок, посвященных её творчеству, таких как выставка в Мангеймской кунстхалле, посвященная переосмыслению её роли как феминистской художницы.
Если вас интересует искусство Ханны Нагель и вы хотите узнавать о новых продажах её работ и аукционных событиях, подпишитесь на обновления. Эта подписка позволит вам быть в курсе всех значимых событий, связанных с её творчеством и наследием.
Отто Нюкель — немецкий художник, график, иллюстратор и карикатурист. Первоначально изучал во Фрайбургском университете медицину, однако обучение не завершил. Переехав в Мюнхен, занимался живописью и рисунком. Был членом художественной группы Мюнхенский сецессион. Работы Нюкеля пронизаны иронией, переходящей в сарказм. Нюкель был мастером карандашного рисунка.
Александр Осипович Орловский (польск. Aleksander Orłowski) был выдающимся польско-российским художником, рисовальщиком и литографом, широко известным своими живописными и графическими работами. Он родился в 1777 году в Варшаве и умер в 1832 году в Санкт-Петербурге. Орловский активно работал в жанрах баталистической и жанровой живописи, а также был известен своими портретами и пейзажами.
Значительную часть своей карьеры Орловский провёл в России, где он был признан за свои таланты и стал академиком Санкт-Петербургской академии художеств в 1809 году благодаря картине «Бивуак казаков». Он также был известен благодаря своим литографиям, которые изображали сцены из русской народной жизни, и пользовались большим успехом в начале 19 века.
Орловский имел уникальный стиль, характеризующийся остротой и динамизмом в изображении движения и выражения, что делало его работу особенно выразительной и живой. В его арсенале было множество произведений, выполненных в разных техниках, включая масляную живопись и акварель.
Его работы хранятся во многих ведущих музеях и частных коллекциях, а также регулярно появляются на аукционах и в продаже. Любители искусства и коллекционеры по-прежнему ценят Орловского за его способность передать энергию и характер эпохи.
Для тех, кто заинтересован в приобретении работ Орловского или желает получать обновления о предстоящих аукционах и мероприятиях, связанных с его творчеством, рекомендуем подписаться на наши обновления. Это позволит вам быть в курсе всех важных событий и предложений.
Отто Панкок (нем. Otto Pankok) — немецкий живописец, график и скульптор. За свою жизнь он создал около 6000 рисунков углем, 800 ксилографий, 800 офортов, 500 литографий, камнерезов и монотипий, 3500 рисунков для дюссельдорфской газеты Der Mittag и более 200 скульптур.
Артур Рэкхем (англ. Arthur Rackham) — плодовитый английский иллюстратор, который проиллюстрировал практически всю классическую детскую литературу на английском языке, а также «Сон в летнюю ночь» Шекспира и некоторые оперы Р. Вагнера. Представитель стиля модерн и викторианской сказочной живописи. Он неоднократно удостаивался золотых медалей на всемирных выставках.
Карл Фридрих Сандхаас — немецкий живописец и рисовальщик. Сандхаас предпочитал работать пейзажистом и портретистом; он также работал иллюстратором литературных и мифологических произведений. Как рисовальщик и акварелист, он является одним из самых важных представителей позднего романтизма в Бадене.
Мартирос Сергеевич Сарьян был выдающимся армянским и русским художником, портретистом, книжным иллюстратором и театральным оформителем, чьё творчество заложило основы национальной школы армянской советской живописи. Его стиль отличался использованием больших плоскостей чистых цветов, создающих обобщённую характеристику форм и пластики их движения, что во многом было вдохновлено стилистикой средневековой армянской миниатюры.
Родившийся в 1880 году в армянской семье, Сарьян проявил свой талант уже в юности, когда начал рисовать, работая в почтовом отделении. Его обучение в Московской школе живописи, ваяния и зодчества, где он дружил с Владимиром Половинкиным и Кузьмой Петровым-Водкиным, заложило основу его будущих успехов.
Сарьян активно путешествовал, посещая Турцию, Египет и Иран, где создал целый ряд произведений, вдохновлённых местной культурой и искусством. Особенно значимыми были его работы, созданные в Париже в 1920-х годах, хотя многие из них были утрачены во время пожара.
Художник внёс значительный вклад в развитие армянского искусства, в том числе через создание герба Советской Армении и оформление занавеса для первого армянского государственного театра. Его работы выставлялись в ведущих галереях и приобретены многими музеями, включая Третьяковскую галерею.
Мартирос Сарьян ушёл из жизни в 1972 году, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров.
Если вас интересует искусство Мартироса Сарьяна, подписывайтесь на наши обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим знаменитым художником.
Люсьен Симон (фр. Lucien Simon) — французский художник, известный реалистическими портретами, пейзажами и жанровыми сценами из жизни рыбаков и крестьян. Учился в Парижской национальной высшей школе изящных искусств, выставлялся в Париже и других городах Франции.
Люсьен Симон часто изображал жизнь простых людей, стараясь передать их естественность и простоту. В 1934 году он был удостоен ордена Почетного легиона за заслуги в области искусства.
Линд Кендалл Уорд — американский художник и график. Познакомившись с творчеством бельгийского ксилографа Франса Мазереля, американский художник перенял его идею создания бестекстовых книг-иллюстраций. Первая книга Л. Уорда такого рода, чисто графическая новелла Божий человек (Gods' Man), вышла в свет в октябре 1929 года. Всего художник выпустил шесть таких, построенных на гравюрах по дереву, книг. За свою жизнь Л. К. Уорд иллюстрировал около 200 книг. Хотя художник считается «отцом графической новеллы», в которой он использовал ксилографию, он также охотно работал и с другими техниками — акварелью, тушью, масляными красками, увлекался литографией и др. Уорд был весьма востребованным иллюстратором в книгоиздательском бизнесе — в частности, он длительное время сотрудничал с компанией Heritage Limited Editions Club, специализировавшейся на классической литературе. Уорд был членом Национальной Академии Дизайна, Общества иллюстраторов, Американского общества графического искусства и лауреатом различных почётных премий.
Вильгельм Хайзе был немецким художником, связанным с движением новой объективностью. Он зарабатывал на жизнь тем, что раскрашивал часы, для чего разработал собственную технику. В 1925 году участвовал в выставке Neue Sachlichkeit («Новая объективность») в Мангейме, на которой были собраны работы ведущих художников-постэкспрессионистов, включая Джорджа Гросса, Отто Дикса, Макса Бекмана и Георга Шольца. Его автопортрет под названием «Угасающая весна» является типичным для его стиля. Хайзе получил Нюрнбергскую премию Дюрера в 1937 году.
Эдмунд Харбургер (нем. Edmund Harburger) — немецкий художник последней трети XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец, график, иллюстратор, карикатурист.
Харбургер прославился более чем 1500 юмористическими рисунками для журнала «Fliegende Blätter». Он также создавал книжные иллюстрации и политические карикатуры. Прожив два года в Венеции, художник занимался там копированием работ старых мастеров. Его выставки проходили в различных городах Европы, включая Париж, Берлин и Мюнхен. Работы мастера хранятся в музеях разных стран, включая Новую Пинакотеку в Мюнхене и музеи Гданьска, Лейпцига, Праги и других городов.
Вера Владимировна Хлебникова была яркой представительницей русского авангарда, графиком и художницей, чьё творчество занимает важное место в истории русского искусства. Её жизненный и творческий путь насыщен интересными событиями и встречами. Вера училась в художественных школах Киева и Москвы, а затем продолжила образование в Париже и Италии, где она смогла усовершенствовать свои навыки и развить уникальный стиль.
Период работы в Астрахани после возвращения в Россию в 1916 году стал переломным в её карьере. Там она активно занималась социальными темами, сотрудничала с местными газетами и принимала участие в выставках. Её произведения этого времени, включая «Слепцы» и «Старое и молодое», отражают глубокие социальные перемены и чувства автора.
Вера Хлебникова также известна благодаря своим иллюстрациям к произведениям брата, Велимира Хлебникова, великого русского поэта-авангардиста. Её работы отличает особенный, узнаваемый стиль и глубина исполнения. В её наследии - не только графика, но и живописные произведения, такие как «Натюрморт с кольчугой» и «Русалки», которые демонстрируют её уникальное мастерство и визионерский взгляд.
В последние годы жизни Хлебникова продолжала работать в области книжной графики вместе с мужем, Петром Митуричем, создавая произведения, полные тонкости и поэтичности. Некоторые из её работ можно найти в музеях и галереях, подтверждая её вклад в искусство.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата, настоятельно рекомендуем подписаться на обновления, чтобы не пропустить новые продажи и аукционные события, связанные с Верой Хлебниковой. Это позволит вам быть в курсе всех важных событий и новинок, связанных с этим выдающимся художником.
Уильям Меррит Чейз (англ. William Merritt Chase) был американским художником, получившим признание как один из основателей американского импрессионизма. Родившийся в 1849 году, Чейз обучался в Европе, в частности в Мюнхенской академии, а после возвращения в США активно участвовал в художественной жизни, преподавал и основал несколько художественных школ.
Особенностью творчества Чейза было его умение сочетать классическое европейское искусство и инновационные приемы французских импрессионистов, что позволило ему создать уникальный американский художественный стиль. Чейз работал в различных жанрах, включая портреты, пейзажи и натюрморты, используя масло, акварель и офорты.
Его работы отличались свободным мазком и предпочтением пастельных тонов. Среди известных произведений Чейза — "Портрет Лидии Эммет", "Завтрак на свежем воздухе" и "Прятки". Эти картины хранятся в различных музеях и частных коллекциях и до сих пор вызывают восхищение у ценителей искусства.
Если вас интересует жизнь и творчество Уильяма Меррита Чейза, подпишитесь на наши обновления. Вы будете в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим замечательным художником. Не упустите возможность узнать больше о его работах и влиянии на американское искусство. Подписка поможет вам оставаться на связи с миром искусства и антиквариата.
Эверетт Шинн (англ. Everett Shinn) — американский художник-импрессионист. С 17 лет он работал в качестве штатного художника в газете Philadelphia Press. Переехав в 1897 году в Нью-Йорк, он вскоре стал известен как один из талантливых городских художников-реалистов, изображая современную городскую жизнь.
В 1899 году Шинн стал работать иллюстратором в журнале Ainslee’s Magazine. Некоторое время работал пастелью. Поездка в Европу в 1900 году сильно повлияла на его творчество — художник был захвачен импрессионизмом, что особенно проявилось в его работах на тему театра.
Лучшие работы Шинна реалистично изображают американскую городскую жизнь в первые годы двадцатого века.
Пауль Альфред Шрётер — немецкий художник и офортист. Член Мюнхенского сецессиона, участвовал в их первой выставке 1894 года. С 1898 по 1901 год он жил в Гамбурге, где стал соучредителем Гамбургского клуба художников. Многие его работы находятся в частных коллекциях. Большинство других были уничтожены во время Второй мировой войны.
Хорст Я́нссен (нем. Horst Janssen) — немецкий художник-график, гравёр, плакатист и иллюстратор. Он создал множество рисунков, офортов, ксилографий, литографий и гравюр на дереве.
В родном городе Хорста Янссена — Ольденбурге создан посвященный его наследию музей. Его работы представлены на международном уровне в крупнейших музеях.