Architectes d'intérieur
Robert Adam était un architecte et décorateur d'intérieur écossais, surtout connu pour son travail durant les périodes rococo et néoclassique en Grande-Bretagne. Il est né en 1728 à Kirkcauld, en Écosse, et a étudié à l'université d'Édimbourg.
Adam a commencé sa carrière d'architecte en 1754 et s'est rapidement fait connaître pour ses approches novatrices de l'architecture et de la décoration intérieure. Il a développé son propre style, qui combine des éléments du rococo, du classicisme et de l'antiquité.
Il a conçu de nombreux bâtiments, notamment des résidences, des palais, des églises, des ponts et des meubles. Il a également participé à la conception de jardins et de paysages. L'un des projets les plus connus d'Adam est l'Admiralty Building à Londres, construit dans les années 1760. Adam était également connu pour ses expérimentations en matière de couleurs et de formes dans la décoration intérieure. Il utilisait souvent des couleurs claires, des miroirs et des moulures pour créer des espaces plus grands et plus lumineux.
Robert Adam est mort à Londres en 1792, mais son héritage continue d'influencer l'architecture et le design en Grande-Bretagne et dans le monde entier.
Alexandra Bircken est une artiste, designer et installatrice allemande diplômée du Central Saint Martin's College of Art and Design.
Le thème principal du travail d'Alexandra Bircken est la coquille. Elle explore et combine une variété de matériaux - laine, béton, bois, os, objets quotidiens et vêtements - et crée des objets sculpturaux à partir de ceux-ci. L'artiste utilise également des objets qu'elle rencontre dans la vie quotidienne : voitures, motos, chemises chirurgicales, chevaux à bascule, skis. Cependant, elle les dépouille de leurs contextes habituels et nous surprend par des combinaisons inhabituelles.
Michel Boyer est l'un des derniers grands architectes d'intérieur à être resté fidèle aux principes de la modernité.
Boyer a collaboré avec Dior, Lanvin, Balmain et a conçu des intérieurs pour des hôtels, des ambassades et de nombreux sièges sociaux. Parmi ses clients privés figurent Elie de Rothschild, Liliane Betancourt et Karim Aga Khan.
Benjamin Bronni est un artiste, sculpteur et architecte allemand.
Il a étudié à l'Académie nationale d'art et de design de Stuttgart et travaille en symbiose avec la peinture, la sculpture et l'installation. Bronny s'intéresse beaucoup à l'architecture, c'est pourquoi il développe souvent des œuvres en se concentrant sur le site. Dans ses œuvres en papier, ses peintures et ses objets muraux en plastique, Benjamin Bronni explore la fusion rythmique de la forme et de l'espace. L'artiste réalise son travail à la main, mais utilise également des procédés numériques tels que le rendu 3D.
Max Burchartz, de son nom complet Max Hubert Innozenz Maria Burchartz, était un photographe publicitaire, un designer et un artiste d'avant-garde allemand.
Burchartz a étudié à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf et à l'Académie des beaux-arts de Munich, où il s'est essayé à l'impressionnisme. Après la Première Guerre mondiale, il reprend la peinture et ses tableaux reflètent la vie rurale tranquille de l'Allemagne, tout en conservant des influences abstraites.
En 1924, Burchartz se consacre entièrement à la nouvelle conception de la typographie et de la publicité, mêlant typographie, photographie et collages photographiques. Avec Johannes Kanis, il fonde l'agence de publicité werbe-bau à Bochum et, de 1926 à 1933, il enseigne l'art commercial et la photographie à la Volkwangschule d'Essen.
Max Burchartz a exercé une influence considérable sur le développement de la typographie et de la conception publicitaire en Allemagne. En 1928, il devient membre du conseil d'administration de la Société des nouveaux concepteurs de publicité (Ring neuer werbegestalter) et participe à l'Exposition internationale de la presse à Cologne. Burchartz a également conçu des meubles et des accessoires. Il est aujourd'hui considéré comme un pionnier du design moderne.
Pieter Casteels III était un peintre, graveur et dessinateur flamand, membre de la Guilde de Saint-Luc à Anvers.
Il est né dans la famille du peintre Pieter Casteels II ou le Jeune (1673-1701), qui a donné à son fils ses premières leçons de peinture. En 1708, Peter part pour Londres, où il devient actif dans la communauté artistique londonienne et membre du Rose and Crown Club.
Casteells a peint avec succès de nombreuses natures mortes florales avec des oiseaux exotiques, qui avaient la faveur de la noblesse de l'époque, ainsi que des scènes idylliques avec des oiseaux et des animaux domestiques. Ses œuvres étaient également souvent utilisées pour décorer les cheminées et les portes. Le grand succès de ce genre a conduit l'artiste à publier les séries Douze mois de fleurs et Douze mois de fruits, qui ont servi de modèles aux ouvriers du textile et d'autres industries de luxe.
En 1735, Peter Casteells III se retire de la peinture et se consacre à la création textile. Il travaille jusqu'à la fin de sa vie pour des fabricants de textiles dans le Surrey, puis à Londres.
Ado Chale est un artiste et designer belge surtout connu pour ses incrustations de mosaïque exquises. Des morceaux de bois, de minéraux ou d'os sont tranchés, arrangés et recouverts de résine pour former les surfaces opulentes. Ses meubles et objets domestiques font référence au monde naturel non seulement par l'utilisation de pierres précieuses, de métaux et de matériaux organiques, mais aussi par les textures, les motifs et les formes qu'ils expriment. Chale a ouvert sa première galerie en 1962. Il a exposé des bijoux et de petites tables d'appoint ornés de son incrustation unique et s'est procuré diverses pierres précieuses et roches via des voyages internationaux. L'artisan autodidacte intègre ensuite ses acquisitions dans des meubles plus grands et des sculptures attrayantes pour leur beauté et leur nouveauté dans les années 1970. Son travail a été exposé au Musée d'Ixelles en Belgique, en France au Musée des Beaux-Arts de Nancy et au Palais des Papes d'Avignon, et au Japon au musée d'art contemporain de la chaîne de magasins Seibu.
Pierre Chareau est un architecte et designer français.
Pierre Chareau fut en France l'un des premiers architectes d'intérieur modernes utilisant de nouveaux matériaux, tels que le verre ou l'acier. Il fut membre du congrès international d'architecture moderne.
Christo & Jeanne-Claude sont un duo d'artistes, le couple marié Christo Vladimirov Javacheff (1935-2020) et Jeanne-Claude Denat de Guillebon (1935-2009), un couple emblématique d'artistes novateurs du land art. Ils sont connus pour leurs installations à grande échelle : ils emballent de grands repères historiques, travaillent avec d'immenses espaces et des objets naturels monumentaux. Leurs projets se distinguent par ce que l'on appelle en Europe l'"américanisme", c'est-à-dire quelque chose de grandiose et de grand. Les œuvres de Christo et Jeanne-Claude sont conservées dans de nombreuses grandes collections publiques.
Charles Eames et Ray Eames étaient un couple de designers industriels américains qui ont apporté une contribution historique significative au développement de l'architecture et du mobilier modernes grâce au travail de l'Eames Office.
Charles et Ray Eames ont également travaillé dans le domaine du design industriel et graphique, des beaux-arts et du cinéma. Charles était le visage public de l'Eames Office, mais Ray et Charles travaillaient ensemble en tant que partenaires créatifs et attiraient une équipe créative diversifiée. Parmi leurs créations les plus connues, citons la chaise longue Eames et la chaise de salle à manger Eames.
Le bureau de design de Charles et Rae Eames a survécu pendant plus de quarante ans.
Wharton Esherick est un artiste et sculpteur américain connu pour son approche innovante et organique du travail du bois. Il est considéré comme l'un des pionniers du mouvement américain du mobilier d'atelier et est connu pour ses meubles sculpturaux, ses objets fonctionnels et son travail du bois architectural.
Le parcours créatif d'Esherick l'a conduit à expérimenter différents médiums, notamment la peinture, la gravure et la sculpture, mais c'est son travail sur le bois qui lui a valu la plus grande reconnaissance.
Esherick a développé un style distinctif caractérisé par des formes organiques, des détails sculpturaux et une mise en valeur des qualités naturelles du bois. Il pensait que le design des meubles devait refléter les qualités inhérentes aux matériaux utilisés. Esherick adhérait au concept de "vérité des matériaux", laissant le bois guider son processus artistique et façonner la forme finale de ses créations.
Norbert Fleischmann est un artiste autrichien dont la passion pour la peinture pourrait être qualifiée d'encyclopédique, car elle englobe une grande variété de styles et de genres, de motifs, de styles de peinture et d'influences médiatiques, voire de formes de présentation et de représentation.
Christoph M. Gais est un abstractionniste et un designer allemand. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et à la Hochschule für Kunst de Berlin, où il a obtenu sa maîtrise. Les peintures de Christoph M. Geiss sont basées sur la tradition de la peinture abstraite gestuelle. Son travail comprend également plusieurs projets d'architecture, tels que la conception de la salle Louise Schroeder à l'hôtel de ville rouge de Berlin.
Emile Gallé est un industriel, maître verrier, ébéniste et céramiste français.
Il est fondateur et premier président de l’École de Nancy en 1901.
Enfant de l'art et du commerce, il est l'une des figures les plus marquantes des arts appliqués de son époque et l'un des pionniers de l'Art nouveau. C'est également un précurseur en matière de génétique et d'évolution concernant le monde végétal, ses travaux méconnus du grand public sont pourtant d'une grande pertinence puisqu'ils précèdent ceux de Gregor Mendel et en annoncent les grandes lignes.
Élisabeth Garouste est une architecte d'intérieur et designer française. Décoratrice et créatrice de mobiliers et objets, elle évolue depuis les années 1980 entre pièces uniques et design de produits industriels iconiques.
Élisabeth Garouste est l'épouse du peintre Gérard Garouste.
Alexandre Iakovlevitch Golovine (en russe: Александр Яковлевич Головин) fut un artiste et décorateur de scène russe remarquable, né le 1er mars 1863 à Moscou et décédé le 17 avril 1930. Initialement orienté vers l'architecture, il s'est par la suite consacré à la peinture et au design d'intérieur, enrichissant son expérience dans divers domaines artistiques comme la conception de meubles. Il a marqué l'histoire par ses collaborations avec des figures emblématiques telles que Sergei Diaghilev, Constantin Stanislavski et Vsevolod Meyerhold, pour qui il a conçu des décors et costumes de théâtre innovants, combinant symbolisme et modernisme.
Ses contributions au ballet, notamment pour le célèbre "L'Oiseau de feu" de Stravinsky en 1910, et pour la mise en scène de "Le Mariage de Figaro" de Beaumarchais au Théâtre d'Art de Moscou, dirigé par Stanislavski, ont été saluées. Ces œuvres témoignent de sa capacité à fusionner les décors et costumes, créant ainsi une harmonie visuelle exceptionnelle sur scène.
Golovine a également laissé un héritage précieux à travers ses peintures, comme les portraits de Fedor Chaliapin et Vsevolod Meyerhold, ainsi que ses œuvres "Porcelaine et fleurs" et "Saules argentés", qui illustrent sa maîtrise de la couleur et son sens du détail.
Reconnu pour son talent, il fut nommé Artiste du peuple de la RSFSR. Ses créations sont préservées dans des collections publiques, telles que celles du musée du Théâtre de Moscou, enrichissant ainsi le patrimoine culturel russe.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Alexandre Iakovlevitch Golovine, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir des pièces exclusives et de participer à l'enrichissement de votre collection avec des œuvres d'un des maîtres de la scénographie et de la peinture russe.
Herbert Hamak est un artiste installateur et sculpteur allemand qui vit et travaille à Hammelburg, en Allemagne.
Les œuvres d'Herbert Hamak se situent entre la peinture et la sculpture et sont le résultat d'une combinaison de formes, de couleurs et de lumière. Herbert Hamak travaille avec des pigments et des masses qu'il façonne et transforme en formes simples et monochromes - cubes, parallélogrammes et colonnes. Hamak utilise souvent les bâtiments, leurs façades, leurs espaces comme une toile ou un cadre pour une œuvre d'art.
Anton Henning est un artiste autodidacte allemand, designer, sculpteur et installateur.
Il vit et travaille à Berlin, Londres et New York et s'est imposé comme un talentueux et extraordinaire designer de mobilier et d'intérieur. Henning s'inspire des vues des capitales mondiales tout en développant ses propres styles avant-gardistes. Il analyse également avec humour l'histoire de l'art à travers ses installations, ses sculptures et ses peintures.
Wolfgang Herzig était un peintre et sculpteur autrichien connu pour sa représentation critique des réalités sociales. Dans ses peintures figuratives, il attire l'attention sur les faiblesses de l'homme dans la vie quotidienne.
Il y a un sens de la critique sociale dans les œuvres de Herzig, mais il ne transforme jamais ses personnages en caricatures. Au fil du temps, l'artiste est parvenu à une forme particulière de plasticité bidimensionnelle.
Herbert Hirche était un architecte, un designer d'intérieur et de mobilier et un enseignant allemand.
Hirche a étudié à la célèbre école du Bauhaus à Dessau et à Berlin, où enseignaient Ludwig Mies van der Rohe et Wassily Kandinsky. Menuisier de formation, il a d'abord travaillé pour Mies, Egon Eiermann et Hans Scharun avant d'être nommé professeur d'arts appliqués à l'université des arts appliqués de Berlin-Weißensee en 1948. Quatre ans plus tard, il devient professeur d'architecture d'intérieur et de mobilier à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart. Au cours de ses années d'enseignement, Hirche a formé des générations de designers.
Parallèlement à son activité d'enseignant, Hirche a conçu de nombreuses maisons et intérieurs. Il a conçu des meubles pour Walter Knoll, Wilkhahn, Holzäpfel et Wilde+Spieth, ainsi que plusieurs projets pour Braun, notamment le meuble à musique HM5-7 et le téléviseur HF1. Les modèles simples et élégants de Hirche ont été exposés lors de plusieurs Triennales de Milan et de l'Exposition universelle de 1958 à Bruxelles. Son travail a eu une grande influence sur le développement des produits et du design d'intérieur en Allemagne et dans le monde.
Hirche a été l'un des fondateurs du Deutscher Werkbund (Association allemande des artisans) à Berlin, a été président du Verband Deutscher Industrie-Designer (Société des designers industriels) pendant dix ans et membre du Rat für Formgebung (Conseil allemand du design).
Arne Emil Jacobsen est un architecte et designer danois, fondateur du style fonctionnalisme danois.
Il a étudié à l'école d'architecture de l'Académie royale danoise des beaux-arts et a commencé à travailler comme architecte dans les années 1930. Inspiré par l'Art nouveau, il a conçu plusieurs bâtiments publics, dont l'hôtel de ville d'Aarhus. En collaboration avec Flemming Lassen, il a d'abord créé un aménagement intérieur global, comprenant le mobilier, les installations, la plomberie et d'autres détails. Après la Seconde Guerre mondiale, Arne Jacobsen s'est fait un nom tant au Danemark qu'à l'étranger.
Pendant six décennies, Arne Jacobsen a été à l'avant-garde de l'architecture danoise, créant des œuvres architecturales visionnaires qui sont encore contemporaines aujourd'hui. Ses projets comprenaient souvent à la fois le bâtiment lui-même, l'aménagement intérieur global et la conception du paysage environnant. La combinaison de l'architecture et du design est l'une des caractéristiques constantes de l'œuvre d'Arne Jacobsen. Dans des projets tels que le SAS Royal Hotel (1960) et le St Catherine's College, Oxford (1964), il a non seulement créé l'architecture, mais aussi conçu chaque détail des intérieurs, les transformant en une véritable œuvre d'art.
Outre les structures architecturales, Arne Jacobsen a créé un certain nombre de chaises et d'autres meubles très originaux. De son studio sont nés des meubles, des lampes, des motifs, des horloges, des couverts et de la verrerie avant-gardistes et novateurs qui sont encore demandés aujourd'hui.
Gustav Klimt, né le 14 juillet 1862 à Baumgarten en Autriche, fut un peintre symboliste autrichien et l'un des membres les plus en vue du mouvement Art nouveau et de la Sécession de Vienne. Son œuvre, diversifiée et innovante, couvre des peintures, des murales, des esquisses et d'autres objets d'art. Klimt est surtout connu pour son utilisation audacieuse du corps féminin comme sujet principal de ses œuvres, souvent marquées par un érotisme franc.
Dans ses premières années, Klimt a connu le succès en tant que peintre de décorations architecturales dans un style conventionnel. Cependant, en développant un style plus personnel, il a fait face à la controverse, en particulier avec ses peintures réalisées vers 1900 pour le plafond du grand hall de l'Université de Vienne, jugées pornographiques à l'époque. Il a ensuite refusé d'accepter d'autres commandes publiques, se tournant vers un nouveau succès avec les peintures de sa "période dorée", dans lesquelles il incorporait souvent des feuilles d'or.
Klimt a également été influent dans le développement de la Sécession de Vienne, un mouvement visant à promouvoir des expositions pour les artistes non conventionnels, attirer des œuvres d'artistes étrangers à Vienne, et publier un magazine pour présenter les travaux de ses membres. Ses paysages d'Attersee, peints lors de ses vacances estivales, sont également notables pour leur qualité et leur nombre.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve le "Portrait d'Adele Bloch-Bauer I" (1907) et "Le Baiser" (1907-1908), des exemples remarquables de sa période dorée. Klimt a joué un rôle clé dans l'évolution de l'art moderne au début du 20ème siècle, en influençant des artistes tels que Egon Schiele.
Pour ceux qui s'intéressent de près à l'œuvre de Klimt, en particulier les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, s'abonner à des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gustav Klimt peut être enrichissant. Cette souscription vous permettra de rester informé des dernières actualités et opportunités liées à son œuvre.
Fernand Khnopff, de son nom complet Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff, était un peintre, graphiste, sculpteur et historien d'art symboliste belge.
Né dans une famille aisée, Fernand a fréquenté l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, où il a étudié la peinture avec Xavier Mellerie. Pendant ses années à l'académie, Khnopff passe ses étés à Paris pour étudier l'art, et à l'exposition universelle de 1878, il voit les œuvres du préraphaélite Edward Burne-Jones et du symboliste Gustave Moreau, qui ont une influence décisive sur son travail.
Au début des années 1880, Khnopff commence à exposer ses œuvres symbolistes, souvent inspirées d'œuvres littéraires, en particulier de Gustave Flaubert. Ses peintures allient un réalisme précis à une atmosphère éthérée de conte de fées, et il peint également des portraits.
En 1883, Khnopff est cofondateur des Vingt, un groupe d'artistes belges d'avant-garde. À partir du début des années 1990, il travaille régulièrement avec l'opéra de Bruxelles, le Royal de la Monnaie, et conçoit les costumes et les décors de nombreuses productions. Il a également conçu les intérieurs de bâtiments emblématiques de Bruxelles : la Maison Stoclet et l'Hôtel de Ville de Saint-Gilles.
Charles Le Brun était un peintre, dessinateur et décorateur en chef du château de Versailles.
Issu d'une famille cultivée et respectée, Charles a été formé à la peinture en Italie et ses talents ont rapidement été appréciés dans les plus hautes sphères de la France. En 1660, Le Brun peint "La famille de Darius devant Alexandre", ce qui lui vaut la réputation d'un brillant peintre français, et en 1664, il est nommé premier peintre du roi. Par la suite, il reçoit de plus en plus de commandes et d'honneurs.
À partir de 1662, Le Brun contrôle tous les projets artistiques de la cour royale. Au château de Versailles, Lebrun a créé de magnifiques décorations : l'escalier des ambassadeurs, la galerie des glaces, le salon de la paix et le salon de la guerre. Dans chacune de ses créations, il met en valeur les réalisations du roi. Il est également responsable de la décoration des appartements d'État, confiée aux plus grands artistes de l'époque, qui travaillent d'après ses dessins. Le Brun conçoit également la plupart des statues du parc de Versailles. Cette œuvre gigantesque lui vaut d'être considéré comme un véritable génie du XVIIe siècle, ainsi que comme l'un des fondateurs, des idéologues et des principaux représentants du "grand style" classique de l'époque du roi Louis XIV.
En 1648, Le Brun devient membre fondateur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et, en 1663, il est nommé directeur de la Manufacture de tapisseries. Charles Le Brun n'est pas seulement le créateur du "grand style", il a également contribué à la renaissance du classicisme dans l'académisme.
Hans Makart était un peintre autrichien de la seconde moitié du XIXe siècle. Il est devenu célèbre en tant que maître de la peinture historique, de la nature morte, de l'allégorie, du paysage et du portrait. La plupart de ses tableaux ont été peints dans le style académique. Il était également un décorateur de théâtre, un créateur de costumes, de meubles et d'intérieurs très recherché.
Hans Makart était très populaire à Vienne et son atelier était le lieu d'attraction de la crème de la société viennoise. Le nom de l'artiste a même été donné à un style d'art distinct, avec ses formes fluides caractéristiques et ses couleurs vives : le "Makartstil". Il organisait régulièrement de grandes fêtes dans son atelier, auxquelles les membres de la famille impériale assistaient avec enthousiasme. Il rendit son propre style de décoration intérieure très tendance et la plupart des riches citoyens de Vienne eurent bientôt leur appartement calqué sur son salon.
Makart était professeur de peinture historique à l'Académie des beaux-arts de Vienne et responsable du Künstlerhaus, le plus grand complexe d'exposition de la capitale autrichienne. En 1879, à l'occasion des noces d'argent du couple impérial, Makart organisa une grandiose représentation théâtrale dont les esquisses ont survécu jusqu'à aujourd'hui.
Sergueï Malioutine (en russe: Серге́й Васи́льевич Малю́тин) est un artiste russe né à Moscou en 1859 et mort dans cette ville en 1937. Peintre, architecte et illustrateur, Malyutin est connu pour avoir dessiné la première série de poupées russes gigognes, les matryoshkas, symbole mondialement reconnu de la culture russe. Au domaine de Talashkino, il a dirigé des ateliers et créé des œuvres architecturales remarquables telles que Teremok et la maison Pertsov, exprimant son rêve de faire revivre l'art national russe à travers le style néo-russe et l'Art nouveau.
Sa contribution à l'art ne s'est pas limitée à l'architecture ; Malioutine a également illustré des contes de fées russes et créé des décors pour des opéras tels que Rouslan et Lioudmila de Glinka et Casse-Noisette. Après la révolution de 1917, il est resté fidèle à ses idéaux révolutionnaires et a participé à l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire, démontrant par son travail son engagement envers le gouvernement bolchevique et ses espoirs d'un avenir meilleur. Parmi les tableaux les plus remarquables de cette période, citons "Déjeuner dans une brigade" et "Partisan", qui reflètent la vie et les espoirs des gens ordinaires de l'époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Sergueï Malioutine et qui souhaitent se tenir au courant des ventes et des événements liés à cet artiste, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. En vous inscrivant, vous aurez accès à des informations exclusives sur les possibilités d'achat d'œuvres liées à Malioutine.
Gwendoline Maud Syrie Maugham était l'une des principales décoratrices d'intérieur britanniques des années 1920 et 1930, qui a popularisé les pièces entièrement décorées de blanc.
Bien qu'elle ait fait fortune et soit devenue célèbre grâce à ses décors blancs, au milieu des années 1930, elle avait largement abandonné les décors blancs pour créer des intérieurs avec des accessoires baroques et des combinaisons de couleurs ponctuées de vert vif, de rose vif et de rouge audacieux.
Les pièces glamour de Maugham ont influencé presque tous les designers.
Ernst Müller-Scheessel est un artiste et designer de meubles allemand.
Il a travaillé pendant un certain temps au Canada - plus souvent dans des églises - en tant qu'artiste verrier. Il a ensuite enseigné à l'université des arts de Brême et a cofondé le Bremer Kunstlerbund (association des artistes de Brême).
En 1910, Ernst Müller-Scheessel ouvre un atelier dans le quartier des artistes, au centre de Brême, et y présente sa première exposition en 1913 : environ 150 œuvres à l'huile, à l'aquarelle et à la gouache y sont exposées, ainsi que quelques-uns de ses dessins de meubles.
Michael Neher était un peintre et décorateur d'architecture allemand.
Michael étudie à l'Académie de Munich, se rend en Italie en 1819 et y passe cinq ans, dont deux à Rome, où il étudie la peinture architecturale dans l'atelier de l'artiste Heinrich Maria von Hess, et retourne à Munich en 1825.
En tant que représentant typique de l'ère Biedermeier, Neher a réalisé de nombreux dessins de costumes et de paysages. Il est également devenu célèbre pour ses vues de lieux publics et ses représentations architecturales de nombreuses villes bavaroises. À partir de 1837, Michel Neher se consacre entièrement à la peinture d'architecture et voyage pour se perfectionner le long du Rhin et en Belgique. En 1839, il peint plusieurs salons du château de Hohenschwangen d'après des dessins de Schwind, Gasner et Schwanthaler. En 1876, il est nommé membre honoraire de l'Académie de Munich.
Bernhard Pankok, de son nom complet Bernhard Wilhelm Maria Pankok, était un peintre et graphiste, designer, artiste appliqué et architecte allemand de la période Art nouveau.
Après avoir acquis des compétences en tant que peintre et restaurateur, Bernhard Pankok étudie la peinture à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, puis à Berlin. En 1892, il commence à travailler à Munich dans son propre atelier de peinture, réalisant des illustrations pour les magazines Pan et Jugend, entre autres. Pancock est l'un des fondateurs de l'Association munichoise des ateliers d'artisanat d'art.
En 1897, Pankok commence à dessiner des meubles et présente ses œuvres à de nombreuses expositions, notamment à l'Exposition universelle et internationale de 1900 à Paris, qui fera date. La même année, l'historien de l'art Konrad Lange confie à Bernhard Pancock la conception de la Haus Lange ; il travaille beaucoup en tant qu'architecte en général et conçoit d'autres bâtiments à Stuttgart. Pankok était prolifique et polyvalent : il a conçu des décors pour des scènes d'opéra et des salons pour des paquebots et même des cabines de passagers pour des zeppelins, il a travaillé comme architecte, designer de meubles, décorateur d'intérieur, peintre et artiste graphique.
En 1907, il cofonde le Deutsche Werkbund. En 1901, il est invité à enseigner à l'Atelier royal de formation et d'expérimentation de Stuttgart ; en 1913, il en devient le directeur et, à ce titre, le fusionne avec l'École des arts et métiers.
Pierre Paulin est un designer français. Son talent réside dans un passage de la décoration au design assez caractéristique de celui d'après guerre en France et dans les matériaux utilisés pour la fabrication des sièges. Ceux-ci sont rembourrés de mousse et habillés de jersey.
Charlotte Perriand est une architecte, designer et photographe française.
Figure majeure de l’histoire de la modernité, liée aux avant-gardes européenne, japonaise et brésilienne, elle a contribué à mettre les avancées modernes au service du plus grand nombre.
Fritz Winold Reiss est un portraitiste et graphiste américain émigré d'Allemagne. Son père Fritz Reiss et son frère Hans Reiss étaient également artistes. Winzold Reiss est connu pour ses nombreux portraits de figures amérindiennes de la Renaissance de Harlem et de gens ordinaires. Il a également réalisé des peintures murales placées dans des lieux publics à Cincinnati, ainsi que des travaux de décoration d'intérieur.
Franz Ringer est un peintre, graphiste et sculpteur allemand.
Franz Ringer est issu d'une vieille famille munichoise de charpentiers. À l'âge de 20 ans, il voyage à travers le Tyrol et la Suisse, s'inscrit à l'université technique d'Aix-la-Chapelle, retourne à Munich et travaille pendant dix ans comme assistant du sculpteur Josef von Kramer (1841-1908), ce qui lui permet de devenir un maître sur le plan stylistique et technique.
Ringer était l'un des artistes d'arts décoratifs les plus connus à Munich à l'époque, et il a conçu artistiquement de nombreux restaurants en Bavière et à Munich. Ses projets de design sont extrêmement variés.
Franz Ringer est également connu comme le créateur de chopes à bière en pierre et en verre, qu'il a peintes dans le style Art nouveau, Art déco ou Biedermeier. Les premières chopes Ringer produites ont été fabriquées par Villeroy & Boch en 1905. Ces tasses sont rapidement devenues populaires auprès du public, notamment lors de conférences et de festivals programmés. Ringer a travaillé pour de nombreux fabricants de céramique en Allemagne. Outre Villeroy & Boch, on peut citer Reinhold Merkelbach, Merkelbach & Wick, Marzi & Remi, Albert Jakob Thewalt et d'autres.
Jean Royère est un décorateur français.
Au sortir de la guerre, ayant fondé sa propre entreprise, il décide d'ouvrir des agences dans de nombreux pays: Liban, Égypte, Syrie, Pérou… Jean Royère devient à cette époque le décorateur des souverains du Moyen-Orient, affirmant un style unique, fait de motifs déclinés avec imagination et démesure, audace dans l'utilisation des couleurs et des matériaux. Ses décors féériques en font l'un des décorateurs les plus étonnants de l'après-guerre, s'inscrivant en marge des grands courants, proposant des solutions uniques mais toujours fonctionnelles.
Alejandro Ruiz est un artiste, designer industriel, architecte d'intérieur et éducateur argentin.
Alejandro Ruiz est diplômé en design industriel de l'UNLP à La Plata, en Argentine. Il a enseigné à la Domus Academy, où il a obtenu sa maîtrise, et à la faculté d'architecture de l'université technique de Milan. Au sein de Studioruiz, une entreprise qu'il a lui-même fondée, il a travaillé avec plusieurs marques de renommée internationale.
Alejandro Ruiz a participé à de nombreux événements et expositions de décoration intérieure et d'architecture en Italie, en France, en Finlande, en Allemagne, au Japon, aux Pays-Bas, en Angleterre et aux États-Unis. En 1994, il a créé avec Anna Lombardi la marque Lessdesign, dans le but de développer des projets industriels. Le designer a participé à la conception d'emballages, d'intérieurs, de magasins, d'événements et d'expositions à Studioruiz.
Andreas Schmitten est un peintre et sculpteur allemand qui vit et travaille entre Düsseldorf et Neuss, en Allemagne.
L'artiste situe son travail interdisciplinaire et diversifié entre le dessin, la sculpture et l'installation, en utilisant des techniques qui attirent l'attention, issues de la religion, du théâtre et des marchandises. Il s'intéresse aux questions liées à l'être humain et à son histoire. Andreas Schmitten est connu pour ses installations étendues et très complexes dans lesquelles des personnages, des objets et des intérieurs sont utilisés pour créer des mondes visuels fantastiques et surréalistes. Les surfaces laquées, les couleurs pâles et les formes maniérées et élégantes caractérisent ses œuvres parfaitement exécutées, qui transforment souvent les pièces en environnements irréels et oniriques.
Les œuvres de Schmitten sont actuellement exposées au parc de sculptures Waldfrieden à Wuppertal et à la Villa Ludwig à Aix-la-Chapelle. Il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives.
Thomas Ralph Spence était un architecte, peintre et sculpteur britannique.
Suivant une tradition familiale, Spence a commencé ses études en tant qu'architecte, mais a ensuite excellé dans la peinture, le vitrail et le travail du métal. En 1885, il s'installe à Londres, où il devient un décorateur d'architecture réputé, responsable de la peinture décorative de la cathédrale de Manchester. Son plus grand projet est l'église St George à Jesmond, commandée par Mitchell Senior, qui est considérée comme le plus grand triomphe architectural de Spence.
Spence était très respecté en tant qu'artiste décorateur et concepteur, ses vitraux, son travail du métal et ses conceptions architecturales étaient très admirés. En 1896, il a cofondé la Society of Designers.
De nombreuses peintures de Spence s'inspirent de la mythologie et de l'histoire classique de Rome, à l'époque de la guerre punique. Elles comprennent des scènes de la vie domestique et des événements historiques avec de nombreux participants. Il a exposé avec un succès constant à la Royal Academy depuis 1876.
Phillippe Starck est un designer français d'intérieur et de produits de consommation de masse.
Starck a fait ses études à l'École Nissim de Camondo à Paris, a travaillé pour Adidas avant de fonder sa première société de design industriel, Starck Product, qu'il a ensuite rebaptisée Ubik et qui est devenue internationale. Il a travaillé avec des fabricants en Italie, notamment Driade, Alessi, Kartell, Dimmer en Autriche, Vitra en Suisse et Disform en Espagne. Il s'est fait connaître par la diversité de ses créations, notamment dans les domaines de la décoration intérieure, de l'architecture, de l'ameublement, du mobilier, des bateaux et d'autres véhicules.
Starck a conçu des résidences, des hôtels, des restaurants et d'autres bâtiments à Tokyo, à Paris, à New York, à Mexico et dans d'autres villes du monde. Il a conçu le smartphone Xiaomi, le bracelet de suivi GPS DIAL et d'autres technologies. En 2018, Starck a collaboré avec Axiom Space pour créer l'intérieur du module d'habitation de la Station spatiale internationale et, un an plus tard, il a présenté un design de chaise créé avec l'intelligence artificielle.
Sur la base de ses principes de "design démocratique", Starck s'est concentré spécifiquement sur la création de designs pour des produits de consommation de masse plutôt que pour des unités uniques. Il est impossible d'énumérer tous les produits sur lesquels l'infatigable Philippe Starck a travaillé et continue de travailler, son principal objectif étant d'améliorer la vie du plus grand nombre, autant que possible.
Carlotta Stocker est une artiste expressionniste, décoratrice d'intérieur et illustratrice suisse. Elle est particulièrement connue pour ses interprétations à grande échelle de la table d'atelier, dans lesquelles elle travaille avec des couleurs vives. Elle a développé un style expressif, émotionnel et coloré pour ses œuvres. Stocker a également réalisé des peintures murales de grand format dans des bâtiments publics à Zurich.
Vincent Jansz van der Vinne était un peintre paysagiste néerlandais de l'âge d'or, membre de la guilde de Saint-Luc à Haarlem, célèbre pour ses paysages italiens et ses natures mortes florales, mais aussi pour la création de tapisseries et la décoration de pièces entières. Wynne était un collectionneur et un marchand d'art, ainsi qu'un directeur de musée.
Frank Lloyd Wright était un architecte, architecte d'intérieur, écrivain et éducateur américain. Il est largement considéré comme l'un des architectes les plus importants et les plus novateurs du XXe siècle, avec une carrière qui s'étend sur plus de 70 ans.
Wright est connu pour sa philosophie de l'architecture organique, qui vise à créer des structures en harmonie avec leur environnement naturel. Il a conçu plus de 1 000 structures, dont des maisons privées, des bâtiments publics et des bâtiments commerciaux, tels que l'emblématique musée Guggenheim à New York.
Parmi les œuvres les plus célèbres de Wright, citons Fallingwater, une résidence privée construite au-dessus d'une chute d'eau en Pennsylvanie, et la Robie House, une maison de style prairie à Chicago. Il a également conçu l'Imperial Hotel à Tokyo, qui a survécu au grand tremblement de terre de Kanto en 1923.
Tout au long de sa carrière, Wright s'est distingué par son utilisation novatrice des matériaux, comme les blocs de béton qui ont fait sa renommée, et par l'importance qu'il accordait à la relation entre l'environnement bâti et le monde naturel. Il a également beaucoup écrit sur l'architecture et le design, publiant plus de 20 livres et de nombreux articles tout au long de sa vie.
L'influence de Frank Lloyd Wright sur l'architecture moderne est profonde, et son œuvre continue d'être étudiée et célébrée dans le monde entier. Il est souvent considéré comme un pionnier de l'architecture moderne et un maître du design américain.
Willy Zierath était un artiste allemand connu pour son expertise en peinture, en graphisme et en design d'intérieur. Il était membre de la « Novembergruppe » à Berlin, un groupe d'artistes engagés politiquement et artistiquement. Ses collaborations avec des figures comme Otto Dix et George Grosz ont enrichi sa perspective créative.
Entre 1927 et 1930, Zierath a étudié au Bauhaus à Dessau, où il a approfondi ses compétences. Cette période a marqué un tournant dans sa carrière, l'amenant à des projets d'architecture innovants. Ses œuvres distinctives incluent des créations novatrices et des contributions à des publications artistiques majeures.
En 1930, Zierath a quitté l'Allemagne pour Moscou afin de travailler comme architecte. Là-bas, il a participé à des projets industriels tout en continuant à explorer ses idées créatives. Malheureusement, il est décédé en 1934 d'une crise cardiaque, mettant fin à une carrière prometteuse.
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