Дизайнеры интерьера
Роберт Адам (англ. Robert Adam) — шотландский архитектор и дизайнер интерьеров, наиболее известный своими работами в период рококо и неоклассицизма в Великобритании. Он родился в 1728 году в Керкколде, Шотландия, и учился в Университете Эдинбурга.
Адам начал свою карьеру как архитектор в 1754 году и быстро стал известен своими инновационными подходами к архитектуре и дизайну интерьеров. Он разработал собственный стиль, который сочетал в себе элементы рококо, классицизма и античности.
Он проектировал много зданий, включая резиденции, дворцы, церкви, мосты и мебель. Он также участвовал в проектах оформления садов и ландшафтов. Одним из наиболее известных проектов Адама является здание Адмиралтейства в Лондоне, построенное в 1760-х годах.
Адам также был известен своими экспериментами с цветом и формой в дизайне интерьеров. Он часто использовал светлые цвета, зеркала и лепнину для создания более просторных и светлых помещений.
Роберт Адам умер в 1792 году в Лондоне, но его наследие продолжает влиять на архитектуру и дизайн в Великобритании и по всему миру.
Александра Биркен (Alexandra Bircken) — немецкая художница, дизайнер и инсталлятор, окончила Центральный колледж искусства и дизайна имени Святого Мартина.
Главной темой в творчестве Александры Биркен является оболочка. Она исследует и комбинирует самые различные материалы — шерсть, бетон, дерево, кости, предметы быта и одежду, и создает из них скульптурные объекты. Художница также использует предметы, с которыми сталкивается в повседневной жизни: автомобили, мотоциклы, хирургические рубашки, лошадки-качалки, лыжи. Однако она лишает их привычных нам контекстов и удивляет необычными сочетаниями.
Мишель Бойе (фр. Michel Boyer) — один из последних великих дизайнеров интерьера, который остался верен принципам современности.
Бойе сотрудничал с Dior, Lanvin, Balmain, разрабатывал интерьеры для отелей, посольств, многочисленных корпоративных штаб-квартир. Среди его частных клиентов были Эли де Ротшильд, Лилиан Бетанкур и Карим Ага Хан.
Беньямин Бронни (нем. Benjamin Bronni) — немецкий художник, скульптор и архитектор.
Он обучался в Штутгартской государственной академии искусства и дизайна, работает над симбиозом живописи, скульптуры и инсталляций. Бронни проявляет большой интерес к архитектуре, поэтому он часто разрабатывает работы с учетом специфики места. В бумажных работах, картинах и пластиковых настенных предметах Беньямин Бронни исследует ритмическое слияние формы и пространства. Художник выполняет свои работы вручную, но также использует цифровые процессы, такие как 3D-рендеринг.
Макс Бурхарц (нем. Max Burchartz), полное имя Макс Губерт Инноценц Мария Бурхарц (Max Hubert Innozenz Maria Burchartz) — немецкий фотограф рекламы, дизайнер и художник-авангардист.
Бурхарц учился в художественной академии в Дюссельдорфе и в Академии изящных искусств в Мюнхене, экспериментируя с импрессионизмом. После Первой мировой войны он возобновил рисование и его картины отражали тихую сельскую жизнь Германии, но сохраняли абстрактные влияния.
В 1924 году Бурхарц полностью посвятил себя новому дизайну в типографике и рекламе, смешивая типографику, фотографию и фотоколлажи. Вместе с Йоханнесом Канисом он основал рекламное агентство werbe-bau в Бохуме, с 1926 по 1933 год преподавал коммерческое искусство и фотографию в Фольквангшуле в Эссене.
Макс Бурхарц оказал значительное влияние на развитие типографики и рекламного дизайна в Германии. В 1928 году он стал членом правления Общества новых рекламных дизайнеров (Ring neuer werbegestalter) и участвовал в Международной Выставке прессы в Кёльне. Бурхарц также разрабатывал дизайн мебели и фурнитуры. Сейчас он считается пионером современного дизайна.
Винсент Янсз ван дер Винне (нидерл. Vincent Jansz van der Vinne) — нидерландский художник-пейзажист Золотого века, член Гильдии Святого Луки в Харлеме.Он известен своими итальянскими пейзажами и цветочными натюрмортами, а также создавал гобелены и украшал целые комнаты. Винне был коллекционером и торговцем произведениями искусства, а также управляющим музея.
Кристоф М. Гайс (нем. Christoph M. Gais) — немецкий художник-абстракционист и дизайнер. Он изучал живопись в Академии изящных искусств в Штутгарте и в Высшей школе искусств в Берлине, где получил степень магистра. Картины Кристофа М. Гайса основаны на традиции жестовой абстрактной живописи. Среди его работ также несколько проектов искусства в архитектуре, например, дизайн Зала Луизы Шредер в Красной ратуше в Берлине.
Эмиль Галле (фр. Emil Gallé) — выдающийся французский художник стиля ар-нуво, реформатор художественного стеклоделия, живописец, рисовальщик, керамист, проектировщик мебели и мастер оформления интерьера, ботаник и садовод, поэт-символист и теоретик искусства.
Вольфганг Герциг (нем. Wolfgang Herzig) — австрийский художник и скульптор, известный критическим изображением социальных реалий. В своих фигуративных картинах он обращает внимание на слабости человека в повседневной жизни.
В работах Герцига ощущается социальная критика, но он никогда не превращает своих героев в карикатуры. Со временем художник пришел к своеобразной двухмерной форме пластики.
Александр Яковлевич Головин, выдающийся русский художник, сценограф и декоратор, родился в семье московского священника. Его талант к живописи проявился рано, благодаря встрече с ботаником и художником Николаем Железновым, который и раскрыл юного Головина миру искусства. Особое влияние на формирование его творческой манеры оказали учёба в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где Головин встретил таких мастеров, как Левитан и Коровин, и работа с Василием Поленовым.
Головин известен своим уникальным стилем, объединяющим русские национальные традиции и европейский модерн, что нашло отражение в его работах для театра и живописи. Его сценография к операм и балетам, таким как "Ледяной дом", "Борис Годунов", "Лебединое озеро", и "Русалка", получила высокую оценку за глубокое понимание национальных традиций и потрясающее колористическое решение. Работы Головина украшают многие музеи, в том числе Третьяковская галерея и Русский музей, где хранятся его знаменитые произведения, включая портреты и пейзажи.
Александр Головин также известен своим вкладом в книжную графику, создав иллюстрации к произведениям Э. Т. А. Гофмана. Его работы отличаются исключительным чувством стиля, сценической интуицией и неисчерпаемой фантазией, что сделало его одним из ведущих мастеров русского театрально-декорационного искусства.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Александром Яковлевичем Головиным, чтобы не пропустить информацию о новых продажах произведений и аукционах. Подписка позволит вам быть в курсе самых актуальных событий, связанных с этим знаменитым художником.
Поль Дюпре-Лафон (фр. Paul Dupré-Lafon) — французский архитектор и дизайнер. Он отличился главным образом в производстве мебели и зданий в стиле ар-деко, в том числе главного офиса дома Вайля, построенного недалеко от Монмартра в 1924 году. Он прибегнул к талантам Элен Анри при выборе ткани для своей мебели.
Чарльз Имз и Рэй Имз (англ. Charles Eames and Ray Eames) — американская супружеская пара промышленных дизайнеров, внесших значительный исторический вклад в развитие современной архитектуры и мебели благодаря работе бюро Eames Office.
Чарльз и Рэй Имз также работали в области промышленного и графического дизайна, изобразительного искусства и кино. Чарльз был публичным лицом Eames Office, но Рэй и Чарльз работали вместе как творческие партнеры и привлекали разнообразный творческий персонал. Среди их наиболее известных разработок — кресло Eames Lounge Chair и обеденный стул Eames Dining Chair.
Дизайнерское бюро Чарльза и Рэй Имз просуществовало более четырех десятилетий.
Питер Кастелс III (нидерл. Pieter Casteels III) — фламандский живописец, гравер и дизайнер, член Гильдии Святого Луки в Антверпене.
Он родился в семье художника Питера Кастелса II или Младшего (1673-1701), который и дал сыну первые уроки живописи. В 1708 году Питер уехал в Лондон, где стал активным участником лондонского художественного сообщества и членом Клуба розы и короны.
Кастелс успешно писал многочисленные цветочные натюрморты с экзотическими птицами, которые пользовались спросом у знати того времени, а также идиллические сцены с домашними птицами и животными. Его работы также часто использовались в качестве украшений каминов и дверей. Большой успех этого жанра привел художника к изданию серий «Двенадцать месяцев цветов» и «Двенадцать месяцев фруктов» — эти гравюры послужили образцами для работников текстильной и других видов промышленности роскоши.
В 1735 году Питер Кастелс III отошел от живописи и занялся дизайном текстиля, работая до конца жизни на производителей тканей в графстве Суррей, а затем в Лондоне.
Густав Климт (нем. Gustav Klimt), австрийский художник, родился 14 июля 1862 года в Вене, Австрия. Климт известен как основатель школы живописи Венской сецессии. Он проявил свой талант в различных областях искусства, включая живопись, декоративно-прикладное искусство, а также в архитектуре.
Климт начал свою карьеру вместе с братом Эрнстом и одноклассником Францем Матшем в профессиональной компании "Кюнстлер-Компани", получив признание Рудольфа фон Айтельбергера, основателя Школы прикладного искусства. Первые успехи и стипендии позволили им продолжить обучение в области декоративных искусств и живописи.
Климт стал символом новаторства в австрийском искусстве. Он вызвал скандалы своими провокационными работами для Венского университета, изображая женщин с ярко выраженной сексуальностью, что было радикальным отходом от традиционного академического стиля XIX века. Это привело к потере покровительства императора и других представителей власти, но Климт смог зарабатывать на жизнь, пиша с портреты.
Одним из самых известных периодов в творчестве Климта является "золотая фаза", начавшаяся в 1902 году. В этот период он создал некоторые из своих самых знаменитых работ, включая "Поцелуй", "Юдифь и голова Олоферна", а также портреты Адели Блох-Бауэр. Особенностью этих работ является использование золотой фольги и геометрических узоров, которые были вдохновлены мозаиками раннего христианства, виденными Климтом в Равенне, а также элементами египетской и микенской культур.
В 1905 году из-за внутренних конфликтов и различий в целях членов сецессии произошел разрыв, и группа "стилистов", к которой принадлежал Климт, отделилась от "реалистов". Группа Климта, включая ведущих и международно признанных членов сецессии, организовала одну из самых важных выставок начала 20-го века, 1908 Kunstschau.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, творчество Густава Климта является важным объектом изучения. Его работы находятся во многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей Бельведер в Вене. Подписывайтесь на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с Густавом Климтом.
Фернан Кнопф (фр. Fernand Khnopff), полное имя Фернан-Эдмон-Жан-Мари Кнопф (фр. Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff) — бельгийский живописец-символист, график, скульптор и историк искусства.
Фернан родился в богатой семье, посещал Королевскую академию изящных искусств в Брюсселе, где учился живописи у Ксавье Меллери. Все годы учебы в академии Кнопф проводил лето в Париже, изучая искусство, и на Всемирной выставке 1878 года он увидел работы прерафаэлита Эдварда Бёрн-Джонса и символиста Гюстава Моро, которые оказали решающее влияние на его творчество.
В начале 1880-х Кнопф начал выставлять свои символистские работы, часто вдохновленные литературными произведениями, в частности Гюстава Флобера. В его картинах точный реализм сочетается с неземной сказочной атмосферой, он также писал портреты.
В 1883 году Кнопф стал одним из основателей группы бельгийских художников-авангардистов Les Vingt. С начала 1990-х он регулярно сотрудничал с брюссельским оперным театром Королевский де ла Монне, создавая костюмы и декорации для многих постановок. Он также оформлял интерьеры знаковых зданий Брюсселя: Дома Стокле и Отель де Виль в Сен-Жиле.
Широ Курамата (яп. 倉俣 史朗; англ. Kuramata Shirō) — японский дизайнер товаров и архитектор интерьеров. Он разработал множество предметов мебели, которые выставлены в качестве классики дизайна в многочисленных музеях прикладного искусства. Он разработал дизайн интерьеров для более чем 300 баров, ресторанов и деловых помещений. Широ Курамата считается одним из самых влиятельных японских промышленных дизайнеров 20-го века.
Шарль Лебрен (фр. Charles Le Brun), также читается как Ле Брен, Лебрён, Лебрюн — французский живописец, рисовальщик и главный декоратор Версальского дворца.
Шарль был родом из образованной и уважаемой семьи, обучался живописи в Италии и очень скоро его таланты были оценены в высших кругах Франции. В 1660 г. Лебрен написал картину «Семья Дария перед Александром», которая принесла ему репутацию гениального французского живописца, и в 1664 г. он получил должность первого живописца короля. В дальнейшем он получал все больше заказов и все больше почестей.
С 1662 года Лебрен контролировал все художественные проекты королевского двора. В Версальском дворце Лебрен создал прекрасные декорации: лестницу послов, Зеркальный зал, Комнату мира и Военную комнату. В каждом из проектов он подчеркивал достижения короля. Он также отвечал за оформление Государственных апартаментов, которое было поручено крупнейшим художникам того времени, работавшим по его рисункам. Лебрен также спроектировал большинство статуй в парке Версаля.
Эта огромная работа закрепила за ним репутацию настоящего гения XVII века, а также одного из основоположников, идеологов и главных представителей классицистического «большого стиля» эпохи короля Людовика XIV.
В 1648 г. Лебрен стал членом-учредителем Королевской академии живописи и скульптуры, а в 1663 г. — управляющим Мануфактурой гобеленов.
Шарль Лебрен был не только создателем «большого стиля», но и содействовал перерождению классицизма в академизм.
Ганс Макарт (нем. Hans Makart) — австрийский художник второй половины XIX века. Он прославился как мастер исторической живописи, натюрморта, аллегорий, пейзажа и портрета. Большинство его картин написаны в академическом стиле. Макарт также был востребованным сценическим декоратором, дизайнером костюмов, мебели и интерьера.
Ганс Макарт был очень популярен в Вене, а его студия была местом притяжения сливок венского общества. Именем художника даже назвали отдельный стиль в искусстве с характерными плавными формами и яркой цветовой гаммой — «Макартстиль». Макарт постоянно организовывал в своей мастерской грандиозные фестивали, которые охотно посещали члены императорской семьи. Он сделал ультрамодным новый собственный стиль интерьера и вскоре большинство квартир состоятельных граждан Вены были обставлены по образцу его салона.
Макарт был профессором исторической живописи в Венской академии художеств, руководителем крупнейшего выставочного комплекса австрийской столицы Künstlerhaus. В 1879 году по случаю серебряной свадьбы императорской четы Макарт организовал грандиозное театрализованное представление, эскизы для которого сохранились до сих пор.
Сергей Васильевич Малютин, русский и советский художник, архитектор и педагог, родился в Москве в 1859 году и ушел из жизни там же в 1937 году. Его имя прочно ассоциируется с созданием первой русской матрёшки в 1890-х годах, что стало важным вкладом в русскую культуру и искусство. Работая в игрушечной мастерской «Детское воспитание», Малютин в сотрудничестве с токарем Василием Звёздочкиным создал куклу, вдохновившуюся японской традиционной куклой. Эта игрушка, получившая название «Матрёна», стала прототипом современной матрёшки.
Кроме того, Малютин занимался архитектурой, особенно заметно его сотрудничество с Марией Тенишевой в Талашкино, где он проявил себя как архитектор, создавая проекты, богато декорированные керамическими орнаментированными плитами и росписями. Его работы характеризуются использованием народных мотивов и стремлением к воссозданию национального стиля.
В Государственном Русском музее хранятся его работы, включая портреты и жанровые картины, созданные в конце XIX – начале XX веков. Среди них портреты дочери художника Веры Сергеевны Малютиной и художника Василия Васильевича Переплетчикова, отражающие глубокую психологизм и мастерство Малютина как портретиста.
Сергей Малютин оставил заметный след в русской культуре, будучи не только создателем национального символа - матрёшки, но и талантливым художником, чьи работы продолжают вдохновлять поколения.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, предлагаем подписаться на обновления, чтобы не пропустить новости о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с творчеством Сергея Васильевича Малютина.
Гвендолин Мод Сайри Моэм (англ. Gwendoline Maud Syrie Maugham), урожденная Барнардо (англ. Barnardo) — ведущий британский декоратор интерьеров 1920-х и 1930-х годов, которая популяризировала комнаты, оформленные исключительно в белом цвете.
Хотя она заработала свое состояние и славу благодаря белому декору, к середине 1930-х годов она в основном отказалась от этой концепции и начала создавать интерьеры с аксессуарами в стиле барокко и цветовыми схемами, подчеркнутыми яркими зелеными, шокирующими розовыми и смелыми красными цветами.
Гламурные комнаты Моэм оказали влияние практически на всех дизайнеров.
Эрнст Мюллер-Шессель (нем. Ernst Müller-Scheessel) — немецкий художник и дизайнер мебели.
Некоторое время он работал в Канаде — чаще в церквях художником по стеклу. Затем преподавал в Бременском университете искусств и был соучредителем «Ассоциации бременских художников» (Bremer Kunstlerbund).
В 1910 году Эрнст Мюллер-Шессель открыл студию в квартале художников в центре Бремена и там в 1913 году провел свою первую выставку: было представлено около 150 работ маслом, акварелью и гуашью, а также некоторые из его дизайнов мебели.
Михель Неер (нем. Michael Neher) — немецкий живописец и архитектурный декоратор.
Михель обучался в Академии в Мюнхене, в 1819 году отправился в Италию и провел там пять лет, из них два года в Риме, где много занимался архитектурной живописью в мастерской художника Генриха Марии фон Гесса, и в 1825 году вернулся в Мюнхен.
Как типичный представитель эпохи бидермейера, Неер создал множество костюмных рисунков и пейзажей. Он также прославился своими видами общественных мест и архитектурными изображениями многих баварских городов. С 1837 года Михель Неер полностью посвятил себя архитектурной живописи и путешествовал для усовершенствования мастерства по Рейну и в Бельгию. В 1839 году он расписал несколько салонов в замке Хоэншванген по эскизам Швинда, Гаснера и Шванталера. В 1876 году он был удостоен звания почетного члена Мюнхенской академии.
Бернхард Панкок (нем. Bernhard Pankok), полное имя Бернхард Вильгельм Мария Панкок (Bernhard Wilhelm Maria Pankok) — немецкий живописец и график, дизайнер, художник-прикладник и архитектор периода модерна.
После получения навыков художника и реставратора Бернхард Панкок изучал живопись в Дюссельдорфской академии художеств, затем в Берлине. В 1892 году он начал работать в Мюнхен в собственной студии живописи, делая в том числе и иллюстрации для журналов «Пан» и «Югенд». Панкок был одним из основателей Мюнхенского объединения мастерских художественных ремесел.
В 1897 году Панкок начал заниматься дизайном мебели и демонстрировал свои работы на многочисленных выставках, в том числе на знаковой «Всемирной и международной выставке» 1900 года в Париже. В том же году историк искусства Конрад Ланге поручил Бернхарду Панкоку спроектировать для него Haus Lange, он вообще много работал архитектором и спроектировал и другие здания в Штутгарте.
Панкок был плодовит и универсален: он проектировал декорации для оперных сцен и салоны для океанских лайнеров и даже пассажирские каюты цеппелинов, работал архитектором, дизайнером мебели, декоратором интерьеров, художником и графиком.
В 1907 году он был соучредителем Немецкого Веркбунда. В 1901 году пригласили преподавать в Королевскую учебно-экспериментальную мастерскую в Штутгарте; в 1913 году он стал ее главой и в этом качестве объединил со Школой искусств и ремесел.
Пьер Полен (фр. Pierre Paulin) — французский дизайнер, прославившийся разработкой нестандартных предметов мебели. Творческим вкладом в развитие мирового мебельного дизайна стали кресла из формованной пены, обтянутые чехлами из эластичных тканей. Благодаря такому новаторскому для конца 1950-х годов и вполне актуальному для дня сегодняшнего решению, Полен наделяет предметы свободой форм и объёмов.
Фриц Винольд Райсс (нем. Fritz Winold Reiss) — американский художник-портретист и графический дизайнер, эмигрант из Германии. Его отец Фриц Райсс и брат Ханс Райсс тоже были художниками. Винольд Райсс известен своими многочисленными портретами коренных американцев — деятелей Гарлемского Возрождения и простых людей. Также он создавал фрески, которые размещены в общественных местах Цинциннати, и занимался дизайном интерьеров.
Фрэнк Ллойд Райт-младший (англ. Frank Lloyd Wright Jr.), широко известный как Ллойд Райт (англ. Lloyd Wright) — американский архитектор, работавший в основном в Лос-Анджелесе и Южной Калифорнии. Он был ландшафтным архитектором различных проектов в Лос-Анджелесе (1922-24 гг.), проектировал оболочки для Голливудского боула (1926-28 гг.) и создал мемориальную часовню Сведенборга (или Wayfarers Chapel) в Ранчо Палос Вердес, Калифорния (1946-71 гг.). Его имя часто путают с именем его более известного отца, Фрэнка Ллойда Райта.
Фрэнк Ллойд Райт (англ. Frank Lloyd Wright) — американский архитектор, дизайнер интерьеров, писатель и педагог. Он широко известен как один из самых важных и инновационных архитекторов XX века, его карьера длилась более 70 лет.
Райт известен своей философией органической архитектуры, целью которой было создание сооружений, гармонирующих с окружающей природой. Он спроектировал более 1 000 сооружений, включая частные дома, общественные и коммерческие здания, такие как культовый музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Среди самых известных работ Райта - Fallingwater, частная резиденция, построенная над водопадом в Пенсильвании, и Robie House, дом в стиле прерий в Чикаго. Он также спроектировал отель «Империал» в Токио, который пережил Великое землетрясение Канто в 1923 году.
На протяжении всей своей карьеры Райт был известен своим новаторским использованием материалов, например, фирменным использованием бетонных блоков, а также тем, что уделял особое внимание взаимосвязи между построенной средой и миром природы. Он также много писал об архитектуре и дизайне, опубликовав за свою жизнь более 20 книг и множество статей.
Франц Рингер (нем. Franz Ringer) — немецкий художник, графический дизайнер и скульптор.
Франц Рингер был родом из старинной мюнхенской семьи плотников. В возрасте 20 лет он путешествовал по Тиролю и Швейцарии, поступил в Технический университет в Аахене, вернулся в Мюнхен и в течение десяти лет работал ассистентом у скульптора Йозефа фон Крамера (1841–1908), что сформировало его как мастера стилистически и технически.
Рингер был одним из самых известных художников декоративно-прикладного искусства в Мюнхене того времени, он художественно оформил множество ресторанов в Баварии и в Мюнхене. Его дизайн-проекты чрезвычайно разнообразны.
Франц Рингер также известен как создатель пивных кружек из камня и стекла, которые он расписывал в стиле модерн, ар-деко или бидермейера. Первые кружки Ringer, поступившие в производство, были изготовлены компанией Villeroy & Boch в 1905 году. Кружки эти быстро завоевали популярность среди населения, особенно на запланированных конференциях и фестивалях. Рингер работал на многих производителей керамики в Германии. Помимо Villeroy & Boch, это были: Reinhold Merkelbach, Merkelbach & Wick, Marzi & Remi, Albert Jakob Thewalt и другие.
Жан Ройер (фр. Jean Royère) — французский дизайнер.
Ключевая фигура авангарда 1950-х годов, Ройер занимался всеми видами декоративных работ и открыл филиалы на Ближнем Востоке и в Латинской Америке. Среди его покровителей были король Фарук, король Иордании Хусейн и шах Ирана, которые были очарованы его свободой творчества и элегантностью и доверили ему оформление своих дворцов. Ройер стал пионером оригинального стиля, сочетающего яркие цвета, органические формы и драгоценные материалы в широком диапазоне фантазийных достижений. В 1980 году он уехал из Франции в США, где прожил до самой смерти.
Алехандро Руис (исп. Alejandro Ruiz) — аргентинский художник, промышленный дизайнер, архитектор интерьеров и педагог.
Алехандро Руис окончил факультет промышленного дизайна в UNLP в Ла-Плате (Аргентина). Он вел занятия в Академии Domus, где получил степень магистра, и на архитектурном факультете Миланского технического университета. В основанной им самим компании Studioruiz он работал с различными всемирно известными брендами.
Алехандро Руис принимал участие во многих мероприятиях и выставках, посвященных дизайну и архитектуре интерьера, в Италии, Франции, Финляндии, Германии, Японии, Нидерландах, Англии и США. В 1994 году вместе с Анной Ломбарди он создал бренд Lessdesign, целью которого была разработка промышленных проектов. Дизайнер занимался упаковкой, дизайном интерьеров, магазинов, мероприятий и выставок в Studioruiz.
Эмиль-Жак Рульманн (фр. Émile-Jacques Ruhlmann) — французский дизайнер интерьера и мебели. Ведущий представитель направления ар-деко. Рульманн являлся оппонентом иностранных веяний в прикладном искусстве и ратовал за сохранение традиционных французских подходов в выборе материала и сугубо ручное конструирование мебели. Рульман известен своими мебельными ансамблями и считается одним из первых интерьерных дизайнеров (ensemblier) Франции.
Томас Ральф Спенс (англ. Thomas Ralph Spence) — британский архитектор, живописец и скульптор.
Следуя семейной традиции, Спенс начал свое образование в качестве архитектора, но позже преуспел в живописи, витражах и работе с металлом. В 1885 году он переехал в Лондон, где стал успешным архитектурным декоратором, отвечал за декоративную роспись в Манчестерском соборе. Самый крупный его проект — церковь Святого Георгия в Джесмонде, построенная по заказу Митчелла-старшего, она считается величайшим архитектурным триумфом Спенса.
Спенс пользовался большим уважением как художник-декоратор и дизайнер, его витражи, металлические изделия и архитектурные проекты вызывали большое восхищение. В 1896 году он стал одним из основателей Общества дизайнеров.
Многие живописные картины Спенса вдохновлены мифологией и классической историей Рима, времен Пунической войны. Среди них есть сцены и бытовой жизни, и исторических событий с множеством участников. Он с неизменным успехом выставлялся в Королевской академии с 1876 года.
Филипп Старк (фр. Phillippe Starck) — французский дизайнер интерьеров и потребительских товаров серийного производства.
Старк получил образование в Школе Ниссима де Камондо в Париже, работал в Adidas, а затем основал свою первую компанию по промышленному дизайну Starck Product, которую позже переименовал в Ubik и вышел на международный уровень. Он работал с производителями в Италии, среди которых Driade, Alessi, Kartell, Dimmer в Австрии, Vitra в Швейцарии и Disform в Испании. Он стал известен благодаря широкому спектру своих проектов, включая дизайн интерьеров, архитектуру, предметы домашнего обихода, мебель, лодки и другие транспортные средства.
Старк проектировал жилые помещения, отели, рестораны и прочие здания в Токио, в Париже, в Нью-Йорке, в Мехико и других мировых городах. Он разработал дизайн смартфона Xiaomi, браслет GPS-слежения DIAL и других технологий. В 2018 году Старк в сотрудничестве с Axiom Space создал интерьер жилого модуля Международной космической станции, а через год представил дизайн стула, созданный с помощью искусственного интеллекта.
Исходя из своих принципов «демократического дизайна», Старк сосредоточился именно на создании дизайнов товаров массового потребления, а не уникальных единиц. Невозможно перечислить все продукты, над которыми работал и продолжает работать неутомимый труженик Филипп Старк, главная цель которого — улучшить жизнь как можно большего числа людей, насколько это возможно.
Норберт Флайшман (нем. Norbert Fleischmann) — австрийский художник, чье увлечение живописью можно назвать энциклопедическим, потому что оно охватывает самые разные стили и жанры, мотивы, живописные стили и медиа-влияния, даже формы презентации и репрезентации.
Герберт Хамак (нем. Herbert Hamak) — немецкий художник-инсталлятор и скульптор, живет и работает в Хаммельбурге, Германия.
Произведения Герберта Хамака находятся где-то между живописью и скульптурой и являются результатом сочетания формы, цвета и света. Герберт Хамак работает с пигментом и массой; он формирует и превращает их в простые однотонные формы — кубы, параллелограммы и колонны. Хамак часто использует здания, их фасады, их пространства как холст или раму для произведения искусства.
Антон Хеннинг (нем. Anton Henning) — немецкий художник-самоучка, дизайнер, скульптор и инсталлятор.
Он живет и работает в Берлине, Лондоне и Нью-Йорке, и зарекомендовал себя как талантливый и экстраординарный дизайнер мебели и интерьеров. Хеннинг вдохновляется видами мировых столиц, разрабатывая свои собственные авангардные стили. Он также остроумно анализирует историю искусства, создавая свои инсталляции, скульптуры и живописные работы.
Герберт Хирхе (нем. Herbert Hirche) — немецкий архитектор, дизайнер интерьеров и мебели, педагог.
Хирхе учился в знаменитой школе Баухаус в Дессау и Берлине, где преподавали Людвиг Мис ван дер Роэ и Василий Кандинский. Получив образование плотника, он сначала работал у Миса, Эгона Эйерманна и Ханса Шаруна, а затем в 1948 году был назначен профессором прикладного искусства в Университете прикладных искусств в Берлине-Вайсензее. Четыре года спустя он стал профессором дизайна интерьера и мебели в Государственной академии художеств Штутгарта. За годы преподавательской деятельности Хирхе воспитал целые поколения дизайнеров.
Помимо преподавания, Хирхе спроектировал множество домов и интерьеров. Он создавал мебель для компаний Walter Knoll, Wilkhahn, Holzäpfel и Wilde+Spieth, а также несколько проектов для Braun, в том числе музыкальный кабинет HM5-7 и телевизор HF1. Простые и элегантные модели Хирхе были представлены на различных миланских триеннале и Всемирной выставке 1958 года в Брюсселе. Его работы оказали большое влияние на развитие дизайна изделий и интерьеров в Германии и мире.
Хирхе был одним из основателей Deutscher Werkbund (Немецкой ассоциации мастеров) в Берлине, в течение десяти лет был президентом Verband Deutscher Industrie-Designer (Общества промышленных дизайнеров) и членом Rat für Formgebung (Немецкого совета по дизайну).
Христо и Жанна-Клод (англ. Christo & Jeanne-Claude) — арт-дуэт, супружеская пара Христо Владимиров Явашев (Christo Vladimirov Javacheff (1935-2020) и Жанна-Клод Дена де Гийебон (Jeanne-Claude Denat de Guillebon (1935-2009) — культовая пара художников-новаторов, работающих в стиле ленд-арт.
Они известны своими крупномасштабными инсталляциями: это упаковывание великих исторических достопримечательностей, работа с огромными пространствами и монументальными природными объектами. Их проекты отличаются тем, что в Европе называют «американизмом» — то есть нечто грандиозное и масштабное.
Работы Кристо и Жанны-Клод хранятся во многих крупных публичных коллекциях.
Вилли Цират (нем. Willy Zierath) — немецкий художник, график и дизайнер интерьеров. Он был членом «Ноябрьской группы», где проявлял активную политическую и художественную позицию. Его творчество отражало разнообразие жанров и стилей.
Вилли Цират учился в Баухаузе в Дессау с 1927 по 1930 годы. Здесь он работал над расширением своих навыков, сосредотачиваясь на архитектуре и дизайне интерьеров. Его работы характеризовались инновационным подходом и креативностью.
Одним из ключевых моментов карьеры Цирата стало упоминание его работ в книге «От материала к архитектуре» Ласло Мохой-Надя. В 1930 году он переехал в Москву, где работал над проектом Кузнецкстрой в металлургической отрасли. К сожалению, он скончался в 1938 году от сердечного приступа.
Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать уведомления о новых поступлениях и аукционных мероприятиях, связанных с творчеством Вилли Цирата. Мы предоставим вам эксклюзивную информацию о продажах и событиях, связанных с этим художником.
Адо Шале (фр. Ado Chale) — бельгийский художник и дизайнер, наиболее известный изысканными мозаичными вставками.
Куски дерева, минералов или кости нарезаются, укладываются и покрываются смолой, формируя роскошные поверхности. Его мебель и предметы домашнего обихода отсылают к миру природы не только благодаря использованию драгоценных камней, металлов и органических материалов, но и благодаря текстурам, узорам и формам.
Шале открыл свою первую галерею в 1962 году. Он выставлял украшения и небольшие тумбочки, украшенные уникальной инкрустацией, и покупал различные драгоценные камни во время международных поездок. Затем мастер-самоучка включил свои приобретения в более крупные предметы мебели и скульптуры, привлекающие красотой и новизной. Его работы выставлялись в музее Иксель в Бельгии, в Музее изящных искусств в Нанси и Папском дворце в Авиньоне во Франции, а также в Музее современного искусства сети магазинов Seibu в Японии.
Пьер Шаро (фр. Pierre Chareau) — французский архитектор и дизайнер.
Пьер Шаро был одним из первых современных дизайнеров интерьеров во Франции, использовавших новые материалы, такие как стекло и сталь. Он был членом Международного конгресса современной архитектуры.
Андреас Шмиттен (нем. Andreas Schmitten) — немецкий художник и скульптор, живет и работает между Дюссельдорфом и Нойсом, Германия.
Свои междисциплинарные и разнообразные работы художник располагает между рисунком, скульптурой и инсталляцией, используя приемы привлечения внимания из религии, театра и товаров. Его интересуют вопросы, связанные с человеком, его историей. Андреас Шмиттен известен своими обширными и очень сложными инсталляциями, в которых фигуры, предметы и интерьеры используются для создания фантастических, сюрреалистических визуальных миров. Лакированные поверхности, бледные цвета и манерные, элегантные формы характеризуют его идеально выполненные работы, которые часто превращают комнаты в нереальные и сказочные.
Работы Шмиттена в настоящее время можно увидеть в парке скульптур Вальдфриден в Вуппертале и на вилле Людвиг в Аахене. Он участник множества персональных и групповых выставок.
Карлотта Штоккер (нем. Carlotta Stocker) — швейцарская художница-экспрессионист, дизайнер интерьеров и иллюстратор. Особую известность приобрели ее крупноформатные интерпретации студийного стола, в которых она работала с сильными цветами. Она выработала экспрессивный, эмоциональный и красочный стиль своих произведений. Штоккер также создавала крупноформатные фрески в общественных зданиях Цюриха.
Уортон Эшерик (англ. Wharton Esherick) — американский художник и скульптор, известный своим инновационным и органичным подходом к обработке дерева. Он считается одним из пионеров американского движения студийной мебели и известен своей скульптурной мебелью, функциональными предметами и архитектурной обработкой дерева.
Творческий путь Уортона Эшерика привел его к экспериментам с различными средствами, включая живопись, гравюру и скульптуру, но именно его работа в области деревообработки принесла ему наибольшее признание.
Эшерик разработал особый стиль, характеризующийся органическими формами, скульптурными деталями и акцентом на природных качествах дерева. Он считал, что дизайн мебели должен отражать свойства, присущие используемым материалам. Эшерик придерживался концепции «правды материалов», позволяя дереву направлять его художественный процесс и формировать окончательную форму его творений.
Арне Эмиль Якобсен (датск. Arne Emil Jacobsen) — датский архитектор и дизайнер, основоположник стиля «датский функционализм».
Он обучался в Школе архитектуры Датской Королевской академии изящных искусств, в 1930-х годах начал работу архитектором. Вдохновленный модерном, он создал несколько общественных зданий, включая мэрию Орхуса. В сотрудничестве с Флеммингом Лассеном он впервые создал комплексный общий дизайн интерьера, включая мебель, светильники, сантехнику и другие детали. После Второй мировой войны Арне Якобсен сделал себе имя как в Дании, так и во всем мире.
На протяжении шести десятилетий Арне Якобсен был в авангарде датской архитектуры, создавая дальновидные произведения архитектуры, которые и сегодня выглядят современными. Его проекты часто включали в себя как само здание, так и общий дизайн интерьера, а также дизайн окружающего ландшафта. Сочетание архитектуры и дизайна является одной из постоянных характеристик работ Арне Якобсена. В таких проектах, как SAS Royal Hotel (1960) и Колледж Святой Екатерины в Оксфорде (1964), он не только создавал архитектуру, но и проектировал каждую деталь интерьеров, превращая их в настоящее произведение искусства.
Помимо архитектурных сооружений Арне Якобсен создал целый ряд весьма оригинальных стульев и другой мебели. Из его студии вышли авангардные и новаторские мебель, лампы, узоры, часы, столовые приборы и стеклянная посуда, которые до сих пор пользуются спросом.
