Peintres
Nadia Kaabi-Linke est une artiste tunisienne, basée à Berlin, et surtout connue pour son art conceptuel et pour sa sculpture de 2011 intitulée Tapis volants (Fliegende Teppiche). Son travail explore les thèmes de la géopolitique, de l'immigration et des identités transnationales.
Elle remporte l'Abraaj Group Art Prize en 2011, avec l'installation des Tapis volants. La pièce est acquise par le musée Solomon R. Guggenheim en 2016. Elle remporte également le prix Découvertes pour les pays émergents de l'art à Art Basel Hong Kong en 2014. Certaines de ses œuvres ont été acquises par le Museum of Modern Art, le musée d'Art de Dallas, et la Fondation Samdani, et présentées dans plusieurs expositions individuelles et collectives.
John C. Kacere était un artiste américain. Initialement expressionniste abstrait, Kacere a adopté un style photoréaliste en 1963. La quasi-totalité de ses peintures photoréalistes représentent la partie centrale du corps féminin. Il est considéré comme l'un des premiers photoréalistes, bien qu'il ait rejeté ce terme.
Frida Kahlo de Rivera, née Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, était une peintre mexicaine célèbre pour ses autoportraits colorés et audacieux qui abordent des thèmes tels que l'identité, le corps humain et la mort. Bien qu'elle ait nié être liée au surréalisme, son œuvre est souvent associée à ce mouvement. Elle était également connue pour ses peintures reflétant sa propre expérience de la douleur chronique.
Née d'un père allemand et d'une mère mestiza, Kahlo a passé la plupart de son enfance et de sa vie adulte dans sa maison familiale à Coyoacán, aujourd'hui accessible au public sous le nom de Musée Frida Kahlo. Atteinte de polio dans son enfance, elle aspirait à devenir médecin jusqu'à ce qu'un grave accident de bus à l'âge de 18 ans cause des douleurs et des problèmes médicaux tout au long de sa vie. Pendant sa convalescence, elle a redécouvert son intérêt pour l'art et a commencé à peindre, principalement des autoportraits, reflétant souvent son état physique et émotionnel.
Kahlo a rejoint le Parti communiste mexicain en 1927, où elle a rencontré l'artiste Diego Rivera. Ils se sont mariés en 1929 et ont eu une relation complexe, marquée par plusieurs affaires et une séparation temporaire, mais ils se sont remariés en 1940. Kahlo a continué à développer son style artistique, influencée par la culture folklorique mexicaine, et a exposé ses œuvres à New York et à Paris dans les années 1930. Ses peintures les plus connues incluent "Henry Ford Hospital" (1932), "The Two Fridas" (1939) et "Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird" (1940).
Les années 1940 ont vu la reconnaissance internationale de son travail et sa participation à plusieurs expositions aux États-Unis et au Mexique. Sa santé s'est cependant détériorée, l'obligeant souvent à rester à la Casa Azul, où elle trouvait du réconfort auprès de ses animaux et en s'occupant de son jardin.
Kahlo est décédée en 1954 à l'âge de 47 ans. Après sa mort, son œuvre est devenue influente dans les études féministes et les débats postcoloniaux, faisant d'elle une icône culturelle internationale. Son héritage continue d'inspirer non seulement les artistes, mais aussi ceux qui ont vécu des expériences similaires de douleur et de résilience.
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Wolf Kahn était un artiste américain d'origine allemande qui peignait principalement des paysages. Kahn travaillait à l'huile et au pastel, et son style a été décrit comme une combinaison de paysages pittoresques et d'abstraction picturale.
Anatoliï Dmitrievitch Kaïgorodov (en russe: Анатолий Дмитриевич Кайгородов) était un artiste russe, spécialisé dans la peinture de paysages. Né à Saint-Pétersbourg en 1878, il est reconnu pour son adhésion au style réaliste et ses contributions significatives à l'art russe et estonien.
Kaïgorodov a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, sous la tutelle de maîtres comme Arkhip Kouïndji. Il a également enrichi sa formation artistique en France, ce qui a influencé sa technique et son style distinctifs.
Les œuvres de Kaïgorodov, souvent des paysages peints à l'huile et à la tempera, sont prisées pour leur sensibilité poétique et leur représentation fidèle de la nature. Ses peintures font partie de collections importantes en Russie et à l'étranger, notamment au Musée Russe à Saint-Pétersbourg.
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Hans Kaiser était un peintre et vitrailliste allemand.
Kaiser est surtout connu pour son travail à grande échelle à Washington, aux États-Unis, où il a créé des vitraux pour la cathédrale nationale. Il a également été chargé de réaliser des fenêtres, des vitraux et des mosaïques en verre pour de nombreuses églises et bâtiments publics en Allemagne.
Hans Kaiser a également peint une série de paysages abstraits de la Méditerranée.
Richard Kaiser est un peintre paysagiste allemand.
Il a obtenu son diplôme avec distinction à l'Académie des beaux-arts de Berlin et est devenu membre de la Sécession à Munich. Kaiser préférait la peinture en plein air, trouvant son inspiration dans les prairies alpines, sur les côtes de la mer du Nord et de la mer Baltique, dans les environs de Munich et de Magdebourg. Richard Kaiser a régulièrement exposé ses œuvres en Allemagne et à l'étranger.
Aris Kalaizis est un artiste allemand d'origine grecque. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Leipzig.
Aris Kalaizis a acquis une reconnaissance internationale après avoir participé à la Biennale de Venise 2010 (Mostra Internazionale di Architettura) et à la 4e Triennale de Guangzhou, en Chine, en 2011.
Calaisis crée ses œuvres en assemblant des compositions spatiales élaborées et en construisant des scènes à grande échelle sur le site d'une action imaginaire. Au cours de ce processus, il prend une série de photographies préparatoires à partir desquelles l'œuvre finale est construite. Les scènes de ses peintures, qui ont souvent une impression surréaliste, sont développées à partir d'idées que Kalaisis élabore à la manière d'un scénario. Le résultat de ce processus créatif progressif sont des œuvres picturales qui incarnent les images souhaitées du monde intérieur en lignes et en couleurs.
Clemens Kaletsch est un artiste allemand qui vit et travaille à Cologne et à Polling.
Il a étudié à l'université des arts appliqués de Vienne et à l'académie des beaux-arts. Dans les années 1980, Kaletsch a fait partie d'une génération d'artistes à succès qui cherchaient de nouvelles voies dans la peinture figurative. Il fait également partie du mouvement Junge Wilde (Nouveau Wilde).
Feodor Iwanowitsch Kalmück (en russe: Фёдор Иванович Калмык) était un artiste allemand de la fin du XVIIIe siècle et du premier tiers du XIXe siècle, d'origine russe et kalmouk. Il était connu comme peintre et graveur.
Fyodor Kalmück a été capturé enfant par des cosaques et présenté à l'impératrice Catherine II, qui l'a ensuite offert à la duchesse Amalia de Hesse-Darmstadt de Bade. Kalmück a étudié la peinture en Allemagne et en Italie. Dessinateur et portraitiste, il privilégie les motifs antiques et les thèmes religieux de la Renaissance. L'artiste a rarement peint à l'huile ; ses œuvres les plus connues sont des gravures. Il a également exécuté des peintures murales monumentales dans l'église évangélique de Karlsruhe.
Eduards Kalniņš (еn russe : Эдуард Фридрихович Калнынь) était un artiste letton spécialisé dans la peinture, reconnu pour ses paysages marins et considéré comme le plus éminent peintre maritime de la seconde moitié du XXe siècle. Né à Riga le 25 octobre 1904, il a joué un rôle significatif en tant qu'éducateur et professeur à l'Académie d'Art de Lettonie, influençant presque tous les peintres certifiés de Lettonie d'après-guerre.
Kalniņš a exploré de nombreux sujets dans son œuvre, mais il est particulièrement célèbre pour ses représentations de la mer, qui sont devenues le thème principal de son travail après la Seconde Guerre mondiale. Ses talents en plein air spécifiques lui ont permis de confirmer et d'utiliser cette thématique de manière innovante. Il croyait fermement qu'on ne peut pas peindre ce qu'on ne connaît pas et ce qu'on n'a pas étudié minutieusement, une maxime qui l'a conduit à devenir marin et à explorer la mer en profondeur avant de la représenter dans ses œuvres.
Son tableau "Latvian Fishermen in the Atlantic" (1957), inspiré par un voyage de peinture dans l'Atlantique Nord en 1954, a particulièrement retenu l'attention et lui a valu une médaille de bronze à l'EXPO '58. Cette œuvre monumentale synthétise ses expériences en mer et témoigne de sa rencontre avec la puissance de l'océan.
Les œuvres de Kalniņš sont régulièrement exposées dans de nombreux pays européens, au Japon, aux États-Unis et au Canada, et il a reçu de nombreux prix et distinctions tout au long de sa carrière. Eduards Kalniņš est décédé à Riga le 18 mai 1988, laissant derrière lui un héritage artistique significatif et une influence durable sur la peinture lettone et la représentation maritime dans l'art.
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Stephan Kaluza est un artiste polyvalent qui vit et travaille à Düsseldorf. Reconnu pour ses talents de peintre, photographe et écrivain, Kaluza explore des thèmes variés à travers ses œuvres, alliant l'histoire de l'art et la philosophie, domaines dans lesquels il a été formé. Son travail, qui inclut souvent des représentations de la nature sous diverses formes - des paysages hyper-réalistes aux forêts presque abstraites et des surfaces d'eau - révèle une fascination pour la capacité de l'art à capturer et à transmettre la puissance cachée de la nature et de la création.
Les œuvres de Stephan Kaluza se distinguent par leur approche poétique et leur caractère souvent distant et inaccessible, offrant des séquences narratives d'images assemblées comme de longs panoramas. Ces caractéristiques confèrent à ses tableaux une dimension narrative unique, où la beauté apparente de la nature est constamment remise en question par des éléments perturbateurs, révélant des couches sous-jacentes de significations et des réflexions sur la création elle-même.
La série 'Transit II' de Stephan Kaluza, par exemple, offre des vues époustouflantes de paysages maritimes et forestiers, basées sur des photographies prises dans des lieux aussi divers que la forêt ancienne de Teutoburger Ward et les jungles tropicales de l'Amazonie, de l'Indonésie et de l'Ouganda. Cette fusion de forêts de types très différents crée des œuvres magiques et puissantes où la force cachée de la nature est magnifiquement dépeinte.
Le travail de Stephan Kaluza est reconnu et collectionné à l'international, témoignant de son impact significatif dans le domaine de l'art contemporain. Ses peintures invitent le spectateur à contempler et à s'émerveiller devant le monde fantastique qui nous entoure, mettant en lumière la beauté et le pouvoir de la nature et de la création.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Stephan Kaluza offre une exploration profonde et réfléchie de la nature et de la réalité, à travers le prisme d'une technique artistique remarquable et d'une sensibilité philosophique aiguë. Ses tableaux, capturant la complexité et la magie de la nature, constituent une invitation à réfléchir sur notre propre perception du monde naturel et sur la place de l'homme dans cet univers.
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Ermolaï Dementievitch Kamejenkov (еn russe : Ермолай Дементьевич Камеженков) était un artiste peintre russe, célèbre pour ses portraits et ses contributions significatives à la peinture de son époque. Né en 1757 dans le gouvernorat de Tver, alors partie de l'Empire russe, Kamejenkov a débuté sa formation en peinture d'icônes avant de poursuivre ses études à Saint-Pétersbourg sous la tutelle de G. I. Kozlov. Sa carrière a pris un tournant décisif lorsque l'impératrice Catherine II a découvert son talent, ce qui a mené à sa libération du servage en 1785.
Kamejenkov a été nommé académicien par l'Académie Impériale des Arts grâce à ses œuvres remarquables comme le "Portrait d'un jeune homme" et le "Portrait d'un membre honoraire libre de l'Académie des Arts, I.-F. Grotte". Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans des institutions prestigieuses telles que le Musée russe et la galerie Tretiakov.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Portrait de I.-F. Grotte" (1780), "Portrait d'un inconnu en robe violette" (1790), et "Portrait jumelé de F. F. Vadkovsky avec sa femme" (1789). Ces portraits illustrent non seulement son habileté technique mais aussi sa capacité à capturer l'essence et le statut social de ses sujets.
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Y. Z. Kami, né Kamran Youssefzadeh, est un artiste irano-américain basé à New York.
Les portraits à grande échelle de Kami, peints à l'huile sur lin, recréent l'expérience viscérale d'un face-à-face. À travers une brume mate et uniforme, il dépeint ses sujets les yeux ouverts ou fermés, regardant vers l'avant ou vers le bas. S'inspirant d'un large éventail de textes philosophiques, littéraires et religieux, Kami poursuit ainsi la quête de l'histoire de l'art visant à localiser l'inconnu dans la forme matérielle. Il explore ces thèmes non seulement dans ses peintures, mais aussi dans ses photographies, ses collages, ses tirages et ses installations sculpturales spécifiques. Ce sont ses portraits à grande échelle qui lui ont valu d'être acclamé par le monde de l'art international, ce qui l'a amené à présenter ses œuvres dans diverses expositions et biennales importantes.
Thomas Kaminsky est un artiste allemand, peintre et graveur, qui vit et travaille à Cologne et à Vienne.
L'influence de l'expressionnisme abstrait européen des années 1950 imprègne son approche, tout comme le travail de ses contemporains allemands Anselm Kiefer et Georg Baselitz. Les œuvres de Kaminsky, en particulier ses gravures sur bois à grande échelle, sont peuplées de motifs et de personnages symboliques, dont les peintures de Kazimir Malevich, le leader révolutionnaire Vladimir Lénine et l'artiste lui-même, enfant, tenant un moulin à vent en jouet (une signature de substitution).
L'œuvre de Kaminsky est régulièrement exposée en Allemagne et dans d'autres pays, et fait partie d'importantes expositions collectives et collections de musées.
Arthur Kampf est un peintre allemand nazi qui fut président de l'académie des arts de Berlin.
De 1915 à 1924, Kampf est directeur de l'école supérieure des beaux-arts de Berlin. Il illustre les classiques (Goethe, Shakespeare) et ses œuvres sont reproduites dans les livres de classe. Peintre académique, son étoile pâlit après la fin de l'ère wilhelminienne et surtout dans les années 1930 auprès de la clientèle privée, mais il demeure apprécié des cercles officiels: il reçoit le Bouclier de l'Aigle, le 28 septembre 1939. Il s'inscrit au Parti national-socialiste des travailleurs allemands (NSDAP) pour tenter de s'assurer des commandes, et fait partie de la liste des Gottbegnadeten, mais il est finalement oublié pendant et après la Seconde Guerre mondiale. La presque totalité de son œuvre murale est anéantie par les destructions de la guerre.
Gustav Kampmann était un peintre paysagiste et graphiste allemand. Son travail comprend des peintures de paysages et des lithographies, rarement avec des personnes, parfois avec des éléments architecturaux. Kampmann a développé un style personnel, très idiosyncratique, qui nous impressionne par son ouverture d'esprit, ses motivations et sa gestuelle spontanée. Ses œuvres ont une liberté picturale et un degré d'abstraction qui n'était pas typique pour cette époque.
Heinrich Kamps ou Heinz Kamps était un peintre allemand et directeur de l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf.
En 1922, Kamps présente pour la première fois son travail au public en participant à une exposition de l'association d'artistes "Das Junge Rheinland". Peu après, en 1925, il est déjà nommé professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf et, quatre ans plus tard, il prend la direction de l'École nationale des beaux-arts de Berlin-Schöneberg.
Lors de la campagne nazie "Art dégénéré" en 1937, les œuvres de Kamps sont confisquées et perdues. En 1941, il est contraint de partir pour l'Autriche, puis la Pologne ; en 1943, son atelier berlinois est bombardé par les Alliés et la quasi-totalité de ses premières œuvres est détruite.
Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Kamps est élu en 1946 professeur et directeur de la toute nouvelle Académie des arts de Düsseldorf, qu'il dirigera jusqu'à sa mort.
Vassily Vassilyevich Kandinsky (en russe : Василий Васильевич Кандинский) était un peintre et théoricien de l'art russe, reconnu comme l'un des pionniers de l'abstraction dans l'art occidental. Né à Moscou, il a passé son enfance à Odessa, où il a été diplômé de l'école d'art d'Odessa, avant d'entamer des études en droit et en économie à l'Université de Moscou. Kandinsky a commencé ses études de peinture à l'âge de 30 ans, après une carrière prometteuse dans l'enseignement du droit et de l'économie, pour s'installer à Munich où il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts. Il est retourné à Moscou en 1914, avant de revenir en Allemagne en 1920 pour enseigner à l'école du Bauhaus jusqu'à sa fermeture par les nazis en 1933, puis s'est installé en France, où il est devenu citoyen français en 1939 et a produit certaines de ses œuvres les plus remarquables jusqu'à sa mort en 1944 à Neuilly-sur-Seine.
L'œuvre de Kandinsky est marquée par sa quête d'expression spirituelle à travers l'art, avec un intérêt particulier pour la forme du cercle, qu'il considérait comme la synthèse des plus grandes oppositions. Cette recherche d'une expression idéale se manifeste dans des œuvres telles que "Several Circles" (1926) et "Composition X" (1939), où il explore la pureté de la forme et de l'expression par la peinture non représentative. Son passage par différentes phases artistiques, de l'expressionnisme à l'art abstrait, montre son développement et sa maturation, basés sur ses expériences artistiques et sa dévotion à la beauté intérieure et au désir spirituel, qu'il appelait la "nécessité intérieure".
Kandinsky a également joué un rôle clé dans la fondation de groupes d'avant-garde tels que "Der Blaue Reiter" et "Die Blaue Vier", avec d'autres artistes comme Lyonel Feininger, Alexej Jawlensky et Paul Klee, contribuant ainsi de manière significative au développement de l'art moderne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de l'œuvre de Kandinsky offre une fenêtre sur l'évolution de l'art abstrait et sur la manière dont les idées avant-gardistes ont façonné l'art du XXe siècle. Ses œuvres sont présentes dans des musées et des collections du monde entier, témoignant de son héritage durable dans le domaine de l'art.
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Johann Joachim Kändler était un sculpteur allemand connu pour son travail avec la porcelaine de Meissen. Il a été l'un des principaux innovateurs dans le domaine de la sculpture en porcelaine, produisant des modèles célèbres pour des figurines et des services de table. Il a travaillé à Meissen pendant plus de 40 ans, depuis 1731, devenant le sculpteur le plus important de la manufacture de Meissen.
Kändler a transformé la façon dont la porcelaine était utilisée. Plutôt que de limiter les motifs à des poignées et des becs, il a introduit des sculptures sur des surfaces traditionnellement plates, ajoutant des éléments tridimensionnels à ses créations. Sa célèbre « Swan Service » (Service du Cygne), réalisée entre 1737 et 1741, est un exemple remarquable de son approche innovante, avec des surfaces en relief et des détails finement sculptés.
Il s'est également inspiré de la commedia dell'arte, créant des figurines expressives avec des poses exagérées et des couleurs vives. Le « Monkey Band » (orchestre des singes) créé en 1753 est une de ses œuvres les plus emblématiques, illustrant sa capacité à mélanger humour et technique sophistiquée. Il a également produit des modèles pour des statues équestres et des groupes religieux, montrant l'étendue de son talent.
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Paul Kane était un artiste canadien du XIXe siècle d'origine irlandaise. Il est connu comme un maître du portrait, du paysage et du genre domestique. Paul Kane a surtout peint des tableaux illustrant la vie quotidienne des Indiens d'Amérique du Nord, et son œuvre fait encore l'objet d'études de la part d'ethnologues professionnels.
Paul Kane, artiste autodidacte, a étudié la peinture en voyageant en Europe. Son voyage fatidique l'a mené à Londres, où, sous l'influence du célèbre artiste George Catlin, il a décidé de consacrer sa carrière à la description de la vie des Indiens d'Amérique du Nord. Kane a beaucoup voyagé à travers le Canada, produisant des centaines de croquis et un livre illustré, qui est devenu un best-seller et a été traduit dans de nombreuses langues européennes.
L'œuvre de Paul Kane est considérée comme un élément important du patrimoine culturel du Canada. En février 2002, le tableau de Kane intitulé Scène dans le Nord-Ouest a été vendu chez Sotheby's à Toronto pour plus de 5 millions de dollars, soit environ 10 fois le prix de vente de son tableau précédent.
Aminadav Moïsseïevitch Kanevski (еn russe : Аминадав Моисеевич Каневский) était un artiste graphique soviétique né le 29 mars 1898 à Elisavetgrad, aujourd'hui Kropyvnytskyi, dans l'Empire russe. Reconnu pour ses talents de caricaturiste, illustrateur et créateur d'affiches satiriques, il a grandement contribué à la culture visuelle soviétique. Kanevski est notamment célèbre pour avoir créé l'image de Murzilka, un personnage emblématique des magazines pour enfants, et pour ses illustrations des œuvres de grands écrivains tels que A. N. Tolstoï, K. I. Tchoukovski, M. E. Saltykov-Chtchédrine, N. V. Gogol, et V. V. Maïakovski.
Kanevski a commencé sa carrière en travaillant comme assistant dans divers métiers avant de se consacrer à l'art. Après avoir été mobilisé pendant la Première Guerre mondiale, il rejoint l'Armée rouge et poursuit ensuite ses études à l'École supérieure d'art et de technique (VKhUTEMAS), où il est influencé par le célèbre artiste Dmitry Moor. Son travail incluait des affiches, des caricatures, et des illustrations pour des magazines et des livres pour enfants, qui ont marqué plusieurs générations de Soviétiques.
Durant la Seconde Guerre mondiale, il s'est illustré dans le domaine de la satire politique en produisant des affiches anti-hitlériennes et des caricatures pour des publications telles que Krokodil. Kanevski est décédé le 14 juin 1976 et a laissé derrière lui un riche héritage artistique, incluant des œuvres qui sont aujourd'hui exposées dans des musées prestigieux tels que la Galerie Tretiakov et le Musée Russe.
Son travail, caractérisé par une approche humoristique et une critique sociale affutée, continue d'attirer l'attention des collectionneurs et des amateurs d'art. Les dessins de Kanevski, réalisés principalement à l'encre ou à l'aquarelle sur papier, sont estimés entre 600 et 3000 dollars, certains atteignant même les 5000 dollars.
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Hyung Koo Kang est un artiste coréen contemporain connu pour ses portraits hyperréalistes de personnages historiques, d'icônes médiatiques et de personnes ordinaires.
L'œuvre du maître est imprégnée d'empathie pour les personnages au caractère bien trempé qui ont dû faire face aux difficultés de la vie et de l'histoire. Les yeux profonds des sujets des portraits de Kana révèlent avec grâce leur monde intérieur et l'empreinte des époques qu'ils ont traversées.
Eddie Kang est un artiste contemporain coréen. Ses peintures aux couleurs vives représentent des griffonnages de jouets et d'animaux rendus dans le style asiatique "Animamix", qui fusionne les langages de l'animation et de la bande dessinée. Kang a obtenu son BFA à la Rhode Island School of Design. Au début de sa carrière, il a attiré l'attention de la conservatrice Victoria Lu - qui a inventé le terme "Animamix" - et a depuis été inclus dans un certain nombre d'expositions qu'elle a organisées. Parmi celles-ci figurent la première Biennale Animamix au Musée d'art contemporain de Shanghai en 2007 et "Future Pass", une exposition collatérale de la Biennale de Venise 2011. Les peintures ludiques de Kang présentent un casting d'ours en peluche, de chiots et de poupées destinés à servir de compagnons aux citadins qui se sentent isolés dans un monde de plus en plus numérique. En plus de créer des œuvres d'art, Kang a collaboré avec des marques de mode telles que MCM et Paul Smith pour créer des articles portables qui font davantage circuler ses personnages.
Jan Ksawery Kaniewski (en russe: Ян Ксаверий Каневский) était un artiste polonais et russe du milieu du XIXe siècle. Il est connu comme portraitiste.
Jan Kaniewski a réalisé de nombreux portraits de membres de la famille impériale russe (dont Nicolas Ier) et de la haute société du Royaume de Pologne. Il a également réalisé un certain nombre de peintures sur des sujets historiques et religieux.
Alexander Kanoldt était un artiste allemand de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, paysagiste et portraitiste, et comme représentant du mouvement de la nouvelle matérialité.
Alexander Kanoldt est l'un des fondateurs de la New Munich Art Association et du groupe Blue Rider. Son style a évolué du néo-impressionnisme au réalisme magique, en passant par la représentation de plantes, d'objets, de paysages et de personnes dans des formes anguleuses. Sous le régime nazi, il a tenté de s'adapter aux styles en vogue, mais nombre de ses œuvres ont été confisquées au motif qu'elles appartenaient à l'"art dégénéré".
Kanoldt a été professeur à l'Académie des beaux-arts de Berlin et directeur de l'École nationale des beaux-arts de Berlin jusqu'à sa retraite en 1936.
Albert Kappis est un peintre et dessinateur allemand d'origine wurtembergeoise.
Albert Kappis a peint surtout des paysages, des sujets de genre de la vie publique comme des scènes de récolte, de fêtes agricoles ou la tonte des moutons.
Iosif Artemievitch Karalyan était un artiste soviétique, membre de l'Union des artistes de l'URSS et artiste honoré de la RSS d'Arménie.
Le travail créatif de Karalyan est une sorte de nostalgie du pays de l'enfance, que l'on ne peut visiter que dans les rêves et l'imagination, car il n'existe plus, car l'enfance de chaque personne, comme son époque, est unique, les sensations éprouvées non répétables, elles ne sont préservées visuellement que dans les beaux-arts.
Ses œuvres sont conservées au Musée d'art moderne (Erevan), à la Galerie nationale d'Arménie (Erevan), à la Galerie d'État Tretyakov (Moscou), au Musée d'art oriental (Moscou), à la maison-musée de Hovhannes Tumanyan (Erevan), dans les fonds du ministère de la Culture d'Arménie et dans de nombreuses collections privées en Arménie et à l'étranger.
Nikolaï Nikolaïevitch Karazine (еn russe : Николай Николаевич Каразин) était un peintre et écrivain russe, né le 9 décembre 1842 dans le domaine familial de Novo-Borissoglebskaïa, dans le gouvernement de Kharkov, et décédé le 19 décembre 1908 à Gatchina. Karazine est particulièrement connu pour ses scènes de batailles et ses illustrations détaillant les campagnes militaires en Asie centrale.
En tant qu'artiste, Karazine a excellé dans la représentation des paysages et des personnages typiques de l'Asie centrale, notamment les nomades. Ses œuvres illustrent des événements marquants tels que la conquête russe de Samarcande et la campagne de Khiva, et sont exposées dans des institutions prestigieuses comme le Musée Russe.
En plus de sa carrière artistique, Karazine a contribué au domaine littéraire avec des récits ethnographiques et des romans d'aventure. Ses œuvres comme "Im Rauch des Schießpulvers" et "Von Orenburg nach Taschkent" mettent en lumière les contextes militaires et culturels de la Russie tsariste.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Karazine représentent une combinaison rare de précision historique et de talent artistique. Ses peintures sont régulièrement mises aux enchères et peuvent atteindre des prix élevés.
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Dmitri Nikolaïevitch Kardovski (en russe: Дмитрий Николаевич Кардовский) est un peintre, illustrateur et décorateur de théâtre russe, né le 24 août 1866 et mort le 9 février 1943. Après avoir obtenu une licence en droit à l'université de Moscou, il se tourne vers l'art et entre à l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg, où il étudie avec Pavel Chistyakov et Ilya Repin. Il poursuit ensuite ses études à Munich avec Igor Grabar dans l'atelier d'Anton Azhbe avant de retourner à Saint-Pétersbourg.
Kardovsky est connu pour ses études diversifiées de styles, notamment l'impressionnisme et l'art nouveau, tout en privilégiant la peinture figurative. Sa principale contribution a été d'illustrer les classiques de la littérature russe tels que les œuvres de Tchekhov, Gogol, Lermontov et Tolstoï. Il réalise également des caricatures politiques et organise en 1912 une rétrospective posthume des œuvres de Mikhaïl Vrubel.
En tant qu'enseignant, Kardovsky a laissé un héritage indélébile en formant une brillante génération d'artistes. Son approche pédagogique combinait les meilleures expériences des écoles de dessin russes et européennes. Il a grandement contribué au développement de l'illustration de livres, réussissant à transmettre l'atmosphère intérieure des œuvres littéraires et à dépeindre de manière vivante les personnages et les scènes. Il a notamment illustré Kashtanka de Tchekhov, Le Nez de Gogol et Guerre et Paix de Tolstoï.
Kardovsky a également laissé son empreinte sur le théâtre russe, en travaillant sur des productions du théâtre Maly, notamment des pièces d'A. N. Ostrovsky et d'I. S. Turgenev, ainsi qu'en illustrant des sujets historiques, en particulier l'époque de Pierre le Grand et les événements révolutionnaires russes.
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Georgiï Nikolaïevitch Karlov (еn russe: Георгий Николаевич Карлов) était un artiste soviétique de la seconde moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et illustrateur.
Georgiï Karlov a commencé sa carrière en enseignant le dessin dans les écoles. Pendant la Grande Guerre patriotique, il a dessiné des affiches antifascistes et de propagande. Au cours de sa carrière, il a illustré plus de 100 livres pour enfants, collaboré au magazine Murzilka et illustré des œuvres satiriques "pour adultes". L'artiste a créé des représentations réalistes d'animaux aux traits anthropomorphes et aux expressions faciales riches. Son livre-texte "L'image des oiseaux et des animaux" rassemble l'expérience d'un animalier et comble une lacune dans la littérature sur l'image des animaux.
John Erhart Kashdan était un peintre, graveur et enseignant anglais d'origine juive russe. Il a étudié aux écoles de la Royal Academy et a ensuite exposé à Londres et en Amérique avant de se retirer des expositions vers 1950 pour se concentrer sur sa carrière d'enseignant. Son travail dans les années 1940 a été influencé par Pablo Picasso, Juan Gris et Georges Braque. Parmi ses influences d'après-guerre, citons Paul Klee et José Guadalupe Posada, ainsi que ses contemporains Robert Colquhoun et Robert MacBryde.
