Sculpteurs Art abstrait
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Wolfram Aïchele était un artiste du Bade-Wurtemberg, dans le sud de l'Allemagne, fils du célèbre artiste animalier Erwin Aichele. Après une formation de sculpteur, il étudie l'art religieux et byzantin, s'inspirant de ses pèlerinages en Serbie, au Kosovo, en Macédoine et au Mont Athos. Aïchele s'est concentrée sur la peinture d'icônes à la détrempe à l'œuf, dans le but de faire revivre le style iconographique pur corrompu au XIXe siècle. Il s'installe ensuite à Paris, où il explore diverses influences telles que l'art populaire d'Europe de l'Est, les miniatures persanes et les artistes modernes comme Chagall et Klee. Le travail d'Aïchele est passé à un mélange unique d'art figuratif et abstrait, principalement exprimé à travers des aquarelles et des collages peints.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Harold Ambellan est un peintre et sculpteur américain.
Il a étudié la sculpture et les beaux-arts à Buffalo avant de s'installer à New York. La figure humaine est au cœur de l'œuvre d'Harold Ambellan. Il a créé des figures monumentales et a beaucoup peint, laissant des milliers de dessins. Ambellan a été l'un des participants au Federal Art Project de Roosevelt, qui a engagé des centaines d'artistes pendant la Grande Dépression, lesquels ont créé collectivement plus de 100 000 peintures et plus de 18 000 sculptures.
Ambellan est resté attaché à la figuration, tant dans ses sculptures que dans ses peintures. Il est élu président de la Sculptors Guild of America en 1941 et, la même année, ses œuvres sont exposées dans le cadre d'expositions collectives au Metropolitan Museum of Art de New York et à l'Academy of Fine Arts de Philadelphie.
En 1944, Ambellan participe à la libération de la Normandie au sein de la marine américaine, puis enseigne l'art tridimensionnel à la Workshop School de New York. En 1954, pour des raisons politiques, Ambellan s'installe en France et y reste jusqu'à la fin de sa vie, travaillant et exposant dans toute l'Europe.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Jean Arp, né Hans Peter Wilhelm Arp, est un poète, peintre, graphiste et sculpteur allemand et français. Il est l'un des fondateurs du mouvement Dada à Zurich.
Arp a utilisé des formes abstraites dans son travail et a expérimenté différents matériaux tels que le bois, le métal et la pierre. Il était également connu pour ses œuvres poétiques, dans lesquelles il appliquait une méthode de sélection aléatoire des mots, appelée "méthode du désordre". Arp pensait que cette méthode l'aidait à exprimer ses pensées avec plus de précision et d'originalité. L'influence d'Arp sur les arts est encore significative aujourd'hui.
Helen Ashbee est une artiste, sculptrice et joaillière britannique. Fille du célèbre architecte, designer et réformateur social Charles Robert Ashbee.
Helen Ashbee était designer textile et après la mort de son mari, le peintre italien Francesco Cristofanetti, elle trouve sa véritable activité à Paris - la "sculpture abstraite" et les bijoux qui s'y rapportent, pour lesquels elle a toujours fait de nombreux dessins préparatoires.
Pablo Atchugarry est un artiste uruguayen, surtout connu pour son art sculptural abstrait. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections importantes, tant privées que publiques, et il a organisé plus de cent expositions individuelles et collectives dans le monde entier.
Pour chaque sculpture, Atchugarry choisit personnellement un bloc approprié et s'implique activement dans la sculpture, avec une aide minimale des assistants. Il travaille le marbre blanc de Carrare de Toscane, la pierre grise de Bardiglio, le noir de Belgique et le rose du Portugal. En plus de la pierre, il utilise le bronze patiné, la céramique et, plus rarement, divers types de bois.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Tauba Auerbach est une artiste visuelle qui travaille dans de nombreuses disciplines, notamment la peinture, les livres d'artistes, la sculpture et le tissage. Elle vit et travaille à New York.
Étudiante en mathématiques et en physique depuis toujours, Tauba Auerbach s'intéresse à la structure et à la connectivité, de l'échelle microscopique à l'échelle universelle.
Edgar Augustin était un peintre et sculpteur allemand.
Augustin a étudié la sculpture à Münster avec Karl Ehlers, puis a été l'élève du maître Gustav Zeitz à Hambourg. Son œuvre comprend des représentations figuratives partiellement abstraites en bronze, en bois et en plâtre, ainsi que des peintures, des dessins et des graphiques. Certaines des sculptures d'Edgar Augustin se trouvent dans des espaces publics à Hambourg et dans d'autres villes.
Edgar Augustin était membre de l'Académie libre des arts de Hambourg et de l'Association spéciale des artistes en Allemagne. Dans la seconde moitié du XXe siècle, Augustin a été l'un des pionniers de la sculpture figurative sur bois, dont il est considéré comme le plus important représentant.
Kenjiro Adzuma (japonais : 吾妻 兼治郎) est un sculpteur abstrait japonais connu pour son approche avant-gardiste et innovante de la sculpture et de l'installation, l'un des plus importants artistes japonais de l'après-Seconde Guerre mondiale. Il a également vécu et travaillé en Italie pendant de nombreuses années. Il a étudié la sculpture à la Graduate School of Art de l'université de Tokyo et à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a suivi les cours de Marino Marini.
Kenjiro Adzuma est une figure clé du mouvement artistique japonais connu sous le nom de Mono-ha (School of Things) à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Les artistes du Mono-ha ont exploré la relation entre les matériaux naturels et industriels, les juxtaposant souvent pour créer des installations qui suscitent la réflexion.
Phyllida Barlow (née le 4 avril 1944) est une artiste britannique qui a étudié au Chelsea College of Art (1960-63) et à la Slade School of Art (1963-66). Elle a rejoint le personnel de la Slade à la fin des années 1960 et y a enseigné pendant plus de quarante ans. Elle a pris sa retraite en 2009 et est donc professeur émérite des beaux-arts. Elle a exercé une influence importante sur les jeunes générations d'artistes ; à la Slade, ses élèves comprenaient Rachel Whiteread et Angela de la Cruz. En 2017, elle a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise.
Erwin Bechtold est un peintre et sculpteur abstrait allemand. Il a séjourné à Paris, où il a eu l'occasion de travailler avec Fernand Léger.
Erwin Bechtold a été le fondateur du groupe d'artistes Ibiza 59, dont les membres cherchaient à créer un art libre de toute expression subjective. Les peintures de Bechtold de cette période se caractérisent par leurs formes géométriques minimales et l'utilisation d'une palette de couleurs monochromatiques.
Plus tard dans sa carrière, Bechtold a commencé à expérimenter la sculpture, créant des œuvres à grande échelle qui explorent la relation entre la forme et l'espace.
Wolfram Beck était un sculpteur, dessinateur et peintre allemand qui travaillait le bois, l'acier, le bronze, l'acrylique et la pierre. Formé à l'École de culture artistique de Berlin, il a d'abord réalisé de grandes œuvres organiques en bois, des portraits en buste et des torses en argile et en pierre. Dans les années 1970, Beck a créé des constructions strictement géométriques et aériennes à partir de composants mécaniques et électroniques, qui pouvaient être déplacés par des moteurs ou à la main. Il a également créé des objets en métal et en acrylique aux accents colorés et à l'aspect fragile. Les œuvres de Beck figurent dans les collections d'Axel Springer, d'Egon Eiermann et d'autres.
Curt Beckmann est un peintre et sculpteur allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, a été membre de la Sécession rhénane, de Das Junge Rheinland, de l'Association des artistes de Malkasten, de l'Association des artistes ouest-allemands et de l'Association des artistes allemands.
L'œuvre de Beckmann se distingue par la qualité contemplative des corps féminins nus. De figures naturalistes, il est progressivement passé à une représentation expressionniste presque abstraite.
Ulrich Beier est un sculpteur nord-allemand qui jouit d'une grande réputation dans sa région du Schleswig-Holstein et à Hambourg. De 1945 à 1948, il étudie la sculpture dans sa ville natale avec Christian Brodersen, puis poursuit ses études à Hambourg avec Richard Steffen, élève d'Aristide Maillol.
Ulrich Bayer est membre du Gruppe 56 depuis 1962.
Gastone Biggi était un peintre, sculpteur, écrivain, poète et musicologue italien.
Biggi a combiné la peinture avec son travail d'écrivain d'art et de musicologue. En 1962, il publie un ouvrage clé, La naissance du point, qui théorise l'étude du module du signe, qu'il développera tout au long de sa vie. La même année, il forme le Groupe 1.
Max Bill était un artiste suisse polyvalent, connu pour ses contributions significatives dans des domaines aussi divers que l'architecture, la peinture, le design de typographies, le design industriel et graphique. Sa formation à la célèbre école du Bauhaus entre 1927 et 1929 a posé les bases de son approche artistique, qui privilégie l'utilisation des mathématiques et de la géométrie pour créer des œuvres d'art concret. Son œuvre est caractérisée par une abstraction basée sur des systèmes de grille et des problèmes géométriques, comme la bande de Möbius, illustrant son adhésion aux théories de l'art concret.
Bill a exercé une influence majeure sur le design graphique suisse dès les années 1950, grâce à ses écrits théoriques et son travail progressiste. Il est crédité d'avoir apporté une influence décisive sur la scène artistique brésilienne, notamment en favorisant le mouvement vers l'art concret lors de sa rétrospective au Musée d'Art Moderne de São Paulo en 1951. En tant que designer industriel, ses créations sont marquées par une clarté de design et des proportions précises, par exemple, ses élégantes horloges et montres pour Junghans, ainsi que le célèbre "Ulmer Hocker" de 1954, un tabouret multifonctionnel.
Bill a également laissé une empreinte durable en tant qu'éducateur, notamment en co-fondant l'École de design d'Ulm en 1953, qui a intégré l'art et la science dans son approche pédagogique et a inclus la sémiotique comme champ d'étude. Ses réalisations ont été reconnues internationalement, lui valant des prix prestigieux, dont le Praemium Imperiale en 1993.
Pour en apprendre plus sur l'héritage durable de Max Bill et découvrir ses œuvres, les amateurs d'art et les collectionneurs peuvent visiter des expositions qui lui sont consacrées dans des musées du monde entier, ainsi que consulter les collections de la Fondation Max Bill Georges Vantongerloo basée dans sa maison et son studio à Zumikon.
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Louise Bourgeois est une sculptrice, dessinatrice, graveuse et plasticienne française, naturalisée américainenote.
Elle est surtout connue pour sa sculpture et ses installations monumentales. Elle explore des thèmes tels que l'univers domestique, la famille, le corps, notamment les organes sexuels, tout en abordant une approche qui se traduit comme une manifestation des subconscients et la réactivation de souvenirs de son enfance. Elle est proche des mouvements expressionnistes abstraits et du surréalisme, ainsi que du mouvement féministe, mais reste toute sa vie non affiliée à une mouvance particulière.
Stanley Boxer était un artiste américain connu pour ses œuvres d'art abstraites aux peintures épaisses. Il était également un sculpteur et un graveur accompli. Il a reçu des prix de la bourse Guggenheim et du National Endowment for the Arts.
Joe Bradley est un artiste visuel américain, connu pour ses peintures minimalistes et ses champs de couleurs. Il est également l'ancien chanteur du groupe punk Cheeseburger. Bradley a vécu à New York et à Amagansett.
Bradley a développé un style de langage visuel qui est fluide à la fois dans le canon de l'histoire de l'art et dans les expériences personnelles de l'artiste. Bradley réinvente continuellement son travail dans ses peintures, ses dessins et ses sculptures, avec une profonde maîtrise des modes iconiques de création artistique qui lui permet d'évoluer avec élégance entre l'abstraction, le minimalisme et le marquage gestuel de l'expressionnisme abstrait. Cependant, c'est sa conscience des influences internes et externes qui lui permet de s'approprier ces idées et de les faire siennes, sans jamais s'enraciner dans la certitude. Pour lui, l'acte de peindre exige que l'on voyage parmi les conversations infinies des peintres d'hier et d'aujourd'hui, faisant souvent référence à ce qu'il appelle "l'espace partagé" de la peinture, une acceptation de la nature relative de tous les arts visuels.
Constantin Brâncuși, sculpteur roumain naturalisé français, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, célèbre pour son approche révolutionnaire de la sculpture. Né en 1876 en Roumanie, Brâncuși a fait de Paris son lieu de travail, où il a développé un style distinctif qui a repoussé les frontières de l'art moderne. Son œuvre est marquée par une simplification radicale des formes, cherchant à capturer l'essence plutôt que la représentation littérale des sujets. Cette démarche est particulièrement visible dans ses sculptures emblématiques telles que "L'Oiseau dans l'espace", "La Colonne sans fin", "Le Baiser" et "La Muse endormie", qui sont reconnues pour leur élégance épurée et leur force symbolique.
Brâncuși a été un pionnier de l'abstraction, influençant non seulement la sculpture moderne mais aussi les courants surréalistes et minimalistes. Son travail manuel direct sur la pierre et le métal, préférant la taille directe à la technique plus traditionnelle du modelage, a marqué un tournant dans l'approche sculpturale. Il a suivi ses études à l'École des Beaux-Arts de Bucarest, puis s'est établi à Paris, où il a brièvement travaillé dans l'atelier de Rodin avant de forger son propre chemin.
Le refus par les douanes américaines de reconnaître "L'Oiseau dans l'espace" comme une œuvre d'art en 1926, en raison de son abstraction, a mené à un procès historique qui a finalement établi un précédent important pour la reconnaissance des œuvres d'art non représentatives. Cette affaire a souligné la nature révolutionnaire de l'œuvre de Brâncuși et sa contribution à l'évolution de la compréhension de l'art.
Les œuvres de Brâncuși sont présentes dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'art contemporain. Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de son travail offre des perspectives précieuses sur l'évolution de la sculpture moderne et l'abstraction.
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Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Benjamin Bronni est un artiste, sculpteur et architecte allemand.
Il a étudié à l'Académie nationale d'art et de design de Stuttgart et travaille en symbiose avec la peinture, la sculpture et l'installation. Bronny s'intéresse beaucoup à l'architecture, c'est pourquoi il développe souvent des œuvres en se concentrant sur le site. Dans ses œuvres en papier, ses peintures et ses objets muraux en plastique, Benjamin Bronni explore la fusion rythmique de la forme et de l'espace. L'artiste réalise son travail à la main, mais utilise également des procédés numériques tels que le rendu 3D.
James Brown est un peintre, sculpteur, dessinateur et graphiste américain. Il travaille entre Paris et Oaxaca de Juárez (Mexique). Il a atteint le sommet de sa reconnaissance dans les années 1980 avec une peinture semi-figurative et proche de l'art rupestre. Son travail a évolué au fil des ans, mais il maintient toujours l'équilibre entre tradition et modernisme, attachant une grande importance au fait-main. Il mêle dans ses œuvres des motifs de l'art tribal et des intérêts spirituels. Une grande partie de son travail est non-réaliste, mais contient des scènes ou des objets ou des signes de visages reconnaissables. La ligne entre la représentation et l’abstraction est souvent difficile à cerner dans son travail. Outre les peintures et sculptures, Brown a également produit des séries de gravures à divers moments de sa carrière, et dans les années 1990, il a commencé à utiliser massivement la technique du collage. Le dessin et d'autres œuvres uniques sur papier ont joué un rôle important dans son développement artistique et dans sa production.
Will Brüll était un peintre et sculpteur allemand. L'œuvre de Brüll se caractérise par une peinture et une sculpture abstraites influencées par le mouvement De Stijl et des artistes tels que Piet Mondrian et Theo van Doesburg. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, où il a développé son propre style. Brüll a beaucoup exposé aux Pays-Bas et à l'étranger. Nombre de ses œuvres font partie de collections publiques et privées.
André E. Bucher était un artiste et sculpteur suisse. Son œuvre comprend de la peinture, des dessins, des illustrations, des gravures sur bois, des collages, du book art, des sculptures, de la photographie, de la tapisserie, de l'art objet et de l'art dans le bâtiment.
Hede Bühl est une sculptrice allemande qui vit et travaille à Düsseldorf. Elle a étudié avec Joseph Beuys et a travaillé dans l'atelier d'Ewald Mataré. Son œuvre a reçu de nombreuses récompenses, notamment le prix Villa Romana (1973), la bourse Villa Massimo (1979) et le prix Käthe Kollwitz de l'Académie des arts de Berlin (2007).
Fran Bull est un sculpteur, peintre et graveur américain vivant et travaillant à Brandon, Vermont et Barcelone, Espagne. Bull s'est fait connaître à l'origine pour ses peintures photoréalistes réalisées au milieu des années 1970 et 80. À la fin des années 1980, l'art de Bull commence à évoluer vers l'abstraction ou l'expressionnisme néo-abstrait. Stimulée par sa nouvelle approche de la peinture, au milieu des années 1990, Bull a commencé à explorer d'autres médias. Depuis lors, sa production artistique comprend l'art de la performance, la sculpture, les techniques mixtes et la gravure, ainsi que la peinture. Elle a été particulièrement prolifique dans le domaine de la gravure. Bull a produit de nombreuses séries diverses de gravures qui continuent d'être exposées dans le monde entier.
Michael Burges est un artiste abstractionniste allemand. Il réalise ses créations en utilisant la technique particulière de la peinture sur verre "Reverse Glass Paintings". Les matériaux utilisés sont l'acrylique, la feuille d'or et l'aluminium. Ses peintures sur verre inversé se distinguent par la présence extraordinaire de leurs couleurs et leur précision esthétique. Grâce à une conception exclusive avec un cadre en aluminium, les œuvres semblent flotter devant le mur. Elles interagissent avec la lumière et la réflexion, avec des motifs et des structures de couleurs aléatoires.
Alberto Burri est un artiste plasticien italien, peintre et sculpteur. Il est associé au courant matiériste du mouvement de l'Art informel européen et qualifiait son style de polymatérialiste. Il entretient également des liens avec le spatialisme de Lucio Fontana et aura, avec Antoni Tàpies, une influence sur le renouveau de l'art de l'assemblage d'après-guerre en Amérique (Robert Rauschenberg) comme en Europe.
Michael Buthe est un peintre, un sculpteur et un écrivain allemand.
Le voyage de Michael Buthe au Maroc en 1971 est un des tournants majeurs de son œuvre. Là-bas, il découvre la puissance des couleurs vives, et s'inspire des formes et matériaux orientaux. De plus, il s'enrichit de la pratique artistique marocaine, différente de celle des Européens.
Alexander Calder était un artiste américain, célèbre pour ses contributions significatives à la sculpture moderne. Né en 1898 en Pennsylvanie et décédé en 1976 à New York, Calder a révolutionné la sculpture en introduisant le mouvement à travers ses mobiles, des assemblages de feuilles de métal et de fils activés par les courants d'air, ainsi que ses stabiles, d'énormes structures extérieures en métal qui suggèrent le mouvement sans bouger. Son héritage familial artistique, avec une mère peintre et un père ainsi qu'un grand-père sculpteurs, n'a pas empêché Calder d'explorer d'abord une carrière en génie mécanique avant de se tourner définitivement vers l'art.
Calder a commencé à gagner une reconnaissance internationale dès les années 1940 et 1950, devenant l'un des sculpteurs américains les plus reconnus de son époque. Ses œuvres, caractérisées par leur nature ludique et abstraite, sont devenues emblématiques dans l'espace public et dans les collections de musées prestigieux comme le Whitney Museum of American Art, le Guggenheim Museum, le Museum of Modern Art à New York, la National Gallery of Art à Washington, D.C., et le Centre Georges Pompidou à Paris. Outre ses sculptures, Calder a également produit des peintures, des miniatures, des illustrations de livres pour enfants, des décors de théâtre, des bijoux, des tapisseries, des tapis, et même des affiches politiques.
Quelques-unes de ses œuvres majeures incluent le mobile ".125" pour l'aéroport John F. Kennedy à New York, "Teodelapio" pour la ville de Spoleto en Italie, et "Flamingo", une stabile en acier peint en rouge pour le Federal Center Plaza à Chicago. En reconnaissance de son travail pionnier, Calder a été honoré à titre posthume par la Médaille présidentielle de la Liberté en 1977, après avoir refusé de l'accepter de la part de Gerald Ford un an plus tôt en protestation contre la guerre du Vietnam.
Pour découvrir davantage sur l'œuvre d'Alexander Calder et voir certaines de ses réalisations, les collections de la National Gallery of Art offrent un aperçu fascinant de son travail, incluant des pièces telles que "Cow" (1929), "Aztec Josephine Baker" (c. 1929), et une variété de ses mobiles et stabiles iconiques.
Pour ceux passionnés par l'art de Calder et souhaitant rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères le concernant, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette souscription vous garantit de ne pas manquer les dernières nouvelles liées à Alexander Calder, assurant ainsi aux collectionneurs et aux experts en art et antiquités un accès privilégié à ces informations précieuses.
Louis Cane est un peintre et sculpteur contemporain français. Il réalise 1971 année, ses premières expositions personnelles à Paris et participe à la deuxième et troisième exposition du groupe Supports/Surfaces au Théâtre de la Cité internationale à Paris en avril, puis en juin au théâtre de Nice. Jusqu'en 1975, Cane continue ses séries abstraites. En 1975 et 1976, il se met à pratiquer une peinture semi-abstraite. D'une peinture abstraite à un retour définitif à la figuration, en 1978, Louis Cane réfléchit sur l'histoire des formes picturales et se lance dans une figuration exacerbée de figures emblématiques, des femmes nues et écartelées, des accouchements, des Annonciations, des déjeuners sur l'herbe. La sculpture qu'il aborde dès 1978, est pour lui une discipline familière, depuis ses années d'apprentissage. Les statues, féminines presque exclusivement, renouent avec la pratique traditionnelle du modelage, et les formes se montrent alors tantôt burlesques, tantôt pathétiques, d'un expressionnisme baroque. Louis Cane, qui fut élève des Arts décoratifs, est également un créateur de mobilier talentueux, cette activité représentant une part importante de sa création artistique (surtout ces dernières années).
Arturo Carmassi est un peintre, sculpteur et graveur abstractionniste italien.
Il a étudié à l'Académie Albertina de Turin. Carmassi a créé de nombreuses images, sculptures et gravures sur métal et a travaillé en lithographie et en sérigraphie. Il a participé à de nombreuses expositions et biennales et est un sculpteur de renommée internationale.
Sir Anthony Alfred Caro était un sculpteur abstrait anglais qui a joué un rôle clé dans le développement de la sculpture du XXe siècle.
Caro a été formé à la Royal Academy School de Londres. Au début des années 1960, il a commencé à réaliser des constructions abstraites en acier aux couleurs vives qu'il plaçait directement sur le sol - l'absence de piédestal signifiait un changement radical dans la dynamique entre l'œuvre et le spectateur. Outre l'acier, il a également créé des œuvres en bronze, en plomb, en argent, en céramique et en bois, ainsi que sur papier.
Nicola Carrino est un sculpteur italien.
Depuis 1969, il crée de grandes œuvres géométriques et modulaires tridimensionnelles qui s'intègrent parfaitement au paysage environnant.
Carrino a été professeur de sculpture à l'Académie des beaux-arts et membre de l'Accademia Nazionale di San Luca.
Andrea Cascella était un peintre et sculpteur italien issu de la famille d'artistes Cascella.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été un membre actif de la Résistance dans les formations Garibaldi Ossola en tant que commandant d'entraînement. Andrea Cascella a également collaboré avec les frères Menghi Osteria, artistes, réalisateurs, scénaristes, écrivains et poètes des années 1940 à 1970.
L'une de ses plus belles œuvres est considérée comme le monument aux morts d'Auschwitz, qu'il a conçu avec son frère Pietro. Cascella a également réalisé des sculptures pour des églises et des bas-reliefs pour des bâtiments publics.
Vija Celmins est une artiste américaine d'origine lettone. Elle est surtout connue pour ses peintures et dessins photoréalistes d'objets naturels et artificiels.
Vija Celmins et sa famille ont fui la Lettonie pendant la Seconde Guerre mondiale et se sont finalement installés aux États-Unis. Elle a étudié l'art à la John Herron School of Art d'Indianapolis, puis à l'université de Californie à Los Angeles.
Celmins a commencé sa carrière de peintre dans les années 1960 et, dans les années 1970, elle a développé son style caractéristique de photoréalisme. Elle est connue pour son souci du détail et ses peintures et dessins prennent souvent des mois, voire des années, à être réalisés. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent des images du ciel nocturne, des océans et des rochers.
Celmins a fait l'objet de nombreuses expositions individuelles dans des musées et galeries du monde entier, dont une rétrospective au Centre Pompidou à Paris en 2006. Ses œuvres font partie des collections de nombreux grands musées, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Modern Art de New York et la National Gallery of Art de Washington.
Saint Clair Cemin est un sculpteur brésilien qui vit et travaille à New York.
Saint Clair Cemin utilise un large éventail de matériaux et de techniques de travail pour son œuvre artistique. La pierre, le métal, le bois, le bronze, le marbre et la terre cuite font partie des matériaux qu'il utilise.
Cemin a reçu plusieurs prix pour son travail et a eu de nombreuses expositions dans différents pays, il a notamment participé à la documenta IX à Kassel.
Alfredo Chighine est un peintre et sculpteur italien du mouvement Informel.
Son art a évolué des premières lignes griffonnées à des peintures de précision vives et animées. Ces dernières années, Chighine a atteint son objectif principal : la luminosité, la texture de la surface et les lignes fluides.
Ernst Stocker, plus connu sous le nom de Coghuf, était un peintre, dessinateur et sculpteur suisse. Il a conçu des tapisseries et des vitraux.
L'œuvre de Coghuf se caractérise par des formes abstraites, des couleurs vives et une impression de mouvement dynamique. L'œuvre de Coghuf transmet souvent une profondeur émotionnelle et explore la relation entre la forme et l'espace.
William Congdon est un artiste américain connu pour ses peintures fortes et profondément personnelles qui explorent les thèmes de la spiritualité, de l'existentialisme et de la condition humaine.
Les premières œuvres de William Congdon ont été influencées par l'expressionnisme et le mouvement de l'art abstrait d'après-guerre. Au fil du temps, cependant, son style artistique a évolué et il a développé une approche unique combinant l'abstraction et des éléments figuratifs. Ses peintures représentent souvent des personnages isolés, des paysages urbains et des paysages, véhiculant un sentiment d'introspection et de profondeur émotionnelle.
Les œuvres de Congdon se caractérisent par une riche palette de couleurs, un coup de pinceau spectaculaire et un sentiment d'émotion brute. Il a exploré le contraste entre la lumière et l'obscurité, créant des compositions à la fois contemplatives et expressives.
Pietro Consagra était un sculpteur italien et l'une des figures de proue du mouvement artistique italien de l'après-guerre connu sous le nom d'Arte Informale ou Forma 1.
Les premières œuvres de Pietro Consagra sont influencées par la sculpture figurative traditionnelle, mais il est rapidement fasciné par le mouvement de l'art abstrait. Il rejette l'idée de créer des sculptures qui imitent la réalité et se concentre plutôt sur l'exploration de la relation entre la forme, l'espace et la perception du spectateur.
Les sculptures de Consagra présentent souvent des formes géométriques simplifiées, mettant l'accent sur des lignes épurées et des volumes solides. Ses œuvres se caractérisent par un sens de l'équilibre, de l'harmonie et de la tension spatiale.
Pedro Coronel Arroyo est un peintre et sculpteur mexicain contemporain. Il est le frère du peintre Rafael Coronel.
Pedro Coronel était un tenant de l'abstraction et de l'art abstrait. Son œuvre est connue pour ses couleurs originales, et pour sa monumentalité. Il peignait sur des toiles de grandes dimensions. Ses sculptures ont des formes simplifiées.
Il était aussi un grand collectionneur d'art précolombien, d'arts premiers, oriental, gréco-romain, médiéval. Il a fait donation de sa collection au musée de Zacatecas qui porte son nom.
Roberto Crippa est un peintre et sculpteur italien. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a développé ses compétences artistiques en explorant différents styles et techniques.
Les premières œuvres de Crippa ont été influencées par le surréalisme, avec ses images oniriques et symboliques. Cependant, il s'est rapidement éloigné de la représentation figurative et a commencé à utiliser l'abstraction. Son style artistique a évolué vers un mélange unique d'abstraction et de formes géométriques.
L'une des contributions notables de Crippa à l'art a été sa participation au mouvement Movimento Arte Concreta (Art concret) en Italie. Ce mouvement prônait un art non représentatif, mettant l'accent sur les formes géométriques, la précision mathématique et les aspects formels de l'art. Les œuvres de Krippa de cette période témoignent d'une fascination pour les grilles, les lignes et les motifs géométriques.
Joseph Csaky, un artiste hongrois devenu une figure emblématique de l'art parisien, est reconnu pour son rôle pionnier dans le mouvement cubiste en tant que sculpteur. Dès son arrivée à Paris en 1908, Joseph Csaky s'est engagé dans un voyage artistique marqué par l'influence de diverses formes d'art, y compris la sculpture non-occidentale, ce qui a enrichi sa compréhension cubiste des relations volumétriques et spatiales.
Son oeuvre se caractérise par l'utilisation de formes géométriques et architecturales, intégrant l'espace et la structure de manière innovante. Parmi ses réalisations remarquables figurent des sculptures telles que « Tête », sculptée en cristal de roche et obsidienne, qui illustre son passage à des lignes plus douces et pures, marquant la transition vers le style Art Déco.
Joseph Csaky a également contribué à l'art public, avec des œuvres comme « Euterpe – Muse of Lyric Poetry » et « Melpomene – Muse of Tragedy », qui témoignent de sa polyvalence et de son talent dans l'exploration de différents médiums et thématiques.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art, l'œuvre de Joseph Csaky offre une perspective unique sur l'évolution de la sculpture moderne. Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Joseph Csaky, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Votre abonnement vous alerte uniquement sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères en rapport avec cet artiste exceptionnel.
Aaron Curry est un peintre et sculpteur américain, dont les œuvres font partie des collections du Museum of Modern Art, du Los Angeles County Museum of Art, du Chicago Museum of Contemporary Art et du San Francisco Museum of Art. Ses œuvres ont été exposées au Lincoln Center for the Performing Arts (en 2013) et au Katonah Museum of Art (en 2015) à New York, au Musée d'art contemporain de Bordeaux en France (en 2014) et au DeCordova Museum and Sculpture Park à Lincoln, Massachusetts (en 2017).
plasticien péruvien connu principalement par son travail en peinture et sculpture. C'est l'un des artistes d'avant-garde les plus en vue du Pérou et une figure clé du développement de l'art abstrait en Amérique Latine.
Richard Deacon est un sculpteur gallois. Il est connu pour ses sculptures abstraites qui explorent les relations entre la forme, l'espace et les matériaux.
Richard Deacon a d'abord étudié au Somerset College of Art de Taunton, avant de poursuivre ses études au Central Saint Martins College of Art and Design et au Royal College of Art de Londres. Il a commencé sa carrière de sculpteur dans les années 1970 et est devenu depuis l'un des sculpteurs britanniques les plus en vue de sa génération.
Les sculptures de Deacon sont souvent réalisées à partir de matériaux tels que le bois stratifié, l'acier et la céramique, et prennent des formes très diverses, tantôt organiques et biomorphiques, tantôt géométriques et architecturales. Il est connu pour son utilisation des courbes, des lignes et des couleurs vives, ainsi que pour son exploration de l'espace négatif et de la relation entre les objets et l'espace qui les entoure.
Deacon a exposé dans le monde entier, notamment à la Tate Gallery de Londres, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et au Guggenheim Museum de New York. Il a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, dont le prix Turner en 1987 et un CBE en 1999.
Albrecht Demitz est un artiste graphique et sculpteur allemand qui appartient au groupe « Nouveaux Fauves » (en allemand : Neue Wilde) de Berlin. Ses peintures sont souvent expressives, abstraites et exécutées dans des couleurs vives et expressives. Il travaille en particulier les techniques de sérigraphie et crée des sculptures à partir de divers matériaux - bois, brindilles, pierres, métaux et déchets.