Sculpteurs Pop art
Bruno Bruni senior est un lithographe, graphiste, peintre et sculpteur italien. Il connaît un succès commercial dans les années 1970. En 1977, il a remporté le prix international Senefeld pour la lithographie. Depuis, il est devenu l'un des artistes italiens les plus populaires en Allemagne et l'un des lithographes allemands les plus connus.
Niclas Castello, de son vrai nom Norbert Zerbs, est un peintre et sculpteur allemand, représentant du Pop Art.
Niclas a étudié l'art en Allemagne, à Paris et à New York. Dans les années 1990, à Berlin-Ouest, il a découvert l'art de la rue, qui est devenu la base de sa carrière. Il est connu pour une série de sculptures intitulées "Kiss Sculptures" et les œuvres "Cube Painting-Sculpture". Castello utilise également une technique inhabituelle pour capturer le moment où l'œuvre émerge : à la fin de la réalisation, l'artiste prend la pièce et la compresse pour la placer dans une boîte.
Jaqueline de Jong est une artiste, sculptrice et graphiste néerlandaise qui vit et travaille à Amsterdam et à Bourbon, en France.
Dans sa pratique de la peinture, elle passe facilement d'un style à l'autre, de la peinture expressionniste à la nouvelle figuration et au pop art, réitérant des motifs d'érotisme, de désir, de violence et d'humour. Des gravures aux grandes peintures à l'huile, elle montre une fascination pour le grotesque et le macabre, en particulier dans les œuvres plus figuratives représentant des créatures mi-humaines, mi-bêtes. C'est comme si elles révélaient le côté laid ou animal de la nature humaine que nous préférons généralement cacher.
Michael Fischer-Art, artiste né à Leipzig, adopte dans son art une approche socialement critique de l'environnement et associe son travail au « réalisme du marché ». Ses images sont des attaques colorées contre l'intellectualisme et la profondeur, tandis que ses sculptures attirent le regard et embellissent de nombreux endroits en Allemagne. Il crée également des portraits de célébrités dans le style pop art et entretient des contacts avec des représentants de la politique, des affaires et du show business.
David (Dudu) Gerstein est un peintre, sculpteur, dessinateur et graveur israélien.
Gerstein a reçu une large éducation : il a étudié à l'Académie Bezalel, puis à l'École des Beaux-Arts de Paris, à New York il a poursuivi ses études à l'Art Students League, et en 1974 il a reçu un diplôme de la St Martin's School of Art de Londres. Il travaille librement sur tous les supports : gravure, peinture, sculpture, dessin, peintures murales et créations monumentales.
Dans les années 1970, Gerstein commence à expérimenter des œuvres tridimensionnelles, laissant des fragments découpés suspendus dans l'espace. Après de nombreuses innovations, David a commencé à créer des sculptures murales en utilisant la découpe au laser et la peinture automobile. Il crée sa propre forme de pop art et acquiert une réputation internationale pour son style caractéristique avec des images colorées de nombreux cyclistes, papillons, danseurs, coureurs et autres. Avec l'avènement de l'informatique, il a pu convertir ses dessins en gabarits parfaitement formatés qui peuvent être reproduits fidèlement dans un atelier de métallurgie.
Les sculptures monumentales reconnaissables de Gerstein sont visibles dans les villes du monde entier. Sa sculpture de rue Momentum est la plus haute sculpture publique de Singapour.
Domenico Gnoli est un peintre, illustrateur et scénographe italien.
Après une carrière d'illustrateur et de scènographe pour les théâtres italiens, londoniens ou parisiens, Domenico Gnoli parvient vers 1964 à la manière et au répertoire qui ont fait sa renommée. Parfois rapprochée du Pop art pour sa thématique ou de l'hyperréalisme pour le rendu des détails en vue rapprochée, son œuvre atypique à la technique parfois archaïsante s'en distingue toutefois par un dessin épuré et précis, des teintes douces et rompues conférant aux objets quotidiens détachés de leur contexte ou de leur fonction (fils de tissu, chaussures, cravate, fruit, collier, cheveux) une dimension poétique et mystérieuse, proche de l'abstraction et de la peinture métaphysique.
Joe Goode est un artiste américain associé aux mouvements Pop Art et Light and Space. Les œuvres de Goode intègrent souvent des images de l'Ouest américain, telles que des nuages, des montagnes et des couchers de soleil, ainsi que des objets quotidiens tels que des bouteilles de lait et des journaux.
Goode a étudié au Chouinard Art Institute de Los Angeles. Il a commencé sa carrière de peintre dans les années 1950 et 1960, créant des œuvres qui combinent abstraction et figuration. Dans les années 1960, il s'est associé au mouvement Pop Art et a commencé à incorporer des images d'objets quotidiens et de la culture populaire dans ses œuvres.
Dans les années 1970, Goode a commencé à explorer le potentiel de la lumière et de la couleur en tant que médiums, en créant des installations et des sculptures qui jouaient sur les interactions entre la lumière et différents matériaux et surfaces. Il a également été associé au mouvement Light and Space, qui cherchait à créer des expériences immersives et sensorielles par l'utilisation de la lumière et de l'espace.
Goode a beaucoup exposé son travail aux États-Unis et en Europe, et ses œuvres sont représentées dans de nombreuses collections publiques et privées. Il a également enseigné dans plusieurs écoles d'art, notamment à l'université de Californie à Los Angeles.
Goode continue de travailler et d'exposer aujourd'hui, et son approche innovante de la peinture, de la sculpture et de l'installation a fait de lui l'un des artistes les plus importants des mouvements Pop Art et Light and Space.
Todd Gray travaille la photographie, la performance et la sculpture. Artiste contemporain, il vit et travaille à Los Angeles, en Californie, et à Akwidaa, au Ghana.
Dans le catalogue de l'exposition Black is, Black Ain't à la Renaissance Society de Chicago, Amy M. Mooney écrit que "les critiques ont noté que le travail de Gray est "fluide dans l'iconographie culturelle, conduit par l'introspection, et imprégné des questions de politique d'entreprise et d'identité raciale" et que ses autoportraits déjouent la lecture traditionnelle de la ressemblance extérieure". Gray se décrit comme un artiste et un activiste qui se concentre principalement sur les questions de race, de classe, de genre et de colonialisme, et utilise ces optiques pour remettre en question les binaires du passé et du présent. En général, son travail vise à interpeller le spectateur à la fois par ce qu'il inclut et ce qu'il laisse de côté.
Red Grooms est un peintre-sculpteur américain.
Ses tableaux sont des tableaux-sculptés et peints, dans lesquels est représenté le petit monde de New York, et même de Paris, avec ses petits métiers, ses habitants avec un regard jamais critique mais bienveillant et burlesque.
D'un style art pop, où règne un univers débridé, proche de la bande dessinée ou de la caricature, l’exubérance, la couleur et l’humour.
Keith Haring était un artiste américain, connu pour son influence marquante dans le monde de l'art et de la culture. Né en 1958, Haring s'est distingué par son style unique, caractérisé par des dessins vibrants, des couleurs vives et des images qui symbolisent la vie, la mort, l'amour et la guerre. Ses œuvres, facilement reconnaissables, reflètent souvent des commentaires sociaux et politiques, témoignant de son engagement envers les causes sociales telles que la lutte contre le SIDA.
Haring a acquis une notoriété internationale dans les années 80, grâce à ses dessins spontanés dans les stations de métro de New York. Ses images iconiques, telles que les bébés rayonnants, les chiens aboyants et les figures danseuses, sont devenues des symboles de la culture populaire. L'artiste a également réalisé de nombreuses œuvres murales publiques à travers le monde, marquant des espaces urbains avec ses messages d'espoir et d'égalité.
Son art n'était pas seulement destiné aux galeries et musées; Haring croyait fermement que l'art devait être accessible à tous. Il a ouvert le "Pop Shop" à New York, où il vendait des produits dérivés de ses œuvres, démocratisant ainsi l'accès à l'art. Ses travaux sont exposés dans de prestigieuses institutions, telles que le Museum of Modern Art (MoMA) à New York et le Centre Georges-Pompidou à Paris, témoignant de son impact durable dans le monde de l'art.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Keith Haring demeure un témoignage puissant de l'art comme moyen de communication sociale et politique. Son style distinct et ses contributions significatives à l'art et à la culture continuent d'inspirer et d'influencer les générations d'artistes. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Keith Haring, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous garantit des alertes exclusives sur les nouveautés et les opportunités uniques liées à l'œuvre de cet artiste emblématique.
Arturo Herrera est un peintre, graphiste et sculpteur américain et allemand d'origine vénézuélienne qui vit et travaille à Berlin depuis 2003.
Herrera est arrivé aux États-Unis en 1978, a étudié l'art à l'université de Tulsa, a voyagé en Europe et a suivi des études supérieures à l'université de l'Illinois à Chicago. À New York, il a commencé à collectionner des livres de coloriage, des bandes dessinées et des contes de fées illustrés. Au début des années 1990, il s'est fait connaître par ses nombreux travaux utilisant diverses techniques de collage. Herrera semble tisser des fragments d'images reconnaissables trouvées dans des collages.
L'œuvre de Herrera comprend des travaux sur papier, des peintures, des reliefs, des sculptures, des œuvres d'art public et des livres. À la fin des années 1990, l'artiste a commencé à créer des sculptures murales en feutre : des morceaux de matériau découpés sont suspendus pour créer des "taches" multicolores. Les images qui en résultent oscillent souvent entre abstraction et figuration, avec des échos du Pop Art des années 1950-1960 et du surréalisme du début du XXe siècle, de l'Art nouveau, de l'abstraction lyrique et du collage cubiste.
Ana Mercedes Hoyos est une peintre, sculptrice et pionnière de l'art moderne en Colombie. Elle commence sa carrière dans un style Pop Art, puis elle s'oriente vers l'art abstrait. Ses œuvres ultérieures se concentrent sur l'héritage afro-colombien et métis.
Jasper Johns est un artiste américain renommé, célèbre pour ses contributions significatives à l'art contemporain, en particulier dans les domaines de la peinture et du dessin. Né en 1930, Johns est surtout connu pour ses drapeaux, cibles, chiffres, et cartes des États-Unis, des œuvres qui ont joué un rôle crucial dans le passage de l'expressionnisme abstrait au pop art et au néo-dadaïsme. Sa capacité à transformer des objets et des symboles quotidiens en art, en explorant les thèmes de la perception et de l'identité, a marqué une rupture significative avec les conventions artistiques de son époque.
L'œuvre de Johns se distingue par son utilisation innovante des matériaux et sa remise en question des frontières entre peinture et sculpture. Ses célèbres "Flag" (Drapeau) et "Target" (Cible) incarnent cette approche, où il emploie la technique de l'encaustique pour superposer peinture et objets trouvés, créant ainsi des textures et des dimensions riches. Ces travaux ne se contentent pas d'imiter la réalité; ils invitent le spectateur à réfléchir sur le processus de représentation et le rôle des symboles dans la culture.
Les œuvres de Johns sont exposées dans les plus prestigieuses institutions du monde, telles que le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, et la Tate Modern à Londres. Son impact sur l'art contemporain est indéniable, influençant des générations d'artistes par son exploration de l'objet d'art comme entité autonome et son interrogation sur la dualité de la signification et de la représentation.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités fascinés par le travail de Jasper Johns, s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique est une opportunité à ne pas manquer. Cette souscription vous garantit un accès privilégié à l'univers de Johns, vous permettant de rester informé des dernières acquisitions et des opportunités uniques d'enrichir votre collection.
Allen Jones est un artiste pop britannique et un Senior Fellow de la Royal Academy of Arts. Il est connu pour ses peintures, sculptures et lithographies sur la sexualité humaine. Il a reçu le prix des jeunes artistes à la Biennale de Paris en 1963.
L'œuvre la plus célèbre d'Allen Jones est "Hat Stand, Table and Chair", créée à partir de mannequins "fétiches" en fibre de verre.
Jeff Koons est un plasticien et sculpteur de style kitsch néo-pop américain. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent l'Inflatable Rabbit, les Balloon Dogs, les Tulips ou encore Michael Jackson and Bubbles. En France, il organise Koons Versailles dans le Château et les Jardins de Versailles en 2008-2009 et sa Rétrospective au Centre Pompidou en 2014-2015.
Patrick Nagel était un peintre et illustrateur américain. Il a conçu de nombreuses œuvres pour des compagnies, des musiciens et des magazines de renom (notamment pour Playboy). Parmi ses œuvres les plus célèbres figure la couverture de l'album du groupe Duran Duran intitulé Rio (1982). Avec ses œuvres, vendues à deux millions d'exemplaires sous forme d'affiches dans le monde, Nagel a façonné l'image des années 1980.
Claes Thure Oldenburg était un artiste suédo-américain, renommé pour ses contributions exceptionnelles dans le domaine de l'art contemporain. Spécialisé dans les sculptures de grande taille, souvent d'objets du quotidien transformés en œuvres monumentales, Oldenburg a marqué l'art moderne par son approche unique et son style distinctif. Ses créations, empreintes d'humour et de critique sociale, offrent une nouvelle perspective sur les objets ordinaires, les élevant au rang d'icônes culturelles.
Né en 1929 à Stockholm et décédé en 2022, Oldenburg a passé l'essentiel de sa carrière aux États-Unis, où il a développé un art style reconnaissable entre tous. Ses œuvres, telles que "Clothespin" à Philadelphie et "Spoonbridge and Cherry" à Minneapolis, sont devenues des symboles emblématiques des villes où elles sont exposées. Ces sculptures, par leur taille imposante et leur conception originale, invitent les spectateurs à interagir avec l'art de manière inédite, transformant l'espace public en une galerie à ciel ouvert.
L'impact de Claes Oldenburg sur la culture artistique va au-delà de ses sculptures publiques. Ses installations et ses œuvres plus intimistes sont également célébrées pour leur capacité à questionner et à réinventer la perception des objets quotidiens. Artiste prolifique, il a laissé derrière lui un héritage durable, influençant des générations d'artistes à explorer de nouvelles formes d'expression artistique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Claes Oldenburg représente une exploration fascinante de l'intersection entre art, culture et société. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Claes Oldenburg. Cette souscription vous garantira un accès privilégié aux dernières acquisitions et aux opportunités uniques d'enrichir votre collection avec les œuvres d'un des artistes les plus influents du XXe siècle.
Eduardo Paolozzi était un artiste écossais, reconnu pour ses œuvres en sculpture et en graphisme, considéré comme l'un des pionniers de l'art pop. Né à Leith, près d'Édimbourg, de parents italiens, Eduardo Paolozzi a étudié à Édimbourg et à Londres avant de passer deux ans à Paris. Là, il a créé des sculptures énigmatiques et des collages inspirés par le dadaïsme et le surréalisme, anticipant les thèmes de l'art pop. Ses œuvres graphiques des années 1960, influencées par la culture pop et l'imagerie technologique, montrent son innovation dans le médium de la sérigraphie.
Au cours de sa carrière, Eduardo Paolozzi a reçu plusieurs distinctions, dont l'ordre de l'Empire britannique en 1968 et a été fait chevalier en 1989. Ses œuvres sont présentes dans des espaces publics, comme les mosaïques pour la station de métro Tottenham Court Road à Londres, et dans des collections de galeries majeures. En 1994, il a donné un grand nombre de ses œuvres à la Scottish National Gallery of Modern Art, qui expose une reconstitution de son studio et affiche une collection significative de ses travaux.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Eduardo Paolozzi offre un aperçu fascinant de la fusion entre l'art et la technologie, ainsi que de son interprétation unique de la culture populaire. Ses contributions à l'art et à la culture restent pertinentes pour ceux qui s'intéressent à l'évolution de l'art moderne et pop.
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Pino Pascali est un sculpteur, artiste conceptuel, graphiste et scénographe italien, l'un des précurseurs du style art povera.
Il a étudié la scénographie à l'Académie des arts de Rome, puis a travaillé à la télévision en tant que graphiste et caméraman, expérimentant simultanément différents matériaux.
Pascali a commencé à créer des œuvres frappantes influencées par le pop art dans différents styles et sur différents supports. Il utilise de vieilles boîtes de conserve, des pinceaux en plastique, de la fausse fourrure, de l'eau colorée, du foin, de la boue... L'une des œuvres les plus impressionnantes de Pascali est Bridge (1968), un pont de huit mètres fait d'éponges d'acier.
Richard Pettibone est un peintre, sculpteur, graphiste et illustrateur américain. Il a créé des répliques d'œuvres de représentants du pop art tels qu'Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Ed Roush. Il a reproduit des œuvres des principaux artistes d'avant-garde Marcel Duchamp et Constantin Brancusi.
Maurizio Savini est un artiste et sculpteur italien spécialisé dans l'utilisation du chewing-gum comme matériau pour ses œuvres d'art. Il vit et travaille à Rome.
Ses sculptures sont à la fois fantaisistes et surréalistes, étayées par des aspects sociaux et politiques qui renvoient à une réflexion plus large sur les conséquences écologiques des actions humaines. Pour son travail, Savini utilise des produits finis préemballés provenant d'usines.
Donald K. Sultan est un peintre, sculpteur et graveur américain, particulièrement connu pour ses natures mortes à grande échelle et l'utilisation de matériaux industriels tels que le goudron, l'émail, le mastic et les carreaux de vinyle. Il a exposé à l'échelle internationale dans des musées et des galeries de premier plan, et ses œuvres font partie d'importantes collections de musées dans le monde entier. Sultan a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses réalisations artistiques.
Emilio Tadini est un artiste, écrivain et poète italien, dramaturge, traducteur et journaliste.
Diplômé de la faculté de littérature de l'université catholique du Sacré-Cœur de Milan, Tadini a publié des essais, des romans et des poèmes. Parallèlement, il peint. Tadini a également été président de l'Académie des beaux-arts de Brera de 1997 à 2000.
Ernest Tino Trova était un peintre et sculpteur surréaliste et pop art américain autodidacte. Surtout connu pour sa série d'images et de figures emblématiques, The Falling Man, Trova considérait l'ensemble de sa production comme un "travail en cours". Trova a utilisé des jouets de personnages de bandes dessinées américaines classiques dans certaines de ses œuvres car il admirait leur surréalisme. La plupart des sculptures de Trova sont coulées dans un bronze blanc inhabituel. Il a commencé comme peintre, puis a progressé par des constructions tridimensionnelles jusqu'à sa discipline de prédilection, la sculpture. Le don par Trova de quarante de ses œuvres a conduit à l'ouverture du Laumeier Sculpture Park de St. Louis County, Missouri.
Henri van Herwegen, plus connu sous le pseudonyme de Panamarenko, est un artiste belge connu pour ses installations et ses objets qui combinent des éléments de science, de technologie, d'art et de fantaisie.
Panamarenko était un autodidacte et a commencé sa carrière d'artiste dans les années 1960. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en Europe, en Amérique et en Asie. Il a créé divers objets tels que des machines volantes, des sous-marins, des ailes, des bicyclettes, etc.
L'œuvre de Panamarenko utilise différents matériaux, dont le métal, le plastique, le textile, le verre et le bois. Ses installations et ses objets sont souvent interactifs et peuvent bouger ou briller.
Panamarenko a été l'un des artistes les plus influents de Belgique et ses œuvres figurent dans les collections de nombreux musées, dont le musée d'art moderne de Barcelone, le musée Guggenheim de Bilbao et le musée d'art moderne d'Amsterdam.
Petrus Wandrey (en allemand : Petrus Wandrey, de son nom complet Ulrich Carl Peter Wandrey) est un artiste numérique allemand.
Dans sa jeunesse, il a été influencé par le surréalisme, le mouvement Pop Art et le dadaïsme. Plus tard, Wandrey a été tellement impressionné par la culture de la science, de la technologie et de l'imagerie numérique qu'il est devenu l'un des pionniers du mouvement de la numérisation. Dans son travail, Wandrey utilise souvent des combinaisons numériques, des séquences de pixels et même des trashs informatiques.
