Abstraction géométrique


Anni Albers, née Annelise Fleischmann, est une artiste textile américaine d'origine allemande, designer, lithographe et théoricienne de l'art, qui a participé au mouvement du Bauhaus et a enseigné au Black Mountain College. Anni Albers est une des rares femmes du Bauhaus à avoir rencontré de son vivant le succès professionnel et la reconnaissance.


Wobbe Alkema est un artiste, graphiste, architecte, designer et sculpteur néerlandais. Il est connu pour ses œuvres abstraites et géométriques, qui combinent souvent des éléments du constructivisme et de De Stijl.
Alkema a suivi une formation d'architecte et s'est ensuite tourné vers l'art, étudiant à l'Académie des beaux-arts de Groningue. Dans les années 1920, il a participé au collectif d'artistes De Ploeg, qui était actif dans le nord des Pays-Bas et promouvait l'art et la culture modernistes.
Tout au long de sa carrière, Alkema a continué à explorer les principes de l'abstraction et de la géométrie dans son travail. Ses peintures présentent souvent des formes géométriques simples, telles que des carrés, des cercles et des triangles, disposées dans des compositions complexes qui suggèrent le mouvement et la profondeur. Il s'intéresse également à l'interaction des couleurs, utilisant des teintes vives et audacieuses pour créer des contrastes dynamiques et de l'harmonie.
Outre la peinture, Alkema a créé un certain nombre d'œuvres sculpturales, notamment des reliefs abstraits et des sculptures autoportantes. Il a également conçu des meubles et d'autres objets fonctionnels, appliquant ses principes d'abstraction et de forme géométrique à des objets de la vie quotidienne.
Les œuvres d'Alkema font partie des collections de plusieurs musées aux Pays-Bas, dont le Groninger Museum et le Stedelijk Museum d'Amsterdam. Il est considéré comme une figure importante dans le développement de l'art abstrait aux Pays-Bas, et son œuvre continue d'être admirée pour son utilisation innovante de la forme et de la couleur.


Julio Uruguay Alpuy était un peintre, sculpteur et muraliste uruguayen. Au début de sa carrière, Alpuy a fait partie du Taller Torres-García (École du Sud) et du mouvement de l'art constructif. Si ses premières œuvres ont été largement influencées par les théories de Torres-García sur ce qu'il appelle l'universalisme constructif, Alpuy s'est inspiré d'une grande variété de cultures et de mythes pour créer des œuvres qui brisent les frontières de la grille constructive. En outre, ses études en Europe et en Amérique latine ont contribué à développer un intérêt pour le cubisme et les mythes qui ont influencé ses œuvres ultérieures. Alpuy a eu une carrière prolifique et ses œuvres sont exposées dans le monde entier.


Tauba Auerbach est une artiste visuelle qui travaille dans de nombreuses disciplines, notamment la peinture, les livres d'artistes, la sculpture et le tissage. Elle vit et travaille à New York.
Étudiante en mathématiques et en physique depuis toujours, Tauba Auerbach s'intéresse à la structure et à la connectivité, de l'échelle microscopique à l'échelle universelle.


Kenjiro Adzuma (japonais : 吾妻 兼治郎) est un sculpteur abstrait japonais connu pour son approche avant-gardiste et innovante de la sculpture et de l'installation, l'un des plus importants artistes japonais de l'après-Seconde Guerre mondiale. Il a également vécu et travaillé en Italie pendant de nombreuses années. Il a étudié la sculpture à la Graduate School of Art de l'université de Tokyo et à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a suivi les cours de Marino Marini.
Kenjiro Adzuma est une figure clé du mouvement artistique japonais connu sous le nom de Mono-ha (School of Things) à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Les artistes du Mono-ha ont exploré la relation entre les matériaux naturels et industriels, les juxtaposant souvent pour créer des installations qui suscitent la réflexion.


Alexander Georg Rudolf Bauer était un peintre impliqué dans le mouvement d'avant-garde berlinois Der Sturm et dont le travail devint une composante essentielle de la collection d'art abstrait de Solomon R. Guggenheim.


Marcel-Louis Baugniet était un peintre, théoricien, designer de meubles, créateur d'affiches, de costumes et de décors de théâtre belge, et l'un des principaux défenseurs du concept de plasticité pure.
Il a étudié la peinture à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il a communiqué avec Paul Delvaux, René Magritte, Victor Servranck et Pierre-Louis Flouquet.


Wolfram Beck était un sculpteur, dessinateur et peintre allemand qui travaillait le bois, l'acier, le bronze, l'acrylique et la pierre. Formé à l'École de culture artistique de Berlin, il a d'abord réalisé de grandes œuvres organiques en bois, des portraits en buste et des torses en argile et en pierre. Dans les années 1970, Beck a créé des constructions strictement géométriques et aériennes à partir de composants mécaniques et électroniques, qui pouvaient être déplacés par des moteurs ou à la main. Il a également créé des objets en métal et en acrylique aux accents colorés et à l'aspect fragile. Les œuvres de Beck figurent dans les collections d'Axel Springer, d'Egon Eiermann et d'autres.


Larry Bell est un artiste contemporain et sculpteur américain.
Il est bénéficiaire d'une bourse, entre autres, de la National Endowment for the Arts et la Fondation Guggenheim, et ses œuvres sont visibles dans les collections de nombreuses institutions culturelles majeures.


Anna Beothy-Steiner était une peintre hongroise-française de l'avant-garde. Elle étudie le journalisme à l'école d'art privée d'Álmos Jaschik à Budapest entre 1922 et 1925. Ses voyages en Autriche, en Allemagne et en Italie l'ont exposée aux idées futuristes de Filippo Tommaso Marinetti et à l'orphisme de Robert Delaunay, qui ont tous deux influencé son travail. Beothy-Steiner s'installe à Paris en 1927 et épouse István Beöthy. Entre 1927 et 1934, elle crée ses principales œuvres, notamment des gouaches, des aquarelles, des illustrations de magazines, des tissus et des dessins de mode. Les compositions de cette période se caractérisent par l'interpénétration et la superposition de surfaces colorées simples et géométriques, révélant l'influence des préoccupations de son mari en matière de proportions. À partir de 1932, ses compositions contrastent avec des couleurs simples, créant des espaces colorés plats qui anticipent les idées de l'Op Art. Beothy-Steiner interrompt son travail artistique en 1934 et ne le reprend que dans les années 1960, après la mort de son mari.


Stefan Berger-Teichmann est un peintre suisse contemporain spécialisé dans l'art abstrait. Il a exposé ses œuvres dans diverses galeries et musées en Suisse, en Allemagne et aux États-Unis.
Les peintures de Berger-Teichmann se caractérisent par leur utilisation expressive de la couleur, de la texture et de la forme. Il utilise souvent une variété de techniques et de médiums pour créer des œuvres multidimensionnelles et stratifiées qui invitent le spectateur à s'engager dans l'art à un niveau à la fois viscéral et intellectuel. Son travail est souvent inspiré par les paysages naturels, mais il s'inspire également de ses propres expériences émotionnelles et de ses souvenirs personnels pour créer des compositions abstraites qui sont à la fois puissantes et évocatrices.


Charles Bézie est un artiste français, représentant du mouvement néo-minimaliste, qui vit et travaille à Paris.
Diplômé de l'Académie Julian à Paris, il a d'abord tenté de créer un contraste entre Malevitch et Mondrian dans ses peintures. Cependant, il a ensuite changé de technique et de style. Bezie applique sur la toile différentes couches de peinture qui se chevauchent partiellement, et c'est la lumière qui révèle les nuances et les nuances des rayures fines et larges. C'est ce qu'il appelle "l'animation de fond". Bezie s'inscrit dans la tradition de l'art constructiviste qui a vu le jour au début du 20e siècle.


Gastone Biggi était un peintre, sculpteur, écrivain, poète et musicologue italien.
Biggi a combiné la peinture avec son travail d'écrivain d'art et de musicologue. En 1962, il publie un ouvrage clé, La naissance du point, qui théorise l'étude du module du signe, qu'il développera tout au long de sa vie. La même année, il forme le Groupe 1.


Joseph Binder, de son nom complet Joseph Friedrich Gustav Binder, était un peintre, designer et graphiste allemand d'avant-garde.
Au début des années 1930, Joseph Binder a travaillé sur des commandes de marques importantes pour Knorr, Reemtsma, Tekrum, Elida, Minera, Dujardin, Stella et Mercedes-Benz et s'est fait connaître en tant que designer industriel définissant un style. Au total, au début des années 1960, Binder avait créé plus de 2 000 timbres et affiches.
En peinture, Binder privilégie le cubisme : la forme géométrique stylisée revêt une grande importance pour le peintre. Il a également été influencé par l'école d'art du Bauhaus et le groupe Blue Rider.


Sebastian Black est un artiste américain contemporain de New York dont le style rappelle le cubisme. L'artiste est surtout connu pour sa série Puppy Paintings, dans laquelle il représente des visages de chiots dans des formes abstraites fragmentées et des tons chauds.


Arun Bose est un éminent artiste indien né à Dhaka, qui faisait alors partie de l'Inde britannique (aujourd'hui le Bangladesh). Il a reçu sa formation artistique à Calcutta, au Government College of Arts and Crafts, dont il est sorti diplômé en 1955. Par la suite, il a activement créé et enseigné à Calcutta pendant les sept années suivantes. En 1962, il s'est rendu en Occident où il a appris la gravure et étudié les techniques murales à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Ses nombreuses gravures ont été réalisées à l'aquatinte et à l'eau-forte, avec impression simultanée de couleurs. Il s'installe ensuite à New York, où il étudie au Pratt Graphic Centre et reçoit en 1968 une bourse du Third John D. Rockefeller. Il a également fait partie de l'atelier de Robert Blackburn et a lui-même enseigné la gravure au Queens College.
Les peintures et les gravures d'Arun Bose se caractérisent par des couleurs vives et l'abstraction, ce qui rend son travail unique et important dans le monde de l'art.


Peppi Bottrop est un artiste graphique allemand qui vit et travaille en Sicile.
Il est diplômé de l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf et a participé à de nombreuses expositions.
L'œuvre de Bottrop est daltonienne et se compose de graphite sur toile qu'il peint directement sur le mur. Ses peintures monochromes représentent des rectangles, des cercles et des triangles - elles sont expressives, leurs contours abstraits ressemblant à des squelettes évoquant une sorte de musique.


Benjamin Bronni est un artiste, sculpteur et architecte allemand.
Il a étudié à l'Académie nationale d'art et de design de Stuttgart et travaille en symbiose avec la peinture, la sculpture et l'installation. Bronny s'intéresse beaucoup à l'architecture, c'est pourquoi il développe souvent des œuvres en se concentrant sur le site. Dans ses œuvres en papier, ses peintures et ses objets muraux en plastique, Benjamin Bronni explore la fusion rythmique de la forme et de l'espace. L'artiste réalise son travail à la main, mais utilise également des procédés numériques tels que le rendu 3D.


Giuseppe Capogrossi est un graphiste et peintre italien actif au XXe siècle.
Il est un membre de la Nouvelle école romaine de peinture avec Corrado Cagli et Emanuele Cavalli. Il acquiert une importance considérable dans le paysage italien de l'informel avec Lucio Fontana et Alberto Burri.


Alan Charlton est un artiste conceptuel britannique qui vit et travaille à Londres.
Alan a étudié à la Camberwell School of Art et à la Royal Academy School. Dès le début de sa carrière artistique, en 1969, il n'a travaillé qu'avec une seule couleur : le gris. Pour Charlton, c'est la couleur la plus importante et la plus émotionnelle qui soit, celle de la mélancolie par exemple. "Je suis un artiste qui fait une peinture grise", tel est le principe qu'il a suivi tout au long de sa vie.
Alan Charlton crée des abstractions simples, monochromes et grises, basées sur des formes rectangulaires placées dans l'espace de manière planifiée. Ses œuvres conceptuelles, peintes uniformément dans différentes nuances de gris, consistent souvent en des formes géométriques simples décomposées en éléments modulaires.
Les œuvres de Charlton ont été exposées au Stedelijk Museum d'Amsterdam, au Castello di Rivoli de Turin et à la Tate de Londres.


Roman Clemens est un concepteur de production, designer et scénographe allemand.
Roman Clemens a étudié au Bauhaus, puis a travaillé comme scénographe à Dessau et à l'Opéra de Zurich. Depuis 1945, il a participé à divers projets de théâtre spatial, a travaillé comme concepteur pour le célèbre cinéma Studio 4 à Zurich et a réalisé de nombreux travaux scéniques pour l'opéra de Zurich.
Dans les années 1970 et 1980, Clemens a créé des peintures dans le style du constructivisme et de l'abstraction.


Alvin Langdon Coburn était un photographe et artiste américain surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie picturale. Il était membre du mouvement Photo-Secession, un groupe de photographes qui cherchait à élever la photographie au rang d'art.
Coburn est né à Boston, dans le Massachusetts, et a grandi en Angleterre. Il a commencé à prendre des photos à l'âge de huit ans et a ensuite étudié la photographie à New York. Il est devenu l'un des principaux photographes de son époque et son travail a été largement exposé en Europe et aux États-Unis.
Coburn est peut-être surtout connu pour son utilisation novatrice du "vortographe", une technique qu'il a mise au point en 1917 et qui consiste à photographier des objets à travers une disposition triangulaire de miroirs. Les images qui en résultent sont très abstraites et géométriques, et anticipent le travail de nombreux artistes ultérieurs, y compris les surréalistes.
Outre son travail photographique, Coburn était également un peintre et un graveur accompli. Il a continué à travailler en tant qu'artiste tout au long de sa vie, et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les collections de nombreux grands musées à travers le monde.


Ernst Stocker, plus connu sous le nom de Coghuf, était un peintre, dessinateur et sculpteur suisse. Il a conçu des tapisseries et des vitraux.
L'œuvre de Coghuf se caractérise par des formes abstraites, des couleurs vives et une impression de mouvement dynamique. L'œuvre de Coghuf transmet souvent une profondeur émotionnelle et explore la relation entre la forme et l'espace.


Pietro Consagra était un sculpteur italien et l'une des figures de proue du mouvement artistique italien de l'après-guerre connu sous le nom d'Arte Informale ou Forma 1.
Les premières œuvres de Pietro Consagra sont influencées par la sculpture figurative traditionnelle, mais il est rapidement fasciné par le mouvement de l'art abstrait. Il rejette l'idée de créer des sculptures qui imitent la réalité et se concentre plutôt sur l'exploration de la relation entre la forme, l'espace et la perception du spectateur.
Les sculptures de Consagra présentent souvent des formes géométriques simplifiées, mettant l'accent sur des lignes épurées et des volumes solides. Ses œuvres se caractérisent par un sens de l'équilibre, de l'harmonie et de la tension spatiale.


Pedro Coronel Arroyo est un peintre et sculpteur mexicain contemporain. Il est le frère du peintre Rafael Coronel.
Pedro Coronel était un tenant de l'abstraction et de l'art abstrait. Son œuvre est connue pour ses couleurs originales, et pour sa monumentalité. Il peignait sur des toiles de grandes dimensions. Ses sculptures ont des formes simplifiées.
Il était aussi un grand collectionneur d'art précolombien, d'arts premiers, oriental, gréco-romain, médiéval. Il a fait donation de sa collection au musée de Zacatecas qui porte son nom.


Roberto Crippa est un peintre et sculpteur italien. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a développé ses compétences artistiques en explorant différents styles et techniques.
Les premières œuvres de Crippa ont été influencées par le surréalisme, avec ses images oniriques et symboliques. Cependant, il s'est rapidement éloigné de la représentation figurative et a commencé à utiliser l'abstraction. Son style artistique a évolué vers un mélange unique d'abstraction et de formes géométriques.
L'une des contributions notables de Crippa à l'art a été sa participation au mouvement Movimento Arte Concreta (Art concret) en Italie. Ce mouvement prônait un art non représentatif, mettant l'accent sur les formes géométriques, la précision mathématique et les aspects formels de l'art. Les œuvres de Krippa de cette période témoignent d'une fascination pour les grilles, les lignes et les motifs géométriques.


Ian Davenport est un artiste anglais spécialisé dans l'abstraction, connu pour ses compositions complexes de flux de peinture colorée s'écoulant sur des surfaces. Toutes les œuvres de Davenport impliquent une expérimentation : il utilise divers outils industriels et domestiques, notamment des machines à vent, des seringues hypodermiques et des arrosoirs, pour manipuler la peinture et attirer autant l'attention sur le processus de création de l'œuvre d'art que sur les œuvres finies elles-mêmes.


plasticien péruvien connu principalement par son travail en peinture et sculpture. C'est l'un des artistes d'avant-garde les plus en vue du Pérou et une figure clé du développement de l'art abstrait en Amérique Latine.


Richard Deacon est un sculpteur gallois. Il est connu pour ses sculptures abstraites qui explorent les relations entre la forme, l'espace et les matériaux.
Richard Deacon a d'abord étudié au Somerset College of Art de Taunton, avant de poursuivre ses études au Central Saint Martins College of Art and Design et au Royal College of Art de Londres. Il a commencé sa carrière de sculpteur dans les années 1970 et est devenu depuis l'un des sculpteurs britanniques les plus en vue de sa génération.
Les sculptures de Deacon sont souvent réalisées à partir de matériaux tels que le bois stratifié, l'acier et la céramique, et prennent des formes très diverses, tantôt organiques et biomorphiques, tantôt géométriques et architecturales. Il est connu pour son utilisation des courbes, des lignes et des couleurs vives, ainsi que pour son exploration de l'espace négatif et de la relation entre les objets et l'espace qui les entoure.
Deacon a exposé dans le monde entier, notamment à la Tate Gallery de Londres, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et au Guggenheim Museum de New York. Il a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, dont le prix Turner en 1987 et un CBE en 1999.


Félix del Marle est un artiste et designer français associé aux mouvements d'avant-garde du début du XXe siècle, en particulier l'orphisme et De Stijl. D'abord influencé par le cubisme, il a ensuite adopté les principes de l'orphisme, un mouvement fondé par Robert Delaunay et caractérisé par l'utilisation de couleurs vives et de formes géométriques pour créer des compositions abstraites.
Felix del Marle a exploré l'interaction dynamique des couleurs et des formes pour évoquer un sentiment de rythme et de mouvement. Ses œuvres se caractérisent souvent par des plans qui se chevauchent, des contrastes de couleurs audacieux et un sens de l'éclat optique.
Felix del Marle a également exercé une influence importante sur le mouvement De Stijl, qui cherchait à réduire l'art à ses éléments géométriques et à ses couleurs de base. Il a collaboré avec Piet Mondrian et Theo van Doesburg.
Outre la peinture, del Marle s'est intéressé au design industriel et graphique, appliquant ses principes au mobilier, aux textiles et à la typographie. Il croyait en l'intégration de l'art dans la vie quotidienne et en la synthèse des disciplines artistiques.


Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.


Axel Dick est l'un des plus importants représentants allemands de l'abstraction géométrique et de l'op art.
Lors d'un voyage à New York en 1965, Axel Dick découvre la voie du conceptualisme. C'est un style qu'il a suivi pour le reste de sa vie.


Ludwig Dinnendahl est un sculpteur et enseignant allemand.
Il a étudié aux écoles des beaux-arts de Francfort et de Pforzheim. Dans ses sculptures, Ludwig Dinnendahl se concentre sur des formes géométriques claires. Il utilise comme matériaux le bronze ou la fonte, la pierre et le plâtre, ainsi que le bois. Ses œuvres sont exposées dans les espaces publics de nombreuses villes du pays.


Bertrand Dorny est un artiste abstractionniste français, peintre, graveur et graphiste.
D'abord peintre, Dorny s'est intéressé à différentes techniques, dont la gravure, dans laquelle il a connu un grand succès et une grande reconnaissance. Il a réalisé plus de 650 gravures.
Dorny aimait travailler le bois et le papier, à partir desquels il créait des collages élaborés, des reliefs et assemblait de grands panneaux de bois. Il a également travaillé dans le domaine du collage de livres.


Ugo Dossi est un artiste conceptuel allemand.
Son travail se caractérise par l'utilisation de formes de représentation de l'infini, qui conduisent l'esprit à la perception de l'infini et de l'incompréhensible, qui se cache derrière tout.
Ses installations ont été présentées à deux reprises à la Documenta (Documenta 6 et Documenta 8), à la Biennale de Venise (1986 et 2011), à Paris (1975) et à Buenos Aires (2000), ainsi que dans de nombreuses expositions personnelles dans des musées et institutions internationales.


Karl Duschek était un graphiste allemand, un auteur spécialisé dans les arts et la communication visuelle ainsi qu'un éditeur. Il possédait et dirigeait les studios Stankowski + Duschek et gérait également la fondation Stankowski.


Teo Eble est un peintre abstractionniste et un graphiste suisse.
Eble a étudié à l'Académie des beaux-arts de Berlin, puis a enseigné à l'École des arts appliqués de Bâle de 1931 à 1967. En 1933, il cofonde le Groupe suisse 33, une association d'artistes antifasciste.
Son œuvre est influencée par la peinture réaliste et objective des années 1920. Les sujets des premières œuvres d'Eblé sont des peintures de paysages et des représentations de villes et de leur vie.
En 1934, Eblé commence à peindre des tableaux abstraits et devient un artiste important du mouvement abstrait en Suisse et est également reconnu au niveau international. Il a exposé en France et aux États-Unis, en 1958 à la Biennale de Venise et en 1959 à la Documenta de Kassel. Dans les années 1960, Eblé réalise de nombreuses peintures murales dans des bâtiments publics.


Georg Engst était un sculpteur allemand.
Engst travaillait de préférence en bois, en pierre et en bronze, mais aussi en aluminium, en béton et en verre. Une grande partie de son œuvre artistique à partir du milieu des années 1950 est marquée par l'abstraction et la géométrie, au début sous la forme de panneaux et de murs en bois marquetés, par exemple pour une commande pour la salle de conférence de l'administration de l'Église régionale à Hanovre en 1957.


Albert Ennemoser est un artiste autrichien contemporain. J'ai beaucoup voyagé à travers l'Europe, les États-Unis, l'Afrique et l'Asie. En 1972, il immigre en Irlande, puis en Écosse. Il a étudié la peinture à la Glasgow School of Art et au Jordanhill College of Education. A travaillé comme illustrateur pour BBC-TV-Scotland et comme designer pour NAEF en Suisse. Il a reçu plusieurs prix et a été directeur artistique du Tiroler Literaturwettbewerb für Jugendliche. Son travail a été exposé tant au niveau national qu'international.


Jean André Evard est un peintre et dessinateur suisse. Il est en particulier significatif pour le domaine du constructivisme et compte parmi les premiers artistes à avoir travaillé de manière non figurative. Il a produit au cours de sa vie des centaines de peintures à l'huile, un grand nombre de dessins ainsi que 2000 à 3000 aquarelles et gouaches.
L’œuvre d’André Evard est difficile à classer dans les catégories de l’histoire de l’art. Il ne s’est attaché à aucun courant stylistique et il a au contraire fait appel au passé, mélangé les styles et inventé du nouveau. Aussi bien l’Art nouveau que le cubisme ou l'abstraction géométrique et constructiviste ont marqué son œuvre. Alors qu'il faisait partie à Paris de l'avant-garde, il est retourné par la suite à la peinture figurative.
D'un côté, le jeu des formes et des couleurs conduit à des paysages figuratifs très expressifs, de l'autre, résultent de sa réduction claire des natures mortes fascinantes, qui donnent à voir des combinaisons de couleurs inhabituelles et des relations entre l'objet et l'espace entièrement nouvelles. André Evard peignait de manière abstraite alors que presque personne encore ne le faisait et il est retourné à la peinture figurative lorsque l'art abstrait dominait. Il a toujours pris le risque de changer de style, et c'est aussi ce qui fait la particularité de son œuvre artistique.


Gerhard Fietz était un peintre allemand, professeur et représentant de la peinture non figurative. Il est considéré comme un peintre important de la seconde moitié du 20e siècle en Allemagne.
En tant que cofondateur du groupe d'artistes ZEN 49, il s'est opposé à l'art figuratif traditionnel et a développé, avec des peintres comme Willi Baumeister, Fritz Winter ou Rupprecht Geiger, une peinture qui se concentrait sur l'expérimentation des moyens artistiques. Fietz a exposé dans de nombreuses expositions nationales et internationales, notamment en 1955 lors de l'exposition très remarquée du Cercle Volnay à Paris.


Gordon Onslow Ford est un peintre, aquarelliste et dessinateur.
Au moment de sa mort à son domicile, il figurait parmi les derniers du groupe surréaliste parisien qu'il rejoint en 1938. Alors qu'il était encore à Paris avant la Seconde Guerre mondiale, Onslow Ford a mis au point une technique appelée coulage, anticipant la méthode rendue célèbre par Jackson Pollock. En laissant couler librement la peinture émaillée sur une toile, il profite des effets du hasard si admirés par les surréalistes dans leur quête de procédés automatiques qui peuvent puiser dans l'inconscient. Parfois, il superposait des lignes et des formes géométriques sur des formes fluides et indéterminées pour apporter ordre et stabilité à la toile. Au cours des mêmes années, il a également produit des paysages regorgeant de formes biomorphiques. Les peintures de ce type, finement élaborées, incorporant souvent des symboles cryptiques, ont continué à évoluer pendant un certain temps par la suite. En Californie, il poursuit sa quête pour représenter un monde intérieur en harmonie avec la nature en imaginant des éthers ineffables soutenant des formes abstraites et des points de lumière flottants.


Christoph M. Gais est un abstractionniste et un designer allemand. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et à la Hochschule für Kunst de Berlin, où il a obtenu sa maîtrise. Les peintures de Christoph M. Geiss sont basées sur la tradition de la peinture abstraite gestuelle. Son travail comprend également plusieurs projets d'architecture, tels que la conception de la salle Louise Schroeder à l'hôtel de ville rouge de Berlin.


Torben Giehler est un artiste abstrait allemand.
Après avoir étudié à l'Academy of Art de Boston, il est retourné en Allemagne.
Le style de peinture de Giehler est basé sur des compositions abstraites de formes géométriques. Il édite ses croquis numériquement, puis utilise plusieurs couches de peinture acrylique pour créer des œuvres à grande échelle. L'artiste parvient ainsi à transmettre ses propres impressions sur les montagnes, les rues ou les bâtiments.


Gertrud Goldschmidt, de son nom complet Gertrud Louise Goldschmidt, également connue sous son nom de plume Gego, est une peintre, architecte et sculptrice vénézuélienne d'origine allemande.
Diplômée de l'université de Stuttgart en ingénierie et architecture, elle a émigré au Venezuela au début de la Seconde Guerre mondiale et s'est installée à Caracas. Gertrud Goldschmidt a travaillé dans le domaine du design et de l'architecture. Elle a commencé sa carrière artistique dans les années 1950, en développant son propre style d'abstraction géométrique, qui est devenu un symbole de la modernité artistique au Venezuela.
Gego a ensuite commencé à créer des sculptures et des constructions en treillis métallique, et a également été active dans le domaine de l'art cinétique. En 1969, le musée des beaux-arts de Caracas a exposé son installation tridimensionnelle composée d'un vaste treillis métallique modulaire qui se déploie dans l'espace de la galerie à travers le sol, les murs et le plafond. Goldschmidt est surtout connue pour ses sculptures géométriques et cinétiques réalisées dans les années 1960 et 1970.


Werner Graeff était un sculpteur, peintre, graphiste, photographe et inventeur allemand.
Ses premiers tableaux étaient de style impressionniste. Vers 1919, il s'est tourné vers les formes cubistes. Ce style a également influencé ses premières sculptures.


Henriette Grahnert est une artiste, designer et graphiste allemande. Elle est diplômée de l'Académie d'art et de design de Leipzig et travaille à Dresde et à Leipzig.
L'artiste utilise et intègre diverses traditions picturales : l'abstraction classique et la peinture concrète, la tradition minimaliste et le bad painting, le colour field painting américain et le Pop Art. Peinture écaillée, coups de pinceau aléatoires, gouttes, ruban adhésif maculé - les vestiges du processus de peinture sont les éléments qui composent les peintures de Grahnert.


Sarah Grilo était un peintre argentin qui est surtout connu pour ses peintures gestuelles abstraites. Mariée à l'artiste José Antonio Fernández-Muro, elle a vécu à Buenos Aires, Paris, New York et Madrid.
Elle est considérée comme l'une des plus importantes artistes latino-américaines du XXe siècle.


Joachim Grommek est un artiste allemand connu pour son travail conceptuel. Ses œuvres géométriques abstraites et illusoires inversent parfaitement le thème de l'image originale et de la copie, reflétant ainsi l'histoire de l'art.
Grommek a largement exposé ses œuvres en Allemagne et à l'étranger. Il a également reçu de nombreuses bourses et récompenses pour son travail.


Michel Guillet est un artiste français. Il est connu pour ses œuvres contemporaines et abstraites. Guillet a étudié à l'École de Beau-Ar à Lyon.
L'œuvre de Guillet se caractérise par des couleurs vives et des formes géométriques, souvent organisées en compositions complexes et dynamiques. Il a exposé ses œuvres dans des galeries et des musées à travers la France et l'Europe et ses peintures font partie de collections privées dans le monde entier.
Parallèlement à son travail d'artiste, Guillé s'est également consacré à l'enseignement et à l'éducation artistique. Il a enseigné à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris et a dirigé des ateliers de peinture et de dessin dans plusieurs villes de France.


Dieter Haack est un peintre abstractionniste allemand.
Dieter Haack a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives et des compositions énergiques.
Parallèlement à sa pratique artistique, Haack a également enseigné la peinture et le dessin à son alma mater.


Herbert Hamak est un artiste installateur et sculpteur allemand qui vit et travaille à Hammelburg, en Allemagne.
Les œuvres d'Herbert Hamak se situent entre la peinture et la sculpture et sont le résultat d'une combinaison de formes, de couleurs et de lumière. Herbert Hamak travaille avec des pigments et des masses qu'il façonne et transforme en formes simples et monochromes - cubes, parallélogrammes et colonnes. Hamak utilise souvent les bâtiments, leurs façades, leurs espaces comme une toile ou un cadre pour une œuvre d'art.


Karl Hermann Haupt était un peintre, graphiste et designer allemand.
Il étudie la peinture à l'école d'art de Halle, sa ville natale, de 1920 à 1923. De 1923 à 1924, il suit des cours au Bauhaus de Weimar, où il a notamment pour professeurs Josef Albers, Laszlo Mohoy-Nagy, Wassily Kandinsky, Paul Klee et Walter Gropius. Après ses études au Bauhaus, Haupt retourne à Halle, où il travaille comme peintre jusqu'en 1926. Il s'installe ensuite à Krefeld pour poursuivre une carrière de peintre sur textile. Haupt reste à Krefeld pendant la majeure partie des années 1930, combinant la peinture avec ses études avec Johannes Itten à l'école de décoration textile de Krefeld.
Après son service militaire pendant la Seconde Guerre mondiale, Haupt a travaillé pour le gouvernement régional de Saxe-Anhalt jusqu'en 1951, date à laquelle il a été nommé professeur à l'École des arts appliqués de Berlin. À partir de 1953, il travaille comme illustrateur scientifique et photographe à l'Académie des sciences de Berlin jusqu'à sa mort.
Les peintures et les graphiques de Haupt représentent souvent des scènes urbaines et des paysages industriels, et il s'intéresse particulièrement à la figure humaine et à l'impact de la société moderne sur l'individu. Son travail était connu pour ses lignes nettes et précises et son souci du détail.
Aujourd'hui, l'œuvre de Haupt est reconnue comme une contribution importante à l'art moderne en Allemagne, et ses peintures et œuvres graphiques font partie des collections de grands musées du monde entier.