Art conceptuel
Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Marc Adrian est un artiste conceptuel et réalisateur autrichien.
Adrian a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Vienne. À partir de 1953, il s'est intéressé au cinéma, à la cinétique, aux interférences rythmiques, aux problèmes de structures optiques, etc. Adrian est considéré comme l'un des pionniers de l'art médiatique orienté vers le cinéma. Il s'est spécialisé dans les objets cinétiques, l'anti-cinéma et l'art informatique.
Marc Adrian a enseigné dans plusieurs universités européennes et a donné des conférences à des étudiants américains.
Yō Akiyama (秋山 陽) est un céramiste japonais basé à Kyoto. Il était une figure de proue tardive de Sōdeisha, un groupe d'artistes d'avant-garde du XXe siècle qui cherchait à redéfinir les conceptions de l'esthétique et de la finalité de la céramique moderne et contemporaine, en se concentrant sur les attributs sculpturaux plutôt que sur la stricte fonctionnalité. Akiyama a étudié directement auprès de Kazuo Yagi, l'un des fondateurs de Sōdeisha, pendant six ans. Akiyama est ensuite devenu professeur à l'Université municipale des arts et de la musique de Kyoto, où il est actuellement professeur émérite, ayant pris sa retraite en 2018. En tant qu'artiste, il travaille principalement avec la poterie noire, une technique qui consiste à cuire l'argile dans des conditions de basse température et de fumée pour créer un effet sombre. Ses œuvres, principalement à grande échelle, sont richement texturées et abstraites, mettant l'accent sur la matérialité terrestre de l'œuvre ainsi que sur sa forme.
Yuri Albert est un artiste, théoricien de l'art et éducateur russe contemporain, membre du cercle conceptuel de Moscou. Il vit et travaille actuellement à Moscou et à Cologne.
Les œuvres de Yuri Albert font partie des collections de grandes institutions russes et internationales.
Richard Aldrich est un artiste conceptuel et peintre américain contemporain basé à Brooklyn qui a exposé à la Biennale de Whitney en 2010. Aldrich a obtenu son diplôme BFA de l'Université d'État de l'Ohio en 1998. Bien que principalement abstraites et décontractées, les peintures d'Aldrich trahissent également une sensibilité littéraire distincte, même s'il cible ce qu'il a appelé l'essentiel "unwordliness of experience". Il aborde sa propre histoire personnelle et la manière dont les humains organisent l'information à travers le langage formel de la peinture, citant librement divers tropes esthétiques avec humour et irrévérence. Aldrich est surtout connu pour ses compositions lâches et abstraites, se déplaçant librement de la création de marques gestuelles, de l'impression basée sur du texte et de la découpe de la toile pour révéler des barres de civière en dessous.
Alexandre Arrechea est né en 1970 à Trinidad (Cuba). Il commence sa carrière solo en 2003, après avoir fait partie pendant 12 ans du collectif d’art Los Carpinteros (les menuisiers). Considéré comme artiste pluridisciplinaire, Alexandre Arrechea travaille sur des sujets variés, et est connu pour avoir donné naissance à de nombreux projets tels que Ciudad Transportable (2000), El Jardin de la Desconfianza (2003-2005) ou encore Perpetual Free Entrance (2006).
Frank Balve est un artiste conceptuel allemand.
Il réalise des peintures, des photographies, des sculptures, des performances et des films, et son travail s'inspire souvent d'œuvres littéraires, de Dante au Marquis de Sade. Balve peint ses images, les construit en pierre ou en papier, les met en scène devant la caméra et les traduit en langage. Dans des installations spéciales, il combine ses travaux pour créer des espaces d'expérience que le spectateur doit traverser.
Phyllida Barlow (née le 4 avril 1944) est une artiste britannique qui a étudié au Chelsea College of Art (1960-63) et à la Slade School of Art (1963-66). Elle a rejoint le personnel de la Slade à la fin des années 1960 et y a enseigné pendant plus de quarante ans. Elle a pris sa retraite en 2009 et est donc professeur émérite des beaux-arts. Elle a exercé une influence importante sur les jeunes générations d'artistes ; à la Slade, ses élèves comprenaient Rachel Whiteread et Angela de la Cruz. En 2017, elle a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise.
Jennifer Bartlett est une artiste américaine. Son travail combine style abstrait et figuratif.
Jennifer Bartlett est surtout connue pour ses peintures et ses gravures d'objets, en particulier les maisons d'exécution, dans un style qui combine des éléments à la fois figuratif et abstrait.
Bernd et Hilla Becher sont un couple de photographes allemands connus pour leurs photographies frontales d'installations industrielles.
Pour donner à leurs photos ce caractère de documentaire « objectif », elles sont toutes prises selon le même protocole immuable : une lumière neutre (ciel couvert) et chaque photo d'une même série est composée de manière identique (angle de vue et cadrage). Il faut ajouter à cela l'utilisation du noir et blanc, d'un téléobjectif pour éviter les déformations et d'une chambre Linhof 8x10, ainsi qu'une présentation spécifique des œuvres, conservées au cours des années.
Une caractéristique esthétique prédomine : les constructions photographiées apparaissent comme des formes géométriques ou tortueuses qui se répètent au long des séries. Ce phénomène de sérialité est caractéristique de la syntaxe photo-conceptuelle qu'ils mettent en pratique dans leur œuvre. Les photographies parfaitement neutres isolent ainsi l'infrastructure. On peut alors comparer les variations formelles entre les bâtiments photographiés, désignés comme des « sculptures anonymes », selon le titre de leur premier ouvrage publié en 1970.
Le travail des Becher joue un rôle dans le renforcement de l'intérêt public pour le patrimoine industriel.
Hilla Becher (née Wobeser) était une photographe conceptuelle allemande. Elle est connue pour ses photographies industrielles, ou typologies, réalisées avec son mari et collaborateur de longue date, Bernd Becher. Sa carrière s'étend sur plus de 50 ans et comprend des photographies prises aux États-Unis, en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Grande-Bretagne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg et en Italie.
Becher a reçu, avec son mari, le prix Erasmus et le prix Hasselblad. Au milieu des années 1970, les Becher ont fondé l'école de photographie de Düsseldorf.
Berndt Becher était un photographe conceptuel allemand. Becher est bien connu pour ses photographies industrielles.
Avec sa femme et collaboratrice Hilla Becher, il a remporté le prix Erasmus et le prix Hasselblad. Au milieu des années 1970, les Becher ont fondé l'école de photographie de Düsseldorf.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Christian Marie Dominique Liberté Boltanski est un artiste plasticien français reconnu comme l'un des principaux artistes français contemporains. Photographe, sculpteur et cinéaste, il est avant tout célèbre pour ses installations et son style conceptuel français contemporain. Il se définit lui-même comme peintre, alors qu'il a, depuis longtemps, abandonné ce support.
Jonathan Borofsky est un artiste américain connu pour ses sculptures et installations publiques qui explorent les thèmes de la conscience humaine, de l'individualité et de l'interconnexion.
Borofsky a étudié à l'université Carnegie Mellon et à l'université de Yale. Dans les années 1970, il est reconnu pour ses œuvres conceptuelles et ses performances, qui intègrent souvent des éléments de langage, de texte et de répétition.
Dans les années 1980, Borofsky a commencé à créer des sculptures publiques à grande échelle, dont beaucoup représentent des figures ou des silhouettes humaines. L'une de ses œuvres les plus célèbres est "Molecule Man", une sculpture de 100 pieds de haut composée de trois figures interconnectées et située à Berlin, en Allemagne.
Les œuvres de Borofsky ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Centre Georges Pompidou de Paris et au Musée national d'art contemporain de Séoul. Il a également créé des œuvres d'art publiques dans des villes telles que New York, Tokyo et Tel Aviv.
Outre son art, Borofsky est connu pour son intérêt pour la méditation et la spiritualité, qu'il intègre souvent dans son travail. Il a publié plusieurs livres sur ces sujets.
Borofsky continue de vivre et de travailler à Ogunquit, dans le Maine, où il entretient un studio et crée de nouvelles œuvres d'art.
Erik Vladimirovitch Boulatov (en russe: Эрик Владимирович Булатов) est un artiste soviétique et russe d'avant-garde des XXe et XXIe siècles. Ses peintures sont une confrontation expérimentale du style Art nouveau et de la peinture traditionnelle. Le principe principal des œuvres de Boulatov est la confrontation de l'espace réel et du plan pictural.
Depuis 1989, Boulatov vit à New York et, en 1992, il a émigré dans la capitale française, où il vit et travaille encore aujourd'hui, tout en se rendant parfois en Russie.
Les œuvres de Boulatov sont constamment demandées lors des ventes aux enchères d'art contemporain ; il est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus chers. Par exemple, son œuvre "Soviet Cosmos" a été vendue pour environ 1,6 million de dollars lors d'une vente aux enchères organisée par Phillips.
Derek Paul Boyle est un artiste visuel américain contemporain dont le travail traite souvent de l'anthropomorphisme des objets quotidiens et des interventions absurdes.
Boyle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts au Emerson College de Boston et son master en études numériques et médiatiques à la Rhode Island School of Design.
Boyle a exposé son travail au niveau national et international, notamment au Museum of Modern Art de Cleveland, au Museum of Fine Arts de Boston et à la Saatchi Gallery de Londres. Ses œuvres font partie des collections du Whitney Museum of American Art, du Museum of Fine Arts Boston, du Cleveland Museum of Art et d'autres institutions.
En plus de sa pratique en studio, Boyle enseigne l'art et travaille en tant qu'artiste invité dans diverses institutions, dont la Rhode Island School of Design, la School of Visual Arts et l'université du Michigan.
Tania Bruguera Fernández est une artiste-plasticienne cubaine qui se consacre à la performance et à l'art vidéo. Elle partage son temps entre Chicago et sa ville natale.
Plusieurs de ses œuvres, dont Estadística (1996), se trouvent au Musée national des beaux-arts de Cuba.
Daniel Buren est un artiste conceptuel français. Cofondateur de BMPT. Considéré comme l'un des artistes français vivants les plus "chers".
Après 1966, Daniel Buren crée une forme esthétique qui lui permet de se concentrer exclusivement sur la position de l'œuvre d'art dans l'espace : il se concentre sur une série de bandes blanches et colorées alternées. Cette stratégie créative est devenue sa marque de fabrique.
Les colonnes rayées de Buren (composition "Two Levels"), installées en 1986 dans la cour du Palais-Royal, qui ont suscité la protestation des Parisiens, sont devenues par la suite un point de repère notable de la capitale française.
Scott Burton est un sculpteur américain et un artiste de la performance, surtout connu pour ses sculptures de meubles en granit et en bronze à grande échelle.
L'œuvre de Burton cherche à brouiller les frontières entre l'art et les objets fonctionnels. Il a remis en question la notion traditionnelle de la sculpture en tant qu'objet à admirer de loin, en créant des sculptures conçues pour l'interaction et l'utilisation par les spectateurs. Ses œuvres intègrent souvent des éléments de mobilier et de design architectural, combinant l'art avec les aspects pratiques de la vie quotidienne.
L'approche artistique de Burton a été influencée par son intérêt pour le minimalisme et le mouvement de l'art conceptuel. Il pensait que l'art ne devait pas être confiné dans les galeries et les musées, mais qu'il devait exister en tant que partie intégrante de l'environnement quotidien. En intégrant ses sculptures dans les espaces publics, Burton cherche à modifier la perception qu'ont les spectateurs de l'œuvre d'art et de l'environnement.
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James Lee Byars était un artiste conceptuel américain et un artiste de performance spécialisé dans les installations et les sculptures, ainsi qu'un mystique convaincu. Il était surtout connu pour son utilisation de motifs ésotériques personnels et pour sa personnalité créative décrite comme "mi-tricheur dandy et mi-sorcier minimaliste".
Parmi les œuvres de performance notables de Byars figurent The Death of James Lee Byars et The Perfect Smile, et en termes de sculptures multiples, les nombreuses lettres qu'il a écrites et qui ont été composées comme des sculptures décorées.
André Cadere est un artiste conceptuel roumain et français.
Né à Varsovie, en Pologne, où son père était ambassadeur de Roumanie, Cadere émigre en France en 1967. Vivant à Paris depuis 1971, il fait partie, avec Daniel Buren, Nile Toroni et François Morellet, des figures les plus importantes du minimalisme français et de l'art conceptuel des années 1970. L'œuvre de Cadere combine un langage sculptural formel simplifié avec une approche conceptuelle qui remet en question le fonctionnement d'un système artistique, une combinaison qui est devenue importante pour une jeune génération d'artistes dans ces années-là.
André Cadere est surtout connu pour sa série de Barres de bois rond, commencée en 1970 et poursuivie pendant huit ans, jusqu'à sa mort d'un cancer à l'âge de 44 ans. Les couleurs des barres de ces colonnes forment une sorte de code. Son travail a non seulement remis en question les pratiques artistiques traditionnelles de l'époque, mais il a également été exposé dans des lieux non conventionnels. Il est connu pour les avoir placées sans y être invité dans des expositions d'autres artistes, attirant ainsi l'attention sur son travail. Ces manigances ont valu à l'artiste le surnom de "Stick Man" (homme bâton). Bien que ces œuvres se situent entre la peinture abstraite et la sculpture minimaliste, elles font partie intégrante des performances et des interventions de Cadere.
Carmen Calvo, de son nom complet Carmen Calvo Sáenz de Tejada, est une artiste conceptuelle et sculptrice espagnole.
Carmen Calvo est l'une des artistes conceptuelles espagnoles les plus représentatives de notre époque. Elle a étudié à l'École des arts et métiers, puis à l'École des beaux-arts de Valence, a travaillé dans une usine de céramique et, depuis lors, incorpore toujours de l'argile cuite dans ses compositions plastiques. L'artiste travaille également dans le domaine de la scénographie en utilisant la photographie et d'autres ressources formelles, techniques et thématiques très diverses.
En 2013, Carmen Calvo a reçu le prix national des arts plastiques décerné par le ministère de l'éducation, de la culture et des sports, et en 2014, elle a été nommée académicienne de l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos de Valencia.
Piero Pizzi Cannella est un artiste peintre italien qui vit et travaille à Rome.
Cannella est connu pour ses œuvres conceptuelles, il fait partie de la Nouvelle école romaine. La recherche continue de l'artiste l'a conduit à créer des cycles d'œuvres sur des sujets variés : par exemple, des robes turques, des bijoux, des fleurs, des meubles, tous isolés de l'être humain.
Ernst Caramelle est un artiste autrichien. Il est connu pour son art conceptuel, qui implique souvent l'utilisation de la peinture et du dessin comme moyen d'explorer la relation entre la perception et la représentation.
Caramelle a étudié à l'université des arts appliqués de Vienne et a ensuite enseigné à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Son travail se caractérise par une approche ludique de la création artistique, brouillant souvent les frontières entre la peinture, le dessin et l'installation.
Le travail de Caramelle implique souvent l'utilisation de techniques de trompe-l'œil et d'autres illusions visuelles, invitant les spectateurs à remettre en question leur perception de l'objet d'art et de l'espace dans lequel il est exposé. Il incorpore fréquemment des éléments architecturaux dans son travail, créant des installations spécifiques qui s'intègrent à l'environnement.
Caramelle a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment à la Biennale de Venise, à la Documenta de Kassel et au Museum of Modern Art de New York. Il a également reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Grand prix d'État autrichien pour les arts visuels en 2013.
Enrico Castellani est un peintre italien qui a participé au groupe ZERO.
Enrico Castellani est considéré comme l'un des acteurs importants de l'avant-garde artistique en Italie dans la seconde moitié du xxe siècle. L'artiste américain Donald Judd l'a qualifié en 1966 de «l'un des pères du minimalisme», en référence à ses peintures monochromes, dans lesquelles il transforme la surface en un paysage de géométries hypnotiques.
Jake Chapman, né Iakovos Chapman, est un artiste conceptuel anglais qui travaille presque exclusivement avec son frère aîné Dinos Chapman. Ensemble, ils sont connus sous le nom de Jake & Dinos Chapman et sont devenus célèbres en tant que membres du groupe The Young British Artists, créé par le magnat des médias et collectionneur Charles Saatchi. Les frères créent généralement des œuvres à partir de modèles en plastique ou de mannequins en fibre de verre, qui font souvent scandale.
Dinos Chapman (né Konstantinos Chapman) est un artiste conceptuel anglais qui travaille presque toujours avec son jeune frère Jake Chapman. Ensemble, ils sont connus sous le nom de Jake & Dinos Chapman et sont devenus célèbres en tant que membres du groupe The Young British Artists, créé par le magnat des médias et collectionneur Charles Saatchi. Les frères créent généralement des œuvres à partir de modèles en plastique ou de mannequins en fibre de verre, qui font souvent scandale.
Alan Charlton est un artiste conceptuel britannique qui vit et travaille à Londres.
Alan a étudié à la Camberwell School of Art et à la Royal Academy School. Dès le début de sa carrière artistique, en 1969, il n'a travaillé qu'avec une seule couleur : le gris. Pour Charlton, c'est la couleur la plus importante et la plus émotionnelle qui soit, celle de la mélancolie par exemple. "Je suis un artiste qui fait une peinture grise", tel est le principe qu'il a suivi tout au long de sa vie.
Alan Charlton crée des abstractions simples, monochromes et grises, basées sur des formes rectangulaires placées dans l'espace de manière planifiée. Ses œuvres conceptuelles, peintes uniformément dans différentes nuances de gris, consistent souvent en des formes géométriques simples décomposées en éléments modulaires.
Les œuvres de Charlton ont été exposées au Stedelijk Museum d'Amsterdam, au Castello di Rivoli de Turin et à la Tate de Londres.
Marieta Cirulescu est une artiste roumaine et allemande connue pour ses peintures abstraites et conceptuelles. Elle a étudié à l'Académie des beaux-arts de Bucarest et à l'Académie des beaux-arts de Nuremberg, en Allemagne.
L'œuvre de Cirulescu se caractérise par des couleurs calmes et des compositions minimales, et présente souvent des motifs et des formes répétitives qui rappellent les formes et les structures organiques que l'on trouve dans la nature. Elle s'intéresse à l'interaction entre l'organique et le géométrique, et ses œuvres évoquent souvent un sentiment de mouvement et de croissance.
Cirulescu a beaucoup exposé son travail en Europe et aux États-Unis, notamment au Musée d'art moderne de Francfort, au Kunstmuseum de Bonn et au New Museum de New York. Elle a également fait partie du pavillon roumain de la Biennale de Venise 2013.
Mme Cirulescu a reçu de nombreux prix et bourses, dont le prix Villa Romana en 2004 et la bourse du Sénat de Berlin en 2009. Elle vit et travaille actuellement à Berlin.
Alex Da Corte est un artiste conceptuel américain qui travaille dans la peinture, la sculpture, l'installation et la vidéo. Da Corte utilise souvent des images surréalistes et des objets du quotidien dans sa pratique et explore les idées du consumérisme, de la culture pop, de la mythologie et de la littérature. Il a exposé internationalement à Bodega, Gió Marconi, Josh Lilley Gallery, Maccarone, Herning Museum of Contemporary Art, Massachusetts Museum of Contemporary Art et Institute of Contemporary Art. Da Corte a travaillé sur un certain nombre de projets collaboratifs avec d'autres artistes visuels, écrivains et musiciens, dont Jayson Musson, Dev Hynes, Sam Mckinniss et Annie Clark. En février 2021, ses œuvres ont été sélectionnées pour être incluses dans la collection de jardins sur toit du Metropolitan Museum of Art.
Karl Fred Dahmen est un artiste allemand, l'un des plus importants représentants de l'art allemand d'après-guerre et du mouvement Informel. En 1967, il est devenu professeur de beaux-arts à l'Académie de Munich.
Il a peint des tableaux abstraits expressifs avec une structure tectonique et, à partir du milieu des années 1950, des peintures en relief et des collages sur le thème des dommages causés au paysage local par l'exploitation minière à ciel ouvert. Plus tard dans l'œuvre de Dahmen, des boîtes-objets émaillées apparaissent, relatant des impressions de sa vie professionnelle quotidienne.
Hanne Darboven était une artiste conceptuelle allemande connue pour ses installations à grande échelle, ses dessins et ses écrits qui explorent les intersections des mathématiques, du langage et du temps.
Darboven a étudié à la Hochschule für Bildende Künste de Hambourg. Dans les années 1960, elle s'est associée au mouvement de l'art conceptuel, créant des œuvres qui impliquent souvent des systèmes de notation numérique et textuelle.
Dans les années 1970, Darboven commence à produire ses installations emblématiques, qui combinent l'écriture, le dessin et des objets trouvés pour créer des environnements immersifs qui explorent des systèmes complexes de signification et de structure. L'une de ses œuvres les plus célèbres est "Kulturgeschichte 1880-1983", une installation monumentale composée de 1 590 feuilles de papier encadrées, chacune contenant une série de chiffres, de lettres et de symboles qui retracent le cours de l'histoire moderne.
Tout au long de sa carrière, Darboven a continué à explorer la relation entre le langage, les nombres et le temps, en s'inspirant souvent de sa propre vie et de ses expériences. Elle a largement exposé son travail en Europe et aux États-Unis et a fait l'objet de nombreuses rétrospectives et expositions individuelles.
Son héritage d'artiste conceptuelle pionnière continue d'être reconnu et célébré par le monde de l'art d'aujourd'hui.
Jiří David est un artiste tchèque contemporain qui travaille avec différentes techniques, notamment la peinture, la sculpture, l'installation et la photographie. Cofondateur du groupe artistique Tvrdohlaví . Son œuvre médiatique la plus célèbre est le cœur de néon au-dessus du Château de Prague à la fin du dernier mandat du président Václav Havel.
Jiří David a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail se caractérise par une approche conceptuelle et un engagement critique vis-à-vis de l'histoire de l'art et des questions sociales. Il crée souvent des installations à grande échelle qui interpellent le spectateur et explorent la relation entre l'art et son public.
Gino De Dominicis est un représentant de l'art italien qui, des 1960 aux années 1980, a été très contesté et traité de mystificateur. À la fois peintre, sculpteur, philosophe et architecte, son art rappelle l’Arte Povera, la trans-avant-garde et appartient aussi à l'art conceptuel, mais du fait de son indépendance complète on ne peut cependant le classer réellement dans aucun mouvement ni aucun groupe.
Juan Manuel De la Rosa est un peintre, graveur et céramiste connu pour ses œuvres sur papier faites à la main. Il a étudié des techniques moins connues de peinture et de fabrication de papier au Japon, en Égypte, au Fiyi et en France ; son papier fait main est généralement fabriqué en lin, en coton ou en chanvre. Grâce à ces approches traditionnelles, il crée des couches et ajoute de nouvelles dimensions à ses œuvres d'art.
Axel Dick est l'un des plus importants représentants allemands de l'abstraction géométrique et de l'op art.
Lors d'un voyage à New York en 1965, Axel Dick découvre la voie du conceptualisme. C'est un style qu'il a suivi pour le reste de sa vie.
Ugo Dossi est un artiste conceptuel allemand.
Son travail se caractérise par l'utilisation de formes de représentation de l'infini, qui conduisent l'esprit à la perception de l'infini et de l'incompréhensible, qui se cache derrière tout.
Ses installations ont été présentées à deux reprises à la Documenta (Documenta 6 et Documenta 8), à la Biennale de Venise (1986 et 2011), à Paris (1975) et à Buenos Aires (2000), ainsi que dans de nombreuses expositions personnelles dans des musées et institutions internationales.
