Концептуальное искусство
Марина Абра́мович (англ. Marina Abramović) — сербская специалистка по искусству выносливости. Её работа исследует отношения между художником и аудиторией, пределами тела и возможностями ума. Активно занимающуюся творчеством больше пяти десятилетий, Абрамович прозвали «бабушкой искусства перформанса». Она открыла новое понятие идентичности, делая наблюдателей участниками и сосредотачиваясь на «противостоянии боли, крови и физических пределах тела».
Лауреат премии принцессы Астурийской (2021).
Марк Адриан (нем. Marc Adrian) — австрийский концептуальный художник и режиссер.
Адриан учился скульптуре в Венской академии изящных искусств, с 1953 года увлекся кино, кинетикой, ритмическими интерференциями, проблемами оптических структур и т.д. Адриан считается одним из пионеров медиа-арта, ориентированного на кинематограф. Он специализировался на кинетических объектах, антикино и компьютерном искусстве.
Марк Адриан преподавал в различных университетах Европы и читал лекции американским студентам.
Йо Акияма (яп. 秋山 陽; англ. Yō Akiyama) — японский керамист, живущий в Киото. Он был одной из ведущих фигур Sōdeisha, авангардной группы художников двадцатого века, которая стремилась пересмотреть понимание эстетики и назначения в современной и новейшей керамике, делая акцент на скульптурных атрибутах, а не на строгой функциональности. В течение шести лет Акияма учился непосредственно у Казуо Яги, одного из основателей Sōdeisha. Позже Акияма стал профессором Киотского муниципального университета искусств и музыки, где в настоящее время является почетным профессором, уйдя на пенсию в 2018 году. Как художник, он работает в основном с черной керамикой — техникой, при которой глина обжигается при низкой температуре в дымчатых условиях для создания темного эффекта. Его преимущественно крупномасштабные работы отличаются богатой текстурой и абстрактностью, подчеркивая земную материальность произведения, а также его форму.
Вито Аккончи (итал. Vito Acconci) — американский художник, дизайнер и архитектор. Он наиболее известен своими новаторскими работами в области перформанса и провокационными инсталляциями, исследующими взаимоотношения между человеческим телом и пространством.
Аккончи получил степень бакалавра искусств в колледже Святого Креста в 1962 году. Позже он получил степень магистра изящных искусств в Университете Айовы.
В конце 1960-х — начале 1970-х годов Аккончи стал известен своими новаторскими перформансами, в которых художник часто подвергал собственное тело различным формам физического и психологического стресса.
В 1980-х и 1990-х годах Аккончи переключил свое внимание на искусство инсталляций, создавая иммерсивные среды, которые бросали вызов восприятию зрителями пространства и собственного тела. Он также работал как дизайнер и архитектор, создавая общественные скульптуры и здания по всему миру.
Работы Аккончи выставлялись в крупнейших музеях и галереях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Венецианскую биеннале. За свой вклад в современное искусство он получил множество наград и премий, включая медаль Скоухегана за скульптуру в 1995 году.
Его наследие как влиятельного и провокационного художника продолжает ощущаться в мире современного искусства и сегодня.
Юрий Альберт (англ. Yuri Albert) — современный российский художник, теоретик искусства и педагог; член круга московского концептуализма. В настоящее время живет и работает в Москве и Кельне.
Работы Юрия Альберта находятся в собраниях крупных российских и международных институций.
Карло Альфано (итал. Carlo Alfano) — итальянский художник и скульптор.
Он учился в Неаполе, городе, где держал свою студию и работал, чередуя длительные периоды за границей, особенно в Германии. Большая часть его творений относится к области концептуальных исследований.
Александр Арречеа (исп. Alexandre Arrechea) — кубинский визуальный художник. Его работы связаны с концепциями власти и ее сети иерархий, наблюдения, контроля, запретов и подчинения.
В течение двенадцати лет он был членом художественного коллектива Los Carpinteros, пока не покинул группу в июле 2003 года, чтобы продолжить свою карьеру в качестве сольного художника.
Ричард Артшвагер (англ. Richard Artschwager), полное имя — Ричард Эрнст Артшвагер (англ. Richard Ernst Artschwager) — американский художник, иллюстратор и скульптор, работы которого ассоциируются с поп-артом, концептуальным искусством и минимализмом.
Джеймс Ли Байарс (англ. James Lee Byars) — американский концептуальный художник и перформансист, специализирующийся на инсталляциях и скульптурах, а также самосознательный мистик. Он был наиболее известен благодаря использованию личных эзотерических мотивов и своей творческой личности, которую описывали как «наполовину дендифицированного трикстера и наполовину минималистского провидца».
Среди известных перформансов Байарса — «Смерть Джеймса Ли Байарса» и «Идеальная улыбка», а среди многочисленных скульптур — множество написанных им писем, которые были оформлены в виде скульптур.
Джон Балдессари (англ. John Baldessari) — американский концептуальный художник, куратор, один из наиболее влиятельных художников своего поколения, пионер концептуального искусства. Прославился в конце 1960-х годов, сочетая присущее поп-арту использование образов из средств массовой информации, со свойственным концептуальному искусству использованием языка.
Франк Бальфе (нем. Frank Balve) — немецкий концептуальный художник.
Он создает картины, фотографии, скульптуры, перформансы и фильмы, и его работы часто вдохновлены литературными произведениями, от Данте до маркиза де Сада. Бальфе оформляет свои образы красками, строит их из камня или бумаги, инсценирует их перед камерой и облекает в язык. В специальных инсталляциях он объединяет свои работы, создавая пространства опыта для работы зрителя.
Филлида Барлоу (англ. Phyllida Barlow) — современная британская художница. Она училась в Chelsea College of Art (1960-63) и Slade School of Art (1963-66). В конце 1960-х годов она стала сотрудником Slade School of Art и преподавала там более сорока лет. В 2009 году она вышла на пенсию и является почетным профессором изобразительного искусства. Она оказала большое влияние на молодое поколение художников; в Слейде среди ее учеников были Рейчел Уайтеред и Анжела де ла Круз. В 2017 году она представляла Великобританию на Венецианской биеннале.
Дженнифер Бартлетт (англ. Jennifer Bartlett) — американская художница. Она была известна своими картинами и гравюрами, сочетающими системную эстетику концептуального искусства с живописным подходом неоэкспрессионизма. Многие из ее работ выполнены на небольших квадратных стальных пластинах с эмалевым покрытием, которые объединяются в сетки для создания очень больших произведений.
Сьорд Бёйсман (нидерл. Sjoerd Buisman) — нидерландский скульптор, рисовальщик и концептуальный художник. Он живет и работает в Амстердаме и Нормандии. Его работы нефигуративны и в основном выполнены в форме лэнд-арта, концептуального по своей природе.
Алан Белчер (англ. Alan Belcher) — канадский художник-самоучка. Его концептуальная практика определенно многослойна и ориентирована на объекты. В прошлом он был признан создателем тактильного слияния фотографии и создания объектов. Прозрачность видения и простота изготовления с упором на материалы остаются отличительными чертами его серийных изделий. Белчер известен своей прямотой и острой простотой при подходе к сложным предметам. Чувство юмора и почтение к чувствительности поп-музыки, а также практический подход занимают большую часть его работы.
Скотт Бертон (англ. Scott Burton) — американский скульптор и перформансист, наиболее известный своими масштабными мебельными скульптурами из гранита и бронзы.
Работы Бертона были направлены на размывание границ между искусством и функциональными объектами. Он бросил вызов традиционному представлению о скульптуре как об объекте, которым можно любоваться на расстоянии, создавая скульптуры, предназначенные для взаимодействия и использования зрителями. Его работы часто включали в себя элементы мебели и архитектурного дизайна, объединяя искусство с практическими аспектами повседневной жизни.
На подход Бертона к искусству повлиял его интерес к минимализму и движению концептуального искусства. Он считал, что искусство не должно ограничиваться рамками галерей и музеев, а должно существовать как часть повседневной среды. Интегрируя свои скульптуры в общественные пространства, Бертон стремился изменить восприятие зрителями как произведения искусства, так и окружающей среды.
Бернд и Хилла Бехер (нем. Bernd und Hilla Becher) — пара немецких фотографов, известных своими фронтальными фотографиями промышленных объектов.
Чтобы придать фотографиям характер «объективного» документального фильма, все они сделаны в соответствии с одним и тем же неизменным протоколом: нейтральный свет (пасмурное небо), и каждая фотография в одной серии скомпонована одинаково (угол зрения и кадрирование). К этому следует добавить использование черно-белого цвета, телеобъектива, чтобы избежать искажений, камеры Linhof 8x10, а также специфическую презентацию работ, сохранявшуюся на протяжении многих лет.
Преобладает одна эстетическая характеристика: сфотографированные конструкции выглядят как геометрические или извилистые формы, которые повторяются на протяжении всей серии. Этот феномен серийности характерен для фотоконцептуального синтаксиса, который они применяют в своих работах. Совершенно нейтральные фотографии, таким образом, изолируют инфраструктуру.
Работы Бехеров играют определенную роль в укреплении общественного интереса к промышленному наследию.
Хилла Бехер (нем. Hilla Becher) — немецкий концептуальный фотограф. Бехер была хорошо известна своими промышленными фотографиями или типологиями. Ее карьера длилась более 50 лет и включала фотографии из США, Франции, Германии, Нидерландов, Великобритании, Бельгии, Швейцарии, Люксембурга и Италии.
Бехер вместе со своим мужем и соратником Берндом Бехером получила премию Эразма и премию Хассельблада. В середине 1970-х годов Бехеры основали Дюссельдорфскую школу фотографии.
Берндт Бехер (нем. Berndt Becher) — немецкий концептуальный фотограф. Бехер хорошо известен своими промышленными фотографиями.
Вместе со своей женой и соратницей Хиллой Бехер получил премию Эразма и премию Хассельблада. В середине 1970-х годов Бехеры основали Дюссельдорфскую школу фотографии.
Валеад Бешти (англ. Walead Beshty) — американский концептуальный художник, фотограф, скульптор и писатель, живет и работает в Лос-Анджелесе.
Он родился в Лондоне, Великобритания, учился в Бард-колледже и получил степень магистра изобразительного искусства в Йельском университете в 2002 году, занимает академические должности в университетах США.
Бешти наиболее известен своими работами в области фотографии, однако его творческий интерес охватывает широкий спектр, включая скульптуру, живопись, инсталляцию и видео. Например, в одной из своих популярных работ художник отправляет почтой серию стеклянных витрин разных размеров в картонных коробках, а затем демонстрирует треснутые и разбитые витрины, поврежденные в процессе доставки, поверх коробок, в которые они были упакованы.
Дерек Пол Бойл (англ. Derek Paul Boyle) — современный американский визуальный художник, чьи работы часто связаны с антропоморфизмом повседневных предметов и абсурдистскими вмешательствами.
Бойл получил степень бакалавра в колледже Эмерсон в Бостоне и степень магистра в области цифровых технологий и медиа в Школе дизайна Род-Айленд.
Бойл выставлял свои работы на национальном и международном уровне, включая выставки в Музее современного искусства в Кливленде, Музее изящных искусств в Бостоне и галерее Саатчи в Лондоне. Его работы включены в коллекции Музея американского искусства Уитни, Музея изящных искусств Бостона, Музея искусств Кливленда и др.
Помимо студийной практики, Бойл также преподает искусство и работает в качестве приглашенного художника в различных учебных заведениях, включая Школу дизайна Род-Айленда, Школу визуальных искусств и Мичиганский университет.
Кристиан Болтански (фр. Christian Boltanski) — французский художник, скульптор, фотограф, кинорежиссёр.
Главная тема Болтански — уничтожение и утрата прошлого, будь то индивидуального, биографического, или коллективного, исторического, его зияющее отсутствие в настоящем. Искусство при этом выступает своеобразным ритуалом воскрешения или хотя бы выкликания отсутствующего, и прообразом подобного уничтожения, взывающего к общей памяти, для Болтански остаётся Холокост.
Джонатан Борофски (англ. Jonathan Borofsky) — американский художник, известный своими публичными скульптурами и инсталляциями, которые исследуют темы человеческого сознания, индивидуальности и взаимосвязанности.
Борофски учился в Университете Карнеги-Меллон и Йельском университете. В 1970-х годах он получил признание за свои концептуальные работы и перформансы, в которых часто использовались элементы языка, текста и повторения.
В 1980-х годах Борофски начал создавать масштабные общественные скульптуры, многие из которых изображают человеческие фигуры или силуэты. Одна из самых известных его работ — «Молекулярный человек», скульптура высотой 100 футов из трех взаимосвязанных фигур, расположенная в Берлине, Германия.
Работы Борофски выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке, Центр Жоржа Помпиду в Париже и Национальный музей современного искусства в Сеуле. Он также создал произведения общественного искусства в таких городах, как Нью-Йорк, Токио и Тель-Авив.
Помимо своего искусства, Борофски известен своим интересом к медитации и духовности, которые он часто включает в свои работы. Он опубликовал несколько книг на эти темы.
Борофски продолжает жить и работать в Огунквите, штат Мэн, где он держит студию и создает новые произведения искусства.
Алигьеро Боэтти (итал. Alighiero Boetti) — итальянский художник-концептуалист, член движения арте повера.
Наиболее известная работа Боэтти — серия больших вышитых карт мира. Границы каждой страны заполнены вышитыми изображениями национального флага этой страны.
Один из лучших образцов, Mappa del Mondo, 1989, находится в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке.
Эрик Владимирович Булатов — советский и российский художник-авангардист XX-XXI веков. Его картины — это экспериментальное противопоставление стиля модерн и традиционной живописи. Главный принцип произведений Булатова — противостояние окружающего реального пространства и картинной плоскости.
Булатов с 1989 года жил в Нью-Йорке, а в 1992 году переселился в столицу Франции, где он живёт и работает по настоящее время, иногда приезжая в Россию.
Работы Булатова пользуются неизменным спросом на аукционах современного искусства, он считается одним из самых дорогих современных русских художников. Например, на аукционе «Филиппс» его работа «Советский космос» была продана примерно за 1,6 миллиона долларов.
Дание́ль Бюре́н (фр. Daniel Buren) — французский художник-концептуалист. Один из основателей арт-группы «БМПТ». Считается одним из самых «дорогих» из ныне живущих французских художников.
После 1966 Дание́ль Бюре́н создал эстетическую форму, которая позволила ему сосредоточиться исключительно на положении произведения искусства в пространстве: он сфокусировался на изображении перемежающихся белых и цветных полос. Эта творческая стратегия стала его отличительным знаком.
Полосатые колонны Бюрена (композиция «Два уровня»), установленные в 1986 году во внутреннем дворе парижского Пале-Рояля и вызывавшие протест парижан, позднее превратились в заметную достопримечательность французской столицы.
Лоуренс Вайнер (англ. Lawrence Weiner), американский художник, известный своим вкладом в области концептуального искусства, оставил неизгладимый след в мире современного искусства. Родившись в 1942 году, Вайнер превратил слова и их визуальное представление в основу своего творчества, предлагая новый взгляд на роль искусства в обществе.
Специализируясь на создании текстовых инсталляций, Вайнер использовал стены галерей, книги и различные публичные пространства в качестве своего холста. Его работы характеризуются лаконичностью и глубоким смыслом, заставляющим зрителя задуматься о вечных вопросах бытия и взаимодействия человека с окружающим миром.
Среди наиболее известных работ Вайнера можно выделить инсталляции, размещенные в таких престижных музеях и галереях, как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне. Его творчество получило признание и высокую оценку критиков, подтверждая значимость Вайнера в развитии современного искусства.
Лоуренс Вайнер оставил после себя наследие, вдохновляющее новые поколения художников исследовать возможности слова как средства выражения. Его уникальный подход и философия продолжают оказывать влияние на развитие искусства по всему миру.
Для получения обновлений о новых продажах продукции и аукционных событиях, связанных с Лоуренсом Вайнером, подпишитесь на наши уведомления. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей и не пропустить важные события в мире современного искусства.
Генри ван Хервеген (нидерл. Henri Van Herwegen), более известный под псевдонимом Панамар (Panamarenko), — бельгийский художник, создававший инсталляции и объекты, которые сочетали в себе элементы науки, техники, искусства и фантастики.
Панамаренко был автодидактом и начал свою карьеру художника в 1960-х годах. Его работы были представлены на многих выставках в Европе, Америке и Азии. Он создавал различные объекты, такие как летающие аппараты, подводные лодки, крылья, велосипеды и многое другое. В его работах были использованы различные материалы, включая металл, пластик, текстиль, стекло и древесину. Его инсталляции и объекты были часто интерактивными и могли двигаться или светиться.
Панамаренко был одним из самых влиятельных художников в Бельгии и его работы находятся в коллекциях многих музеев, включая Музей современного искусства в Барселоне, Музей Гуггенхайма в Бильбао и Музей современного искусства в Амстердаме.
Крисса Вардеа-Мавромихали (греч. Χρύσα Βαρδέα-Μαυρομιχάλη; англ. Chryssa Vardea-Mavromichali) — греко-американская художница, скульптор и график, жившая в США с 1950-х годов. Она считается важным представителем минимализма и концептуального искусства.
Бернар Вене (фр. Bernar Venet) — французский скульптор и концептуальный художник.
Бернар Венет считается одним из выдающихся скульпторов современности. Его стальные скульптуры представлены во многих международных музеях, частных коллекциях и общественных пространствах.
Арти Виеркант (англ. Artie Vierkant) — современный американский художник, арт-критик, представитель и теоретик пост-интернет искусства, автор эссе The Image Object Post Internet (2010). Живёт и работает в Нью-Йорке, США.
Изучал изобразительное искусство в Университете Пенсильвании, а также получил степень магистра изобразительных искусств в Университете Калифорнии.
Виеркант создаёт объекты, которые относятся к пост-интернет искусству, то есть призваны существовать как в сети Интернет, так и в материальной среде. Его работы — примеры того, какое влияние оказывает новая медиа-среда на искусство и жизнь современного общества в целом. Творения Виерканта часто находятся на грани абстрактной концептуальной идеи самого объекта и его физического воплощения.
Также в своём творчестве Виеркант касается проблемы защиты интеллектуальной собственности, размышляя о границах распространения авторского права.
Ламберт Мария Винтерсбергер (нем. Lambert Maria Wintersberger) — немецкий художник.
Вместе с другими художниками, такими как Маркус Люперц, Карл Хорст Хёдике и Бернд Коберлинг, он основал галерею Großgörschen 35 в Берлине.
Ламберт Мария Винтерсбергер был лауреатом Центра европейских художественных действий в Страсбурге в 1992 году, а в 2005 и 2006 годах он был приглашенным художником на керамической фабрике Майолика в Карлсруэ.
Кристофер Вул (англ. Christopher Wool) — современный американский художник и скульптор. Живёт и работает в Нью-Йорке.
Кристофер Вул известен благодаря живописи большого формата с изображениями черных букв на белых холстах. В последние годы художник создает абстрактные монохромные полотна, которые выглядят как пересекающиеся слои наносимых и стираемых линий. Вул работает в разных техниках, включая разбрызгивание краски и шелкографию.
Кристиан Вульфен (нем. Christian Wulffen) — современный немецкий художник-концептуалист, профессор Кливлендского института искусств. Раньше преподавал в Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart и в Freie Hochschule, Metzingen. В настоящее время его работы представлены во многих известных галереях Европы и США.
Эрвин Вурм (нем. Erwin Wurm) — австрийский художник, фотограф, режиссёр, скульптор.
Эрвин Вурм как скульптор создает и более привычные «материальные» объекты. Его «надувные» дома, гнутые и деформированные машины и фигуры людей — художник занимается деконструкцией объёма и материала. В творчестве художника можно проследить критику на общество потребления («заплывшие жиром» дома и машины, человек, проглотивший земной шар), иронию по поводу антиглобализма (серия «в поисках бомбы»).
В конце 1980-х художник экспериментировал с повседневными предметами одежды, которые он использовал для создания скульптуры. Затем Эрвин Вурм начал создавать «Пыльные скульптуры» и видеофильмы.
Ален Газье (фр. Alain Gazier) — французский живописец, известный своими пустынными интерьерными картинами. Его техника наложения точек, пропорций, проекций и планов напоминает чертежа архитектора. Художник как бы приглашает зрителя в этот необитаемый безмолвный мир, где он играет со светом и перспективой.
Николас Гарсия Урибуру (исп. Nicolás García Uriburu) — аргентинский художник, ландшафтный архитектор и эколог. Его работы в области лэнд-арта были направлены на повышение сознательности в отношении экологических проблем, таких как загрязнение воды.
Йохен Герц (нем. Jochen Gerz) — современный немецкий художник.
Как художник обращается к скульптуре, фотографии, видео, инсталляциям, перформансу и другим средствам. Его принципиальный подход — работа по собственной инициативе, а не на заказ, вовлечение людей в искусство не в качестве зрителей, а как соучастников, ответственных за сделанное (партиципаторное искусство) и, наконец, погружение совместно созданного ими во время, включение времени в структуру произведения, так что произведение переживает постоянные перемены (процесс-арт).
Моше Гершуни (иврит משה גרשוני; англ. Moshe Gershuni) — израильский живописец и концептуальный художник. Он родился в Тель-Авиве, Израиль, и изучал искусство в Институте искусства и дизайна Авни в Тель-Авиве.
Ранние работы Гершуни характеризовались абстрактным экспрессионизмом и жестикуляцией, но позже он обратился к концептуальному искусству, исследуя темы идентичности, памяти и политики. Он часто использовал текст, фотографии и найденные предметы в своих работах, которые были очень личными и выразительными.
Гершуни также был видным членом израильского художественного сообщества и участвовал в различных культурных и политических движениях. Он был ярым критиком обращения Израиля с палестинцами и использовал свое искусство для решения проблем конфликта и прав человека.
В 1995 году Гершуни представлял Израиль на Венецианской биеннале, где представил серию работ, посвященных Холокосту и израильско-палестинскому конфликту. На протяжении всей своей карьеры он продолжал активно выставлять свои работы как в Израиле, так и на международном уровне.
Наследие Гершуни как художника очень велико, а его работы стали предметом многочисленных выставок и публикаций. Он считается одним из самых значительных израильских художников XX века, и его влияние на развитие израильского искусства и концептуального искусства в целом широко признано.
Эккеланд Гетце — немецкий художник, гравер и художник-концептуалист. После обучения на печатника он заочно выучился на инженера-технолога. Гетце рисовал в свободное время, но ему не разрешили выставляться из-за правил Восточной Германии: формально он был гравером, а не художником. Из-за этих ограничений он подал заявку на получение разрешения на выезд в 1985 году, которое было предоставлено в 1988 году. В 1989 году Гетце начал работать над проектом под названием «Эрде» («Земля»). Он собирает образцы почвы в необычных местах по всему миру и наносит их на бумагу или другой фон, используя разработанную им самим технику, которую он называет терраграфией: он измельчает почву, смешивает ее с связующим веществом, а затем наносит его, используя технику, аналогичную трафаретной печати. Все фоны квадратные и одинакового размера. Получившимся произведениям дается индивидуальное имя, отражающее важность места. По словам Гетце, фотографии отражают «дух и энергию» места, где была собрана почва. Гетце владеет студией в Зендлинге. Он является членом Neue Gruppe, ассоциации мюнхенских художников, регулярно выставляющих свои работы в музее Haus der Kunst. В 2018 году Гетце был награжден Seerosenpreis, ежегодной наградой, присуждаемой городам Мюнхена художникам-визуалистам.
Раймунд Гирке (нем. Raimund Girke) — немецкий художник, известный своими минималистскими и монохроматическими абстрактными картинами. Он стоялу истоков аналитической живописи, участвовал в выпуске Documenta VI 1977 года в Касселе, Германия, и широко известен своими исследованиями белого цвета.
Раймунд Гирке принадлежал к поколению молодых европейских художников, которые преодолели субъективизм абстрактного экспрессионизма и искали новые объективные редуктивные выражения, основанные на научных и математических принципах. Картины Гирке отличались свободными композициями и ограниченной цветовой палитрой, часто с тонкими вариациями оттенков белого или серого.
Феликс Гонзалес-Торрес (англ. Félix González-Torres) — американский художник кубинского происхождения.
Гонзалес-Торрес — один из основателей «искусства 1990-х» — искусства прямого действия и открытой коммуникации со зрителем, в противоположность респектабельному, стабильному, закрытому художественному объекту. Известен своими минималистскими инсталляциями и скульптурами, в которых он использовал такие материалы, как струны, лампочки, часы, кипы бумаг, конфеты (леденцы). Ранние работы художника представляли собой пазлы, сделанные промышленным способом на основе фотографий, взятых из прессы — «Без названия» (Клаус Барби как семьянин). 1988. Первые скульптуры — в виде стопок почти пустых белых листов бумаги (на них только надпись). Стопки своей формой указывали на погребальные стелы на кладбищах ветеранов — «Без названия» (Мемориал). 1989.
Работы Гонзалеса-Торреса представляют собой минималистские скульптуры — абстрактные, геометричные, холодные.
