Nature morte — Prix d'enchère
Charles Courtney Curran est un artiste impressionniste américain.
Il a étudié à la National Academy of Design (New York), puis à l'Académie Julian à Paris.
Curran est connu pour ses représentations romantiques de jeunes femmes dans la nature, où elles se promènent, font du sport ou admirent simplement des fleurs. L'artiste a également peint en plein air, expérimentant différents styles artistiques tels que l'impressionnisme, le symbolisme, le tonalisme et le naturalisme.
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William H. Bailey était un peintre figuratif américain et professeur d'université à la Yale School of Art. Bailey est surtout connu pour ses nus et ses natures mortes avec des œufs, des vases, des bouteilles et des bols dans une atmosphère haletante, faussement silencieuse et chargée de mystère.
Philippe Rousseau était un peintre français. Formé par Antoine-Jean Gros et Jean-Victor Bertin à l'École des Beaux-Arts de Paris, Philippe Rousseau a débuté sa carrière en tant que paysagiste avant de se consacrer à la nature morte et aux sujets animaliers. Reconnu pour ses œuvres dans ce genre, il a exposé au Salon de Paris dès 1834, où il a été distingué par plusieurs médailles et a été fait chevalier de la Légion d'honneur en 1852, puis promu officier en 1870.
Ses œuvres sont célèbres pour leur réalisme et leur attention aux détails, qualités qui reflètent l'influence de Chardin et des scènes de marché flamandes du XVIe et XVIIe siècle. Parmi ses tableaux les plus notables, citons « Le Singe aquafortiste » au Musée Magnin de Dijon, « Chardin et ses modèles » au Musée d'Orsay à Paris, ainsi que « The Fish Market » et « Still Life with Oysters » à la National Gallery de Londres. « Still Life with Ham » au Metropolitan Museum of Art illustre sa capacité à incorporer des signatures idiosyncratiques dans ses natures mortes, témoignant de son intérêt pour les détails minutieux et la composition.
Les collectionneurs et experts en art et antiquités apprécient particulièrement la manière dont Philippe Rousseau a su capturer la beauté et la complexité de la vie quotidienne à travers ses natures mortes, faisant de lui un maître reconnu dans ce domaine.
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Roelof Koets I était un peintre néerlandais de l'âge d'or de la peinture néerlandaise.
Il était membre de la guilde de Saint-Luc à Haarlem, et son fils était le peintre Andries Koets. Roelof Koets était un maître de la nature morte avec des poissons, de la vaisselle et des fruits, le plus souvent des grappes de raisin.
Un peu plus tard, un autre artiste du même nom, qui peignait des portraits, a vécu et travaillé à Zwolle, aux Pays-Bas. Pour éviter toute confusion, il est appelé Roelof Koets II (1640-1725).
George Clausen est un peintre et graveur britannique.
Alberto Giacometti, sculpteur et peintre suisse, est reconnu pour ses sculptures allongées de figures solitaires, reflétant souvent un sentiment d'isolement existentiel. Né dans une famille d'artistes à Borgonovo, Suisse, il a été encouragé dès son plus jeune âge par son père, le peintre post-impressionniste Giovanni Giacometti, et son parrain, le peintre fauviste Cuno Amiet. Sa formation artistique a commencé à Genève avant de se poursuivre à Paris, où il s'est immergé dans le cubisme et le surréalisme, côtoyant des figures majeures de ces mouvements.
Giacometti a connu une carrière riche, marquée par une expérimentation constante qui l'a conduit du surréalisme à des œuvres plus réalistes axées sur la condition humaine. Ses sculptures, caractérisées par des figures étirées et émaciées, cherchent à capturer l'essence de l'humanité. L'une de ses œuvres les plus célèbres, "L'Homme qui marche", symbolise la solitude et la fragilité existentielle. Sa méthode de travail était méticuleuse, souvent réduisant ses sculptures à des formes filiformes, exprimant sa vision unique de la réalité.
Durant la Seconde Guerre mondiale, Giacometti retourne en Suisse, mais revient à Paris après la guerre, où il continue à développer son style distinctif. Malgré les défis de sa santé déclinante dans les années 60, il reste prolifique jusqu'à sa mort en 1966. Ses œuvres sont aujourd'hui exposées dans des musées de renom, témoignant de son impact durable sur l'art du XXe siècle.
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