The Ann & Gordon Getty Collection: Volume 1 | Important Pictures and Decorative Arts, Evening Sale
Édouard Manet, né à Paris en 1832, est un peintre et graveur français qui a joué un rôle majeur dans la transition de la peinture du réalisme à l'impressionnisme. Manet a rompu avec les traditions académiques en peignant des scènes de la vie moderne et en utilisant une technique de pinceau libre qui a influencé les générations futures d'artistes. Sa famille, aisée et bien connectée, espérait qu'il suivrait une carrière en droit, mais Manet a choisi de se consacrer à l'art après avoir échoué à deux reprises dans l'examen d'entrée à la marine. Il a étudié sous la tutelle de Thomas Couture et a passé du temps à copier les œuvres des maîtres au Louvre. Ses voyages en Allemagne, en Italie et aux Pays-Bas ont enrichi son style, marqué par les influences de Frans Hals, Diego Velázquez et Francisco José de Goya.
Manet est célèbre pour ses œuvres provocatrices, notamment "Le Déjeuner sur l'herbe" et "Olympia", qui ont provoqué des scandales publics et critiqués pour leur traitement non conventionnel du nu et leur remise en question des normes sociales. "Le Déjeuner sur l'herbe" a été refusé par le Salon de Paris, ce qui a mené à sa présentation au Salon des Refusés, attirant à la fois admiration et critique. "Olympia", quant à elle, a été critiquée pour sa représentation crue d'une prostituée, marquant un tournant dans la manière dont la nudité était représentée dans l'art.
Les contributions de Manet à l'art moderne ne se limitent pas à ses sujets controversés mais incluent également son utilisation audacieuse de la lumière et de la couleur, ainsi que sa capacité à capturer l'essence de la vie urbaine de Paris. Ses œuvres sont conservées dans de grands musées à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'histoire de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Manet offre une fenêtre fascinante sur les changements culturels et artistiques de la fin du XIXe siècle. Son audace dans le choix des sujets et sa technique innovante continuent d'inspirer et de provoquer le débat.
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Edgar Degas, peintre, sculpteur et graveur français, est reconnu pour ses contributions majeures à l'art impressionniste, bien qu'il préférât se décrire comme un réaliste. Né dans une famille aisée de Paris, Degas a consacré sa vie à capturer les nuances de la vie parisienne, se spécialisant dans les représentations de danseuses, de scènes hippiques, et de portraits intimes. Son œuvre se distingue par une maîtrise exceptionnelle du dessin et une capacité unique à saisir le mouvement, ce qui est particulièrement évident dans ses études de danseuses et de nus féminins.
Dès son plus jeune âge, Degas a montré un talent pour les arts, encourageant par ses études académiques rigoureuses et par l'admiration qu'il portait aux maîtres de la Renaissance lors de son séjour en Italie. Son œuvre reflète une fascination pour le mouvement humain et une exploration approfondie de la figure féminine, allant des portraits sombres de ses débuts aux vibrant études de laundresses, chanteuses de cabaret, et danseuses de ballet de sa période impressionniste.
Degas a également innové dans l'utilisation des médias, combinant la peinture à l'huile, le pastel, et la gravure pour créer des textures et des effets de lumière complexes. Ses sculptures en bronze, notamment l'étude de la jeune danseuse Marie van Goethem, ont préfiguré l'introduction d'objets réels dans la sculpture au XXe siècle. En dépit de sa vision déclinante dans ses dernières années, Degas a continué à expérimenter avec la sculpture et le pastel, se concentrant sur des sujets intimes de femmes dans leur toilette quotidienne.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de son impact durable sur l'art moderne. Parmi ses œuvres notables, "La Classe de danse" et "L'Absinthe" sont particulièrement reconnues pour leur complexité psychologique et leur représentation de l'isolement humain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Degas offre un aperçu fascinant de la vie parisienne de la fin du XIXe siècle et une exploration profonde de la forme humaine. Pour rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Edgar Degas, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra d'être au courant des nouvelles opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Mary Stevenson Cassatt, née le 22 mai 1844 en Pennsylvanie, était une artiste peintre et graveuse américaine, reconnue pour son rôle majeur dans le mouvement impressionniste. Installée en France pour la majeure partie de sa vie adulte, elle y a développé une amitié profonde avec Edgar Degas et a souvent exposé avec les impressionnistes. Cassatt est surtout célèbre pour ses œuvres dépeignant les liens intimes entre mères et enfants, et pour sa représentation vive de la vie sociale et privée des femmes.
Elle a également marqué le domaine de la gravure, se passionnant pour cette technique dès la fin des années 1870 sous l'influence de Degas. Son œuvre dans ce domaine comprend des scènes d'opéra et de vie quotidienne, exprimées avec un style distinctif influencé par les estampes japonaises qu’elle admirait profondément.
En plus de son impact artistique, Cassatt a joué un rôle significatif comme conseillère pour des collectionneurs d'art, contribuant à enrichir de nombreuses collections privées et publiques aux États-Unis. Sa vision et ses conseils ont été particulièrement influents dans la formation de la collection Havemeyer, désormais partie intégrante du Metropolitan Museum of Art.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Mary Stevenson Cassatt, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir en exclusivité les nouvelles oeuvres disponibles et les événements spéciaux. Ne manquez pas cette opportunité d'enrichir votre collection avec les pièces d'une des grandes dames de l'impressionnisme.
Oscar-Claude Monet, né le 14 novembre 1840 à Paris, était un peintre français et l'un des fondateurs de l'impressionnisme. Dès son enfance au Havre, en Normandie, Monet se passionne pour le plein air et le dessin. Malgré le désaccord initial de son père pour une carrière artistique, l'influence d'Eugène Boudin l'oriente vers la peinture en plein air. Après des études à l'Académie Suisse et sous Charles Gleyre à Paris, il participe à la première exposition des futurs impressionnistes en 1874, où son œuvre "Impression, Soleil Levant" donne son nom au mouvement.
Monet est célèbre pour sa méthode de peindre le même scène plusieurs fois afin de capturer les variations de lumière et de saison, comme le démontrent ses séries de Meules, les Cathédrales de Rouen et les Nymphéas. Parmi ses œuvres remarquables figurent "La Femme à la Robe Verte", mettant en vedette sa première épouse Camille Doncieux, et les célèbres "Nymphéas", inspirés par son jardin à Giverny.
Réussissant à capter l'essence changeante de la nature, Monet devient une source d'inspiration majeure pour de nombreux artistes, influençant des mouvements tels que le modernisme. Ses œuvres sont réparties dans des collections du monde entier, notamment au Musée d'Orsay, au Musée de l'Orangerie à Paris, et au Metropolitan Museum of Art à New York.
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Canaletto, de son vrai nom Giovanni Antonio Canal, était un peintre topographique italien, célèbre pour ses vues détaillées de Venise et de Londres, ainsi que des résidences campagnardes anglaises. Sa maîtrise de l'atmosphère et son expression précise dans ses peintures ont influencé les générations suivantes d'artistes paysagistes. Né dans une famille noble, Canaletto utilisait parfois les armoiries familiales comme signature. Son style topographique s'est développé après son retour de Rome en 1719, marquant un tournant dans sa carrière artistique.
Les œuvres de Canaletto, particulièrement celles représentant Venise, étaient très prisées par les touristes de l'aristocratie européenne en visite dans la ville italienne. Bien qu'il ait souvent utilisé une camera obscura pour obtenir des représentations architecturales précises, Canaletto n'hésitait pas à embellir ses paysages pour y ajouter une harmonie géométrique et un drame supplémentaire. Son séjour en Angleterre lui a également permis de créer des œuvres célèbres qui ont consolidé sa réputation en Europe du Nord.
Canaletto est surtout reconnu pour ses vedute, des peintures détaillées de paysages urbains. Ses travaux à Venise et à Londres sont parmi les plus célèbres, offrant des représentations précises et atmosphériques de ces villes. Des œuvres comme « The Stonemason's Yard » et « View of the Entrance to the Venetian Arsenal » démontrent sa capacité à capturer la lumière et l'ambiance de Venise, tandis que ses peintures de Londres, telles que « The Thames from the Terrace of Somerset House », montrent un intérêt similaire pour l'atmosphère et la topographie urbaine.
Pour ceux qui souhaitent explorer l'art de Canaletto, de nombreuses galeries et musées à travers le monde exposent ses œuvres. Si vous êtes passionné d'art et désirez rester informé sur les expositions et les ventes liées à Canaletto, pensez à vous inscrire aux newsletters spécialisées dans l'art pour recevoir des mises à jour sur les événements à venir.
Bernardo Bellotto était un peintre italien de paysages urbains ou vedutiste, et un graveur, célèbre pour ses vues détaillées des villes européennes comme Dresde, Vienne, Turin et Varsovie. Bernardo Bellotto a été fortement influencé par son oncle, le célèbre Canaletto, dont il a adopté le style avant de développer le sien, marqué par des ombres profondes et des tons plus froids.
Bernardo Bellotto a travaillé pour des cours royales et princières à travers l'Europe. Après la mort du roi Auguste III de Pologne, il se rendit à Varsovie, où il devint peintre de la cour du roi Stanisław August Poniatowski. Pendant ses années à Varsovie, il a réalisé de nombreuses vues de la ville, qui ont joué un rôle clé dans la reconstruction de Varsovie après la Seconde Guerre mondiale. Ses œuvres sont aujourd'hui dispersées dans divers musées à travers le monde.
Les tableaux de Bellotto sont appréciés pour leur réalisme minutieux et leur perspective précise, influençant significativement le paysage artistique de l'époque et laissant un héritage qui continue d'inspirer les artistes et les collectionneurs.
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Jean-Étienne Liotard est un peintre, dessinateur, pastelliste et graveur genevois.
Déjà célèbre en son temps, il voyagea et exerça son art partout en Europe et jusqu'au Proche-Orient. Homme libre et cultivé, ce portraitiste peignit les puissants comme les humbles. Son œuvre varié et prolifique est reconsidéré depuis les années 2000 à travers de nombreuses rétrospectives.
Jean-Antoine Watteau est un peintre français devenu célèbre par ses représentations de «fêtes galantes».
Il est un des créateurs représentants du mouvement rocaille. Inspiré par la commedia dell'arte, il aime représenter le théâtre dans ses tableaux, que ce soit à travers les rideaux lourds ou les thèmes. Malgré une carrière brève d'une quinzaine d'années, il a connu le succès de son vivant et a laissé une œuvre considérable, des milliers de dessins et plus de deux cents tableaux que les princes d'Europe et les collectionneurs privés s'arrachaient. Ses peintures les plus célèbres sont un Pierrot (anciennement intitulé Gilles) et deux de ses Pèlerinages à l'île de Cythère.
Jean-Honoré Fragonard, peintre emblématique français né en 1732 à Grasse et décédé en 1806 à Paris, est reconnu pour son apport majeur au style rococo. Sa formation artistique, débutée auprès de maîtres comme Jean Siméon Chardin et François Boucher, lui a permis de remporter le prestigieux Prix de Rome en 1752, qui a marqué le début d'une illustre carrière centrée sur les portraits, les paysages, et surtout les scènes galantes et érotiques, prisées par la Cour de Louis XV. Son œuvre, célébrée pour son exubérance et sa délicatesse, comprend des tableaux célèbres tels que « La Liseuse », « Les Hasards Heureux de l'Escarpolette » et « Le Verrou », illustrant son penchant pour le libertinage artistique et les sujets romantiques.
Jean-Honoré Fragonard a su innover dans l'art de la peinture par l'utilisation de techniques qui privilégient la rapidité d'exécution et un moindre mélange des couleurs, créant ainsi des surfaces picturales vibrantes d'énergie et de génie. Cette approche a été particulièrement appréciée par les collectionneurs de son époque pour son caractère novateur et sa capacité à capturer l'essence du « feu » et du « génie ». Parmi ses réalisations notables, la série de peintures de panneaux pour Madame du Barry et ses dessins, comme ceux réalisés lors de son voyage en Italie avec le fermier général Pierre Jacques Onésyme Bergeret de Grancourt, témoignent de sa maîtrise inégalée du médium de la craie rouge et de sa vision enchantée de la nature.
Sa carrière ultérieure a été marquée par une tentative de transition vers le style néoclassique, bien que cette évolution ait été entravée par les changements de goûts de l'époque. Après la Révolution française, Jean-Honoré Fragonard s'est vu confier des postes administratifs au Louvre, mais son œuvre a progressivement été oubliée, le conduisant à une fin de vie dans l'obscurité.
Pour les passionnés d'art, de culture, et d'histoire, ainsi que les collectionneurs et experts en antiquités, l'œuvre de Fragonard reste un témoignage précieux de la richesse de l'art rococo français. Pour rester informé sur les ventes de produits et événements d'enchères liés à Jean-Honoré Fragonard, inscrivez-vous aux mises à jour. Cette inscription vous garantit un accès exclusif aux opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Joseph Baumhauer est un ébéniste français privilégié du Roi en 1749.
Philippe Caffieri était un sculpteur décorateur français.
Odilon Redon était un artiste symboliste français, reconnu pour ses peintures, lithographies et pastels. Né à Bordeaux en 1840, Redon a développé un style unique, marqué par un intérêt pour les thèmes macabres et imaginaires. Ses œuvres, souvent considérées comme des "synthèses de cauchemars et de rêves", révèlent un monde intérieur riche et complexe.
Dans sa jeunesse, Redon a été influencé par la religion hindoue et bouddhiste, ce qui se reflète dans plusieurs de ses œuvres, comme "La Mort du Bouddha" (vers 1899) et "Le Bouddha" (1906). Son travail sur les panneaux décoratifs pour le Château de Domecy-sur-le-Vault (1900-1901) illustre parfaitement sa transition de l'ornemental vers l'abstrait. Ces œuvres mettent en évidence son intérêt pour le style japonais, en particulier les écrans pliants byōbu, influençant son choix des couleurs et des proportions.
Redon a également été fasciné par les sciences naturelles, ce qui a inspiré plusieurs de ses "monstres" basés sur ses observations, mais transformés par son imagination. Par exemple, son lithographe "L'Araignée souriante" (1887) montre un mélange intrigant de réalisme et de fantaisie. Ses portraits, comme celui de la Baronne de Domecy (vers 1900), révèlent une approche similaire, mêlant réalisme et éléments oniriques.
Redon est souvent associé au mouvement symboliste, aux côtés d'artistes comme Gustave Moreau. Après 1880, encouragé par Gauguin et les Nabis, il s'est tourné vers la production de peintures à l'huile et de pastels. Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées, dont le Musée d'Orsay et le Getty Museum.
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Henri Matisse, célèbre peintre français, est né le 31 décembre 1869 à Le Cateau, en Picardie. Il est souvent considéré comme le peintre français le plus important du XXe siècle. Son œuvre, marquée par différentes périodes stylistiques, s'est toujours efforcée de révéler le "caractère essentiel des choses" et de créer un art "d'équilibre, de pureté et de sérénité". Matisse est surtout connu pour son utilisation audacieuse et expressive de la couleur, ainsi que pour ses innovations en matière de peinture et de sculpture.
Il est devenu célèbre en tant que chef de file du mouvement fauviste, aux côtés d'André Derain. Le fauvisme, caractérisé par l'utilisation de couleurs vives et souvent dissonantes, a marqué un tournant dans l'art moderne. Matisse a également été influencé par le cubisme de Picasso, comme en témoignent ses œuvres des années 1913-1917, qui se caractérisent par une structure plus géométrique et une tendance à l'abstraction.
L'art de Matisse a évolué au fil des ans, intégrant l'influence de l'art islamique et explorant différents supports tels que le papier coloré découpé, une technique qu'il a perfectionnée vers la fin de sa vie. Parmi ses œuvres les plus connues, citons Danse et musique, commandée par le collectionneur russe Sergueï Chtchoukine, ainsi que des tableaux tels que Nu bleu, qui ont suscité à la fois des critiques et des éloges.
La période de son travail à Nice, de 1917 à 1930, a été marquée par l'importance accordée à la figure féminine et aux odalisques, souvent représentées dans des intérieurs luxueux et exotiques. Matisse était également un sculpteur habile, utilisant cette forme d'art pour résoudre des problèmes picturaux ou comme source d'inspiration pour ses peintures.
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Henri Fantin-Latour, peintre et lithographe français, est célèbre pour ses œuvres intimes et réalistes qui préfigurent le symbolisme. Né à Grenoble en 1836, il a étudié avec son père avant de se rendre à Paris, où il s'est immergé dans l'effervescence artistique de la capitale, côtoyant des figures majeures comme Édouard Manet et les futurs impressionnistes.
Henri Fantin-Latour s'est distingué par ses portraits de groupe, comme Un atelier aux Batignolles, reflétant l'esprit de l'avant-garde parisienne. Il est également réputé pour ses natures mortes, en particulier ses compositions florales, qui ont trouvé un écho favorable en Angleterre. Ses lithographies inspirées par la musique de Wagner témoignent d'une dimension imaginative profonde.
L'œuvre de Henri Fantin-Latour se trouve aujourd'hui dans d'importantes collections muséales, y compris au Musée d'Orsay. Son approche, à la fois traditionnelle et novatrice, continue d'inspirer, comme en témoigne la rétrospective qui lui a été consacrée au Musée du Luxembourg en 2016-2017.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Fantin-Latour offre une fenêtre fascinante sur une époque charnière de l'histoire de l'art. Son héritage perdure, illustrant l'importance de l'observation et de la sensibilité artistique.
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Giovanni Boldini est un peintre italien.
À l'instar de John Singer Sargent, Giovanni Boldini est un portraitiste de réputation internationale, qui a travaillé principalement à Paris et à Londres. Au début du xxe siècle, il est l'un des portraitistes les plus en vue à Paris et est considéré comme l’un des interprètes les plus sensibles et les plus imaginatifs du charme électrisant de la Belle Époque.
Son style fougueux préfigure parfois celui de l'abstraction lyrique.
Joseph Baumhauer est un ébéniste français privilégié du Roi en 1749.
Jean-François Leleu est un ébéniste français.
Formé dans l’atelier de Jean-François Oeben, il fut reçu maître en 1764. Jean-François Leleu est l’un des meilleurs représentants du style Louis XVI et le principal rival de Jean-Henri Riesener, qui lui ravit la succession du maître après sa mort en 1763. Ses marqueteries sont à losange, rosace ou bouquets de fleurs. Leleu a également employé des plaques de porcelaine de Sèvres et des panneaux de laque.
Il créa des meubles de grande qualité, élégants et sobres, surtout des commodes, des secrétaires, des bureaux plats et des buffets. Leleu fut employé par une riche clientèle dont le prince de Condé et la comtesse du Barry.
René Dubois était un ébéniste et créateur de meubles français. Il succéda à son père Jacques Dubois, devenant maître ébéniste alors qu'il n'avait que dix-huit ans. René Dubois continua à travailler pour son père et dirigea l'atelier familial avec sa mère après la mort de Jacques en 1763. Neuf ans plus tard, la mère de Dubois abandonna le contrôle de l'atelier, vendant le stock existant à son fils, qui accepta de lui verser une rente.
