Miniaturistes
Abd al-Samad (également connu sous le nom de Khoja Abdus Samad, Abd al-Samad Shirazi) était un maître peintre iranien, né à Shiraz vers 1505-1515, formé à l'atelier de la cour de Shah Tahmasp à Tabriz. Il est célèbre pour son rôle pionnier dans l'établissement de la tradition de la peinture miniature moghole en Inde après avoir été recruté par l'empereur moghol en exil Humayun, et plus tard par son fils Akbar.
Dès son arrivée en Inde, Abd al-Samad a joué un rôle crucial dans la direction de projets artistiques de grande envergure, notamment la supervision de la création de 1 400 grandes peintures sur toile pour le Hamzanama, un exploit qui a pris environ sept ans. Son influence ne se limitait pas à l'art, puisqu'il a également occupé plusieurs postes administratifs importants, tels que directeur de la Monnaie royale à Fatehpur Sikri et gouverneur de la ville de Multan sous le règne d'Akbar.
Ses œuvres personnelles, bien que conservatrices, montrent une préférence marquée pour le détail et ont peu emprunté aux styles européens, contrairement à d'autres artistes moghols de l'époque. Malgré cela, son impact sur la peinture moghole a été profond, particulièrement grâce à son enseignement et à la formation de plusieurs artistes qui sont devenus célèbres, comme Daswanth.
Nikolaï Ivanovitch Argounov (en russe: Николай Иванович Аргунов) était un peintre russe de la fin du XVIIIe siècle et du premier tiers du XIXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, miniaturiste et représentant du classicisme russe.
Nikolaï Argounov est considéré comme l'un des plus grands portraitistes de son époque. Ses œuvres se distinguent par leur diversité, leur psychologisme et leur approche objective de la nature, dépourvue d'idéalisation classique et d'héroïsation romantique des modèles.
L'artiste était un serf, qui a obtenu sa liberté à la mort de son maître et est devenu académicien de l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg. Il était membre d'une dynastie de peintres fondée par son père Ivan Argounov.
Amico Aspertini était un peintre, dessinateur et sculpteur italien de la Renaissance, considéré comme l'un des principaux représentants de l'école de peinture bolonaise.
Il s'est formé dans l'atelier familial et a été influencé par les artistes de l'école de Ferrare - Ercole de'Roberti, Lorenzo Costa et Francesco Francia. Peintre et sculpteur, il était également un excellent dessinateur, comme en témoignent les nombreux dessins et esquisses qui nous sont parvenus. Ses contemporains s'émerveillaient de son caractère complexe et impulsif et notaient qu'il travaillait des deux mains en même temps.
Aspertini a peint de superbes portraits ainsi que de nombreuses fresques et retables dans des chapelles et des églises italiennes. Nombre de ses œuvres sont excentriques et éclectiques, voire bizarrement fantastiques, son style complexe anticipant le maniérisme.
Johann Wilhelm Baur, Joan Guiliam Bouwer ou Bauer, était un graveur, un graveur à l'eau-forte et un peintre de miniatures allemand de l'époque baroque. Il est célèbre pour une série d'illustrations des Métamorphoses d'Ovide.
Jean Henri Benner était un peintre de miniatures et un portraitiste français.
Benner fut l'élève du peintre français Jean-Baptiste Isabey (Jean-Baptiste Isabey, 1767-1855). En 1815-16, il travaille à Varsovie et, de 1816 à 1825, à Saint-Pétersbourg, où il peint des portraits de l'aristocratie russe et polonaise.
En Russie, Henri Benner a également réalisé une série de 24 portraits des tsars russes de la dynastie Romanov, des membres de leur famille et des dignitaires de la cour - la "Suite Romanov". Cette série est unique : elle est exécutée en plusieurs séries. Aujourd'hui, trois séries sont conservées à l'Ermitage.
Parallèlement, Benner a créé d'autres albums de portraits miniatures, qui ont connu un grand succès à l'époque. Et avant même la Russie, en 1812, il exécute une série de miniatures représentant des représentants de la dynastie des Habsbourg.
Giovanni Pietro Birago était un peintre, enlumineur et graveur italien de la cour des Sforza.
Il travailla entre 1470 et 1513 à Brescia, Venise et Milan et fut l'un des principaux illustrateurs milanais, jouissant d'une grande faveur auprès de la cour ducale.
Louis Caravaque était un peintre portraitiste français, reconnu pour son influence marquante dans l'art russe du début du XVIIIe siècle. Né en 1684 à Marseille, il s'est d'abord formé dans l'atelier de son père, un décorateur spécialisé dans la peinture de navires. En 1715, son talent pour les portraits attire l'attention à Paris, ce qui lui vaut un contrat pour la Russie où il deviendra peintre de la cour sous Pierre le Grand.
Caravaque s'est installé à Saint-Pétersbourg où il a vécu jusqu'à sa mort en 1754. Il a eu l'honneur de peindre des portraits importants pour la famille impériale russe, y compris Pierre le Grand et la future impératrice Elisabeth. Ses œuvres sont célèbres pour leur réalisme et leur finesse, reflétant les traits et les émotions de ses sujets avec une grande précision.
Parmi ses œuvres les plus notables, on trouve le portrait de Pierre le Grand à la bataille de Poltava et ceux des princesses Anna Petrovna et Elizaveta Petrovna. Ces portraits sont aujourd'hui conservés au Musée Russe et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.
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Jean Colombe était un miniaturiste français et un illustrateur de manuscrits. Il a fondé une dynastie d'enlumineurs, dont un fils et un petit-fils qui ont poursuivi son œuvre après sa mort.
Colombe est connu pour avoir décoré un grand nombre de manuscrits. Il a été chargé d'illustrer des textes profanes et religieux, et il a représenté des scènes avec de nombreux personnages dans des structures architecturales ou des paysages élaborés. Ses manuscrits enluminés étaient décorés d'or ou d'argent, de couleurs brillantes, de dessins complexes ou de peintures miniatures. Jean Colomb a bénéficié du patronage de Charlotte de Savoie, épouse de Louis XI et bibliophile de renom. Il illustre des manuscrits pour la reine, sa fille Anne Beaujolais et des membres de la cour. Colombe entre également au service de son neveu, Charles Ier, duc de Savoie, qui lui commande de compléter deux manuscrits inachevés de sa bibliothèque : la magnifique Apocalypse de Jean Baptiste et Perronet Lamy et probablement la plus célèbre de toutes les Chapelles, Les riches domaines du duc de Berry par les frères de Limboer.
Isaac Robert Cruikshank ou Robert Cruikshank était un caricaturiste, illustrateur et portraitiste miniature britannique.
Robert est le frère aîné de George Cruikshank (1792-1878) et le fils d'Isaac Cruikshank (1764-1811), également caricaturistes et illustrateurs. Robert a illustré des romans avec son frère, notamment Don Quichotte de Cervantès, et la série London Characters en 1827.
Maître de Zweder de Culemborg était un enlumineur néerlandais qui travaillait principalement à Utrecht dans la première moitié du XVe siècle.
Le maître anonyme tire son nom de l'évêque de la ville, Meester van Culemborg, qu'il a représenté.
Maître de Marguerite de Foix est un miniaturiste et enlumineur français de la seconde moitié du XVe siècle.
Ce maître inconnu tient son nom de la princesse Marguerite de Foix de Navarre, pour laquelle il a créé la chapelle. L'artiste se distingue par son talent expressif dans la représentation des personnages et de leurs vêtements.
Philippe de Gueldre était un peintre, illustrateur et miniaturiste français originaire des Pays-Bas.
Il a travaillé sur un grand nombre de commandes royales à Paris et dans le nord de la France au tournant des XVe et XVIe siècles. Le style de Philippe est influencé par Jean Colomb ; il se caractérise par des personnages à l'ossature large, aux visages ronds, aux nez longs et aux petites bouches rouges. Il utilise généreusement le bleu et l'or, le bordeaux et le vert dans sa palette.
Pol de Limburg, également Paul van Lymborch ou van Limburg était un miniaturiste français du début du XVe siècle originaire des Pays-Bas du Nord.
Avec ses deux frères, Herman et Jean, Pol a travaillé à Paris. Adolescents, tous trois entrent au service de Jean de France, duc de Berry. C'est pour lui qu'ont été créés deux des livres d'heures les plus richement illustrés (une forme populaire de livre de prières privées à l'époque).
Pol était manifestement le plus habile des frères et c'est à lui que revient l'essentiel du travail. Après l'achèvement des gazettes rouges, les frères se sont attelés aux trois gazettes riches du duc de Berry. Cette œuvre, considérée comme leur plus grande création, compte parmi les plus beaux exemples du style gothique international.
Les frères de Limbourg ont laissé les Riches jours du duc de Berry inachevés, car ils sont morts presque simultanément en 1416, peut-être lors d'une épidémie de peste.
Les frères de Limbourg sont les plus connus de tous les enlumineurs de manuscrits du gothique tardif. Ensemble, ils ont synthétisé les innovations d'autres enlumineurs et développé un style qui leur est propre, caractérisé par des lignes fines, une technique minutieuse et des détails infimes. Les Riches jours du duc de Berry, achevés vers 1485 par Jean Collomb, constituent l'un des jalons de l'art de l'enluminure. Elle a largement influencé le cours des premières enluminures et préfiguré les voies de l'art de la Renaissance septentrionale.
Attavante degli Attavanti, également Gabriello di Vante, est l'artiste le plus célèbre et le plus représentatif de la peinture miniature italienne.
Le style élégant et expressif d'Attavante a été influencé par le travail de Domenico Ghirlandaio et d'Antonio Pollaiuolo. Sa première œuvre enregistrée, datée de 1483, est un missel créé pour Thomas James, évêque de Dol-de-Bretagne. Par la suite, il a créé plusieurs manuscrits pour Matthias Corvinus, roi de Hongrie, et pour la famille Médicis, dont le pape Léon X. L'atelier d'Attavante a également produit la Bible de Jérôme, l'une des plus belles bibles de la Renaissance italienne, aujourd'hui conservée aux Archives nationales du Portugal.
Francesco di Antonio del Chierico était un peintre, illustrateur et joaillier italien du début de la Renaissance à Florence.
Après une formation d'orfèvre, il est devenu un illustrateur de manuscrits très apprécié et respecté. Ses œuvres étaient recherchées par les mécènes de Florence dans la seconde moitié du XVe siècle, et il est également considéré comme l'un des artistes préférés de Laurent de Médicis.
Francesco del Chierico a décoré et illustré des livres de toutes tailles, traitant de divers sujets littéraires, scientifiques, historiques et religieux. Il a peint de manière créative les marges des manuscrits et les pages entières. Les illustrations de l'artiste comprenaient souvent des compositions florales complexes et il a également peint des portraits exquis.
Benvenuto di Giovanni di Meo del Guasta, un artiste italien du XVe siècle, est surtout connu pour ses contributions importantes à la peinture de la Renaissance. Né à Sienne en 1436, il a été documenté pour la première fois comme peintre jeune en 1453, travaillant aux côtés de Vecchietta sur la décoration fresque du baptistère de Sienne. Ses œuvres, marquées par une forte influence de Vecchietta ainsi que par la vision naturaliste de Domenico di Bartolo, ont acquis leur propre individualisme au fil du temps, notamment sous l'influence de miniaturistes nord-italiens comme Liberale da Verona et Girolamo da Cremona.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "L'Adoration des Mages" conservée à la National Gallery of Art de Washington, D.C., qui bien qu'actuellement non exposée, est considérée comme l'une de ses pièces majeures réalisées entre 1470 et 1475. Une autre œuvre significative est la "Madonna col Bambino" (Vierge à l'Enfant), datée de 1474-75, également conservée à la National Gallery de Londres.
Dans les années 1480, Benvenuto di Giovanni a été chargé de concevoir des dessins pour la décoration du sol de la cathédrale de Sienne et de miniatures pour ses livres de chœur. Ses dernières années ont été marquées par une collaboration fréquente avec son fils, Girolamo di Benvenuto, bien que les styles des deux artistes restent distincts.
Pour ceux qui sont fascinés par l'art de la Renaissance italienne et l'influence durable de Benvenuto di Giovanni, je vous encourage à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel. Cette souscription vous permettra de rester informé des dernières découvertes et offres concernant son œuvre.
Jacopo di Paolo est un peintre et enlumineur italien qui a travaillé à Bologne entre le IVe et le Ve siècle.
Jacopo était un artiste très polyvalent, travaillant dans plusieurs des célèbres ateliers de décoration de la ville et collaborant avec des sculpteurs pour créer des dessins pour des sculptures. Il a également participé à différents niveaux à la vie politique et culturelle de la ville. Jacopo est inscrit à la Guilde des artistes et des bijoutiers et occupe de nombreuses fonctions publiques à Bologne. L'influence de Jacopo à Bologne a duré un demi-siècle et ses trois fils sont également devenus artistes.
Giovanni di Paolo di Grazia ou Giovanni dal Poggio est un miniaturiste et un peintre italien de l'école siennoise.
Après avoir été l'élève de Taddeo di Bartolo, Giovanni di Paolo travaille à Sienne et devient un peintre prolifique et un illustrateur de manuscrits, comme ceux de Dante.
Son style a été influencé par des artistes de la peinture gothique comme Gentile da Fabriano. En 1447 il collabore avec Michele di Matteo à la décoration de l'abside du baptistère de Sienne.
Dionisius était un peintre russe renommé, actif entre 1440 et 1508. Il est reconnu comme le premier laïc russe à avoir été peintre religieux et à avoir dirigé un grand atelier professionnel. Associé à l'École de Moscou, Dionisius est considéré comme le peintre d'icônes le plus remarquable de la fin du XVe siècle en Russie. Son œuvre la plus célèbre comprend les fresques de l'Église de la Nativité de la Vierge au monastère Saint-Ferapont, signées et datées de 1500 à 1502, réalisées avec l'aide de ses fils. Ce programme de fresques, centré sur la glorification de la Vierge Marie, se distingue par des scènes inédites de la vie et des miracles du Christ, montrant l'innovation de Dionisius dans la composition.
Dionisius a d'abord travaillé sur les fresques de l'église Saint-Parfuntiev du monastère de Borovsky vers 1470, en tant qu'assistant du peintre Mitrophanes. Plus tard, en 1481, sur demande de l'archevêque Vassian de Rostov, il a peint des icônes pour l'iconostase de la Cathédrale de la Dormition dans le Kremlin de Moscou, la principale église de Russie à l'époque. Dionisius a apporté une touche unique à ses œuvres par une "flottabilité dématérialisée" de ses figures, leur donnant une transparence et une délicatesse qui caractérisent son style. Inspiré par Andrei Rublev, Dionisius a laissé une empreinte indélébile dans l'art russe du XVIe siècle, influençant les icônes et les fresques subséquentes ainsi que les enluminures de manuscrits.
Les panneaux d'icônes attribués à Dionisius comprennent une grande icône de Saint Pierre, Métropolite de Moscou, Saint Alexis, un autre Métropolite de Moscou, Saint Cyrille de Byelo-Ozersk, une icône de la Crucifixion, une icône Hodegetria, et une icône glorifiant la Vierge Marie intitulée "Toute la création se réjouit en toi". L'icône de la Crucifixion, en particulier, illustre bien son style, avec le corps rythmique et languide du Christ dominant la composition.
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Maître du Missel de Troyes était un illustrateur français qui travaillait à Troyes au milieu du XVe siècle.
On lui doit le Missel (livre liturgique) qu'il a illustré et qui est aujourd'hui conservé à Paris. Le maître est considéré comme l'un des plus brillants illustrateurs de Troyes vers 1450. Les contemporains l'ont décrit comme "la figure la plus remarquable de l'enluminure troyenne du milieu du XVe siècle". Troyes était le principal centre de production de livres en Champagne pendant la seconde moitié du XVe siècle, lorsque les somptueux manuscrits de la région en faisaient une alternative à Paris, et le maître des livres de Troyes était l'artiste le plus recherché dans cette ville. La demande généralisée du livre d'heures (le texte liturgique le plus populaire du Moyen Âge) parmi les laïcs dévots a valu au maître de Troyes de nombreuses commandes.
Des figures élégamment allongées aux visages plats, des tapisseries richement brochées et des sols verts à carreaux sont les caractéristiques de l'œuvre de l'artiste.
Waldemar Hau (en russe : Владимир Иванович Гау) était un peintre portraitiste germano-balte, actif principalement dans le style Biedermeier. Né en 1816 à Tallinn, dans une communauté germanophone, il était le fils de Johannes Hau, lui-même peintre. Dès son plus jeune âge, Waldemar Hau a étudié avec Karl von Kügelgen et a rapidement gagné en notoriété, ayant même eu l'opportunité de peindre les grandes-duchesses russes dès l'âge de seize ans.
Au cours de sa carrière, Hau a beaucoup voyagé, notamment en Italie et en Allemagne, avant de devenir peintre de cour. Cette position lui a permis de passer trois décennies à peindre la famille royale et leurs proches, consolidant ainsi sa réputation dans les cercles aristocratiques et artistiques de l'époque. Il est décédé le 23 mars 1895 à Saint-Pétersbourg.
Ses œuvres sont reconnues pour la finesse de ses miniatures sur ivoire ainsi que pour ses portraits détaillés, qui ont souvent capturé l'élégance et le raffinement de l'aristocratie de son temps. Certaines de ses œuvres sont exposées dans des galeries et musées renommés, comme la Tretyakov Gallery à Moscou.
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Joris Hoefnagel (connu aussi sous le nom de Georg Hufnagel) est un enlumineur flamand1. Il est connu pour ses illustrations de sujets d'histoire naturelle, de vues topographiques, d'enluminures et d'œuvres mythologiques. Il a été l'un des derniers enlumineurs de manuscrits et a apporté une contribution majeure au développement du dessin topographique. Ses enluminures de manuscrits et ses dessins ornementaux ont joué un rôle important dans l'émergence de la nature morte florale comme genre indépendant en Europe du Nord à la fin du XVIe siècle. Le naturalisme presque scientifique de ses dessins botaniques et animaliers a servi de modèle à une génération ultérieure d'artistes néerlandais. Par ces études de la nature, il a également contribué au développement de l'histoire naturelle et a ainsi été l'un des fondateurs de la recherche proto-scientifique. Hoefnagel appartient à la période de transition entre l'enluminure médiévale et la peinture de nature morte de la Renaissance. Son art est varié: il dessine, réalise des cartes, des gouaches, des peintures à l'huile et des illustrations d'ouvrages savants.
Johann Gregor Höroldt était un artiste allemand de la porcelaine qui a développé le style de la porcelaine de Meissen.
Höroldt a reçu une formation de peintre de miniatures et d'émaux. Entre 1719 et 1720, il travaille à la manufacture de porcelaine de Vienne, récemment fondée par Du Pacquier, avant de s'installer à Meissen et d'entamer sa collaboration avec la manufacture de porcelaine de Meissen. En 1724, il est nommé peintre de la cour. En 1731, Höroldt devient arcaniste (chimiste, personnage clé de la production de porcelaine) et est simultanément nommé chef de l'ensemble du département de peinture et commissaire de la cour.
Höroldt a influencé presque toutes les manufactures européennes de porcelaine et de faïence. Il s'est spécialisé dans les motifs chinois à la mode, mais a également introduit des paysages européens, des scènes de port et de bataille, des natures mortes et des images d'oiseaux dans la décoration de la porcelaine.
L'artiste a également élargi de manière significative la palette de couleurs utilisée à Meissen : au début du XVIIIe siècle, il n'existait que cinq peintures pour la glaçure, et Höroldt a porté cette palette à 16 couleurs en 1731. Il attachait également une grande importance à la forme originale de la porcelaine, en essayant de la rendre différente de la vaisselle habituelle.
Franz Michael Katz était un peintre allemand du XIXe siècle. Il est connu comme graphiste, aquarelliste, portraitiste, miniaturiste, collectionneur et enseignant.
Katz a fondé l'École supérieure de dessin et de peinture de Cologne, qui a rapidement acquis une réputation d'institution prestigieuse pour les habitants aisés de la ville. Il est également membre de la "Société olympique", fondée en 1809, qui réunit les amateurs d'art et de littérature. Collectionneur, l'artiste a constitué une importante collection de peintures, de gravures sur cuivre et de moulages en plâtre de statues antiques.
Johann Baptist Lampi le Jeune était un peintre autrichien spécialisé dans le portrait, célèbre pour son œuvre au sein de la cour impériale de Russie et plus tard à Vienne. Né le 4 mars 1775 à Trente, il a été formé principalement par son père, Johann Baptist Lampi l'Aîné, avant de compléter ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne sous la tutelle de Hubert Maurer et Heinrich Friedrich Füger. En 1791, il rejoint son père et son frère à Saint-Pétersbourg, invités par Catherine la Grande, où Johann devient un membre influent de l'Académie impériale des arts.
Durant son séjour en Russie, il a peint de nombreux portraits de figures emblématiques de l'époque, ce qui lui a valu une renommée considérable. Après treize ans, il retourne à Vienne où il continue de travailler pour la cour autrichienne. Ses œuvres sont aujourd'hui visibles dans plusieurs musées de renom tels que la Galerie Belvédère, le Musée de Vienne, et la Galerie Tretiakov.
Pour les passionnés de l'art du portrait et de l'histoire de l'art européen, l'œuvre de Lampi offre un aperçu fascinant des courants artistiques de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle.
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Theodore Lane était un peintre de miniatures, un caricaturiste et un graveur britannique.
Lane s'est fait connaître comme peintre de portraits et de miniatures à l'aquarelle, mais son véritable talent résidait dans la satire. Il a produit une série humoristique de trente-six dessins intitulée The Life of an Actor (La vie d'un acteur), qui a été publiée en 1825, travaillant souvent sur du matériel sportif, notamment en collaboration avec Piers Egan.
En tant que pamphlétaire politique, Theodore Lane dessine une série de représentations satiriques de la reine Caroline et de George IV sous forme de caricatures et de grotesques en 1820.
Carl Johann Lemoch (en russe: Кирилл Викентьевич Лемох) était un peintre russe d'origine allemande du dernier tiers du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et miniaturiste.
Lemoch est considéré comme l'un des peintres de genre russes les plus remarquables de son époque. Son œuvre est dominée par le thème de la paysannerie, qui se caractérise par une représentation sympathique des difficultés de la vie quotidienne des paysans. Il fut le premier artiste russe à créer des portraits miniatures avec des personnages grandeur nature.
Lemoch a été l'un des fondateurs de la société d'artistes Artel de Saint-Pétersbourg et de l'association des expositions artistiques itinérantes.
Kenneth Macleay était un peintre écossais et britannique de portraits et de miniatures et l'un des fondateurs de la Royal Scottish Academy.
Kenneth Macleay s'est fait connaître en peignant des portraits à l'aquarelle dans des formats allant de la miniature sur ivoire à l'image en pied. Après avoir peint les portraits des trois plus jeunes fils de la reine Victoria au début des années 1860, Kenneth Macleay a été chargé de réaliser plusieurs autres portraits des amis préférés de la reine, ainsi que des portraits en miniature et à l'aquarelle.
Cette commande fut suivie d'une autre, plus importante, qui devint la plus grande de la carrière de l'artiste : une série de portraits des clans les plus importants des Highlands, destinés à être publiés. Le premier groupe de portraits a été exécuté dans la seconde moitié des années 1860 et exposé par John Mitchell à Old Bond Street en 1869. Ils ont ensuite été reproduits en chromolithographie par le grand lithographe londonien Vincent Brooks (1814-1885) pour illustrer l'ouvrage en deux volumes The Highlanders of Scotland.
Le Maître de Bedford était un miniaturiste français et un illustrateur de manuscrits.
Ce maître du livre d'heures a travaillé à Paris de 1405 à 1435 et est considéré comme l'un des plus importants enlumineurs du XVe siècle. Il a dirigé un atelier influent à Paris. L'artiste doit son nom à son travail sur deux livres qu'il a décorés d'illustrations pour Jean de Lancastre, duc de Bedford. L'un de ces livres, The Bedford Hours, est considéré comme l'un des manuscrits enluminés les plus remarquables de la période médiévale, avec de nombreuses illustrations et une décoration étendue, y compris plus de 1 200 médaillons décoratifs qui apparaissent dans les marges de chaque page.
Maître de Coëtivy, né Colin d'Amiens, était un artiste français, enlumineur et peintre, l'un des artistes les plus reconnus de la cour de France.
Les contemporains considéraient ce maître comme l'artiste le plus important travaillant à Paris dans le troisième quart du siècle. Le maître doit son nom au livre d'heures qu'il a illustré pour le chambellan de Charles VII, Olivier de Coetivy. Maître de Coëtivy a également créé des panneaux, travaillé sur des vitraux et des tapisseries. Parmi ses clients célèbres, le frère de Louis XI, Charles de France ; ses œuvres décorent la grande église Saint-Severin à Paris et les cours royales.
Le Maître du Graduel de Gand était un peintre, miniaturiste et enlumineur flamand qui a travaillé à Gand et à Tournai dans le deuxième tiers du XVe siècle.
Ce maître est issu d'une tradition parisienne plus ancienne d'enluminure de manuscrits, développée par le maître Gilbert de Metz. Actif dans les années 1460-1470, il est responsable de l'enluminure du Livre d'heures, aujourd'hui conservé dans les bibliothèques britanniques, ainsi que de la création des miniatures des livres de Valerius Maximus.
Maître Echevinage de Rouen était un artiste français, l'un des principaux illustrateurs rouennais du XVe siècle, nommé d'après les magnifiques manuscrits qu'il a peints pour la Bibliothèque des Echevins à Rouen. Il fut actif entre les années 1450 et 1480.
Maître François est un illustrateur français qui a travaillé à Paris dans les années 1460-1480.
L'identité de Maître François en tant qu'artiste est mentionnée pour la première fois dans une lettre écrite par Robert Gauguin en 1473. La plupart des commandes prestigieuses de la cour et des principaux ecclésiastiques de l'époque ont été exécutées dans l'atelier de François. À Paris, dans la seconde moitié du XVe siècle, le style prédominant de l'enluminure est celui de Maître Jean Rolin, de Maître François et de Maître Jacques de Besançon. Les bibliophiles proches de la cour royale encouragent le travail des miniaturistes par des commandes privées. Jacques d'Armagnac possédait notamment six manuscrits de Maître François et de son entourage.
Le De casibus virorum illustrium de Boccace était très populaire au XVe siècle. L'auteur y raconte la fortune et la chute de personnages célèbres de la Bible, de l'Antiquité et de l'histoire médiévale, en terminant par les propres contemporains de Boccace dans la Florence du XIVe siècle. Pendant longtemps, ce livre a été encore plus célèbre et a connu un plus grand succès que le Décaméron de Boccace. Le texte a été traduit en français en 1409 pour Jean, duc de Berry, par son secrétaire Laurent Premieffe. Les illustrations du livre ont ensuite été créées dans l'atelier du très respecté Maître François.
Bernat Martorell fut un peintre catalan influent, reconnu comme l'une des figures majeures du style Gothique International en Catalogne. Né vers 1390 à Sant Celoni, près de Barcelone, il laissa une empreinte indélébile dans l'art de son époque avant son décès en 1452. Ses œuvres, principalement des retables, brillent par leur complexité compositionnelle, la richesse de leurs couleurs et l'attention méticuleuse aux détails.
Martorell était particulièrement apprécié pour ses tableaux de retables, mais il excella aussi dans les miniatures et les vitraux. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons le "Retable de Saint Georges" (1425-1437), conservé à l'Art Institute of Chicago et au Musée du Louvre, et le "Retable de Sainte Eulalie et Saint Jean" (1427-1437), aujourd'hui au Musée épiscopal de Vic. Ces pièces, par leur naturalisme et leur finesse, marquèrent un tournant dans la peinture gothique.
Ses autres œuvres notables incluent le "Retable de la Transfiguration" à la Cathédrale de Barcelone et le "Retable de Saint Pierre de Púbol" au Musée diocésain de Gérone. Ces réalisations, par leur riche iconographie et leur technique impeccable, illustrent la maîtrise de Martorell dans l'art gothique et son influence sur ses contemporains et les générations futures.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de l'œuvre de Martorell offre une fenêtre fascinante sur l'art gothique et son évolution en Catalogne. Ses tableaux, dispersés dans divers musées, continuent d'inspirer admiration et étude.
Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Bernat Martorell. En vous abonnant, restez informé des dernières découvertes et opportunités dans le monde de l'art gothique et de Martorell.
Ramón Torres Méndez est un peintre et graphiste colombien.
Artiste autodidacte, Méndez a connu un grand succès en tant que maître du portrait miniature et représentant du mouvement Costumbristo. Ses peintures de genre dépeignent la vie quotidienne colombienne, documentant avec une précision documentaire les types caractéristiques des gens ordinaires du milieu du XIXe siècle, leurs costumes, leurs occupations et leurs loisirs. La série de dessins de Méndez, Les coutumes de la Nouvelle-Grenade, a été lithographiée à Bogota en 1851.
enturino Mercati, également connu sous le nom de Venturino da Milano, Venturino di Andrea dei Mercati, Venturino di Andrea dei Mercati, était un miniaturiste italien du XVe siècle.
Fils d'un joaillier de Mercati, il est actif entre 1467 et 1480 et enlumine notamment des chorals pour les cathédrales et des livres de chœur. Il a travaillé en Lombardie, en Toscane et en Émilie. On sait que Mercati a vécu à Sienne et dans ses environs à partir de 1472, où il a travaillé pour l'Opera del Duomo, collaborant avec Francesco di Giorgio di Martino, Girolamo da Cremona et Liberale di Jacopo da Verona.
Alessandro Molinari, né le 5 janvier 1772 à Berlin et décédé le 20 janvier 1831 à Dresde, était un peintre portraitiste d'origine allemande avec des ancêtres italiens. Très réputé pour ses portraits de la noblesse russe et polonaise, Molinari a laissé une empreinte significative dans l'histoire de l'art européen. Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin, il a voyagé à travers l'Europe, travaillant à Rome, Vienne, et Saint-Pétersbourg, où il a été particulièrement apprécié par l'aristocratie russe pour sa maîtrise des techniques artistiques européennes.
Son œuvre comprend des portraits remarquables qui sont exposés dans de grands musées tels que le Musée de l'Ermitage, la Galerie Tretiakov, le Musée Russe et le Musée Pouchkine. Ces œuvres témoignent de son habileté à capturer l'essence et la dignité de ses sujets, contribuant ainsi à l'importance historique et artistique de son travail.
Pour ceux intéressés par l'art du portrait européen et les interactions culturelles entre l'Allemagne, l'Italie et la Russie à l'époque, l'étude des œuvres de Molinari offre des perspectives enrichissantes. Ses tableaux sont des fenêtres sur l'élite européenne de son temps et sur les styles artistiques qui traversaient les frontières nationales.
Jean-Laurent Mosnier était un peintre et miniaturiste français, né à Paris en 1743 et décédé à Saint-Pétersbourg en 1808. Sous l'Ancien Régime, il fut peintre de cour, capturant l'élégance et la finesse de la royauté française, incluant une célèbre peinture de Marie-Antoinette réalisée en 1776. Suite à la Révolution française, Mosnier a émigré en Angleterre puis a voyagé à travers l'Europe, travaillant à Hambourg et finalement à Saint-Pétersbourg où il a continué à peindre des portraits de figures notables de l'époque.
Mosnier est reconnu pour ses portraits miniatures détaillés qui sont souvent comparés à ceux d'Alexandre Roslin pour leur finesse dans la représentation des tissus, notamment de la soie. Ses œuvres incluent des portraits de figures emblématiques telles que Louis XVI et l'empereur Alexandre I de Russie. Ses miniatures sont si précieuses qu'elles font partie de la collection du Louvre, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
Parmi ses œuvres notables, figurent des portraits exposés dans des musées tels que le Musée du Louvre à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York. Ces institutions conservent plusieurs de ses miniatures, soulignant son apport significatif à l'art du portrait durant les périodes troublées de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Jean-Laurent Mosnier représente non seulement une fenêtre sur l'histoire artistique, mais aussi une opportunité d'investissement dans des pièces de collection de grande valeur. Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Jean-Laurent Mosnier, vous pouvez vous inscrire à nos mises à jour.
Jean Pichore était un peintre, illustrateur et miniaturiste français.
Il fut l'un des enlumineurs les plus célèbres et les plus prolifiques dans la production du livre d'heures à Paris au début du XVIe siècle. Entre 1490 et 1521, il était à la tête d'un atelier assez important qui produisait de nombreuses commandes, alors que lui-même ne produisait que des œuvres sélectionnées. Jean Pichore a travaillé dans de nombreux domaines : peinture de retables, vitraux, dessins de tapisseries et manuscrits enluminés.