Portraitistes Portrait sculpture
Hezekiah Augur était un sculpteur et un inventeur américain. Il était autodidacte et, contrairement à de nombreux autres sculpteurs américains du XIXe siècle, il a passé toute sa carrière à New Haven.
Fils d'un charpentier, Hezekiah Augur apprend très tôt le métier de sculpteur sur bois. Il invente par la suite un métier à dentelle et une machine pour sculpter les pieds de piano. Il s'est ensuite tourné vers le marbre.
Hezekiah Augur était membre de l'Académie des arts et des sciences du Connecticut.
Kurt Bohn est un peintre, sculpteur, designer et écrivain allemand de talent. Né dans une famille de créateurs, il apprend les bases de la peinture sous la direction de son père, Oskar Bohn. Sa persévérance et sa recherche de l'excellence artistique l'ont conduit à Berlin, où il est devenu l'élève de Fritz Klimsch entre 1931 et 1935. Sous sa direction, Kurt Bohn perfectionne ses compétences et élargit ses horizons artistiques.
En 1938, Kurt Bohn établit son propre studio à Berlin, signe de son indépendance croissante et du développement de sa vision artistique. La Seconde Guerre mondiale contraint Kurt Bohn à s'installer à Ulm en 1945, où il vivra jusqu'à sa mort.
L'œuvre de Kurt Bohn a laissé une marque indélébile sur le monde de l'art, démontrant sa polyvalence et son dévouement à l'art.
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Matteo Bottiglieri est un sculpteur et peintre italien qui fut actif à Naples. L'une de ses premières œuvres est un marbre Christ mort (1724), dans la crypte de la cathédrale de Capoue, probablement exécuté d'après des dessins de Francesco Solimena. En 1733, il réalise trois œuvres pour l'église du Crucifix de Salerne et la même année, il participe à la décoration de l'église San Giuseppe dei Ruffi à Naples. Il a également exécuté de nombreux dessins représentant des bergers, utilisés comme modèles pour des personnages dans des scènes de la Nativité. On lui attribue également un groupe du « Christ et la Samaritaine » dans le cloître de San Gregorio Armeno, ainsi que le sépulcre d'Alessandro Vicentini dans le transept droit de l'église San Domenico Maggiore.
Jean-Jacques Caffieri était un sculpteur français du XVIIIe siècle. Il est connu comme un représentant exceptionnel de l'académisme. Caffieri était célèbre pour ses représentations en marbre de personnalités scientifiques et culturelles, ainsi que pour ses sculptures de thèmes bibliques et mythologiques. Il a notamment réalisé une série de bustes et de sculptures d'artistes, de compositeurs et de dramaturges pour le théâtre de la Comédie Française.
Jean-Jacques Caffieri était le représentant le plus célèbre, mais pas le seul, de la dynastie familiale d'artistes héréditaires, la plus importante de France. Outre lui, son grand-père Philippe Caffieri, son père Jacques Caffieri, ainsi que son oncle et ses trois frères, ont tous contribué de manière significative à l'art français.
Membre honoraire de l'Académie royale des arts, Caffieri est nommé sculpteur de la cour du roi Louis XV et devient professeur à l'Académie royale des arts, poste qu'il occupe pendant près de 20 ans. Son œuvre orne aujourd'hui les collections des grands musées français.
Antoine Laurent Dantan l'Ancien, est un sculpteur académique français, frère aîné du dessinateur Jean-Pierre Dantan.
Après avoir obtenu un grand prix à l'Académie des arts de Paris en 1828 pour sa statue de l'Hercule mourant, Antoine Laurent Dantan étudie plusieurs années à Rome et se fait connaître à son retour par de nombreuses statues et portraits-bustes.
Jean-Pierre Dantan le Jeune est un sculpteur caricaturiste français, frère cadet du sculpteur académique Antoine Dantan. Il a étudié à l'Académie des arts de Paris et auprès de François Joseph Bosio. Sa spécialité est le portrait en buste, dans lequel il reproduit fidèlement les traits et les caractères de ses modèles.
Jean-Pierre Dantant a fait preuve d'une rare habileté dans son travail pour remarquer les traits comiques de leurs visages et les reproduire avec sérénité et sens des proportions sans heurter l'amour-propre des originaux qui posaient devant lui.
Jacques de Lalaing est un peintre et sculpteur belge. Il commence une formation dans la marine anglaise, mais ne poursuit pas dans cette voie et s’installe à Bruxelles en 1875 pour se consacrer à la peinture. Il y suit les cours de Jean-François Portaels et de Louis Gallait à l’Académie des beaux-arts. Il expose pour la première fois avec le cercle artistique réaliste L'Essor en 1882. Il est encouragé par les sculpteurs Thomas Vinçotte, dont il devient l'élève, et Jef Lambeaux, et commence la sculpture à partir de 1884. Il se distingue surtout comme portraitiste et animalier. On lui doit également des scènes historiques, des groupes allégoriques en bronze et des monuments funéraires. Il réalise en tant que peintre-décorateur et sculpteur de nombreuses commandes publiques. À partir de 1896 il est membre de l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles et en devient le directeur de 1904 à 1913. On peut voir certaines de ces œuvres dans les musées d'Anvers, Bruges, Bruxelles, Gand, Lille et Tournai.
Auguste de Niederhausern, plus connu sous le nom de Rodo, était un sculpteur et médailleur suisse. Il est considéré comme l'un des représentants les plus influents du symbolisme suisse.
En 1892, Rodo a participé à l'exposition du Salon de la Rose-Croix et a collaboré pendant six ans avec Auguste Rodin.
Entre 1900 et 1902, Rodot réalise plusieurs œuvres pour le Palais fédéral de Berne en construction : au sommet du fronton se trouve un groupe sculptural symbolisant l'indépendance politique, le pouvoir exécutif et le pouvoir législatif ; il réalise également les chapiteaux des fenêtres cintrées de la façade sud.
Ángel María de Rosa était un sculpteur et un philanthrope argentin.
Adolescent, il entre à la Société d'encouragement aux beaux-arts de Buenos Aires, puis à l'Académie d'art du Bon Marché. Il se rend ensuite en Italie, où il étudie à l'Académie de Florence et à l'Institut des beaux-arts de Rome.
En 1943, il fait don à sa ville natale de la plupart de ses œuvres, ainsi que d'une grande partie de l'art qu'Ángel María de Rosa avait collectionné en Europe, ce qui donne lieu à la création du musée municipal des beaux-arts de Junín.
Heinrich Faltermeier était un sculpteur allemand. Après un apprentissage d'orfèvre et des années de voyages, notamment en Espagne, Faltermeier étudie de 1936 à 1943 à l'Académie des beaux-arts de Munich. Il a travaillé conformément à la conception nazie de l'art et a créé des monuments aux morts. De 1938 à 1944, à l'exception de 1941, il est représenté dans toutes les grandes expositions d'art allemandes. Les matériaux de travail préférés de Faltermeier en tant que sculpteur étaient le bronze, le marbre et le bois.
Audrey L. Flack est une peintre et sculptrice américaine. Elle est une figure majeure du photoréalisme. Dans les années 1950 et 1960, elle réalise des œuvres abstraites. Dans les années 1970, elle se tourne vers l'hyperréalisme et le photoréalisme. Seule artiste femme du photoréalisme, elle explore les sujets féminins. Son travail est empli d'humanisme et d'émotions. Pour ses œuvres sur la seconde guerre mondiale, elle fait référence aux vanités de la peinture baroque et place des objets de la sphère féminine : plateaux d'argent, fruits, fleurs, bijoux, pâtisseries. Ces œuvres sont critiquées pour leur contenu féministe. Elle utilise pour ses peintures de natures mortes, des photographies en couleurs qu'elle prend elle-même. Elle fait allusion à la peinture baroque et référence aux œuvres de Tintoretto, Rembrandt, Rubens. À partir de 1983, Audrey Flack se concentre sur la sculpture. Elle s'inspire de la sculpture gréco-romaine, Renaissance, et baroque pour explorer les représentations du pouvoir féminin, à travers des déesses comme Islandia et Athéna ou des reines comme Catherine de Bragance.
Fritz Fleer est un peintre et sculpteur allemand. Il a étudié à l'université des beaux-arts de Hambourg dans la classe d'Edwin Paul Scharf.
En tant qu'artiste indépendant, Fritz Fleer crée des œuvres pour l'urbanisme depuis les années 1950 ; à Hambourg, il a reçu une commande de 17 sculptures de la société municipale de logement SAGA.
Conrad Freyberg était un artiste allemand de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre et sculpteur.
Freyberg s'est spécialisé dans les portraits équestres et les portraits de groupe de cavaliers, alliant réalisme et délicatesse. Inspiré par les guerres de 1866 et de 1870-1871, l'artiste a créé des tableaux de bataille, notamment La bataille de Sadov et La bataille de Skalica. Il est ensuite devenu portraitiste et a également travaillé dans les genres de la peinture historique, de la peinture animalière et des scènes sportives. Pour ses réalisations, il a reçu le titre de peintre de la cour. Le maître a été l'un des créateurs du monument en bronze dédié au prince Albrecht de Prusse dans le quartier de Charlottenburg à Berlin en 1901.
Ernst Moritz Geyger était un sculpteur, médailleur, peintre et graveur allemand. Il est considéré comme un représentant de l'école de sculpture de Berlin. En 1877, à l'âge de seize ans, Geyger commence une formation artistique dans la classe de peinture de l'école d'art de Berlin et passe à l'Académie des beaux-arts de Berlin jusqu'en 1884. Après avoir obtenu son diplôme de l'académie et tenté en vain de trouver du travail dans l'atelier de maître d'Anton von Werner, Geyger a travaillé comme peintre indépendant. Il se consacre également au graphisme, mais passe à l'eau-forte et à la gravure sur cuivre dans ses œuvres à partir de 1886. Pendant ce temps, ses représentations d'animaux parodiant ont eu. La peinture ne le satisfaisant plus suffisamment, il se tourne également vers la sculpture à partir de 1886 sans avoir eu la formation appropriée. En 1902, son œuvre la plus connue, L'Archer, souvent copiée, est créée. Geyger a été représenté aux grandes expositions d'art allemand à Munich en 1937 et 1938.
Fritz Heinemann était un sculpteur allemand. Heinemann faisait partie de ces artistes qui se démarquaient du néo-baroque dominant à l'époque, celui de Reinhold Begas et de ses élèves, en adoptant un langage formel tectonique dans l'esprit d'Adolf von Hildebrand. Certaines figures sont proches des travaux d'Auguste Rodin. Son œuvre couvre presque tout le spectre de la sculpture : monuments, tombes, figures de genre, bustes et petits bronzes.
Nida Kadhim est une sculptrice irakienne, connue pour avoir produit un certain nombre d'œuvres monumentales pour le centre-ville de Bagdad, dont certaines sont toujours debout, tandis que d'autres ont été démolies ou pillées après l'invasion irakienne de 2003. Kadhim a reçu son éducation artistique formelle à l'Académie des beaux-arts de Bagdad dans les années 1950. Activement impliqué dans la communauté artistique irakienne, il est devenu membre fondateur du groupe artistique connu sous le nom d'Al-Mujadidin (Les innovateurs). Ses sculptures se concentrent sur des bustes grandioses et des statues de personnages importants tirés de l'histoire de l'Irak, ou sont basées sur d'autres thèmes que l'artiste juge dignes. Sa sculpture la plus connue, toujours debout, est la femme arabe du parc Zawra à Bagdad. Il représente une femme arabe tenant un bouquet de fleurs à la nouvelle génération d'Irakiens en quête d'un avenir meilleur.
Franz Xaver Messerschmidt était un sculpteur autrichien du XVIIIe siècle. Il est connu comme un maître du grotesque et de la caricature. Messerschmidt a été très connu après sa mort. Ses contemporains le considéraient au mieux comme un monstre extravagant, et au pire comme un malade mental, bien qu'aucune preuve documentaire des maladies mentales du sculpteur n'ait été trouvée à ce jour.
Franz Xaver Messerschmidt a été l'un des premiers à adopter le classicisme. Mais plus tard, il a résolument abandonné les principes de l'art classique. Il s'est rendu célèbre en réalisant une grande série de bustes, que le sculpteur lui-même appelait "têtes". Les visages des personnages de ces œuvres sont déformés par toutes sortes de grimaces et expriment de vives émotions humaines. Messerschmidt a réalisé au total plus de 50 têtes, qui n'ont pas suscité l'intérêt de clients potentiels de son vivant.
En janvier 2005, le Louvre a acheté l'une de ces têtes lors d'une vente aux enchères chez Sotheby's pour le prix record de 4 800 000 dollars américains.
Gustave Miklos est un sculpteur, peintre, précurseur du design, illustrateur et décorateur français d'origine hongroise. Il arrive à Paris en 1909, attiré par la nouvelle école du cubisme, suit les cours du peintre Henri Le Fauconnier à l'Académie de la Palette. Il est découvert au Salon de 1920 par le couturier et mécène, Jacques Doucet, et dès 1921, travaille pour lui comme assistant de Pierre Legrain, à la décoration du studio Saint James et y conçoit des œuvres fort diverses : meubles, verrières, sculptures, tapis, boîtes, etc. Créateur moderniste et prolifique, apportant sa touche « byzantine » revue par le cubisme, il est apprécié par le Groupe Dunand-Goulden-Jouve-Schmied et conçoit pour eux plusieurs décors. En 1922, Miklos entame avec le graveur sur bois et éditeur François-Louis Schmied une collaboration régulière, et rémunérée, pour participer à la décoration de ses livres et à la conception de ses reliures. Il participera à de nombreuses expositions internationales et locales. Il est membre fondateur de l'Union des artistes modernes (UAM), en 1930 et participe à la première exposition de ce groupe avec six bronzes. Connu également comme un précurseur dans les arts plastiques, grand sculpteur et designer du XXe siècle, Gustave Miklos a créé quelque 180 œuvres en bronze, cuivre, ciment, bois, environ 100 objets décoratifs (allant des meubles aux bijoux, aux tissus et accessoires de mode) et environ 140 tableaux, signés de son nom.
Georges Morin était un peintre, sculpteur et médailleur allemand, qui a fait preuve d'une grande polyvalence en créant des sculptures architecturales, des œuvres d'art autonomes, des médailles, des statues et des personnages.
Morin étudie à l'Académie des beaux-arts de Berlin de 1892 à 1896, où il suit les cours d'Ernst Herter et de Peter Breuer. Après avoir réussi ses examens, il se rend à Paris pour poursuivre ses études, captivé par les danseuses orientales de la Commedia dell'arte. Morin peint et sculpte ces danseuses en s'inspirant de leurs spectacles. Il voyage également en Italie et en Angleterre avant de revenir à Berlin, où il réside dans la Görrestraße 16 à Berlin-Friedenau. Il est entouré de collègues artistes dans les environs. Morin est affilié à la District Art Deputation et à des associations d'artistes visuels à Berlin et en Allemagne, ce qui lui donne l'occasion d'exposer ses créations.
Hermann Naumann est un artiste diversifié, connu pour ses peintures, ses illustrations, ses graphiques et ses sculptures. Après sa formation initiale en tant que sculpteur, Hermann Naumann s'est tourné vers la peinture et le graphisme, explorant divers médiums tels que la lithographie, l'eau-forte et le punzenstich.
Hermann Naumann a réalisé des œuvres marquantes, dont des reliefs, des monuments funéraires et des sculptures en acier, telles que « Der Fahnenschwinger » à Riesa et « Der Büchernarr » en bronze. En outre, il a illustré de nombreux livres pour des auteurs renommés comme Heinrich Böll et Fjodor Dostoïevski, laissant une empreinte significative dans le monde de l'édition.
Au fil de sa carrière, Hermann Naumann a été reconnu pour son talent, recevant plusieurs distinctions, notamment le prix de la CDU pour ses illustrations. Malgré ses succès, il demeure un artiste à redécouvrir, dont l'œuvre reflète une profonde sensibilité artistique et une maîtrise technique.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les travaux de Hermann Naumann offrent une fenêtre sur l'expression artistique post-guerre en Allemagne, alliant tradition et innovation.
Inscrivez-vous pour rester informé sur les expositions et les ventes d'œuvres de Hermann Naumann, et découvrez un artiste qui continue d'inspirer par sa polyvalence et son engagement dans l'art.
Karl Opfermann est illustré en tant que sculpteur et graphiste allemand. Formé à l'école des arts appliqués de Flensbourg puis à l'Université des Beaux-Arts de Hambourg, il a joué un rôle clé dans le mouvement expressionniste allemand, notamment en tant que membre du groupe Hambourg Secession. Ce mouvement, né d'une vague de résistance et de réaction, se concentrait sur l'émotion et l'expérience individuelle.
L'œuvre de Karl Opfermann a été marquée par la tragédie : en 1937, durant l'opération « Entartete Kunst » (Art dégénéré) des Nazis, ses œuvres ont été retirées des musées allemands et détruites. En 1943, son atelier à Hambourg a été détruit par un bombardement, entraînant la perte d'une grande partie de son travail. Malgré ces pertes, ses contributions à l'art sont restées significatives et ses œuvres sont conservées dans diverses collections en Allemagne.
Les techniques de Karl Opfermann comprenaient la sculpture sur bois, la pierre et la céramique, ainsi que des travaux en graphisme. Son style, typique de l'expressionnisme allemand, reflète une profonde introspection et une expression brute des émotions.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Karl Opfermann représente un intérêt particulier pour son importance historique et son style unique. Si vous souhaitez recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Karl Opfermann, n'hésitez pas à vous inscrire pour des notifications spécifiques à cet artiste. Ces informations vous permettront de rester informé des dernières actualités et opportunités concernant ses œuvres.
Edward Henry Potthast était un peintre impressionniste américain. Il est connu pour ses peintures de personnes en train de se détendre à Central Park et sur les plages de New York et de la Nouvelle-Angleterre.
Elias Robert, de son vrai nom Louis-Valentin Robert, était un sculpteur français du XIXe siècle.
Elias Robert étudie à l'École des beaux-arts de Paris et est l'élève de David d'Angers et de James Pradier. Il débute au Salon de 1845 et remporte la médaille d'or en 1847.
Il est surtout connu pour ses œuvres néoclassiques, qui témoignent de son talent pour la sculpture figurative et le travail du marbre. Ses sculptures élégantes et gracieuses reflètent souvent des sujets mythologiques et historiques, contribuant ainsi à l'essor artistique de son époque.
Il reçoit le titre de Chevalier de la Légion d'honneur.
Luisa Ignacia Roldán Villavicencio, dite La Roldana, était une sculptrice espagnole de l'époque baroque et la première sculptrice d'Espagne sur laquelle on dispose d'une tradition sûre. Au musée de la Société latino-américaine, Roldán est considérée comme "l'une des rares artistes qui, dans l'Espagne du Siècle d'or, avait son propre atelier en dehors du couvent". Son père Pedro Roldán était également un sculpteur de Séville.
Pasquale Romanelli est un sculpteur italien du XIXe siècle, le père du sculpteur Raffaello Romanelli et l'origine de la famille d'artistes italiens des Romanelli.
Pasquale Romanelli étudia auprès du sculpteur Bartolini.
