Anton Domenico Gabbiani était un peintre et décorateur italien qui a décoré les intérieurs de palais et d'églises du baroque tardif.
Anton Domenico Gabbiani s'est spécialisé dans les sujets religieux et historiques, représentant souvent des scènes de la Bible, de la mythologie et de la littérature classique.
Ses peintures témoignent d'un sens aigu de la composition, de poses dynamiques et d'un accent mis sur l'expression émotionnelle. Gabbiani était capable de créer des effets de lumière impressionnants et de transmettre des détails de tissu et de texture.
Alois Gable était un peintre et dessinateur autrichien issu d'une famille de boulanger et qui a appris à dessiner tout seul. Il reçoit une bourse du prince-évêque de Brixen, qui lui permet d'étudier à l'Académie des Beaux-Arts de Munich. Se concentrant initialement sur la peinture ecclésiastique, Gable s'est ensuite tourné vers la peinture historique et de genre. Il a attiré l'attention avec son œuvre "Haspinger encourage les Tyroliens à se battre". Gabl est devenu professeur à l'académie, mais a été contraint de démissionner pour cause de maladie.
Naum Gabo, né Naum Nehemiah Pevzner en Russie, fut un sculpteur et théoricien constructiviste de renom. Sa contribution majeure à l'art du XXe siècle réside dans son utilisation innovante de matériaux comme le verre, le plastique et le métal, et dans son exploration de la sculpture cinétique, mettant en lumière le mouvement spatial au sein de ses œuvres. Gabo a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe post-révolutionnaire et a significativement influencé le développement de la sculpture moderne. Ses œuvres sont réputées pour leur abstraction géométrique et leur dynamisme, incarnant ses théories sur l'art et l'espace qui se manifestent sans représenter la masse.
Son parcours artistique le conduisit à enseigner au Bauhaus en 1928 et à collaborer avec des figures de proue comme Kandinsky et Rodchenko. Gabo a également co-rédigé le "Realistic Manifesto" avec son frère Antoine Pevzner en 1920, marquant la première utilisation du terme constructivisme et critiquant le cubisme et le futurisme pour leur manque d'abstraction complète. Son travail témoigne d'une quête constante pour exprimer les dimensions spirituelles et émotionnelles à travers l'art, explorant la relation entre le tangible et l'intangible, le simple et l'infinité des possibilités imaginatives.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Head No. 2", qui illustre ses expériences formelles visant à représenter le volume sans masse. Gabo a vécu et travaillé dans de nombreux pays, cherchant de nouveaux contextes pour son art, loin de la guerre et de la répression, avant de s'établir définitivement aux États-Unis où il a continué à influencer le monde de l'art jusqu'à sa mort en 1977.
Sa vision et son approche pratique de la sculpture ont laissé une empreinte indélébile sur l'art du XXe siècle, faisant de lui une figure essentielle de la sculpture constructiviste et de l'art cinétique. Ses œuvres sont exposées dans des institutions de renom telles que le MoMA, où son influence continue d'inspirer les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour ceux intéressés par l'œuvre de Naum Gabo et souhaitant rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères lui étant relatifs, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour.
Guiliam Gabron, également appelé Willem Gabron, était un peintre baroque flamand qui a travaillé sur un large éventail de natures mortes, notamment des fruits, des vanités, des natures mortes florales, des jeux et des petits-déjeuners. Gabron était également un animalier de talent et incluait souvent des animaux vivants dans ses natures mortes. Au début, il travaillait dans un style monochrome, mais après un long séjour en Italie, il a développé une palette plus colorée.
Taddeo Gaddi était un peintre et architecte italien actif à Florence. Disciple et filleul de Giotto, Gaddi a développé une carrière influente, intégrant des éléments du style italo-gothique et de l'école de Giotto.
Ses œuvres les plus remarquables incluent les fresques de la vie de la Vierge dans la chapelle Baroncelli de la basilique Santa Croce à Florence (1328-1338). Ces fresques démontrent une maîtrise du style de Giotto, enrichie d'une expérimentation personnelle dans les arrière-plans architecturaux. Il a également travaillé sur les tuiles de l'armoire dans la sacristie de la même église, aujourd'hui réparties entre la Galleria dell'Accademia de Florence et les musées de Munich et Berlin.
Dans le domaine de l'architecture, Taddeo Gaddi est crédité de la conception du Ponte Vecchio à Florence, bien que cela soit contesté par certains experts modernes. Il a également travaillé sur la continuation du campanile de la cathédrale de Florence, selon Vasari.
Il était le père d'Agnolo Gaddi et Giovanni Gaddi, tous deux également artistes. Ses œuvres continuent d'être appréciées pour leur contribution significative à la transition entre l'art médiéval et la Renaissance.
Pour les collectionneurs et experts en art, les créations de Taddeo Gaddi offrent un aperçu fascinant de l'évolution de l'art florentin du XIVe siècle. Si vous souhaitez recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements de vente aux enchères liés à Taddeo Gaddi, inscrivez-vous à nos alertes.
Barend Gael était un peintre et un graphiste néerlandais de l'âge d'or de la peinture néerlandaise. Il fut l'élève de Philips Wouwerman.
Barend Gael était un peintre accompli de paysages italiens et était bien connu à la Guilde de Saint-Luc à Haarlem en 1642.
Les peintures de Gaël se distinguent par la précision de leur composition et l'utilisation de l'ombre et de la lumière. Il utilisait souvent des arrière-plans sombres pour créer un sentiment de profondeur et de contraste, et utilisait habilement la lumière pour souligner la texture et les détails des figures.
Johann Philipp Eduard Gaertner était un peintre allemand du deuxième quart du XIXe siècle, la période Biedermeier. Il est connu comme peintre paysagiste, célèbre pour ses vues de Berlin et d'autres villes.
Eduard Gaertner a créé de nombreux paysages architecturaux de Berlin, ainsi que de Pétersbourg et de Moscou lors de ses voyages en Russie. L'intérêt de ces œuvres est qu'elles documentent l'apparence de ces villes à la veille de l'ère de la photographie. Le style de peinture de Gaertner a changé après la mort du roi Friedrich Wilhelm III, son mécène. Conformément aux attitudes culturelles du nouveau souverain prussien, l'artiste a commencé à peindre des paysages plus romantiques et idéalisés dans lesquels l'architecture jouait un rôle décoratif.
Le prince Grigoriï Grigor'evitch Gagarin (en russe : Григорий Григорьевич Гагарин) était un peintre, illustrateur, chercheur en art et architecte russe.
Il est né dans la famille du diplomate, le prince Grigoriï Ivanovitch Gagarine (1782-1837), qui fut rapidement envoyé en Italie pour y remplir les fonctions d'ambassadeur. La maison Gagarine à Rome était le centre de la vie culturelle de la diaspora russe ; Alexandre et Karl Brullov, Bruni, Chtchedrine, Basin et Galberg y étaient régulièrement invités.
Grigoriï a très tôt montré un talent pour la peinture, il a pris des leçons avec Brullov, et après avoir voyagé en Orient, il a été fasciné par l'art de Byzance. Plus tard, au cours de son service dans le Caucase, il peint la cathédrale de Sion à Tiflis dans ce style. Gagarine a également illustré avec succès des œuvres d'écrivains russes, notamment le poème de Pouchkine "Rouslan et Lioudmila" et "Le conte du tsar Saltan". En 1845, il a publié à Paris un album intitulé "Costumes des peuples du Caucase", composé de 66 lithographies coloriées à la main.
En 1841, Gagarine est enrôlé dans le service militaire et participe à des campagnes dans le Caucase. En plus de ses obligations militaires, il a beaucoup travaillé pour les besoins des villes caucasiennes. À Tiflis, il conçoit un théâtre, restaure les fresques de la cathédrale de Sion et d'anciens monastères géorgiens.
En Russie, le cercle social de Gagarine comprend Zhukovsky, Pushkin, Odoyevsky. Grigoriï Gagarine fait beaucoup en tant que vice-président de l'Académie impériale des arts (1859-1872), essayant de la réformer dans l'esprit de l'époque, et fonde le musée des antiquités. En 1880, Gagarine est nommé Ober-Gofmeister de la cour de Sa Majesté Impériale.
René Gaillard, artiste français du XVIIIe siècle, est reconnu pour son travail de gravure et d'eau-forte en couleurs. Son œuvre "Les Amans Surpris", créée d'après François Boucher, est un exemple de son art et fait partie de la collection du Metropolitan Museum of Art. Cette œuvre, qui représente une rencontre amoureuse, fait écho au style rococo qui prévalait à son époque.
Les contributions de Gaillard au monde de l'estampe française restent accessibles et célébrées. Ses techniques et ses choix artistiques, des sujets choisis aux subtilités de ses gravures, offrent une fenêtre sur la riche culture artistique de la France du XVIIIe siècle.
Pour les collectionneurs et les amateurs désireux d'explorer les profondeurs de l'estampe rococo, les œuvres de Gaillard offrent un aperçu unique du passé. La politique de libre accès du Met permet d'utiliser librement l'image du domaine public de "Les Amans Surpris", invitant tout un chacun à s'intéresser à l'héritage de Gaillard.
Eugène Gaillard est un architecte et un créateur de meubles. Ce fut un des artistes décorateurs Art nouveau qui s’adaptèrent naturellement au mouvement Art déco.
Avec Georges de Feure et Édouard Colonna, il a réalisé le pavillon Art nouveau de Siegfried Bing à l’Exposition universelle de Paris en 1900.
Il a écrit un livre intitulé «À propos du mobilier» en 1906.
Thomas Gainsborough était un peintre anglais de portraits et de paysages, également dessinateur et graveur. Sa rivalité avec Sir Joshua Reynolds a marqué la deuxième moitié du XVIIIe siècle britannique, période durant laquelle il devint l'un des artistes les plus importants de sa génération. Bien qu'il ait rencontré le succès à Bath et plus tard à Londres, Gainsborough préférait peindre des paysages, un genre qu'il n'abandonna jamais malgré la demande pour ses portraits de haute société.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, « The Blue Boy », illustre son talent unique pour le portrait avec une utilisation audacieuse de la couleur bleue, défiant les conventions de l'époque. Ce tableau est souvent interprété comme une réponse à une critique de Reynolds sur l'utilisation des couleurs. Gainsborough a également été reconnu pour son approche novatrice et son style qui a influencé l'art portraitiste et paysagiste britannique.
Ses tableaux sont exposés dans de nombreux musées de renom, y compris la National Gallery à Londres et le Huntington Library en Californie. Gainsborough a continué à peindre et à innover jusqu'à sa mort en 1788, laissant un héritage durable qui continue d'influencer les générations futures d'artistes.
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Christoph M. Gais est un abstractionniste et un designer allemand. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et à la Hochschule für Kunst de Berlin, où il a obtenu sa maîtrise. Les peintures de Christoph M. Geiss sont basées sur la tradition de la peinture abstraite gestuelle. Son travail comprend également plusieurs projets d'architecture, tels que la conception de la salle Louise Schroeder à l'hôtel de ville rouge de Berlin.
Julio Galán est un peintre mexicain.
Julio Galán a commencé sa carrière de peintre à Monterrey.
Andy Warhol a reproduit plusieurs des œuvres de Galán dans son magazine, Interview, peu après que Galán se soit installé à New York en 1984. Galán a ensuite exposé à New York, Mexico et en Europe. En 1994, il remporte le «Premio Marco» décerné par le Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey et il expose au Center for Fine Arts à Miami, au Musée d'art moderne de Mexico et au Contemporary Arts Museum Houston.
Ippolito Galantini était un peintre baroque italien et une figure religieuse. Il est connu sous les surnoms de Il Capuccino et Il Prete Genovese.
Né à Florence, il fut un temps l'élève de Stefaneschi, sous l'influence duquel il devint moine de l'ordre des Capucins (d'où les deux surnoms sous lesquels il est connu). Il fut envoyé comme missionnaire en Inde, où il passa plusieurs années, et à son retour en Europe, il peignit plusieurs tableaux pour les églises de son ordre. Un autoportrait de lui se trouve à la Galerie des Offices de Florence.
Adomas Galdikas était un peintre, graphiste, artiste de théâtre et scénographe lituanien.
Adomas Galdikas a peint des paysages, des natures mortes, des portraits et des compositions abstraites. Il est l'auteur de gravures et de livres illustrés. Il créa des décors pour dix-sept productions du Théâtre d'État de Kaunas ; parmi les œuvres théâtrales les plus significatives, outre le Sharunas de Kreve, se trouve l'opéra Gražina de Jurgis Karnavičius (1933).
Giovanni Battista Galestruzzi est un graveur et un peintre italien baroque actif au xviie siècle. Galestruzzi Giovanni Battista est né à Florence en 1618 où il a été l'élève du peintre Francesco Furini. Par la suite il est parti à Rome où il a rejoint l'Accademia di San Luca en 1652. À partir de 1654 il réalisa des gravures d'après des œuvres de Polidoro da Caravaggio pour la façade du Palais Milesi de Rome, ainsi qu'une série de gemmes archéologiques antiques rééditées plusieurs fois. Il a été un graveur accompli et a réalisé des œuvres pour le livre de Leonardo Agostini Le gemme antiche figurate.
Georg Galgemair était un mathématicien et astrologue allemand.
Né dans la famille du bourgmestre de Donauwörth, il fut l'élève de Philip Apian, puis maître de mathématiques à l'université de Tübingen en 1585. Après avoir terminé ses études, Galgemair commence à enseigner à Lauingen en 1588.
Ses travaux sur les cercles proportionnels ont conduit au développement de la gnomonique. Dans l'histoire des sciences, Galgemair est connu pour ses travaux sur les instruments mathématiques. En tant que fabricant de calendriers, il réussit en 1606 à obtenir un privilège impérial pour ses calendriers.
Galileo Galilei était un naturaliste, physicien, mécanicien, astronome, philosophe et mathématicien italien.
À l'aide de ses propres télescopes améliorés, Galileo Galilei a observé les mouvements de la Lune, des satellites de la Terre et des étoiles, faisant ainsi plusieurs découvertes révolutionnaires en astronomie. Il a été le premier à voir des cratères sur la Lune, a découvert les taches solaires et les anneaux de Saturne, et a tracé les phases de Vénus. Galiléi était un partisan constant et convaincu des enseignements de Copernic et du système héliocentrique du monde, ce qui lui valut d'être jugé par l'Inquisition.
Galiléi est considéré comme le fondateur de la physique expérimentale et théorique. Il est également l'un des fondateurs du principe de relativité en mécanique classique. Dans l'ensemble, ce scientifique a eu un impact si important sur la science de son époque qu'on ne saurait trop insister sur son importance.
Azat Khaizovitch Galimov est un artiste russe contemporain. Diplômé de l'École supérieure d'art industriel de Leningrad du nom de V. Mukhina. Vit et travaille actuellement à Saint-Pétersbourg, membre de l'Union des artistes de Russie, membre de l'Académie des sciences et des arts Petrovsky, membre de l'Union bulgare des artistes. En 2007, il a été inclus dans le catalogue "Les meilleurs artistes de Russie". Un adepte de l'école réaliste de la peinture. Beaucoup, beaucoup de travail. Réalise de nombreux croquis et écrit des études, voyageant dans différents pays. Il est particulièrement doué pour les paysages urbains. Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées dans différents pays.
Ellen Gallagher est une artiste américaine contemporaine, peintre, qui réalise également des œuvres graphiques, des sculptures et des films.
Le travail d'Ellen Gallagher explore souvent les questions de race, d'identité et de transformation. Dès le début, la forme et le contenu de son travail ont été influencés par l'œuvre de Gertrude Stein, la tradition de la chanson nègre, la science-fiction et la publicité destinée aux Afro-Américains. Les œuvres de Gallagher séduisent par leur esthétique subtile, leurs connotations sociales et politiques et le mélange de réalités historiques et de science-fiction.
Philips Galle est un graveur flamand, membre d'une célèbre famille de graveurs. Il a pratiqué la gravure sur cuivre, le dessin, le commerce de gravures, l'édition et l'écriture.
Il grave d’après nature un grand nombre de ses contemporains humanistes, parmi lesquels Vésale, Erasme, Guillaume Budé ou Thomas More. Il s’illustre ainsi comme l’un des premiers auteurs de recueils de portraits d’hommes savants du XVIe siècle.
Emile Gallé est un industriel, maître verrier, ébéniste et céramiste français.
Il est fondateur et premier président de l’École de Nancy en 1901.
Enfant de l'art et du commerce, il est l'une des figures les plus marquantes des arts appliqués de son époque et l'un des pionniers de l'Art nouveau. C'est également un précurseur en matière de génétique et d'évolution concernant le monde végétal, ses travaux méconnus du grand public sont pourtant d'une grande pertinence puisqu'ils précèdent ceux de Gregor Mendel et en annoncent les grandes lignes.
Akseli Gallen-Kallela, né Axel Waldemar Gallén, est un artiste finlandais d'origine suédoise.
Il a étudié à l'Académie Julian à Paris, a voyagé en Afrique et a ensuite dessiné des drapeaux, des armoiries et des uniformes pour l'armée de la Finlande indépendante.
Akseli Gallen-Kallela est un représentant du romantisme national finlandais et de l'art nouveau nordique des années 1880-1910. Dans son œuvre, il a utilisé le symbolisme et les techniques artistiques du style Art nouveau. La représentation sans fard de la maladie, de la souffrance et des difficultés sociales fait partie de la conception naturaliste de l'art que Gallen-Kallela a suivie dès le début de sa carrière. Il a fréquemment peint la dureté de la vie, souvent avec des éléments de symbolisme chrétien.
Steve Galloway est un artiste américain contemporain surréaliste et conceptuel. Il est diplômé de l'Institut des arts de Californie en 1974. Galloway a reçu une prestigieuse bourse du National Endowment for the Arts en 1987, ainsi qu'une bourse Pollock-Krasner en 2017. Ses œuvres d'assemblage originales font partie des collections permanentes du Contemporary Museum, Honolulu, Hawaii, du Franklin Mint, Philadelphie, du Fonds national d'art français (FRAC) et de la Fondation Colas, France.
Paul Gangolf, de son vrai nom Paul Löwy, était un peintre, lithographe, sculpteur sur bois et journaliste expressionniste allemand.
Né dans une famille juive, Paul a commencé à travailler en publiant des articles dans des magazines sur des sujets politiques, sous le pseudonyme de Gangolf, et a servi dans diverses troupes pendant la Première Guerre mondiale.
L'activité créatrice de Paul Gangolf atteint son apogée dans les années 1920, lorsqu'il travaille dans le domaine de la lithographie, publie et expose à Berlin, Londres et Paris.
Après l'arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes, il est arrêté et emmené au camp de concentration d'Esterwegen, où il est assassiné. Dès sa mort, en 1937, dans le cadre de la campagne "Art dégénéré", les peintures de Gangolf ont été confisquées dans les musées de l'Allemagne nazie et la plupart d'entre elles ont été détruites. Les œuvres de l'artiste qui ont survécu se trouvent, entre autres, au Museum of Modern Art de New York.
John Gantz était un architecte, peintre, géomètre et lithographe d'origine autrichienne.
Gantz a travaillé pour la Compagnie des Indes orientales entre 1800 et 1803 en tant que dessinateur et architecte. Une liste manuscrite des habitants de Madras datée de mars 1819 le mentionne comme "architecte, originaire de l'Inde". En 1827, Gantz avait installé la première presse lithographique à Madras, l'une des premières en Inde. Les dessins de Gantz représentent les ponts et les structures architecturales de la ville, les habitants dans leurs activités quotidiennes, les modes de transport, l'artisanat et les professions des Indiens ; il a également peint des paysages pittoresques de l'Inde.
Gantz a eu deux fils, les architectes Justinian et Julius.
Emile Edwin Ganz est un artiste peintre helvético-belge, spécialisé dans la représentation de chevaux et de scènes militaires. À ses débuts, Ganz dessinait surtout des scènes militaires, un genre que seuls quelques artistes du xixe siècle maîtrisaient. Son chef-d'œuvre dans le genre est L'attaque de Scherpenheuvel, un reportage sur les manœuvres des grenadiers en 1894. En 1901 il entre comme peintre au service de la princesse Clémentine ; il occupe ce poste jusqu'en 1903. En 1903, il brosse aussi quelques chevaux du roi Léopold II. À partir de ce moment, il ne s'intéresse plus seulement au cheval en soi, mais au cheval de trait régional, ainsi qu'au peuple et au monde rural : vendeurs de journaux, vieux chevaux dans un dépôt, la moisson dans les champs, la récolte des betteraves, le paysage. Beaucoup de ses dessins d'uniformes militaires ont été imprimés en lithographie en couleurs.
Aleksandr Fiodorovitch Gaouch (еn russe: Александр Фёдорович Гауш) était un artiste peintre et professeur universitaire de nationalité russo-soviétique, né le 30 août 1873 à Saint-Pétersbourg et décédé le 7 septembre 1947 à Simferopol. En tant qu'artiste, il était célèbre pour ses œuvres diversifiées, comprenant des paysages, des natures mortes et des portraits, qui sont exposés dans plusieurs musées et collections privées autour du globe.
Durant sa vie, Gaouch a changé de domicile à maintes reprises, en raison de la santé fragile de sa conjointe ainsi que des tumultes politiques et guerriers. Il a résidé et œuvré dans différentes cités, a enseigné dans des académies d'art et des universités, et a adhéré à diverses coalitions d'artistes. Malgré les désordres de la Seconde Guerre mondiale et les défis personnels, Gaouch est retourné en URSS après le conflit, où il a vécu ses dernières années.
Ses créations, incluant « Jour de pluie » (1900), « Paysage hivernal » (vers 1900), « Feux d'artifice » (1910), et « Nuit en Crimée » (années 1910), illustrent son aptitude à saisir des atmosphères et des instants avec une perception profonde de la couleur et de la lumière. Une rétrospective au Musée Russe de Saint-Pétersbourg en 1992 a honoré son œuvre par une exposition d'environ 75 pièces.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, la vie et l'œuvre d'Alexander Fjodorowitsch Gaouch offrent une perspective fascinante sur l'art russe de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Ses travaux sont présents dans de prestigieux musées, y compris le Musée Russe, la Galerie Tretiakov à Moscou, le Musée National d'Art de Lettonie à Riga, ainsi que d'autres collections en Russie, en Ukraine, en Arménie et au Kazakhstan.
Abonnez-vous pour recevoir des actualisations afin d'être au courant des nouvelles opportunités de vente et des événements d'enchères liés aux œuvres d'Alexander Fjodorowitsch Gaouch. Explorez l'univers d'un artiste dont l'existence et la production artistique ont été marquées par les remous de son temps, et laissez-vous émouvoir par la splendeur et l'intensité de son art.
Taras Gourievitch Gaponenko (еn russe : Тарас Гурьевич Гапоненко) était un artiste soviétique remarquable, né le 5 mars 1906 dans le village de Staraya Zavoron, et décédé en 1993 à Moscou. Il est reconnu pour sa contribution significative à l'art soviétique, notamment à travers ses peintures qui illustrent la vie quotidienne en URSS, ainsi que les thèmes de la Grande Guerre Patriotique. Diplômé du VKhUTEMAS de Moscou en 1930, Gaponenko a été un élève de P. Kuznetsov, V. Favorsky, N. Chernysheva. Ses œuvres, imprégnées de réalisme socialiste, ont souvent porté sur la vie des villages soviétiques, mettant en lumière les travaux agricoles et la vie collective des fermes d'État.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures telles que "Au dîner avec les mères" (1935) qui a remporté une médaille d'or à l'exposition mondiale de Paris et "Après l'expulsion des envahisseurs fascistes" (1943-1946), récompensée par le Prix d'État de l'URSS en 1947. Ces œuvres se distinguent par leur lyrisme et leur capacité à capturer l'esprit de l'époque avec une profonde empathie pour ses sujets. En plus de son travail de peintre, Gaponenko s'est également illustré dans la création d'œuvres monumentales et a publié un livre sur la peinture monumentale. Il a été élu membre correspondant de l'Académie des arts de l'URSS en 1954 et a obtenu le titre d'Artiste du Peuple de la RSFSR en 1967, puis celui d'Artiste du Peuple de l'URSS en 1974.
Plusieurs de ses tableaux sont conservés dans des collections prestigieuses, notamment la Galerie Tretiakov et le Musée Russe de Saint-Pétersbourg. Gaponenko a participé à de nombreuses expositions tout au long de sa carrière, démontrant un engagement profond envers l'art et la culture soviétiques.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Gaponenko offre un aperçu unique de l'histoire culturelle et artistique de l'Union Soviétique, reflétant les idéaux, les espoirs et les défis de son époque. Si vous souhaitez rester informés sur les ventes et les événements d'enchères liés à Taras Gourievitch Gaponenko, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour.
Aaron Garber-Maikovska est un artiste contemporain. Il est connu pour son approche multidisciplinaire, qui intègre la sculpture, la performance, la vidéo et l'installation.
Le travail de Garber-Maikovska explore souvent les thèmes du pouvoir, de la violence et du corps. Il a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art à New York, au Palais de Tokyo à Paris et à la Kunsthalle Basel en Suisse.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons "The Power and the Glory", une performance dans laquelle l'artiste revêt un costume fait de viande crue et récite un monologue sur la nature du pouvoir, et "Shadow Boxing", une série de sculptures représentant des combattants engagés dans un combat violent.
Garber-Maikovska est également cofondatrice du collectif artistique Dear Reader, qui explore l'intersection de l'art et de la littérature par le biais d'expositions, de lectures et d'autres événements.
Greta Garbo, née Greta Lovisa Gustafsson, est une actrice suédoise et américaine.
Greta est née dans une famille pauvre et a travaillé très tôt - dans un salon de beauté, comme vendeuse, comme modèle pour des photos destinées à des magazines publicitaires locaux. Elle a également étudié à l'école d'art dramatique du Théâtre royal de Stockholm. La jeune fille est remarquée par des agents, invitée à jouer dans le film "Peter the Tramp" et devient rapidement une star du cinéma muet en Suède et en Allemagne. En 1923, elle change son nom de famille en Garbo. C'est à cette époque qu'elle attire l'attention du magnat d'Hollywood Louis B. Mayer, qui lui fait signer un contrat d'un an avec la MGM. Son premier rôle dans un film américain est dans Torrent (1926), suivi de The Temptress (1926), qui lui apporte la célébrité.
Garbo était l'actrice la mieux payée de l'avant-guerre. Les performances talentueuses et dramatiques de Greta lui ont valu une renommée mondiale et le titre de l'une des meilleures actrices de l'histoire d'Hollywood. Anna Karénine et Mata Hari sont deux des rôles les plus marquants de l'actrice. À la fin de l'ère du cinéma muet, sa voix basse et langoureuse, légèrement enrouée, est devenue la marque de fabrique de Garbo. Pour sa contribution au développement du cinéma, Garbo a reçu un Oscar en 1954.
La vie de Greta Garbo reste entourée de mystères et de mythes. Elle était silencieuse, préférait la solitude et était donc entourée d'une atmosphère de mystère. Mais sous la façade extérieure de l'éloignement battait un cœur sensible et passionné. Greta était une icône du style de son époque, elle était imitée et enviée par les stars d'Hollywood.
Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1941, Greta Garbo n'est jamais revenue au grand cinéma, se contentant de jouer des rôles occasionnels dans de petits films. Après la guerre, elle est retournée aux États-Unis et a vécu recluse à New York pendant 50 ans. Elle ne donnait pas d'interviews, évitait les journalistes et ne sortait qu'en cas de nécessité et avec des lunettes noires.
