Farbfoto
Valérie Belin ist eine französische bildende Künstlerin und Fotografin. Sie lebt und arbeitet in Paris.
Inspiriert von verschiedenen minimalistischen und konzeptuellen Kunstrichtungen, wandte sich Valérie Belin schon früh der Fotografie zu, die sie als ihr plastisches Ausdrucksmittel wählte.
In diesem Sinne ist zunächst das fotografische Medium selbst das Hauptthema ihrer Werke. Licht, Materie, der Körper von Dingen und Wesen sowie deren Darstellung und Transformation durch das Medium der Fotografie bilden das Terrain ihrer Untersuchungen und das Universum ihrer künstlerischen Aussagen. Seine Arbeit, die hauptsächlich aus Stillleben und Porträts besteht, hat sich mit der Berücksichtigung der Codes der Welt des Bildes und der Repräsentation weiterentwickelt.
Dieter Blum ist ein zeitgenössischer deutscher Fotograf, der für bekannte und einflussreiche Publikationen gearbeitet hat (deutsche Magazine Spiegel und Stern, amerikanische Time, Vanity Fair). Zu Beginn seiner Karriere fotografierte er amerikanische Cowboys, heute arbeitet er lieber mit Musikern und Balletttänzern.
Oliver Boberg ist ein bildender Künstler und Kunsterzieher. Er lebt und arbeitet in Fürth und unterrichtet Kunstlehre am Ehrenbürg-Gymnasium in Forchheim.
Seine Arbeiten beschäftigen sich mit den Unorten in unserer direkten, urbanen Umgebung. Seine Werke begründen sich auf einem umfangreichen Fotoarchiv, aus dem er Details, Farben und Strukturen auswählt und diese in seinen Modellen zu einer stereotypen Architektur zusammensetzt.
Guy Bourdin war ein französischer Fotograf und Künstler, der vor allem für seine innovative und provokative Modefotografie in der Mitte des 20. Jahrhunderts bekannt ist. Er begann seine Karriere als Maler, bevor er sich der Fotografie zuwandte.
Bourdins fotografischer Stil zeichnete sich durch die Verwendung kräftiger Farben, surrealer Bilder und provokanter Themen aus. Er bezog oft Elemente von Erotik und Gewalt in seine Arbeit ein und stellte traditionelle Vorstellungen von Schönheit und Weiblichkeit in Frage.
Bourdins Fotografien wurden in Modemagazinen wie der Vogue veröffentlicht, und er wurde durch seine Zusammenarbeit mit Modedesignern wie Charles Jourdan und Issey Miyake bekannt. Sein Werk war sehr einflussreich, und er gilt als einer der wichtigsten Modefotografen des 20. Jahrhunderts.
Bourdins Vermächtnis als Künstler und Fotograf inspiriert auch heute noch neue Generationen von Künstlern. Seine innovativen Techniken und seine kühne Ästhetik verschieben weiterhin die Grenzen der Modefotografie und haben einen bedeutenden Einfluss auf die zeitgenössische Kunst und Kultur ausgeübt.
Miguel Rio Branco, mit vollem Namen Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco, ist ein brasilianischer Fotograf, Künstler, Regisseur und Schöpfer von Multimedia-Installationen.
Sein Vater war Diplomat, und als Kind lebte Miguel in Spanien, Portugal, der Schweiz und den USA. Heute lebt und arbeitet er in Rio de Janeiro, Brasilien. Nach seinem Abschluss in Fotografie am New Yorker Institute of Photography arbeitete Miguel zunächst als Kameramann und dann mit der Agentur Magnum zusammen. Miguel ist dafür bekannt, dass er zwei verschiedene Kunstformen erforscht und miteinander verknüpft:
Malerei und Fotografie. Er hat außerdem 14 Kurzfilme und acht Langfilme gedreht und ist international als einer der besten Farbfotografen anerkannt. Seine Fotografien von Miguel Rio Branco sind Teil der Sammlungen des Museum of Modern Art und des Metropolitan Museum of Art in New York.
Thomas Eigel ist ein deutscher Fotograf, der in Hamburg lebt und arbeitet.
Thomas Eigel ist seit über 35 Jahren in der Fotografie tätig, zunächst als Werbefotograf, dann als Art Director und Agenturinhaber. Eigel erforscht die Universalität des Transports und bietet eine neue Perspektive auf erkennbare Formen, von Flugzeugen bis zu Schiffscontainern, und fordert den Betrachter auf, darüber nachzudenken, wie wir durch Mechanik und Technologie miteinander verbunden sind.
Elsa und Johanna sind ein kreatives Duo aus Fotokünstlern und Filmemachern.
Sie waren Finalisten für den Prix HSBC pour la photographie 2016 und gewannen den zweiten Prix Picto de la mode 2017.
Zu den Kunden des Duos gehören bekannte Publikationen wie Le Temps, Boycott Magazine, L'Express 10, Crash Magazine, Etro, Boucheron und Apple.
Ahmet Ertug ist ein türkischer Architekturfotograf und Verleger.
Er absolvierte eine Ausbildung zum Architekten an der Architectural School der Architectural Association in London, entwickelte aber eine Leidenschaft für die Fotografie.
Im Rahmen seiner Recherchen über traditionelle Architektur in Japan reiste Ertug ausgiebig durch das Land und fotografierte alte Tempel, Zen-Gärten und traditionelle Feste. Ertug fotografierte zahlreiche architektonische und archäologische Bauwerke in Istanbul mit osmanischen, römischen und katholischen Einflüssen. Er gründete einen Verlag für Kunstbücher, und sein nationaler Ruhm wuchs dramatisch, als er begann, seine Fotografien in aufwendigen Kunstbüchern zu veröffentlichen. Ertugs Verlag hat seither mehr als 30 solcher Sammlungen veröffentlicht. Ertug hat auch viele berühmte amerikanische Bibliotheken fotografiert.
Ori Gersht ist ein israelischer Fotograf und Videokünstler. Er ist bekannt für seine Verwendung von Fotografie und Video zur Erforschung von Themen wie Erinnerung, Geschichte und Konflikt.
In seinen Arbeiten verwendet Gersht häufig Zeitlupen- und Hochgeschwindigkeitsvideos, mit denen er die flüchtigen und flüchtigen Momente einfängt, die im täglichen Leben oft übersehen werden. Er verwendet auch eine Reihe von fotografischen Techniken, darunter Stillleben und Landschaftsfotografie, um Bilder zu schaffen, die sowohl schön als auch eindringlich sind.
Zu Gershts berühmtesten Serien gehören "Time After Time", die den Moment einer aufblühenden Blume einfängt, und "Liquidation", die sich mit der Zerstörung historischer Objekte beschäftigt. Er hat auch Videoinstallationen geschaffen, die sich mit der Geschichte und der Erinnerung an den Holocaust auseinandersetzen.
Gershts Arbeiten wurden in bedeutenden Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, und er hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen für seine Beiträge zur Fotografie und Videokunst erhalten. Er produziert auch weiterhin neue Werke und wird weithin als einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler der Gegenwart angesehen.
Ormond Gigli war ein amerikanischer Fotograf, der vor allem für seine Mode- und Porträtfotografie bekannt ist. Er begann seine Karriere in den 1940er Jahren als freiberuflicher Fotograf und wurde schließlich fest angestellter Fotograf für mehrere große Publikationen, darunter LIFE, Time und Harper's Bazaar.
Giglis Arbeiten zeichnen sich durch den auffälligen Einsatz von Farbe und Komposition aus und zeigen häufig Models in aufwendigen Posen und Kulissen. Eines seiner berühmtesten Bilder ist "Girls in the Windows" (Mädchen in den Fenstern), ein Foto, das er 1960 aufnahm und auf dem Models in den Fenstern eines zum Abriss vorgesehenen Gebäudes in Manhattan posieren.
Im Laufe seiner Karriere erhielt Gigli zahlreiche Preise und Auszeichnungen für seine Arbeit, darunter den Lifetime Achievement Award der American Society of Media Photographers im Jahr 2003. Seine Fotografien wurden in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt und befinden sich in den Sammlungen vieler bedeutender Institutionen, darunter das Museum of Modern Art in New York und die National Portrait Gallery in Washington, D.C.
Klaus Goedicke (deutsch: Goedicke) ist ein zeitgenössischer deutscher Fotograf, ein Schüler von Bernd Becher.
Klaus Goedicke schafft schlichte, helle und makellos komponierte Stillleben. Sein Spezialgebiet ist die Objektfotografie und sein Thema ist die Konsumkultur: Plastikflaschen, Haushaltsgegenstände, Lebensmittel. Alles wird vor einem flachen, farbigen Hintergrund fotografiert, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Form zu lenken. Mit ihrer frontalen Geradlinigkeit, ihrem Glanz und ihrer präzisen Beleuchtung erinnern Gödickes Arbeiten an die Bildsprache der Werbung.
Nan Goldin, eine amerikanische Fotografin und Aktivistin, ist vor allem für ihre eindringlichen visuellen Erzählungen bekannt. Ihre Arbeiten erkunden LGBT-Subkulturen, intime Momente, die HIV/AIDS-Krise und die Opioid-Epidemie. Besonders hervorzuheben ist ihr Werk "The Ballad of Sexual Dependency" (1986), eine tiefgreifende Dokumentation, die die post-Stonewall-Gay-Subkultur beleuchtet und Goldins Familie sowie Freunde umfasst.
Nan Goldins Fotografie, oft in Form von Diashows präsentiert, spiegelt die Kultur von Obsession und Abhängigkeit wider. Ihre ungeschminkten Darstellungen von Liebe, Geschlecht, Häuslichkeit und Sexualität haben nicht nur in der Kunstwelt, sondern auch in der Art und Weise, wie wir soziale und persönliche Themen betrachten, Spuren hinterlassen. Ihre Werke, die Themen wie Drogenkonsum, sexuelle Akte und Gewalt unerschrocken aufgreifen, laden dazu ein, die Geschichten und intimen Details ihrer Nächsten zu erkunden.
Seit 1995 hat sich Nan Goldins Themenspektrum erweitert, von Kollaborationen mit dem japanischen Fotografen Nobuyoshi Araki über New Yorker Skylines bis hin zu Familienleben und Elternschaft. Ihre Ausstellungen und Werke wurden weltweit anerkannt, einschließlich einer Retrospektive "This Will Not End Well" und des preisgekrönten Films "All the Beauty and the Bloodshed".
Interessieren Sie sich für Nan Goldins fesselnde Welt? Melden Sie sich jetzt an, um exklusive Updates zu erhalten und über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse informiert zu werden, die ausschließlich Goldins Werke betreffen. Verpassen Sie nicht die Chance, tiefer in das Leben und die Werke einer der prägendsten Fotografinnen unserer Zeit einzutauchen.
Andreas Gursky ist ein deutscher Fotograf, bekannt für seine monumentalen, digital bearbeiteten Fotografien, die die Konsumkultur und die Geschäftigkeit des modernen Lebens untersuchen. Gurskys einzigartige kompositorische Strategien resultieren in dramatischen Bildern, die die Grenze zwischen Repräsentation und Abstraktion ausloten.
Als Sohn und Enkel von kommerziellen Fotografen wuchs Andreas Gursky in Düsseldorf auf. Er studierte Fotografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und später an der Kunstakademie Düsseldorf unter Bernd und Hilla Becher. Andreas Gurskys Werk reicht von Bürogebäude-Sicherheitspersonal bis hin zu weitläufigen Panoramen und Landschaften des Ruhrgebiets. Seine Fotografien, bekannt für ihre Größe, erreichen einige der höchsten Preise auf dem Kunstmarkt unter lebenden Fotografen.
Für Sammler und Kunstkenner ist Andreas Gursky ein Meister der visuellen Darstellung, der die Betrachtungsweise unserer alltäglichen Umgebung und globalen Landschaften neu definiert. Sein berühmtes Werk "Rhein II" wurde für 4,3 Millionen US-Dollar verkauft, was von 2011 bis 2022 den Rekord für den höchsten Preis für ein einzelnes fotografisches Bild bei einer Auktion hielt.
Wenn Sie über Andreas Gurskys neueste Projekte und Ausstellungen auf dem Laufenden bleiben möchten, abonnieren Sie unsere Updates. Bleiben Sie informiert über neue Werke und Auktionsereignisse dieses einflussreichen Künstlers.
Heinrich Heidersberger war ein deutscher Fotograf, der einen Großteil seines Lebens in Braunschweig und Wolfsburg (Niedersachsen) verbrachte. Er gilt als einer der Pioniere der Architektur- und Industriefotografie.
Bill Henson ist ein australischer Fotograf. Er ist bekannt für seine stimmungsvollen und atmosphärischen Fotografien der menschlichen Gestalt sowie von Landschaften und architektonischen Innenräumen.
Henson begann seine Karriere als Fotograf in den 1970er Jahren und erlangte in den 1980er Jahren Anerkennung für seine stimmungsvollen und rätselhaften Bilder von Teenagern. Seine Arbeiten befassen sich häufig mit Themen wie Sexualität, Begehren und dem Unterbewussten.
Im Laufe seiner Karriere hat Henson immer wieder beeindruckende fotografische Werke geschaffen, die die Grenzen der konventionellen Porträt- und Landschaftsfotografie überschreiten. Er hat sowohl in Australien als auch international ausgestellt, und seine Arbeiten sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter die National Gallery of Australia, das Museum of Contemporary Art in Sydney und das Solomon R. Guggenheim Museum in New York.
Henson wurde für seine Fotografie mit zahlreichen Preisen und Auszeichnungen geehrt, darunter die Centenary Medal der australischen Regierung im Jahr 2001 und der Officer of the Order of Australia im Jahr 2019.
Todd Hido ist ein amerikanischer Fotograf und Künstler. Er ist vor allem für seine stimmungsvollen und atmosphärischen Fotografien von Landschaften und Häusern in Vorstädten bekannt, die oft ein Gefühl von Einsamkeit und Isolation vermitteln.
Hidos fotografischer Stil zeichnet sich durch die Verwendung gedämpfter Farben, weicher Beleuchtung und verschwommener Bilder aus. Oft fotografiert er Innen- und Außenräume von Häusern bei Nacht, wodurch eine traumhafte und unheimliche Stimmung entsteht. Seine Arbeit ist auch für ihre filmische Qualität bekannt, und viele seiner Bilder erinnern an die Stimmung des Film Noir.
Hidos Arbeiten wurden in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, und seine Fotografien wurden in zahlreichen Büchern und Zeitschriften veröffentlicht. Für seine Arbeit hat er viele Auszeichnungen erhalten, darunter ein Stipendium des National Endowment for the Arts.
Hidos Vermächtnis als Künstler und Fotograf beeinflusst weiterhin neue Generationen von Fotografen und Künstlern. Sein stimmungsvoller und evokativer Stil hat die zeitgenössische Fotografie maßgeblich beeinflusst und dazu beigetragen, die Art und Weise, wie wir über Vorstadtlandschaften und das Konzept von Zuhause denken, neu zu definieren.
Elisabeth Hölzl ist eine italienische Künstlerin, Bildhauerin und Fotografin, die in Meran lebt und arbeitet.
Sie studierte Kunstgeschichte in Innsbruck und anschließend Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in Bologna. In den 1990er Jahren trat Elisabeth Hölzl mit minimalistischen Skulpturen und Installationen an die Öffentlichkeit, später löste sich ihr Werk von der Materie und wandte sich anderen Medien wie Glas und Licht zu. In diesen Arbeiten geht es nicht mehr um Volumen, sondern um das, was sie sichtbar macht: Licht. In den letzten Jahren ist die Fotografie zum bevorzugten Ausdrucksmittel der Künstlerin geworden und hat ihr Werk von Anfang an begleitet.
Ralf Kaspers ist ein zeitgenössischer deutscher Fotograf.
Er fühlt sich von monumentalen Themen (Natur, Stadtlandschaften, Architektur) ebenso angezogen wie von ornamentalen Mikrokosmen, die aus unzähligen Kombinationen identischer kleiner Objekte bestehen.
Der ständige Wechsel von Themen und Sujets ermöglicht es dem Autor, die wichtigsten künstlerischen Kategorien wie Form, Textur und Rhythmus im Detail zu erkunden.
Robert Glenn Ketchum ist ein bahnbrechender Naturschutzfotograf, der von der Zeitschrift Audubon als eine der 100 Personen anerkannt wurde, "die die Umweltbewegung im 20. Jahrhundert geprägt haben".
Ketchum hatte über 400 Einzel- und Gruppenausstellungen, und seine Fotografien befinden sich in bedeutenden Museumssammlungen auf der ganzen Welt.
Richard Learoyd ist ein britischer Fotograf. Er ist bekannt für seine großformatigen Camera-Obscura-Fotografien, die unglaublich detaillierte, lebensechte Bilder von Menschen und Objekten einfangen.
Learoyd hat Malerei studiert, bevor er sich der Fotografie zuwandte, und in seinen Arbeiten verschwimmen oft die Grenzen zwischen Fotografie, Malerei und Skulptur. Er konstruiert seine eigene Camera Obscura, indem er einen Raum baut und eine große, konvexe Linse an einer Wand anbringt, die ein auf dem Kopf stehendes Bild des Motivs auf ein Blatt Fotopapier projiziert. Anschließend verwendet er traditionelle Dunkelkammertechniken, um das endgültige Bild zu entwickeln und zu drucken.
Learoyds Fotografien zeigen häufig Porträts von Freunden und Familienmitgliedern sowie Stillleben von Alltagsgegenständen wie Obst, Blumen und Tieren. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter das Victoria and Albert Museum in London, das Getty Museum in Los Angeles und das Museum of Modern Art in New York.
Learoyd hat zahlreiche Preise und Auszeichnungen für seine Fotografie erhalten, darunter ein Guggenheim-Stipendium und den Auftrag, ein Porträt von Königin Elizabeth II. für das Diamantene Jubiläum ihrer Regentschaft zu erstellen.
Annie Leibovitz ist eine amerikanische Fotografin. Sie ist eine der bekanntesten und angesehensten Porträtfotografen der Welt, und ihre Karriere erstreckt sich über fünf Jahrzehnte.
Leibovitz begann ihre Karriere 1970 als Fotografin bei der Zeitschrift Rolling Stone, wo sie sich schnell einen Namen für ihre einzigartigen und intimen Porträts von Prominenten und Musikern machte. Danach arbeitete sie für die Zeitschriften Vanity Fair und Vogue, wo sie weiterhin einige der berühmtesten und einflussreichsten Menschen unserer Zeit fotografierte.
Leibovitz' unverwechselbarer Stil besteht oft aus dramatischer Beleuchtung, kräftigen Farben und provokanten Posen, um das Wesen ihrer Motive einzufangen. Ihre Arbeiten wurden in Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, und sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen für ihre Beiträge zur Welt der Fotografie.
Zu den berühmtesten Fotos von Leibovitz gehören das Porträt von John Lennon und Yoko Ono, das wenige Stunden vor Lennons Tod aufgenommen wurde, und das Titelbild der schwangeren Demi Moore für Vanity Fair. Ihre Fotografien sind oft sehr begehrt und wurden in vielen Büchern und Ausstellungen gezeigt.
Saul Leiter ist ein amerikanischer Fotograf und Modefotograf, der in den 1940er und 1950er Jahren zu den Pionieren der so genannten New York School of Photographers gehörte.
Saul Leiter begann in den 1940er Jahren in New York mit Farb- und Schwarz-Weiß-Straßenfotografie. Er hatte keine formale Ausbildung in Fotografie, aber die Genialität seiner frühen Arbeiten wurde schnell erkannt. Seine Hauptmotive waren Straßenszenen und sein kleiner Freundeskreis. Während seiner produktiven Zeit in New York in den 1950er Jahren leistete Leiter einen großen und einzigartigen Beitrag zur Fotografie. Seine abstrakten Formen und radikal innovativen Kompositionen haben eine malerische Qualität, die sich von den Arbeiten seiner Zeitgenossen der New York School abhebt. Sein Gespür für Farben und das dicht gedrängte städtische Leben ist eine einzigartige Vision dieser Zeit. Leiter gilt heute als Pionier der frühen Farbfotografie und wird als eine der herausragenden Persönlichkeiten der Nachkriegsfotografie gefeiert.
20 Jahre lang arbeitete Leiter auch als Modefotograf und wurde in führenden Modemagazinen veröffentlicht.
Helen Levitt war eine amerikanische Fotografin, die für ihre Straßenfotografie von New York City bekannt ist. Levitt begann bereits als Teenager zu fotografieren und arbeitete in den 1930er und 1940er Jahren für die Fotoagentur Photo League.
Levitt konzentrierte sich in ihrer Arbeit darauf, das tägliche Leben der einfachen Leute, insbesondere der Kinder, in den Vierteln von New York City einzufangen. Mit einer kleinen 35-mm-Kamera nahm sie spielende Kinder auf der Straße auf und schuf Bilder, die sowohl verspielt als auch ergreifend waren. Ihre Arbeiten wurden oft mit denen von anderen Straßenfotografen wie Henri Cartier-Bresson und Walker Evans verglichen.
Neben ihrer Tätigkeit als Fotografin arbeitete Levitt auch als Filmemacherin und drehte mehrere viel beachtete Dokumentarfilme.
Levitts Fotografien wurden in großen Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter das Museum of Modern Art in New York und das San Francisco Museum of Modern Art. Für ihre Arbeit wurde sie mit zahlreichen Auszeichnungen geehrt, darunter ein Guggenheim-Stipendium und ein National Endowment for the Arts Grant.
Angela Lo Priore ist eine italienische Porträtfotografin, die in Rom und Mailand lebt und arbeitet.
Frauen sind eines der Hauptthemen in Angelas Fotografien, aber auch die szenische Gestaltung spielt eine wichtige Rolle und trägt dazu bei, surrealistische Motive zu schaffen.
Angela Lo Priore experimentierte mit verschiedenen Formen der Fotografie in den Bereichen Architektur, Werbung und Mode und hat ihren wahren künstlerischen Ausdruck in der Porträtfotografie gefunden. Die Porträts von italienischen und internationalen Stars und Diven sind ihre bekanntesten Werke. Das Ergebnis ist das Buch One Hundred Portraits (Hundert Porträts), eine Galerie mit einhundert atemberaubenden fotografischen Porträts berühmter Schauspieler, Schauspielerinnen und Regisseure.
Florian Maier-Aichen ist ein deutscher Landschaftsfotograf, der in Deutschland und den Vereinigten Staaten lebt und arbeitet.
Seine Arbeiten sind eine Kombination aus computergestützter Bearbeitung und traditionellen fotografischen Techniken. Der Fotograf verändert ausgedehnte Landschaftskompositionen mit einer Reihe von inszenierten Effekten wie Doppelbelichtungen und Streulicht sowie mit Computer- und manuellen Korrekturen. Maier-Aichens fast malerische Landschaften erinnern an die frühe Fotografie und die Malerei der deutschen Romantik. Florian Maier-Aichens romantische, intellektuelle und ätherische Fotografien sind näher am Reich der Zeichnung und der Fiktion als an der Dokumentation.
Russell Maltz ist ein konzeptioneller Bildhauer, Künstler und Fotograf, der in New York, USA, lebt und arbeitet.
Maltz verwendet für seine Arbeiten eine Vielzahl von Materialien, von Betonschlacken, Glas und Wäscheklammern bis hin zu gefundenen Holzplatten, PVC-Rohren, Papier und Swimmingpools; er arbeitet mit Baufirmen zusammen und fotografiert gerne kunstähnliche Industrieabfälle.
Er arbeitet mit Baufirmen zusammen und fotografiert gerne kunstähnliche Industrieabfälle. Der Künstler bemalt die Sperrholzplatten teilweise monochrom und setzt sie dann zu skulpturalen Objekten zusammen, wobei einige Teile sichtbar und andere verdeckt sind. Maltz findet auch verlassene und ungesehene Baumaterialien, die er mit Farbe und minimalen Eingriffen in Kunstwerke verwandelt.
Hiroyuki Masuyama ist ein renommierter Künstler und Fotograf, der für seine innovative Herangehensweise an die Kunst bekannt ist. Er lebt und arbeitet in Düsseldorf, Deutschland, und hat sich in der internationalen Kunstszene einen Namen gemacht, indem er die Grenzen zwischen Fotografie, Digitaltechnik und Malerei verwischt.
Hiroyuki Masuyama ist vor allem für seine faszinierenden Lichtboxen bekannt, die eine Hommage an den englischen Maler William Turner darstellen. Diese Werke sind nicht nur fotografische Reproduktionen von Turners Gemälden und Aquarellen, sondern vielmehr eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit dem Werk des großen Künstlers. Masuyama nutzt moderne Technologien, um Zeit, Raum und Licht in seinen Kompositionen neu zu interpretieren, was seinen Arbeiten eine einzigartige Tiefe und Schönheit verleiht.
Seine Ausstellungen in Museen und Galerien in Europa und Japan zeugen von seiner Vielseitigkeit als Maler, Zeichner, Bildhauer und Fotograf. Hiroyuki Masuyamas einzigartige Fähigkeit, historische Kunstwerke mit zeitgenössischer Technologie zu verbinden, lädt den Betrachter dazu ein, die Werke aus einer neuen Perspektive zu betrachten und die unveränderliche Schönheit der Natur in einem modernen Kontext zu erleben.
Für Kunstliebhaber und Sammler bietet das Werk von Hiroyuki Masuyama eine spannende Möglichkeit, sich mit zeitgenössischer Kunst auseinanderzusetzen, die klassische Motive in das 21. Jahrhundert überführt. Seine Arbeiten sind eine Bereicherung für jede Sammlung und ein Zeugnis für die kreative Verschmelzung von Vergangenheit und Gegenwart.
Um über neue Werke, Ausstellungen und Verkaufsereignisse von Hiroyuki Masuyama informiert zu werden, melden Sie sich für unsere Updates an. Entdecken Sie die neuesten Entwicklungen und Sammlerstücke eines der innovativsten Künstler unserer Zeit.
Serge Mendjisky, Geburtsname Serge Bernard Mendrsisezky, ist ein französischer Maler und Fotograf, ein Vertreter des Divisionismus.
Serge war der Sohn des Malers Maurice Mendjisky (1890-1951) und studierte in den Ateliers von Picasso, Sutin, Braque und Léger, die ihn alle auf ihre Weise beeinflussten. Nach seinem Studium an der Pariser Kunsthochschule erlangte er schnell Anerkennung und begann, in Japan und den Vereinigten Staaten auszustellen, wobei er eine Kombination aus Fotografie und Malerei wählte.
In den 90er Jahren nutzte Mendjisky die Makrofotografie und wandte sich der Pop Art zu, und seit 2000 beschloss er, die Fotografie als einziges Ausdrucksmittel zu nutzen. In der Collagetechnik veränderte er fotografische Bilder der berühmtesten Städte der Welt, wie New York und Paris, und schuf so neue urbane Landschaften und formulierte seine multidimensionale Vision der Welt.
Vera Mercer ist eine in Deutschland geborene Fotografin, die in Frankreich und den USA lebt und arbeitet.
In den frühen 1960er Jahren gehörte sie zur künstlerischen Avantgarde in Paris, die später als "Neue Realisten" (Nouveau Réaliste) bekannt wurde, und fotografierte Filmstars und Avantgardekünstler der damaligen Zeit. Später fand sie eine neue Inspiration.
Mercer schafft außergewöhnliche, großformatige fotografische Stillleben von Lebensmitteln. Mit der richtigen Beleuchtung und sorgfältig ausgewählten Kompositionen aus Porzellan, Besteck, Obst, Meeresfrüchten und Wild ähneln Mercers Fotografien niederländischen Barockstillleben. Mit brennenden Kerzen und geschickten Arrangements sind die von mystischem Licht durchfluteten Bilder auch eine Neuinterpretation klassischer Vanitas-Motive.
Joel Meyerowitz ist ein amerikanischer Straßen-, Porträt- und Landschaftsfotograf und ein Pionier der Farbfotografie. Er lebt und arbeitet in New York und London.
Meyerowitz' Leidenschaft für die Farbfotografie begann 1962, zu einer Zeit, als die Farbfotografie noch nicht als ernsthafte Kunst galt. Er hat Dokumentarfilme über ihn gedreht und 43 Bücher verfasst, darunter eines über die Kunst der Fotografie. Meyerowitz war der einzige Fotograf, der die offizielle Genehmigung erhielt, die Anschläge vom 11. September 2001 in New York zu fotografieren.
Meyerowitz ist auch heute noch eine Inspiration und führend in der Fotografie.
Stefan Moses war ein in München lebender deutscher Fotograf.
Seine dokumentarischen Porträts von Menschen und Berufen in Westdeutschland (Deutsche) und später in Ostdeutschland (Abschied und Anfang) machten ihn einem großen Publikum zugänglich. Moses holte Menschen aus ihrem Arbeitsumfeld heraus und fotografierte sie vor einem grauen Leinentuch — dadurch entstanden Zeitdokumente.
Zanele Muholi ist eine südafrikanische Fotografin und LGBT-Aktivistin.
Sie arbeitet in den Bereichen Fotografie, Video und Installation. Muholis Arbeit konzentriert sich auf Rasse, Geschlecht und Sexualität, wobei ein Großteil ihrer Arbeit das Leben schwarzer Lesben, Schwuler, Transgender und Intersexueller in Südafrika dokumentiert und feiert.
Youssef Nabil ist ein ägyptischer Fotograf und Künstler, der in Paris und New York lebt und arbeitet. Sein Werk umfasst Fotografie, Malerei, Video und Installationen.
Nabil wuchs in Kairo mit Filmen aus dem goldenen Zeitalter des ägyptischen Kinos auf, die seinen Geschmack stark beeinflusst haben. Nabils unverwechselbare Technik der handbemalten Silber-Gelatine-Abzüge verwischt die Flecken der Realität. Nabil erschüttert die gängigen Vorstellungen von Farbfotografie und Malerei sowie die mit Kunst und Popkultur verbundenen Vorstellungen von ästhetischem Empfinden.
Nabil ist bekannt für seine Fotografien von ägyptischen und internationalen Berühmtheiten: Catherine Deneuve, Omar Sharif, Tracey Emin, Zaha Hadid, Robert De Niro und Marina Abramovic sind nur einige der vielen Ikonen der Kunst- und Filmwelt, die Nabil fotografiert hat. Wie alle seine Fotografien ist jedes Porträt in der charakteristischen Technik der handgemalten Silber-Gelatine-Abzüge ausgeführt. Die zahlreichen Selbstporträts von Nabil spiegeln seine Gefühle von Einsamkeit, Exil und Sehnsucht wider. Sie spielen auch mit dem Begriff der Zeit. In Nabils Werk gibt es keine Zeit, er lebt und verweilt in einer anderen Welt der Träumerei.
Jacques Olivar ist ein marokkanischer Mode- und Werbefotograf und Filmregisseur.
In seiner Jugend arbeitete er als Pilot im Passagierflugverkehr, aber mit 40 Jahren erkannte er schließlich, dass die Fotografie seine Berufung war. Und er wurde recht schnell erfolgreich. Seit 1987 ist die Modefotografie zu seinem Hauptberuf geworden. Jacques Olivar arbeitet für führende Modemagazine und hat bereits zahlreiche Preise gewonnen.
Emotion, Eleganz und Schönheit sind die unveränderlichen Schlüsselelemente der fotografischen Arbeiten von Jacques Olivar. Die Schwarz-Weiß-Bilder schaffen eine neorealistische Atmosphäre, während die Farbbilder an die Blütezeit des Kinos zu erinnern scheinen und auf der Idee des "American Dream" aufbauen.
Norman Parkinson war ein bekannter britischer Fotograf, der als einer der einflussreichsten Modefotografen des 20. Jahrhunderts gilt. Parkinson begann seine Karriere in den 1930er Jahren und arbeitete bis zu seinem Tod.
Im Laufe seiner Karriere arbeitete Parkinson für zahlreiche Modemagazine, darunter Vogue, Harper's Bazaar und Queen. Er war bekannt für die Verwendung leuchtender Farben und seine Fähigkeit, seine Motive in dynamischen Posen und interessanten Umgebungen einzufangen. Parkinsons Fotografien hatten oft einen Sinn für Humor und Verspieltheit, und er war bekannt für seine Fähigkeit, seine Modelle zu beruhigen, was zu natürlichen und spontanen Fotos führte.
Parkinsons Arbeiten wurden in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt und waren Gegenstand zahlreicher Bücher und Dokumentarfilme. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Centenary Medal der Royal Photographic Society im Jahr 1985.
Judith Samen ist eine deutsche Fotokünstlerin.
Sie studierte an den Kunstakademien in Münster und Düsseldorf. Ihr Werk umfasst Fotografie, Rauminstallationen, Zeichnungen, Videos und Performances.
Judith Samens Kunst bewegt sich zwischen Inszenierung und der Authentizität der menschlichen Existenz. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit Körperlichkeit, Essen und Elementen der Kunstgeschichte und des Alltags. Auf der Suche nach ungesehenen und bewegenden Bildschöpfungen formuliert sie Werke zwischen Poesie und Radikalität. Sie verbindet Verletzlichkeit und Humor, Vergänglichkeit und tiefes Körpergefühl mit Tragik und Komik, wobei sie das Vertraute ins Absurde erweitert.
Marianne "Manni" Sayn-Wittgenstein-Sayn, mit bürgerlichem Namen Maria Anna Sayn-Wittgenstein-Sayn, geborene Mayr-Melnhof, ist eine verwitwete Fürstin und österreichische Fotografin.
Mütterlicherseits ist sie eine direkte Nachfahrin von Kaiserin Maria Theresia und kam so mit Adel, Wirtschaft, Politik und Kunst in Berührung. Nach dem Tod ihres Mannes 1962 wurde sie von Lilly Palmer und Karl Lagerfeld ermutigt, mit der Fotografie zu beginnen. Bald arbeitete sie für die Zeitschrift Frau im Spiegel, dann für Bunte und Vogue.
Wo immer sie sich aufhielt - beim Skifahren in St. Moritz, auf einer Yacht, bei Partys und Hochzeiten, in Europa und Amerika - fotografierte Maria alle um sie herum: Onassis und Maria Callas, Prinz Charles, Gianni Agnelli, Romy Schneider, Luciano Pavarotti, die Königinmutter oder König Juan Carlos. Im Laufe ihres Lebens fotografierte sie viele Berühmtheiten der Welt. Zu ihrem hundertsten Geburtstag hatte Maria mehr als 300.000 ihrer Fotos in ihrem Archiv.
Maria hat nie unanständige oder anstößige Fotos von ihren Freunden gemacht. Prinzessin Caroline von Monaco scherzte einmal: "Du bist kein Paparazzi, du bist ein Mamarazzi", und so wurde der Spitzname Marianne Sayn-Wittgenstein-Sayn geboren.
Rainer W. Schlegelmilch ist ein deutscher Motorsportfotograf und Fotojournalist.
Er studierte an der Bayerischen Staatslehranstalt für Photographie in München und präsentierte bereits bei seiner Abschlussfeier 1962 seine Arbeiten aus dem Rennsport. Seitdem ist dieser Sport das Hauptthema von Schlegelmilchs Arbeit. 1964 eröffnete er in Frankfurt sein eigenes Studio für Fotodesign und Werbefotografie.
Die von Schlegelmilch 1962 begonnenen Fotoserien von Formel-1- und FIA-Meisterschaften stellen eine der umfangreichsten Sammlungen von Fotomaterial in der Geschichte des Motorsports dar. Sein Archiv umfasst über 600.000 Bilder, die bis 1970 in Schwarz-Weiß und danach in Farbe waren.
Schlegelmilch hat rund 40 Bildbände über den Motorsport und Kalender verschiedener Rennserien veröffentlicht und auf Ausstellungen in aller Welt ausgestellt. Wegen seiner einzigartigen Fähigkeiten wird er "das Auge der Formel 1" genannt, und Bernie Ecclestone hat ihm vor vielen Jahren einen Presseausweis geschenkt, der bis zu seinem Lebensende gültig ist. Marken wie Ferrari, Porsche, BMW, Mercedes und Aston Martin haben seine Arbeiten für Luxuspublikationen verwendet.
David Seidner war ein amerikanischer Fotograf. Er ist vor allem für seine Arbeiten im Bereich der Mode- und Kunstfotografie bekannt.
Seidner begann seine Karriere als Fotograf im Alter von 19 Jahren, als er von Andy Warhol für die Zeitschrift Interview engagiert wurde. Später arbeitete er für viele andere wichtige Publikationen, darunter Vogue, Harper's Bazaar und The New Yorker.
Während seiner gesamten Laufbahn zeichneten sich Seidners Arbeiten durch ihre akribische Detailgenauigkeit, den raffinierten Einsatz von Licht und Schatten und die Konzentration auf das Einfangen der einzigartigen Eigenschaften und Persönlichkeiten seiner Motive aus. Er experimentierte auch mit alternativen fotografischen Verfahren und war für sein technisches Know-how bekannt.
Seidners Arbeiten wurden in Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, und er erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen für seine Beiträge zur Fotografie.
Alec Soth ist ein amerikanischer Fotograf. Er ist bekannt für seine großformatigen Farbfotografien, die sich häufig mit dem amerikanischen Leben, der Kultur und der Landschaft befassen.
Soth begann seine Karriere als Zeitungsfotograf, bevor er sich der Kunstfotografie zuwandte. Bekannt wurde er durch sein Projekt "Sleeping by the Mississippi", das Fotografien von Menschen und Orten entlang des Mississippi zeigt.
Im Laufe seiner Karriere hat Soth immer wieder Fotoprojekte produziert, die verschiedene Aspekte des amerikanischen Lebens erforschen, von Kleinstädten bis zu Vorstadtgemeinden. Er hat auch mehrere Bücher mit seinen Arbeiten veröffentlicht, darunter "Songbook", "Broken Manual" und "I Know How Furiously Your Heart is Beating".
Soths Werke wurden vielfach ausgestellt und sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Whitney Museum of American Art und das San Francisco Museum of Modern Art. Für seine Fotografie hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter ein Guggenheim-Stipendium, den Infinity Award des International Center of Photography und den Preis der Deutsche Börse Photography Foundation.
Bert Stern, mit bürgerlichem Namen Bertram Stern, ist ein amerikanischer Modefotograf und Dokumentarfilmer.
Seine Karriere begann mit der kultigen und legendären Werbekampagne für Smirnoff Vodka im Jahr 1955. In einem gut ausgestatteten Studio experimentierte Stern mit vielen der neuesten Techniken, darunter Videoaufnahmen, Siebdruck, Foto-Offset-Kombinationen und Computerabzüge. Seine brillanten Arbeiten machten ihn zu einem Star in der Welt der Werbung. Er fotografierte Werbekampagnen für die Marken Canon, Dupont, Pepsi-Cola, US Steel und Volkswagen. Einer der Höhepunkte in Bert Sterns Karriere war die Arbeit für die Vogue in den 1960er Jahren.
Trotz seiner Drogensucht war der Modefotograf jahrzehntelang in der Madison Avenue, in Hollywood und in der internationalen Modeszene gefragt.
Stern war einer der letzten Fotografen, der Marilyn Monroe im Juni und Juli 1962, sechs Monate vor ihrem Tod, fotografierte. Einige dieser Fotos wurden in der Zeitschrift Vogue veröffentlicht. 1982 veröffentlichte Bert Stern The Last Sitting, ein Buch, das viele seiner mehr als 2 500 Bilder enthält, darunter auch solche, die Monroe nicht gefielen und die sie durchgestrichen hatte.
Stern führte Regie und drehte die Filme Jazz on a Summer's Day (1959), A Date with an Angel (1987) und The Unknown Marilyn (2012).
Joel Sternfeld ist ein amerikanischer Fotograf. Er ist bekannt für seine großformatigen Farbfotografien, die die amerikanische Landschaft einfangen, sowie für seine Dokumentarfotografie, die sich mit kulturellen und sozialen Themen befasst.
Sternfeld begann seine Karriere als Fotograf in den 1970er Jahren, und sein erstes großes Projekt war "American Prospects", an dem er ein Jahrzehnt lang arbeitete. Das Projekt untersuchte die sich verändernde Landschaft Amerikas, von Kleinstädten bis zu urbanen Zentren, und hielt die Auswirkungen menschlicher Eingriffe in die natürliche Umwelt fest.
Im Laufe seiner Karriere hat Sternfeld immer wieder fesselnde Fotoprojekte produziert, die sich mit wichtigen gesellschaftlichen Themen befassen, wie etwa den Auswirkungen der Globalisierung auf Gemeinden, den Folgen des Hurrikans Katrina und dem Leben von Gefängnisinsassen.
Sternfelds Arbeiten wurden auf zahlreichen Ausstellungen gezeigt und sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, die National Gallery of Art in Washington D.C. und das San Francisco Museum of Modern Art. Für seine Fotografien hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter ein Guggenheim-Stipendium, ein Stipendium der MacArthur Foundation und den Prix de Rome.
Beat Streuli ist ein Schweizer Fotograf und ein Video- sowie Installationskünstler.
Das zentrale Motiv des Künstlers ist der Mensch im öffentlichen Raum einer Großstadt. Seine Fotos oder Videos stellen städtische, meist junge Individuen dar, die er, einer Schnappschussfotografie gleich, aus einer Menge von Passanten „herausfotografiert“. Durch den zentrierten Bildausschnitt auf den Oberkörper oder das Gesicht und den Schärfeabfall der Umgebung betont der Künstler die Mimik des Dargestellten. Das verwendete Teleobjektiv hat zur Folge, dass dem Betrachter die fotografierten Personen in unmittelbarer Nahsicht gezeigt werden. Das "Heranzoomen" ist bei Streulis Fotografien somit kompositorisches und fotogestaltendes Mittel. Zugleich enthebt er dadurch die fotografierten Personen ihrer alltäglichen und anonymen Umgebung und ermöglicht durch das Kriterium der Auswahl eine individuelle Betrachtungsweise und Bildwirkung.