néo pop
Jeff Koons est un plasticien et sculpteur de style kitsch néo-pop américain. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent l'Inflatable Rabbit, les Balloon Dogs, les Tulips ou encore Michael Jackson and Bubbles. En France, il organise Koons Versailles dans le Château et les Jardins de Versailles en 2008-2009 et sa Rétrospective au Centre Pompidou en 2014-2015.
Georg Baselitz, né Hans-Georg Kern, est un artiste peintre, sculpteur, graveur et enseignant allemand. Né en Saxe pendant la période nazie, il passe son adolescence en Allemagne de l'Est, puis il vient vivre et étudier en Allemagne de l'Ouest. Sa carrière prend son élan au milieu des années 1960, quand il devient une des figures de l'esprit de Berlin-Ouest, et du néo-expressionnisme allemand. Sa peinture figurative est caractérisée par la présentation des tableaux « haut-en-bas », dessinée et peinte à grands coups de brosse, avec des couleurs franches. Sa sculpture, le plus souvent sur bois, est pratiquée à la tronçonneuse.
Jacopo da Valenza était un peintre italien de la Renaissance.
Il a travaillé entre 1485 et 1509 dans de nombreuses églises des districts de Belluno et de Vittoria en Vénétie, réalisant des retables et des tableaux d'autel. Deux de ses œuvres les plus importantes sont aujourd'hui conservées à Vittorio Veneto, dans leur emplacement d'origine : la Vierge à l'enfant sur le trône de la cathédrale de Ceneda, 1484, et la Vierge à l'enfant de l'église de San Giovanni Battista di Serravalle, 1502. Certaines œuvres se trouvent dans des musées en Italie.
Jim Dine est un artiste américain, représentant du pop art, bien qu'il se considère comme lié à tort à ce mouvement. Peintre, sculpteur, graveur, illustrateur et poète, on le considère parfois comme faisant partie du mouvement Neo-Dada.
James Rosenquist était un artiste américain, reconnu comme une figure majeure du mouvement artistique du Pop Art. Né à Grand Forks, dans le Dakota du Nord, il a commencé sa carrière en tant que peintre d'enseignes et de panneaux publicitaires, ce qui a influencé son style artistique caractérisé par l'utilisation d'images tirées de la publicité et des médias de masse. Ses œuvres sont connues pour leur technique de collage, assemblant des images de la culture populaire pour créer des compositions complexes et provocatrices, reflétant souvent une critique de la société de consommation.
Rosenquist a acquis une renommée internationale avec des œuvres comme « F-111 », une toile monumentale qui enveloppe le spectateur dans une critique de la guerre du Vietnam et de la culture de consommation américaine. Son utilisation novatrice de fragments d'images et son approche critique de sujets contemporains ont fait de lui un pionnier dans l'exploration des liens entre l'art, la culture et la société.
Ses œuvres sont présentes dans les collections de nombreux musées et galeries prestigieux à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Centre Pompidou à Paris. Cette présence dans des institutions de renom souligne l'importance de Rosenquist dans l'histoire de l'art contemporain et son influence sur les générations d'artistes qui ont suivi.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de James Rosenquist représente une exploration fascinante de la culture visuelle du XXe siècle et un investissement potentiel dans l'histoire de l'art. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à James Rosenquist, vous permettant de rester informé des opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Lucien Pissarro est un peintre, graphiste et graveur sur bois français, représentant du pointillisme. Fils de Camille Pissarro. Depuis 1890, il vit et travaille en Angleterre.
Lucien Pissarro a d'abord étudié la peinture avec son père. Il a ensuite développé son propre style artistique, influencé par les techniques néo-impressionnistes de Georges Seurat et de Paul Signac. Comme d'autres peintres néo-impressionnistes, Pissarro utilise des touches brisées et des techniques de division pour créer des effets de lumière et de vivacité.
Les sujets des tableaux de Pissarro comprennent souvent des paysages, des scènes rurales et des vues côtières, reflétant son amour de la nature et de la campagne. Il aimait particulièrement capturer les effets de la lumière et de l'atmosphère dans ses tableaux, en utilisant une palette de couleurs subtiles et harmonieuses.
Maurice Denis, peintre français, est reconnu pour son appartenance au groupe des Nabis et ses multiples casquettes d'artiste, notamment décorateur, graveur, théoricien et historien de l'art. Né à Granville en 1870 et décédé à Paris en 1943, Denis est une figure marquante de la transition entre l'impressionnisme et l'art moderne. Influencé par Pierre Puvis de Chavannes et Paul Gauguin, il rejette le naturalisme et le matérialisme pour une approche idéaliste de l'art, comme en témoigne son adhésion aux principes des Nabis et du symbolisme.
Denis a étudié à l'École des beaux-arts et à l'Académie Julian à Paris, où il a rencontré des artistes tels que Paul Sérusier, Pierre Bonnard, et Édouard Vuillard, avec qui il a fondé le groupe des Nabis. Cette association d'artistes privilégiait une peinture plus idéale, s'inspirant de la philosophie du positivisme. Denis a exprimé sa vision de l'art en disant qu'il ne s'agissait plus d'une sensation visuelle recueillie comme une photographie de la nature, mais plutôt d'une création de l'esprit, avec la nature comme simple occasion.
Ses œuvres majeures incluent "Hommage à Cézanne", "Le Chemin de Croix", et "Avril". Il a également eu un impact important sur le développement de l'art chrétien. Le Musée départemental Maurice Denis "Le Prieuré" à Saint-Germain-en-Laye, où Denis a vécu et travaillé, abrite la plus grande collection d'art Nabi en France, présentant non seulement ses œuvres mais aussi celles d'autres membres de l'école.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, la visite de ce musée est une expérience incontournable pour apprécier l'œuvre et l'héritage de Maurice Denis. Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et événements d'enchères liés à Maurice Denis, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cela vous permettra de rester connecté avec l'univers fascinant de cet artiste remarquable.
![[AUBIGNÉ, Théodore Agrippa d' (1552-1630)]. Les Tragiques. Donnez au public par le larcin de Prométhée. Au Dezert par L.B.D.D, [château de Maillé : Jean Moussat], 1616.](/assets/image/picture_1320898/3976f/cbf089ad2351e04118152eab6351a58d1616454000jpg__fix_374_244.jpeg)
![[AUBIGNÉ, Théodore Agrippa d' (1552-1630)]. Les Tragiques. Donnez au public par le larcin de Prométhée. Au Dezert par L.B.D.D, [château de Maillé : Jean Moussat], 1616.](https://veryimportantlot.com/assets/image/picture_1320898/3976f/cbf089ad2351e04118152eab6351a58d1616454000jpg__fix_374_244.jpeg)
Giovanni di Paolo di Grazia ou Giovanni dal Poggio est un miniaturiste et un peintre italien de l'école siennoise.
Après avoir été l'élève de Taddeo di Bartolo, Giovanni di Paolo travaille à Sienne et devient un peintre prolifique et un illustrateur de manuscrits, comme ceux de Dante.
Son style a été influencé par des artistes de la peinture gothique comme Gentile da Fabriano. En 1447 il collabore avec Michele di Matteo à la décoration de l'abside du baptistère de Sienne.
Léon Spilliaert était un artiste belge. Il est connu pour son style unique de symbolisme, la plupart de ses œuvres présentant des paysages oniriques, des natures mortes inquiétantes et des personnages énigmatiques.
Spilliaert a grandi dans une famille aisée et a d'abord étudié l'architecture avant de se tourner vers l'art. Il était en grande partie autodidacte et son travail était fortement influencé par le mouvement symboliste belge, ainsi que par les œuvres d'artistes tels que James Ensor et Edvard Munch.
Spilliaert était particulièrement intéressé par l'exploration des mystères de la psyché humaine, et nombre de ses œuvres reflètent un sentiment de malaise ou d'incertitude. Il utilisait souvent de forts contrastes d'ombre et de lumière pour créer un sentiment de drame et de tension dans ses œuvres, et son utilisation de la couleur était souvent sourde et atténuée.
Malgré son succès en tant qu'artiste, Spilliaert était un homme profondément privé, et il a rarement exposé ses œuvres de son vivant. Il a cependant continué à travailler tout au long de sa vie, produisant un grand nombre d'œuvres obsédantes et énigmatiques qui continuent à captiver le public aujourd'hui.
