Portrait sculpture
Wäinö Waldemar Aaltonen était un sculpteur et peintre finlandais, réputé pour ses œuvres monumentalistes qui incarnent l'esprit national finlandais. Né à Karinainen, Finlande, en 1894, Aaltonen a commencé sa carrière artistique en tant qu'expressionniste avant de s'orienter vers des styles modernistes, notamment le cubisme et le classicisme idéalisé après un voyage formateur en Italie en 1923.
Il est surtout célèbre pour ses sculptures publiques, qui incluent des bustes de figures finlandaises notables telles que le coureur Paavo Nurmi et le compositeur Jean Sibelius, ainsi que pour ses contributions aux bâtiments nationaux comme le Parlement finlandais. Ses œuvres sont marquées par une combinaison de naturalisme avec des influences cubistes, exprimant souvent une robustesse et une héroïcité classique.
Le Musée d'Art Wäinö Aaltonen à Turku abrite une large collection de ses travaux, offrant un aperçu complet de sa carrière et de son évolution artistique. Ce musée expose non seulement ses sculptures, mais également ses peintures, esquisses et une vaste collection de livres accumulée au cours de sa vie.
Pour les passionnés de l'art de Wäinö Aaltonen et les collectionneurs intéressés par les événements de vente et les enchères concernant ses œuvres, il est recommandé de s'inscrire aux mises à jour. Cela permet de rester informé des dernières actualités et des opportunités d'acquisition liées à cet artiste emblématique. Pour s'inscrire, veuillez visiter le site web et rejoindre la communauté d'experts et d'admirateurs de l'art finlandais.
Jussuf Abbo, né Jussuff Abbu, est un artiste juif palestinien qui a émigré en Allemagne en 1911, où il a travaillé de longues années, avant de trouver refuge au Royaume-Uni en 1935.
En Allemagne son travail est considéré comme art dégénéré et ses œuvres retirées des collections des musées. Une grande partie des œuvres retirées a ensuite été détruite par le régime nazi.
Rudolf Alexander Agricola est un sculpteur allemand. Dans les années 1930, il étudie à Halle avec Gerhard Marcks et à Stedel avec Richard Scheibe. En 1937, il suit Richard Scheibe à Berlin en tant que maître sculpteur. Il y a travaillé jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale et a reçu plusieurs prix.
Rudolf Agricola est connu pour ses sculptures en bronze avec des figures pleines et des nus. Son travail a été influencé par Georg Kolbe et Aristide Maillol.
Gapar Aïtievitch Aïtiev (еn russe : Гапар Айтиевич Айтиев) était un peintre soviétique kirghize, né le 28 septembre 1912 dans le village de Tuleiken, près de la ville d'Osh. Il est reconnu comme l'un des premiers artistes professionnels kirghizes et a joué un rôle crucial dans le développement des beaux-arts nationaux. Aïtiev a suivi la tradition classique russe de la peinture de paysage tout en incorporant une perception esthétique profondément enracinée dans la culture spirituelle kirghize. Son œuvre reflète un amour profond pour sa patrie, remplissant ses paysages, qu'ils capturent des champs de ferme collective, des nuages dans le ciel, ou le lever du soleil, d'admiration et d'affection.
Le musée Gapar Aitiev Kyrgyz National Museum of Fine Arts, nommé en son honneur, et son studio-musée personnel à Bichkek, offrent un aperçu unique de son héritage. Le studio-musée, dirigé par son fils Satar Aitiev, conserve l'authenticité d'un espace de travail artistique, avec des œuvres datant des années 1940 à 1970, lorsque Aïtiev était le plus actif. Ce lieu offre une plongée dans la culture kirghize à travers les yeux d'Aïtiev, mettant en avant la tranquillité et la paix à travers ses représentations des paysages kirghizes.
Le musée national des beaux-arts porte son nom, enrichissant son exposition de près de 18 000 œuvres d'art, mettant l'accent sur les arts visuels et décoratifs kirghizes. Cela inclut une impressionnante collection d'art russe du XVIIIe au XXe siècle, mais surtout, il célèbre l'héritage et la riche tradition artistique du Kirghizistan, offrant une fenêtre sur la diversité et l'importance des arts et de l'artisanat kirghizes.
Gapar Aïtiev est aussi connu pour avoir été décoré en tant que Héros du Travail Socialiste, Artiste du Peuple de l'URSS, et a reçu plusieurs distinctions pour ses contributions à l'art et à la culture. Pour ses séries de peintures « La Terre des Kirghizes » réalisées dans les années 1960, il a été honoré par le Prix d'État de la RSS de Kirghizie. Son œuvre transcende les genres, bien qu'il soit principalement reconnu comme un paysagiste par vocation, illustrant non seulement la beauté naturelle mais aussi la vie quotidienne et la culture kirghizes avec une profonde humanité et une beauté éternelle.
Pour ceux passionnés par l'art et la culture kirghizes, ou simplement curieux d'explorer le riche héritage laissé par Gapar Aïtiev, une visite à ses musées à Bichkek offre une expérience culturelle inoubliable. Pour rester informé sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gapar Aïtiev, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour.
Fanizani Akuda est un sculpteur autodidacte du Zimbabwe, né en Zambie.
Il travaillait comme tailleur de pierre dans une carrière lorsqu'il a mis la main sur un outil et créé sa première sculpture en pierre. Avec son style unique, Fanizani a su transmettre avec talent les émotions humaines dans la pierre. Ses œuvres sont reconnaissables aux yeux bridés, aux formes arrondies, aux visages joyeux et souriants. Ses thèmes de prédilection sont les familles heureuses et l'interaction entre les hommes et les animaux, souvent par paires ou en groupes. Fanizani aimait également sculpter des sifflets.
Grâce à Fanizani et à ses sculptures en pierre uniques, le Zimbabwe est aujourd'hui internationalement reconnu.
André-Joseph Allar était un sculpteur français. Il a étudié aux écoles des beaux-arts de Marseille et de Paris avec Eugène Guillaume, Antoine Laurent Dantan et Pierre-Jules Cavelier.
André-Joseph Allar est surtout connu pour ses petites œuvres et ses projets architecturaux.
Harold Ambellan est un peintre et sculpteur américain.
Il a étudié la sculpture et les beaux-arts à Buffalo avant de s'installer à New York. La figure humaine est au cœur de l'œuvre d'Harold Ambellan. Il a créé des figures monumentales et a beaucoup peint, laissant des milliers de dessins. Ambellan a été l'un des participants au Federal Art Project de Roosevelt, qui a engagé des centaines d'artistes pendant la Grande Dépression, lesquels ont créé collectivement plus de 100 000 peintures et plus de 18 000 sculptures.
Ambellan est resté attaché à la figuration, tant dans ses sculptures que dans ses peintures. Il est élu président de la Sculptors Guild of America en 1941 et, la même année, ses œuvres sont exposées dans le cadre d'expositions collectives au Metropolitan Museum of Art de New York et à l'Academy of Fine Arts de Philadelphie.
En 1944, Ambellan participe à la libération de la Normandie au sein de la marine américaine, puis enseigne l'art tridimensionnel à la Workshop School de New York. En 1954, pour des raisons politiques, Ambellan s'installe en France et y reste jusqu'à la fin de sa vie, travaillant et exposant dans toute l'Europe.
Nikolaï Andreïev (еn russe: Николай Андреевич Андреев) était un artiste et sculpteur russe né en 1873 à Moscou et décédé dans la même ville en 1932. Il est particulièrement reconnu pour son travail dans le domaine de la sculpture et du graphisme.
Andreïev a contribué significativement à l'art de la période soviétique, marquant l'histoire du portrait graphique soviétique avec des œuvres représentant des figures importantes comme F. E. Dzerzhinskii, M. Gorky, et K. S. Stanislavsky. Son implication dans le design théâtral, notamment pour le Théâtre d'Art de Moscou à partir de 1913, souligne son influence dans diverses formes d'art visuel.
Sa créativité a joué un rôle crucial dans l'évolution du réalisme socialiste, travaillant en collaboration avec son frère Viatcheslav Andreevich de 1919 à 1928. Parmi ses œuvres notables, on retrouve le Mémorial de Nikolaï Vassilievitch Gogol à Moscou et le Mémorial d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky, témoignant de son héritage durable dans l'art russe.
Pour en savoir plus sur Nikolaï Andreïev et découvrir ses œuvres, n'hésitez pas à vous inscrire aux mises à jour. Vous serez ainsi informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste remarquable.
Mikhaïl Konstantinovitch Anikouchine (en russe : Михаил Константинович Аникушин) était un sculpteur soviétique et russe, né le 19 septembre 1917 à Moscou et décédé le 18 mai 1997 à Saint-Pétersbourg. Il est reconnu comme l'un des représentants les plus autoritaires du traditionalisme dans l'école nationale de sculpture russe, honoré comme Artiste du Peuple de l'URSS et ayant reçu de nombreuses distinctions, dont l'Ordre de Lénine et le Prix Lénine.
Formé à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture Ilia Répine, Anikouchine s'est distingué non seulement par ses sculptures monumentales, mais aussi par sa participation active à la Seconde Guerre mondiale, où, malgré une exemption, il a choisi de s'enrôler et de combattre. Ses œuvres les plus emblématiques, souvent inspirées de figures historiques et culturelles importantes, se trouvent principalement à Saint-Pétersbourg. Parmi elles, les monuments dédiés à Alexandre Pouchkine à la station de métro Pouchkinskaïa et sur la Place des Arts, ainsi que le monument à Lénine sur la place de Moscou, témoignent de son talent à capturer l'esprit de ses sujets avec grandeur et sensibilité.
Anikouchine a également laissé sa marque à travers des portraits et des monuments qui célèbrent l'héroïsme et le patrimoine culturel russe, avec des œuvres présentes dans des collections publiques et des espaces urbains, reflétant son engagement envers la représentation authentique de l'histoire et de la culture russes.
Pour ceux intéressés par le patrimoine culturel et l'histoire de l'art russe, suivre les mises à jour et participer aux ventes et aux événements d'enchères liés à Mikhaïl Konstantinovitch Anikouchine est une opportunité unique de se connecter avec l'œuvre d'un artiste qui a façonné l'identité visuelle de l'ère soviétique et post-soviétique. Inscrivez-vous pour ne pas manquer ces occasions.
Adam Antes était un peintre, sculpteur et graphiste allemand. Il a principalement travaillé comme portraitiste recherché et a également conçu un avion à aile unique.
Adam Antes s'est inspiré des styles d'Auguste Rodin, de Bernhard Hoetger et de Wilhelm Lehmbruck. De temps en temps, il se tourne vers le graphisme. Son œuvre a fait partie de la sculpture du concours artistique des Jeux olympiques d'été de 1932.
Aslan, de son vrai nom Alain Gourdon, est un artiste, illustrateur et sculpteur français. Il est surtout connu en France pour ses œuvres de pin-up. Il a étudié à l'École nationale des beaux-arts de Paris.
Aslan est également l'auteur de bustes et de statues de nombreuses personnes célèbres (acteurs, hommes politiques, chanteurs). Ses œuvres sont souvent caractérisées par la grâce, le courage et l'ardeur. Aslan transmet magistralement la beauté et la profondeur émotionnelle du corps féminin, en jouant avec les lignes, les formes et la lumière. Ses compositions suscitent souvent des sentiments contradictoires : elles sont à la fois élégantes et provocantes, évoquant un dialogue entre l'érotisme et l'art.
Le travail d'Aslan comporte un élément surréaliste qui lui confère un air de mystère et de singularité. Il combine sans peine réalité et fantaisie, créant un monde plein d'images imprévisibles et mystiques.
Hezekiah Augur était un sculpteur et un inventeur américain. Il était autodidacte et, contrairement à de nombreux autres sculpteurs américains du XIXe siècle, il a passé toute sa carrière à New Haven.
Fils d'un charpentier, Hezekiah Augur apprend très tôt le métier de sculpteur sur bois. Il invente par la suite un métier à dentelle et une machine pour sculpter les pieds de piano. Il s'est ensuite tourné vers le marbre.
Hezekiah Augur était membre de l'Académie des arts et des sciences du Connecticut.
Edgar Augustin était un peintre et sculpteur allemand.
Augustin a étudié la sculpture à Münster avec Karl Ehlers, puis a été l'élève du maître Gustav Zeitz à Hambourg. Son œuvre comprend des représentations figuratives partiellement abstraites en bronze, en bois et en plâtre, ainsi que des peintures, des dessins et des graphiques. Certaines des sculptures d'Edgar Augustin se trouvent dans des espaces publics à Hambourg et dans d'autres villes.
Edgar Augustin était membre de l'Académie libre des arts de Hambourg et de l'Association spéciale des artistes en Allemagne. Dans la seconde moitié du XXe siècle, Augustin a été l'un des pionniers de la sculpture figurative sur bois, dont il est considéré comme le plus important représentant.
Antun Augustinčić était un sculpteur croate, connu pour son art qui a marqué le 20e siècle. Né le 4 mai 1900 et décédé le 10 mai 1979, il est reconnu pour ses sculptures expressives qui trouvent leur place tant dans les espaces publics que dans les collections privées.
L'œuvre d'Augustinčić est caractérisée par une forte expression de paix et d'humanité. Parmi ses travaux les plus célèbres, nous trouvons le monument de la Paix situé devant le bâtiment des Nations Unies à New York. Cette sculpture symbolise l'engagement de l'artiste envers les idéaux universels de paix et d'harmonie.
Le patrimoine artistique d'Augustinčić est aussi préservé dans la Galerie Antun Augustinčić à Klanjec, sa ville natale en Croatie. Fondée grâce à son don généreux, la galerie abrite une collection impressionnante qui retrace l'évolution de son art.
Les collectionneurs et experts en art reconnaissent en ses œuvres une technique raffinée et une représentation puissante du contexte culturel et historique. Ses sculptures ne sont pas simplement des représentations esthétiques, elles sont des narrations en trois dimensions qui continuent d'inspirer et d'influencer.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Antun Augustinčić, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous garantira l'accès aux informations les plus récentes sans superfluité.
Robert Petrosovitch Avakian (еn russe: Роберт Петросович Авакян) était un artiste soviétique et ouzbek d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, sculpteur et enseignant.
Robert Аvakian a reçu une formation en peinture, mais il est surtout connu comme auteur de sculptures monumentales. Il a travaillé activement à Tachkent, participant à de nombreuses expositions, y compris des concours internationaux de sculpture. Le maître a également laissé son empreinte dans des villes ouzbèkes telles que Bukhara, Nukus et Yangibazar, où il a créé d'importantes œuvres monumentales.
Elfriede Balzar-Kopp est une artiste céramiste allemande.
Elle a suivi une formation à l'atelier d'ingénierie céramique de l'État à Höhr, a travaillé à Karlsruhe à la manufacture nationale de maïolique et a fondé son propre atelier de poterie à Höhr en 1927. Elfriede Balzar-Kopp s'est d'abord concentrée sur les récipients baroques locaux, qu'elle a ensuite combinés avec d'autres styles.
Ses figurines animales, cruches et scènes de genre en céramique, uniques en leur genre, sont recherchées par les collectionneurs et de nombreux objets qu'elle a créés ornent des galeries dans le monde entier. Son fils Heiner Balzar (né en 1937) est l'un des plus grands artistes céramistes de la seconde moitié du XXe siècle.
Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello, est un sculpteur florentin. Il est, selon Leon Battista Alberti, un des cinq rénovateurs de l'art de son époque avec Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti et Luca Della Robbia.
Mirko Basaldella est un sculpteur et artiste italien et américain.
Né dans une famille de créateurs, il a fait preuve de son talent dès son plus jeune âge et a participé à la Biennale italienne. En 1957, Basaldella s'est installé à Cambridge, dans le Massachusetts, et a été élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences en 1962.
Heinrich Karl Baucke était un sculpteur allemand célèbre pour ses chefs-d'œuvre dans le style néobaroque, qui s'est épanoui au tournant du XXe siècle.
Né à Düsseldorf le 15 avril 1875, Baucke a consacré sa vie à la création de statues et de monuments commémoratifs représentant l'aristocratie et les personnages importants de son époque. Baucke a étudié à la Kunstakademie de Düsseldorf sous la direction de Carl Janssen, et ses sculptures ont remporté des premiers prix lors de concours, consolidant ainsi sa réputation d'artiste exceptionnel. Ses œuvres, principalement en bronze, sont réputées pour leurs détails complexes et leur présence évocatrice. L'une de ses premières œuvres, Le boxeur vainqueur, créée en 1897, se trouve aujourd'hui à la Kunsthalle de Düsseldorf, témoignant de son talent et de sa vision artistique.
Les créations de Baucke ne sont pas seulement des œuvres d'art, ce sont des dialogues historiques en métal : des œuvres telles que le buste de l'empereur allemand Guillaume Ier et la statue du roi Frédéric Ier ornent les espaces publics, reliant le passé au présent. Sa mort, le 12 ou le 13 avril 1915 à Ratingen, marque la fin d'une époque pour la sculpture néobaroque allemande.
Pour les collectionneurs et les historiens de l'art, l'œuvre de Baucke est un aperçu de la sensibilité néobaroque d'une époque révolue. Ses sculptures, qui ont souvent orné les espaces publics et les expositions, occupent aujourd'hui une place d'honneur dans les galeries et sont recherchées lors des ventes aux enchères pour leur valeur historique et artistique.
Découvrez l'héritage de Heinrich Baucke en vous inscrivant à notre lettre d'information et profitez de l'occasion pour collectionner les œuvres de l'un des meilleurs sculpteurs néobaroques.
Otto Baum est un sculpteur et professeur d'université allemand, membre de l'Association des artistes allemands.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et, parallèlement, la sculpture. Au milieu des années 1930, les nationaux-socialistes au pouvoir en Allemagne interdisent à Baum d'exposer ou même de travailler, et il est persécuté en tant que représentant de "l'art dégénéré".
Après la guerre, il est nommé professeur à l'Académie des arts de Stuttgart et est considéré comme le plus progressiste et le plus critique des jeunes étudiants de l'académie.
Otto Baum est considéré comme l'un des plus importants représentants du modernisme classique, qui a exercé une influence considérable sur la sculpture européenne de la seconde moitié du XXe siècle, tant par son œuvre que par son enseignement.
Curt Beckmann est un peintre et sculpteur allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, a été membre de la Sécession rhénane, de Das Junge Rheinland, de l'Association des artistes de Malkasten, de l'Association des artistes ouest-allemands et de l'Association des artistes allemands.
L'œuvre de Beckmann se distingue par la qualité contemplative des corps féminins nus. De figures naturalistes, il est progressivement passé à une représentation expressionniste presque abstraite.
Iekaterina Fiodorovna Belachova (en russe : Екатерина Фёдоровна Белашова) était une éminente sculptrice, graphiste et pédagogue soviétique. Née à Saint-Pétersbourg en 1906, elle a laissé une empreinte notable dans l'art du réalisme socialiste, devenant Artiste du Peuple de l'URSS en 1963 et lauréate du Prix d'État de l'URSS en 1967. Belachova n'était pas seulement une artiste talentueuse, mais aussi une participante active dans l'éducation, enseignant aux futurs maîtres d'art dans divers établissements d'enseignement, y compris l'Institut moscovite des arts appliqués et décoratifs et l'École supérieure d'art et d'industrie de Moscou.
Parmi ses œuvres les plus connues figurent les monuments à V. S. Kholzunov à Stalingrad, à A. S. Pouchkine dans les montagnes de Pouchkine et des compositions monumentales telles que "L'Inébranlable" et "Rêverie". Belachova a également créé des portraits de personnalités célèbres et a participé à de nombreuses expositions, présentant ses œuvres à un large public. Son art reflète un profond contexte social et émotionnel de l'époque, rendant son travail significatif non seulement historiquement, mais aussi culturellement.
Les œuvres d'Ekaterina Belachova sont incluses dans les collections de nombreux musées de premier plan en Russie, y compris le Musée russe d'État et la Galerie Tretiakov, témoignant de la haute estime de sa contribution au développement de l'art soviétique. Elle était non seulement une artiste mais aussi une pédagogue, dont l'héritage continue d'inspirer de nouvelles générations.
Si vous êtes intéressé par l'art et souhaitez en savoir plus sur les grands maîtres du passé, abonnez-vous à nos mises à jour. Nous vous informons régulièrement des ventes d'œuvres d'art et des événements d'enchères liés à Ekaterina Fiodorovna Belachova et à d'autres artistes éminents.
Giovanni Lorenzo Bernini, né à Naples en 1598 et décédé à Rome en 1680, était un sculpteur, architecte, peintre et dramaturge italien, devenu synonyme du mouvement artistique baroque. Dès son plus jeune âge, Bernini a montré un talent prodigieux, encouragé et formé par son père, également sculpteur renommé. Installé à Rome, il a rapidement révolutionné le monde de la sculpture, se démarquant par ses œuvres pleines d'intensité émotionnelle et de formes dynamiques.
Ses sculptures, telles que "L'Enlèvement de Proserpine" et "David", sont célébrées pour leur réalisme saisissant, capturant à la fois le mouvement physique et les subtilités des émotions humaines. Bernini se distingue également dans l'architecture, avec des réalisations notables telles que le Baldaquin de Saint-Pierre, un canopy monumental en bronze situé au-dessus de l'autel principal de la basilique Saint-Pierre, illustrant son habileté avec les projets architecturaux d'envergure.
Parmi ses contributions les plus remarquables à Rome, on trouve la Fontaine des Quatre Fleuves à la Piazza Navona, représentant les plus grands fleuves du monde connus à l'époque, et la Fontaine du Triton à la Piazza Barberini, dépeignant le dieu de la mer soufflant dans un coquillage. Bernini a aussi joué un rôle clé dans la conception du Palazzo Barberini, où il a conçu l'escalier à fût carré.
En plus de ses talents artistiques, la vie personnelle de Bernini était pleine de drame et de passion, caractérisée par des relations personnelles et professionnelles tumultueuses. Sa rivalité avec Francesco Borromini et son affaire scandaleuse avec Costanza Bonarelli sont des exemples de cette nature passionnée.
L'héritage de Bernini perdure aujourd'hui, ses œuvres continuant de captiver le monde de l'art, incarnant une fusion fascinante entre brillance artistique et complexité humaine.
Pour ceux qui sont passionnés par l'œuvre de Bernini et désirent rester informés sur les ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour spécifiques. Vous serez ainsi toujours au courant des dernières actualités concernant cet artiste emblématique.
Hélène Bertaux, née Joséphine Charlotte Hélène Pilate, est une peintre et sculptrice française qui a obtenu l'égalité des droits avec les hommes.
Adolescente, Hélène Pilate se forme dans l'atelier de son beau-père Pierre Hébert, où elle modèle des modèles de montres, puis reçoit régulièrement des commandes de petites pièces décoratives en bronze. Aspirant à devenir sculpteur professionnel, elle complète ses études avec Augustin Dumont (1801-1884) dans la tradition académique. Le soutien du couple impérial lui permet de devenir l'une des rares femmes à s'imposer dans le domaine de la sculpture monumentale : en 1864, elle réalise la Fontaine Herbet pour la place Longueville à Amiens et reçoit au cours de sa carrière plusieurs commandes prestigieuses pour des édifices religieux et publics.
Forte de son succès et de sa reconnaissance officielle, Hélène Bertaux prône l'égalité entre les hommes et les femmes dans les arts. En 1873, Hélène Bertaux ouvre son premier atelier de sculpture, puis en 1879 un autre avec une école de sculpture pour les femmes. Ses élèves, dont Clémence-Jeanne Eymard de Lanchâtre (1854-1894) et Jenny Weil (1851-1933), remportent par la suite des prix au Salon. La création en 1881 de l'Union des femmes peintres et sculpteurs, dont elle est présidente de 1881 à 1894, marque une nouvelle étape dans son combat pour l'égalité des sexes dans l'enseignement académique. Hélène Bertaux devient la première femme membre du jury du Salon et reçoit une médaille d'or à l'Exposition universelle de 1889.
Richard Walter Bock était un sculpteur américain et un associé de Frank Lloyd Wright. Il a étudié l'art en Europe : à l'Académie de Berlin et à l'École des Beaux-Arts de Paris.
Richard W. Bock a remporté un concours pour créer une sculpture extérieure à la bibliothèque publique d'Indianapolis en 1892. Il est devenu directeur du département de sculpture de l'université de l'Oregon en 1929.
Kurt Bohn est un peintre, sculpteur, designer et écrivain allemand de talent. Né dans une famille de créateurs, il apprend les bases de la peinture sous la direction de son père, Oskar Bohn. Sa persévérance et sa recherche de l'excellence artistique l'ont conduit à Berlin, où il est devenu l'élève de Fritz Klimsch entre 1931 et 1935. Sous sa direction, Kurt Bohn perfectionne ses compétences et élargit ses horizons artistiques.
En 1938, Kurt Bohn établit son propre studio à Berlin, signe de son indépendance croissante et du développement de sa vision artistique. La Seconde Guerre mondiale contraint Kurt Bohn à s'installer à Ulm en 1945, où il vivra jusqu'à sa mort.
L'œuvre de Kurt Bohn a laissé une marque indélébile sur le monde de l'art, démontrant sa polyvalence et son dévouement à l'art.
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François Joseph Bosio était un sculpteur néoclassique français.
François Joseph Bosio a été l'élève du sculpteur Augustin Pajou. Avec le soutien de ce dernier, il effectue un voyage d'étude en Italie, où il étudie les statues des maîtres antiques. Il fut également le sculpteur de la cour des rois Louis XVIII et Charles X.
À cette époque, il bénéficie de la faveur des monarques français : Napoléon Ier le décore de la Légion d'honneur, Louis XVIII lui décerne l'ordre royal de Saint-Michel, il devient membre de l'Institut de France (en 1816) et reçoit en 1822 le titre de sculpteur royal.
Il fut directeur de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. L'influence d'Antonio Canova est perceptible dans ses sculptures.
Matteo Bottiglieri est un sculpteur et peintre italien qui fut actif à Naples. L'une de ses premières œuvres est un marbre Christ mort (1724), dans la crypte de la cathédrale de Capoue, probablement exécuté d'après des dessins de Francesco Solimena. En 1733, il réalise trois œuvres pour l'église du Crucifix de Salerne et la même année, il participe à la décoration de l'église San Giuseppe dei Ruffi à Naples. Il a également exécuté de nombreux dessins représentant des bergers, utilisés comme modèles pour des personnages dans des scènes de la Nativité. On lui attribue également un groupe du « Christ et la Samaritaine » dans le cloître de San Gregorio Armeno, ainsi que le sépulcre d'Alessandro Vicentini dans le transept droit de l'église San Domenico Maggiore.
Bruno Bruni senior est un lithographe, graphiste, peintre et sculpteur italien. Il connaît un succès commercial dans les années 1970. En 1977, il a remporté le prix international Senefeld pour la lithographie. Depuis, il est devenu l'un des artistes italiens les plus populaires en Allemagne et l'un des lithographes allemands les plus connus.
James Walter Butler est un sculpteur britannique, membre de la Royal Academy of Arts, de la Royal Academy of West Anglia et de la Royal British Society of Sculptors.
Il a conçu de nombreux monuments et mémoriaux à Londres et ailleurs en Grande-Bretagne, ainsi qu'au Kenya, en Zambie, en Arabie Saoudite, en France, à Singapour, à Madère et aux États-Unis. Ses pièces en bronze de petite et moyenne taille font partie de nombreuses collections privées.
Jean-Jacques Caffieri était un sculpteur français du XVIIIe siècle. Il est connu comme un représentant exceptionnel de l'académisme. Caffieri était célèbre pour ses représentations en marbre de personnalités scientifiques et culturelles, ainsi que pour ses sculptures de thèmes bibliques et mythologiques. Il a notamment réalisé une série de bustes et de sculptures d'artistes, de compositeurs et de dramaturges pour le théâtre de la Comédie Française.
Jean-Jacques Caffieri était le représentant le plus célèbre, mais pas le seul, de la dynastie familiale d'artistes héréditaires, la plus importante de France. Outre lui, son grand-père Philippe Caffieri, son père Jacques Caffieri, ainsi que son oncle et ses trois frères, ont tous contribué de manière significative à l'art français.
Membre honoraire de l'Académie royale des arts, Caffieri est nommé sculpteur de la cour du roi Louis XV et devient professeur à l'Académie royale des arts, poste qu'il occupe pendant près de 20 ans. Son œuvre orne aujourd'hui les collections des grands musées français.
Carmen Calvo, de son nom complet Carmen Calvo Sáenz de Tejada, est une artiste conceptuelle et sculptrice espagnole.
Carmen Calvo est l'une des artistes conceptuelles espagnoles les plus représentatives de notre époque. Elle a étudié à l'École des arts et métiers, puis à l'École des beaux-arts de Valence, a travaillé dans une usine de céramique et, depuis lors, incorpore toujours de l'argile cuite dans ses compositions plastiques. L'artiste travaille également dans le domaine de la scénographie en utilisant la photographie et d'autres ressources formelles, techniques et thématiques très diverses.
En 2013, Carmen Calvo a reçu le prix national des arts plastiques décerné par le ministère de l'éducation, de la culture et des sports, et en 2014, elle a été nommée académicienne de l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos de Valencia.
Antonio Canova était un sculpteur italien de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle. Il est connu comme un brillant représentant du néoclassicisme dans les beaux-arts européens. Canova a perpétué les traditions des artistes de l'Antiquité et de la Renaissance. Parmi les admirateurs de sa créativité se trouvaient de nombreux représentants des dynasties régnantes d'Europe.
Antonio Canova a créé lui-même plus de 50 statues et, avec ses assistants, environ 180 œuvres. Il s'est attiré des mécènes influents et a acquis la réputation d'être l'un des plus importants sculpteurs européens de son époque. Parmi ses clients figurait Napoléon Bonaparte, dont Canova a sculpté la statue en marbre, représentant l'empereur à l'image de Mars.
La plupart des œuvres de Canova ornent aujourd'hui les expositions des plus grands musées du monde, comme les salles du Louvre et de l'Ermitage.
Terence Carr est un peintre et sculpteur allemand originaire du Kenya.
Terence Carr, dont la famille a émigré d'Irlande en Afrique, est né à Nairobi, au Kenya, où il a passé les 19 premières années de sa vie. En 1971, il se rend en Angleterre où il devient officier dans l'armée britannique et sert ensuite en Allemagne. Après avoir acquis une expérience de la vie, Carr s'est inscrit à l'université d'Augsbourg pour étudier l'éducation artistique.
Les sculptures en bois de Carr sont toujours empreintes d'une influence africaine, d'un langage des formes particulier. L'artiste ne fait pratiquement pas d'esquisses et travaille directement sur le bois à l'aide d'une tronçonneuse. Terence Carr utilise des symboles récurrents qui reflètent les oppositions - le bien et le mal, l'amour et la haine, la guerre et la paix, la douleur, la peur, la souffrance, la tolérance et l'humanité. Des animaux aux traits humains et des gens qui ressemblent à des animaux. Dans l'ensemble, il aborde les questions fondamentales de l'être humain.
Au fil du temps, Terence Carr est devenu l'un des artistes les plus célèbres au monde. Ses œuvres peuvent être vues lors d'expositions dans différentes parties du monde et sont représentées dans de nombreuses collections importantes.
Peter Jakob Freiherr Clodt von Jürgensburg (en russe : Пётр Карлович Клодт фон Юргенсбург), également connu sous le nom russe de Pyotr Karlovich Klodt, était un sculpteur d'origine balte-allemande célèbre pour son travail sous le règne de Nicolas I de Russie. Né le 5 juin 1805 à Saint-Pétersbourg et décédé le 25 novembre 1867 dans le gouvernorat de Vyborg, il était particulièrement reconnu pour ses compétences exceptionnelles dans la représentation équestre.
Parmi ses œuvres les plus emblématiques figurent les "Dompteurs de chevaux" sur le pont Anichkov à Saint-Pétersbourg, installés en 1851, et la statue de bronze d'Ivan Krylov dans le Jardin d'Été, première monumentale dédiée à un poète dans l'Empire russe. Clodt a également collaboré avec Vasily Demut-Malinovsky sur la statue de Saint Vladimir à Kiev et a sculpté une quadriga au-dessus du portique du Théâtre Bolchoï à Moscou.
Son travail le plus significatif était probablement la statue équestre pour le monument à Nicolas I sur la place Saint-Isaac, notoire pour être la première statue équestre au monde supportée uniquement par deux points d'appui (les pattes arrières du cheval). Cette innovation technique a été si respectée que même les bolcheviks, qui ont détruit de nombreux monuments à Nicolas I à travers la Russie, n'ont pas osé démolir cette statue unique.
Clodt est décédé dans son domaine dans le Grand-Duché de Finlande, laissant derrière lui une lignée d'artistes, y compris son fils et son neveu Mikhail, qui ont continué à perpétuer les traditions artistiques de la famille.
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Charles Cordier, de son nom complet Charles Henri Joseph Cordier, était un peintre français et un sculpteur novateur.
Charles Cordier étudie à Paris à l'École des Beaux-Arts et rencontre à cette occasion un modèle noir, ancien esclave, rencontre qui déterminera sa vie artistique future. En 1848, alors que l'esclavage est officiellement aboli dans toutes les colonies françaises, Cordier expose son premier buste en plâtre d'un Soudanais et connaît son premier succès.
Pendant quinze ans, de 1851 à 1866, Cordier est le sculpteur attitré du Musée national d'histoire historique de Paris, réalisant une série de bustes pour la galerie ethnographique. Collectionnant les images et les types de divers groupes ethniques, l'artiste a beaucoup voyagé à travers l'Italie, la Grèce, l'Égypte et l'Algérie, ainsi qu'en France. Les œuvres de Cordier se distinguent par un naturalisme saisissant, mais aussi par une utilisation spectaculaire des couleurs des différents matériaux : marbres aux nuances variées, onyx et bronze, argenture et émail.
Cordier défendait ouvertement l'idée de l'égalité de toutes les races, qui était avancée pour l'époque. "Chaque race, déclare-t-il, a sa beauté particulière. Le plus beau Noir n'est pas du tout celui qui ressemble le plus à un Blanc".
Cordier a également travaillé à la décoration sculpturale de l'Opéra de Paris, du Louvre et de l'Hôtel de Ville de Paris. Son fils est le sculpteur Henri Louis Cordier.
Antonio Corradini était un peintre et sculpteur baroque italien.
Élève du sculpteur Antonio Tarsia (1663 - c. 1739), il a travaillé à Venise, à Dresde et à Saint-Pétersbourg. À Vienne, il a été le sculpteur de la cour de l'empereur Charles VI pendant dix ans. Corradini est devenu célèbre pour ses sculptures "sous le voile", à travers lesquelles les contours du visage et du corps sont discernables.
Les contemporains étaient fascinés par cet art impénétrable. En 1716-1717, Antonio Corradini exécute dix-huit bustes et deux statues pour le Jardin d'été de Saint-Pétersbourg, sur commande spéciale du tsar russe Pierre le Grand.
Le maître reçut ensuite des commandes de toute l'Europe et créa de nombreuses autres sculptures sur des sujets religieux, mythiques et allégoriques. Ses œuvres sont toujours présentes dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde.
Guillaume Coustou est un sculpteur français.
Au cours de sa carrière, il travaille à Versailles, puis au Trianon, à Marly et à Paris, où il orne de ses sculptures des bâtiments illustres tels le portail des Invalides, le palais Bourbon, et la grande Chambre du Parlement au palais de justice.
Antoine Coysevox est un sculpteur français.
Coysevox est d'abord apprécié, de son temps, comme portraitiste. Ce genre, classé en second dans la hiérarchie des genres de l'Académie, est relativement peu affecté par l'évolution du style, et la capacité rare de Coysevox de transmettre un caractère avec la physionomie relègue l'analyse au second plan.
