Éducateurs
Soultan Chamsoutdinovitch Abaev (еn russe : Султан Шамсутдинович Абаев), un artiste russe, est célèbre pour ses peintures qui reflètent profondément la culture et l'histoire de la Tchétchénie. Né en 1957, Abaev a vécu une jeunesse marquée par des événements historiques significatifs qui ont influencé son œuvre artistique. Après avoir servi dans l'armée soviétique et travaillé à l'usine Baltique, il a poursuivi ses rêves artistiques en étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Repin à partir de 1981, où il s'est spécialisé en peinture et enseignement.
Son travail a été reconnu et apprécié non seulement pour son aspect artistique mais aussi pour son engagement envers les questions sociales et culturelles de la Tchétchénie. Abaev a participé activement à la vie sociale et culturelle de Grozny après avoir obtenu son diplôme en 1987, organisant et participant à de nombreuses expositions.
Abaev est également honoré en tant qu'Artiste émérite de la Fédération de Russie pour ses contributions significatives aux arts visuels, spécialement dans le genre de l'art paysager. Ses œuvres se retrouvent dans des collections privées et ont été exposées dans diverses galeries, témoignant de leur valeur tant sur le plan artistique que culturel.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire de la Tchétchénie à travers le pinceau d'un de ses artistes emblématiques, les œuvres de Soultan Chamsoutdinovitch Abaev offrent une fenêtre unique sur les paysages et les narratives de cette région.
Mikhail Georgievitch Abakoumov (еn russe : Михаил Георгиевич Абакумов) était un artiste peintre russe post-soviétique né en 1948 à Kolomna. Il est reconnu pour ses œuvres dans lesquelles il capture l'essence de la Russie à travers des paysages et des scènes de genre profondément enracinées dans sa ville natale et ses environs. Abakoumov a fréquenté l'école d'art de Moscou Kalinina avant d'entrer à l'Académie des arts de l'URSS où il a été influencé par les académiciens A. P. et S. P. Tkachev et A. M. Gritsai.
Son travail est apprécié pour son approche réaliste et son attachement émotionnel à la Russie, ce qui lui a valu d'être nommé Artiste du peuple de Russie. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes, y compris la galerie Tretiakov et dans divers musées et galeries à travers la Russie et à l'étranger, comme en Allemagne, aux États-Unis, et en Corée du Sud.
Abakoumov a également été honoré en tant que citoyen d'honneur de Kolomna en 2003, ce qui témoigne de son impact profond sur sa communauté locale. Ses œuvres continuent d'être célébrées et exposées, attirant l'intérêt des collectionneurs et des experts en art du monde entier.
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Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Gapar Aïtievitch Aïtiev (еn russe : Гапар Айтиевич Айтиев) était un peintre soviétique kirghize, né le 28 septembre 1912 dans le village de Tuleiken, près de la ville d'Osh. Il est reconnu comme l'un des premiers artistes professionnels kirghizes et a joué un rôle crucial dans le développement des beaux-arts nationaux. Aïtiev a suivi la tradition classique russe de la peinture de paysage tout en incorporant une perception esthétique profondément enracinée dans la culture spirituelle kirghize. Son œuvre reflète un amour profond pour sa patrie, remplissant ses paysages, qu'ils capturent des champs de ferme collective, des nuages dans le ciel, ou le lever du soleil, d'admiration et d'affection.
Le musée Gapar Aitiev Kyrgyz National Museum of Fine Arts, nommé en son honneur, et son studio-musée personnel à Bichkek, offrent un aperçu unique de son héritage. Le studio-musée, dirigé par son fils Satar Aitiev, conserve l'authenticité d'un espace de travail artistique, avec des œuvres datant des années 1940 à 1970, lorsque Aïtiev était le plus actif. Ce lieu offre une plongée dans la culture kirghize à travers les yeux d'Aïtiev, mettant en avant la tranquillité et la paix à travers ses représentations des paysages kirghizes.
Le musée national des beaux-arts porte son nom, enrichissant son exposition de près de 18 000 œuvres d'art, mettant l'accent sur les arts visuels et décoratifs kirghizes. Cela inclut une impressionnante collection d'art russe du XVIIIe au XXe siècle, mais surtout, il célèbre l'héritage et la riche tradition artistique du Kirghizistan, offrant une fenêtre sur la diversité et l'importance des arts et de l'artisanat kirghizes.
Gapar Aïtiev est aussi connu pour avoir été décoré en tant que Héros du Travail Socialiste, Artiste du Peuple de l'URSS, et a reçu plusieurs distinctions pour ses contributions à l'art et à la culture. Pour ses séries de peintures « La Terre des Kirghizes » réalisées dans les années 1960, il a été honoré par le Prix d'État de la RSS de Kirghizie. Son œuvre transcende les genres, bien qu'il soit principalement reconnu comme un paysagiste par vocation, illustrant non seulement la beauté naturelle mais aussi la vie quotidienne et la culture kirghizes avec une profonde humanité et une beauté éternelle.
Pour ceux passionnés par l'art et la culture kirghizes, ou simplement curieux d'explorer le riche héritage laissé par Gapar Aïtiev, une visite à ses musées à Bichkek offre une expérience culturelle inoubliable. Pour rester informé sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gapar Aïtiev, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Tamam Al-Akhal est un artiste et éducateur palestinien vivant en Jordanie. Elle a étudié au Collège des Beaux-Arts du Caire. De 1957 à 1960, elle enseigne l'art au Makassed Girls College de Beyrouth. En 1959, elle épouse Ismail Shammout. Al-Akhal a exposé en Égypte, au Liban, à Jérusalem, en Jordanie, aux États-Unis, au Koweït, en Angleterre, en Chine, au Maroc, à Berlin, à Paris, à Rome et à Vienne. Elle a donné une série de conférences à la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie en 2009. Son art est apparu sur plus d'une douzaine de couvertures de Palestinian Affairs, un magazine publié par l'Organisation de libération de la Palestine. Elle a également dirigé la section Arts et patrimoine de l'OLP. Avec son mari, elle a peint une série de grandes peintures murales intitulées "Palestine : l'Exode et l'Odyssée".
Manouil Khristoforovitch Aladjalov (еn russe : Мануил Христофорович Аладжалов) était un artiste russe et soviétique d'origine arménienne, spécialisé dans la peinture réaliste et impressionniste. Né le 8 juin 1862 à Nakhichevan-sur-le-Don et décédé le 19 février 1934 à Moscou, Aladjalov a passé la majeure partie de sa vie en Russie centrale. Il est particulièrement connu pour ses paysages marins et ruraux, souvent inspirés par la beauté naturelle de la Volga.
Aladjalov a été formé à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou et a été membre fondateur de l'Union des artistes russes. Ses œuvres se distinguent par leurs traits de pastel marqués et la fraîcheur de leurs couleurs, capturant la spontanéité de la nature.
Parmi ses œuvres notables, on trouve des paysages d'hiver, comme le "Paysage d'hiver" signé en bas à gauche, vendu aux enchères pour environ 1500 à 2000 EUR. Ses peintures sont souvent exposées dans des galeries et musées, et continuent d'être appréciées pour leur contribution aux traditions de l'école russe du paysage du début du XXe siècle.
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Anni Albers, née Annelise Fleischmann, est une artiste textile américaine d'origine allemande, designer, lithographe et théoricienne de l'art, qui a participé au mouvement du Bauhaus et a enseigné au Black Mountain College. Anni Albers est une des rares femmes du Bauhaus à avoir rencontré de son vivant le succès professionnel et la reconnaissance.
Josef Albers est un peintre et enseignant de l'art.
Josef Albers enseigna au Bauhaus d'octobre 1923 à avril 1933. Il est considéré comme un des initiateurs de l'art optique, ou «op art», et son Interaction des couleurs, comme un classique de l'enseignement des arts visuels.
Yuri Albert est un artiste, théoricien de l'art et éducateur russe contemporain, membre du cercle conceptuel de Moscou. Il vit et travaille actuellement à Moscou et à Cologne.
Les œuvres de Yuri Albert font partie des collections de grandes institutions russes et internationales.
Laure Albin-Guillot était une artiste et photographe française. Elle est surtout connue pour son travail de pionnière dans le domaine de la photographie et pour sa contribution au développement de ce médium en France au début du XXe siècle.
Les premiers travaux photographiques d'Albin-Guillot étaient axés sur le portrait, et elle s'est fait connaître pour ses images élégantes et saisissantes de célébrités et d'autres personnages notables. Plus tard, elle a étendu sa pratique à la photographie de natures mortes et de paysages, et elle était également une photojournaliste compétente.
Outre la photographie, Albin-Guillot était une figure importante du monde de l'art parisien, et elle a participé au développement de mouvements modernistes tels que le cubisme et le surréalisme. Membre de la Société des Artistes Décorateurs, elle a également participé à l'organisation de plusieurs grandes expositions internationales, dont l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris en 1925.
Albin-Guillot était également une écrivaine et une éducatrice prolifique, et elle a écrit plusieurs livres sur la photographie et l'histoire de l'art. Elle a enseigné la photographie à l'École Estienne à Paris et a également fondé son propre studio de photographie, qui s'est fait connaître par son utilisation innovante de l'éclairage et de la composition.
Aujourd'hui, l'œuvre d'Albin-Guillot est reconnue comme une contribution importante au développement de la photographie moderne, et ses photographies font partie des collections de grands musées du monde entier, notamment le Museum of Modern Art de New York, le Centre Pompidou de Paris et le Victoria and Albert Museum de Londres.
Antonio Ambrogio Alcati était un peintre académique italien, un portraitiste, un maître des fresques et un enseignant. Il a étudié la peinture à l'Institut des beaux-arts de Vercelli et à l'Académie des beaux-arts de Brera.
L'œuvre d'Ambrogio Alcati est également influencée par l'impressionnisme.
Charles Henry Alston était un artiste américain du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre graphique et muraliste, mais aussi comme sculpteur, illustrateur et éducateur, qui a vécu et travaillé dans le quartier de Harlem à New York.
Charles Alston était un activiste de la "Renaissance de Harlem". Il est devenu le premier directeur afro-américain du US Federal Art Project. L'artiste a réalisé des peintures murales pour l'hôpital de Harlem ainsi que pour un certain nombre de bâtiments culturels et administratifs de la ville de New York. Alston est l'auteur d'un buste de Martin Luther King, Jr. qui a été la première représentation d'un Afro-Américain à être exposée à la Maison Blanche à Washington, DC.
Alo Altripp (de son vrai nom Friedrich Schlüssel) était un peintre et graphiste allemand de la Nouvelle Objectivité. Il est aujourd'hui considéré, avec Otto Ritschl, comme l'un des plus importants peintres de Wiesbaden du XXe siècle.
Harold Ambellan est un peintre et sculpteur américain.
Il a étudié la sculpture et les beaux-arts à Buffalo avant de s'installer à New York. La figure humaine est au cœur de l'œuvre d'Harold Ambellan. Il a créé des figures monumentales et a beaucoup peint, laissant des milliers de dessins. Ambellan a été l'un des participants au Federal Art Project de Roosevelt, qui a engagé des centaines d'artistes pendant la Grande Dépression, lesquels ont créé collectivement plus de 100 000 peintures et plus de 18 000 sculptures.
Ambellan est resté attaché à la figuration, tant dans ses sculptures que dans ses peintures. Il est élu président de la Sculptors Guild of America en 1941 et, la même année, ses œuvres sont exposées dans le cadre d'expositions collectives au Metropolitan Museum of Art de New York et à l'Academy of Fine Arts de Philadelphie.
En 1944, Ambellan participe à la libération de la Normandie au sein de la marine américaine, puis enseigne l'art tridimensionnel à la Workshop School de New York. En 1954, pour des raisons politiques, Ambellan s'installe en France et y reste jusqu'à la fin de sa vie, travaillant et exposant dans toute l'Europe.
Mikhaïl Konstantinovitch Anikouchine (en russe : Михаил Константинович Аникушин) était un sculpteur soviétique et russe, né le 19 septembre 1917 à Moscou et décédé le 18 mai 1997 à Saint-Pétersbourg. Il est reconnu comme l'un des représentants les plus autoritaires du traditionalisme dans l'école nationale de sculpture russe, honoré comme Artiste du Peuple de l'URSS et ayant reçu de nombreuses distinctions, dont l'Ordre de Lénine et le Prix Lénine.
Formé à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture Ilia Répine, Anikouchine s'est distingué non seulement par ses sculptures monumentales, mais aussi par sa participation active à la Seconde Guerre mondiale, où, malgré une exemption, il a choisi de s'enrôler et de combattre. Ses œuvres les plus emblématiques, souvent inspirées de figures historiques et culturelles importantes, se trouvent principalement à Saint-Pétersbourg. Parmi elles, les monuments dédiés à Alexandre Pouchkine à la station de métro Pouchkinskaïa et sur la Place des Arts, ainsi que le monument à Lénine sur la place de Moscou, témoignent de son talent à capturer l'esprit de ses sujets avec grandeur et sensibilité.
Anikouchine a également laissé sa marque à travers des portraits et des monuments qui célèbrent l'héroïsme et le patrimoine culturel russe, avec des œuvres présentes dans des collections publiques et des espaces urbains, reflétant son engagement envers la représentation authentique de l'histoire et de la culture russes.
Pour ceux intéressés par le patrimoine culturel et l'histoire de l'art russe, suivre les mises à jour et participer aux ventes et aux événements d'enchères liés à Mikhaïl Konstantinovitch Anikouchine est une opportunité unique de se connecter avec l'œuvre d'un artiste qui a façonné l'identité visuelle de l'ère soviétique et post-soviétique. Inscrivez-vous pour ne pas manquer ces occasions.
Vladislav Leopoldovitch Anisovitch (еn russe: Владислав Леопольдович Анисович) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vladislav Anisovitch a participé à diverses expositions depuis 1935. Son œuvre comprend des portraits, des compositions historiques et de genre, ainsi que des paysages. Parmi les tableaux célèbres de l'artiste figurent "Le passage du détachement de K. Voroshilov de Lugansk à Tsaritsyn", "L'assaut sur Perekop" et d'autres. Le maître a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad.
Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays, y compris au Musée national russe.
Horst Antes est un peintre, graphiste et sculpteur allemand, pionnier de la nouvelle peinture figurative en Allemagne.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Karlsruhe de 1957 à 1959 et y a été professeur.
Antes est devenu célèbre pour sa représentation du Kopffüßler (pied-tête), qui est un thème récurrent dans ses peintures, sculptures et œuvres graphiques depuis le début des années 1960. L'œuvre d'Antes est représentée dans plusieurs grandes collections à Berlin, Hambourg, Cologne et ailleurs en Allemagne.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Boris Vladimirovitch Araktcheïev (en russe: Борис Владимирович Аракчеев) était un artiste soviétique et biélorusse de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre et enseignant.
Boris Araktcheïev a travaillé la peinture de chevalet dans les genres du paysage, de la nature morte, des peintures thématiques et des scènes de bataille. Une série de portraits de contemporains et de personnes célèbres occupe une place particulière dans son patrimoine artistique. Il a également travaillé dans le domaine de la peinture monumentale - il a été l'un des créateurs du diorama "Minsk Cauldron" au musée de l'histoire de la Grande Guerre patriotique de Biélorussie.
Ivan Petrovitch Argounov (en russe: Иван Петрович Аргунов) était un artiste russe de grande renommée, spécialisé dans le portrait. Né dans une famille de serfs, Argounov a su s'élever au-delà de sa condition pour devenir l'un des peintres les plus respectés de sa génération. Sa capacité à capturer l'essence et la noblesse de ses sujets, malgré sa propre origine modeste, témoigne de son talent exceptionnel et de son importance dans l'art russe.
Argounov est particulièrement connu pour ses portraits détaillés de la noblesse et des figures importantes de son époque, qui sont aujourd'hui exposés dans des musées et des galeries à travers la Russie. Ces œuvres se distinguent par leur réalisme saisissant et leur attention méticuleuse aux détails, qualités qui font d'Argounov un maître incontesté de l'art du portrait.
L'un des aspects remarquables de son travail est sa capacité à transmettre l'individualité et l'humanité de ses sujets, faisant de chaque portrait une fenêtre sur l'âme. Cette approche humaniste, combinée à une technique impeccable, place Argounov parmi les figures les plus influentes de la culture artistique russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Ivan Petrovitch Argounov offre un aperçu fascinant de l'art et de la société russes du XVIIIe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Ivan Petrovitch Argounov. Cette souscription est une opportunité unique de rester informé des dernières découvertes et offres concernant ce peintre emblématique.
Christian Arnold était un peintre et un artiste graphique allemand. Il est surtout connu pour ses peintures de paysages qui représentent souvent les régions rurales et côtières du nord de l'Allemagne.
Arnold a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et a ensuite enseigné à l'École des arts et métiers de Brême. Son œuvre est fortement influencée par le mouvement expressionniste allemand et il utilise souvent des couleurs vives et des coups de pinceau épais pour créer un sentiment d'intensité émotionnelle dans ses peintures.
Outre ses paysages, Arnold a également réalisé de nombreux portraits, natures mortes et œuvres religieuses. Il a travaillé sur différents supports, notamment la peinture à l'huile, l'aquarelle et la gravure.
Les œuvres d'Arnold ont été largement exposées au cours de sa vie et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art. Aujourd'hui, ses peintures sont conservées dans des collections du monde entier, notamment à la National Gallery de Berlin et à la Kunsthalle de Brême.
Zinaida Antonovna Astapovitch-Botcharova (en russe: Зинаида Антоновна Астапович-Бочарова) était une artiste russe, soviétique et biélorusse du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et enseignante.
Zinaida Astapovitch-Botcharova a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de l'affiche de propagande ainsi que de l'illustration de livres, principalement pour des livres de contes de fées. Elle a peint à l'aquarelle, à l'huile, au crayon, au fusain, à la gouache et au pastel. Une grande partie de son travail des années 1930 et 1940 a été perdue lors de l'évacuation de l'artiste de Leningrad assiégée.
Johann Sebastian Bach était un compositeur baroque allemand, maître de chapelle, organiste et pédagogue.
Johann Sebastian Bach était le plus jeune enfant de la famille du musicien Johann Ambrosius Bach (1645-1695) et appartenait à une grande famille de musiciens d'Allemagne du Nord dont il faisait lui-même remonter la dynastie à son arrière-arrière-grand-père Veit Bach, un boulanger luthérien de la fin du XVIe siècle. Johann devint très tôt orphelin et fut pris en charge par son frère aîné, l'organiste Johann Christoph Bach. En août 1703, il est nommé organiste officiel de l'église d'Arnstadt, puis, à partir de 1714, il travaille comme maître de chapelle et premier violon à la cour de Weimar, époque à laquelle remontent ses premières compositions. En 1736, il est nommé compositeur de la cour du roi de Saxe, reconnaissant ainsi ses mérites de compositeur et d'organiste. En tant que violon solo, Bach maîtrise également presque tous les instruments de l'orchestre.
Dans les dernières années de sa vie, Bach était presque aveugle et vivait pauvrement, et sa musique baroque était considérée comme dépassée par l'évolution des goûts. Mais au XIXe siècle, l'intérêt pour les œuvres de Bach s'est considérablement accru, et il est devenu le compositeur préféré de nombreux musiciens ultérieurs. Les fils de Johann Sebastian, Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel et Johann Christian, ont poursuivi la dynastie familiale et sont également devenus musiciens. Et Jean-Sébastien Bach lui-même a été entouré d'élèves tout au long de sa vie.
Bien que ses contemporains aient admiré le jeu de Bach au clavecin et à l'orgue, ce sont aujourd'hui ses compositions qui sont considérées comme quelques-unes des plus belles œuvres de la musique baroque adulte. Parmi ses œuvres les plus connues figurent les Concertos brandebourgeois, le Clavier bien tempéré, les Messes en si mineur et bien d'autres chefs-d'œuvre de la musique religieuse et instrumentale. Le riche héritage de Bach comprend des compositions sacrées et profanes, en particulier des cantates, des pièces pour orgue et des concertos (Bach a composé plus de 1 000 œuvres musicales dans tous les genres importants de son époque, à l'exception de l'opéra), qui ont influencé de nombreux compositeurs ultérieurs. Johann Sebastian Bach a été capable d'englober et d'unir les principaux styles, formes et traditions nationales des générations précédentes. Il est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands compositeurs de tous les temps.
Hermann Bachmann est un artiste, graphiste et enseignant allemand.
Hermann a étudié à l'école des arts appliqués d'Offenbach am Main et a servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale. En 1945, Bachmann retourne dans sa ville natale et rejoint les artistes de l'école de Halle. En 1953, il se réfugie à Berlin-Ouest, dont l'atmosphère créative lui est plus proche.
En 1957, Hermann Bachmann devient enseignant, puis professeur à l'université des beaux-arts de Berlin, et compte parmi ses étudiants de nombreux artistes de renom. Il était membre de l'Association des artistes allemands.
Vassili Nikolaïevitch Bakcheïev (en russe : Василий Николаевич Бакшеев) était un peintre et enseignant russe, reconnu pour sa contribution significative à l'art russe. Né le 24 décembre 1862 à Moscou et décédé le 28 septembre 1958 dans la même ville, Bakcheïev a laissé un héritage artistique remarquable, souligné par de nombreux honneurs dont le titre d'Artiste du peuple de l'URSS, le Prix Staline, et l'Ordre de Lénine. Éduqué à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, il a travaillé principalement dans cette ville, où il a également enseigné et influencé de futures générations d'artistes.
Bakcheïev est célèbre pour ses paysages et ses scènes de la vie russe, capturant avec finesse et sensibilité la beauté et la variété des paysages de son pays. Ses œuvres, telles que «Fille nourrissant des pigeons» (1887) et «La steppe» (vers 1890), sont des exemples éloquents de son talent pour la peinture à l'huile. De nombreuses pièces de sa collection se trouvent dans d'importantes galeries et musées, comme la Galerie Tretiakov à Moscou et le musée d'art de Samara, témoignant de l'importance de son œuvre dans le panorama artistique russe.
Après sa mort, Bakcheïev a été célébré par des expositions rétrospectives à Kirov, Moscou, et même à Lausanne, confirmant son statut d'artiste de renommée internationale. Ses contributions à l'art et à la culture russes sont également documentées dans ses mémoires, publiés après son décès, offrant un aperçu précieux de sa vie et de son époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art russe et à la figure de Vassili Nikolaïevitch Bakcheïev, ses œuvres demeurent une source d'inspiration et d'étude inestimable. Les amateurs d'art, les collectionneurs et les experts sont encouragés à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce remarquable artiste russe.
Charles Baker était un éducateur britannique, pionnier de l'éducation des sourds, naturaliste et artiste.
Il s'est fait connaître et honorer en Grande-Bretagne pour avoir élaboré les premiers manuels scolaires destinés aux enfants sourds et aveugles, notamment ceux basés sur le dessin. Jeune homme, il est devenu enseignant à l'Institut des sourds-muets d'Edgbaston, près de Birmingham, et a été confronté à l'absence totale de manuels scolaires pour ces enfants. Passionné d'entomologie, Baker commence à attirer l'attention de ses élèves les plus âgés sur les divers objets d'histoire naturelle qui les entourent. Il est ainsi l'auteur, en 1828, d'un petit volume d'illustrations intitulé "British Butterflies : their differences, genera and species, with lithographic illustrations of each genus, comprising 33 species, drawn by the children of the Edgbaston School for the Deaf and Dumb" (Papillons britanniques : leurs différences, genres et espèces, avec des illustrations lithographiques de chaque genre, comprenant 33 espèces, dessinées par les enfants de l'école pour sourds-muets d'Edgbaston).
Charles Baker a enseigné aux sourds et a été directeur de l'école Doncaster pendant quarante-cinq ans. Pendant cette période, il a produit de nombreux guides pédagogiques et manuels spécialisés sous le titre général de "Circle of Knowledge", qui ont été utilisés en Europe et en Russie, ainsi qu'en Chine et au Japon.
Hendrikus van de Sande Bakhuyzen était un peintre paysagiste et un enseignant néerlandais.
Bakhuyzen a été formé à l'Académie des arts de La Haye. Il est connu pour ses scènes pastorales romantiques, en particulier ses peintures de bétail, avec des paysages détaillés.
En 1822, il est devenu membre de l'Académie royale des arts d'Amsterdam et membre du conseil d'administration de l'Académie des arts de La Haye. Il est ensuite élu directeur de l'Académie de La Haye. Hendrikus Bakhuyzen a contribué de manière significative à la période romantique de l'art néerlandais par son travail et ses activités. Il a formé de nombreux élèves et disciples talentueux qui ont fondé le mouvement artistique connu sous le nom d'École de La Haye.
Ses enfants étaient également très talentueux : son fils Julius van de Sande Bakhuyzen (1835-1925) est devenu un paysagiste renommé ; sa fille Gerardine Jacob van de Sande Bakhuyzen (1826-1895) est devenue une peintre de natures mortes ; son fils Henrik Gerard van de Sande Bakhuyzen (1838-1923) est devenu un astronome de renom, membre de l'Académie royale néerlandaise des arts et des sciences et directeur de l'Observatoire de Leyde ; son fils Ernest-Fredrich van de Sande Bakhuyzen était également astronome à l'Observatoire de Leyde.
Sabine Baring-Gould était un ecclésiastique, poète, écrivain et folkloriste britannique de l'époque victorienne.
Il a beaucoup voyagé en Europe, a étudié au Clare College de Cambridge, a été ordonné dans l'Église d'Angleterre en 1864 et a été nommé vicaire à Horbury. Baring-Gould était polyglotte et connaissait six langues. Malgré son ministère, il s'intéresse sérieusement aux phénomènes surnaturels et publie en 1865 un livre intitulé The Book of Werewolves (Le livre des loups-garous).
Par ailleurs, Baring-Gould s'intéressait à un large éventail de sujets. Son œuvre est variée et couvre la théologie, l'histoire, la poésie, les hymnes, la fiction, la biographie, les voyages, les commentaires sociaux et le folklore. Baring-Gould a recueilli les chansons folkloriques de vieux chanteurs anglais, en leur rendant personnellement visite et en enregistrant les paroles et la musique. En 1889, il publia un recueil de chansons de l'Ouest en quatre parties, dont il était fier, et écrivit également plusieurs hymnes patriotiques.
Baring-Gould était un écrivain très prolifique : au cours de sa vie, il a écrit de nombreux romans, publié des histoires dans des périodiques, le populaire Curious Myths of the Middle Ages, et d'autres, sa bibliographie totalisant quelque 1 250 ouvrages.
Otto Baum est un sculpteur et professeur d'université allemand, membre de l'Association des artistes allemands.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et, parallèlement, la sculpture. Au milieu des années 1930, les nationaux-socialistes au pouvoir en Allemagne interdisent à Baum d'exposer ou même de travailler, et il est persécuté en tant que représentant de "l'art dégénéré".
Après la guerre, il est nommé professeur à l'Académie des arts de Stuttgart et est considéré comme le plus progressiste et le plus critique des jeunes étudiants de l'académie.
Otto Baum est considéré comme l'un des plus importants représentants du modernisme classique, qui a exercé une influence considérable sur la sculpture européenne de la seconde moitié du XXe siècle, tant par son œuvre que par son enseignement.
Moritz Baumgartl est un peintre, graphiste et professeur d'université allemand vivant à Stuttgart.
Moritz a étudié à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et a longtemps travaillé comme professeur d'art au lycée Friedrich Eugens de Stuttgart. Baumgartl a fondé le groupe artistique "École de Stuttgart" avec les artistes Axel Arndt et Adam Lüde Döring.
Harriet Beecher Stowe, de son nom complet Harriet Elisabeth Beecher Stowe, était un écrivain et poète américain, militant pour l'éradication de l'esclavage dans le pays.
Beecher Stowe est l'auteur du roman mondialement connu La Case de l'oncle Tom. Publié d'abord dans un journal, puis sous forme de livre en 1852, il a suscité la colère générale dans le pays et intensifié la lutte contre l'esclavage dans le sud des États-Unis. Ce roman a ensuite été réimprimé à de nombreuses reprises dans toutes les langues du monde et a été projeté plus d'une fois.
Dans sa jeunesse, Beecher Stowe a reçu une éducation académique, a écrit de la poésie, des notes et des essais sur des sujets sociaux. Outre La cabane, elle a écrit plusieurs autres romans et enseigné.
Hiob Carl Oscar Begas était un peintre allemand du milieu du XIXe siècle. Il est connu comme portraitiste, paysagiste, historien, enseignant, fils du peintre Carl Begas, frère des sculpteurs et peintres Carl, Rheingold et Adalbert Begas.
Oscar Begas a réalisé les portraits de nombreux hommes d'État et militaires allemands et étrangers de premier plan, ainsi que de représentants de la science et de la culture. Devenu un peintre populaire, il reçoit de nombreuses commandes du roi Frédéric-Guillaume IV de Prusse. Selon les critiques, plus que dans les portraits commandés, l'habileté picturale de Begas s'est manifestée dans ses paysages atmosphériques d'hiver et d'automne, sur lesquels il s'est concentré vers la fin de sa vie.
Iekaterina Fiodorovna Belachova (en russe : Екатерина Фёдоровна Белашова) était une éminente sculptrice, graphiste et pédagogue soviétique. Née à Saint-Pétersbourg en 1906, elle a laissé une empreinte notable dans l'art du réalisme socialiste, devenant Artiste du Peuple de l'URSS en 1963 et lauréate du Prix d'État de l'URSS en 1967. Belachova n'était pas seulement une artiste talentueuse, mais aussi une participante active dans l'éducation, enseignant aux futurs maîtres d'art dans divers établissements d'enseignement, y compris l'Institut moscovite des arts appliqués et décoratifs et l'École supérieure d'art et d'industrie de Moscou.
Parmi ses œuvres les plus connues figurent les monuments à V. S. Kholzunov à Stalingrad, à A. S. Pouchkine dans les montagnes de Pouchkine et des compositions monumentales telles que "L'Inébranlable" et "Rêverie". Belachova a également créé des portraits de personnalités célèbres et a participé à de nombreuses expositions, présentant ses œuvres à un large public. Son art reflète un profond contexte social et émotionnel de l'époque, rendant son travail significatif non seulement historiquement, mais aussi culturellement.
Les œuvres d'Ekaterina Belachova sont incluses dans les collections de nombreux musées de premier plan en Russie, y compris le Musée russe d'État et la Galerie Tretiakov, témoignant de la haute estime de sa contribution au développement de l'art soviétique. Elle était non seulement une artiste mais aussi une pédagogue, dont l'héritage continue d'inspirer de nouvelles générations.
Si vous êtes intéressé par l'art et souhaitez en savoir plus sur les grands maîtres du passé, abonnez-vous à nos mises à jour. Nous vous informons régulièrement des ventes d'œuvres d'art et des événements d'enchères liés à Ekaterina Fiodorovna Belachova et à d'autres artistes éminents.
Jeremy Belknap est un ecclésiastique, un historien et un auteur américain.
Belknap a fait ses études au Harvard College et a consacré sa vie à l'Église congrégationaliste. En outre, il a été pendant de nombreuses années secrétaire de la convention ministérielle du New Hampshire. Dans le cadre de ses fonctions, il a voyagé dans tout l'État tout en recueillant des informations sur l'histoire du New Hampshire. Le résultat de ces années de travail est The History of New Hampshire, publié en trois volumes entre 1784 et 1792. Cet ouvrage est la première histoire moderne écrite par un Américain.
Belknap a également écrit et publié American Biographies en deux volumes (1794 et 1798), ce qui l'a fait connaître des intellectuels de tout le pays. Il devient membre de l'American Philosophical Society et de l'American Academy of Arts and Sciences. Belknap est également membre fondateur de la Massachusetts Historical Society, la première société de ce type en Amérique.
Leland Bell, peintre américain né le 17 septembre 1922 et décédé le 18 septembre 1991, fut une figure marquante de l'art du XXe siècle. Autodidacte, sa passion pour la peinture et son engagement envers les artistes qu'il admirait, tels que Karl Knaths, Jean Arp, et Piet Mondrian, ont fortement influencé le milieu artistique. Son travail initial comme gardien au Museum of Non-Objective Art (devenu plus tard le Guggenheim) lui permit de côtoyer de près les œuvres qui allaient orienter sa carrière. Au fil des années, il développa une amitié avec Jean Hélion, qui l'amena à privilégier un style plus figuratif, marquant ainsi une transition dans son œuvre vers un art représentatif enrichi par l'abstraction.
Les autoportraits de Bell, réputés pour leur intensité et leur profondeur psychologique, témoignent de sa maîtrise technique et de son habileté à capturer l'essence de son sujet. L'un de ses autoportraits les plus connus, "Standing self-portrait" (1979), illustre non seulement sa capacité à se représenter avec une grande puissance émotionnelle mais incorpore également des éléments personnels, tels que ses passions pour la peinture et le jazz, illustrant ainsi la complexité de son identité artistique et personnelle.
Bell était également reconnu pour son enseignement et ses conférences, partageant sa vision artistique avec les générations futures. Il a enseigné dans de prestigieuses institutions telles que la Parsons School of Design et l'Université de Yale, affirmant son rôle de mentor influent dans le domaine de l'art visuel. Ses œuvres, caractérisées par des lignes de contour noires, des plans de couleur audacieux, et une composition dynamique, reflètent une quête constante de poésie visuelle, au-delà des tendances de la nouveauté.
Bell a bénéficié de plusieurs résidences d'artistes à MacDowell, affirmant son engagement envers la communauté artistique et son développement personnel. Ces séjours ont non seulement permis à Bell de se consacrer pleinement à sa pratique mais aussi de s'entourer d'une communauté d'artistes partageant les mêmes idées, enrichissant ainsi sa démarche créative.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Leland Bell reste un témoignage puissant de la capacité de l'art à transcender les frontières stylistiques, en offrant une vision unique qui mélange habilement abstraction et figuration. Son legs continue d'inspirer et d'influencer le monde de l'art contemporain.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Leland Bell, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous garantira l'accès aux informations les plus récentes concernant les œuvres de cet artiste exceptionnel.
Saul Bellow, de son vrai nom Solomon Bellows, est un écrivain juif américain, lauréat du prix Pulitzer et du prix Nobel.
Sol Bellow est né au Canada de parents juifs immigrés de Saint-Pétersbourg, en Russie, et a grandi à Chicago. Il a fréquenté l'université de Chicago et l'université Northwestern, où il s'est spécialisé dans l'anthropologie et la sociologie. Chicago a servi de cadre à un grand nombre de ses romans des années 1970 et 1980. En 1993, il a accepté un poste au département d'anglais de l'université de Boston.
Bellow a écrit son premier livre, The Dangling Man (1944), alors qu'il servait dans la marine marchande pendant la Seconde Guerre mondiale, et en 1947, il a publié le roman The Victim. Saul Bellow est considéré comme l'un des plus importants écrivains juifs américains de l'après-guerre. Comme ses prédécesseurs, il offre une perspective juive sur les thèmes de l'aliénation et de l'altérité dans la difficile période de fragmentation de l'après-guerre, traduisant en anglais l'expérience américaine yiddish.
Bellow a reçu les plus hautes distinctions mondiales pour ses œuvres. En 1954, son roman The Adventures of Augie March a remporté le National Book Award for fiction. En 1975, il a reçu le prix Pulitzer pour son roman The Humboldt Gift, le prix littéraire international Herzog et la Croix de Chevalier des Arts et Lettres, la plus haute distinction littéraire française pour les non-citoyens. En 1976, Bellow a reçu le prix Nobel de littérature.
George Wesley Bellows était un artiste américain, né en 1882 à Columbus, Ohio, et décédé en 1925 à New York. Célèbre pour ses peintures réalistes et énergiques, il capturait la vie urbaine trépidante de New York avec une vitalité rare. Membre de l'école Ashcan, il était connu pour ses représentations sombres et vibrantes de la vie citadine, influencées par son mentor Robert Henri.
Bellows s’est distingué par ses scènes de boxe, dont les plus célèbres sont "Stag at Sharkey’s" et "Dempsey and Firpo". Ces œuvres illustrent son habileté à capturer le dynamisme et l'intensité des combats de boxe, un sujet qui le passionnait visiblement. Outre la peinture, il s’est aventuré dans la lithographie, créant des œuvres satiriques remarquées au cours des dernières années de sa vie.
Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées américains, incluant le Whitney Museum et le Museum of Modern Art à New York. Il a également laissé un héritage impressionnant dans le domaine de la lithographie, avec des collections importantes au Boston Public Library et au Cleveland Museum of Art.
Bellows a capturé l'essence de l'Amérique urbaine du début du XXe siècle avec une force et une sincérité qui continuent de résonner aujourd'hui. Ses œuvres offrent un aperçu précieux des réalités sociales et des divertissements de l'époque, les rendant cruciales pour les collectionneurs et les experts en art américain.
Pour ceux intéressés par le travail de George Wesley Bellows ou souhaitant découvrir ses œuvres lors de ventes aux enchères ou d'expositions, inscrivez-vous à notre newsletter. Restez informé des dernières actualités et événements liés à Bellows et assurez-vous de ne rien manquer de pertinent dans le monde de l'art.
Piotr Petrovitch Beloousov (еn russe : Пётр Петрович Белоусов) était un artiste peintre et professeur russe, né en 1912 à Berdiansk, dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine) et décédé en 1989 à Leningrad (Saint-Pétersbourg), URSS. Reconnu pour son affiliation à l'École de Léningrad, Beloousov s'est distingué par ses œuvres traitant de thèmes révolutionnaires et historiques, notamment des portraits et des paysages urbains. Il a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad Ilya Repin et a été honoré en tant qu'Artiste du peuple de la RSFSR et membre correspondant de l'Académie des arts de l'URSS.
Ses œuvres se trouvent dans de prestigieuses collections telles que le Musée Russe d'État, la Galerie Tretiakov, et dans divers musées et collections privées à travers le monde. Beloousov a aussi été un maître de l'estampe et un dessinateur habile, contribuant de manière significative à l'art soviétique du XXe siècle.
Pour plus d'informations sur ses œuvres ou envisager des acquisitions, restez informé des mises à jour et des événements d'enchères en vous inscrivant ici. Vous recevrez des alertes uniquement pour les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à Piotr Petrovitch Beloousov.
Pavel Petrovitch Benkov (еn russe: Павел Петрович Беньков) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, décorateur de théâtre et enseignant.
Pavel Benkov a créé des portraits, des paysages, des paysages urbains et des peintures de genre. Dans ses années de maturité, son style peut être qualifié d'impressionniste, avec une attention particulière portée à la couleur et à la lumière. En 1929, il s'est installé en Asie centrale, où son style a pris des caractéristiques uniques, reflétant le paysage et la culture locale. Son œuvre a eu une influence significative sur les traditions picturales de l'Ouzbékistan et de l'Asie centrale.
Vilmos-József Istvanovich Berets (еn russe: Вильмош-Йожеф Иштванович Берец) était un artiste soviétique ukrainien d'origine hongroise de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et historien de l'art.
Berets a créé des œuvres principalement en graphisme de chevalet, parmi ses œuvres les plus remarquables figurent des paysages à l'aquarelle. Depuis 1950, il participe activement à des expositions d'art. Il est également l'auteur d'articles sur la théorie de l'art, ainsi que d'études sur divers artistes, notamment sur l'œuvre d'artistes de Transcarpatie, au cours desquelles il a rassemblé de nombreux documents d'archives sur l'histoire de l'école de peinture locale.
Alban Berg, de son nom complet Alban Maria Johannes Berg, était un compositeur autrichien, représentant de l'expressionnisme en musique, professeur et critique musical.
Une rencontre avec le compositeur Arnold Schoenberg (1874-1951) en septembre 1904 a joué un rôle décisif dans la vie de Berg. Ce dernier décèle le talent du jeune homme et lui donne des cours gratuits pendant six ans. En 1907, Berg interprète pour la première fois sa "Sonate pour piano".
Alban Berg était très critique envers lui-même et travaillait sur des pièces pendant longtemps. Il a composé de la musique orchestrale (dont Five Orchestral Songs, 1912), de la musique de chambre, des chansons et deux opéras révolutionnaires, "Wozzeck" (1925) et "Lulu" (1937). "Wozzeck", l'œuvre théâtrale la plus jouée dans l'idiome atonal, est la première tentative de Berg d'aborder des questions sociales dans le cadre de l'opéra. Cependant, sa création a tourné au scandale, les critiques qualifiant même le compositeur d'imposteur musical.
Quelques années seulement après sa mort, Alban Berg a été largement reconnu comme un compositeur d'expression. Il a rompu avec la tradition et maîtrisé une technique radicale, tout en combinant l'ancien et le nouveau et en créant, avec Schoenberg et Webern, la nouvelle école viennoise du XXe siècle. Alban Berg était également un excellent professeur de composition.
Matthias Bernegger (latin : Bernegerus ou Matthew) était un scientifique, astronome, mathématicien, linguiste et traducteur autrichien et français.
Il a fait ses études à Strasbourg, où il a développé un intérêt particulier pour l'astronomie et les mathématiques. Bernegger a correspondu avec les célèbres scientifiques Johannes Kepler et Wilhelm Schickard. À partir de 1607, Bernegger enseigne au gymnase de Strasbourg et, en 1616, il est nommé professeur à l'Académie.
Bernegger est connu pour ses traductions de Justinien et de Tacite. En 1612, il traduit en latin l'ouvrage de Galilée de 1606 sur le compas proportionnel, qu'il enrichit considérablement. Ces annotations détaillées supplémentaires de Bernegger ont rendu le compas de Galilée beaucoup plus facile à utiliser et en ont fait le premier appareil de calcul mécanique pouvant être appliqué à une grande variété de problèmes complexes. En 1619, Bernegger a préparé un manuel de mathématiques en trois volumes et, en 1635, il a traduit le Dialogue sur les deux systèmes de masse du monde de Galilée.
Hélène Bertaux, née Joséphine Charlotte Hélène Pilate, est une peintre et sculptrice française qui a obtenu l'égalité des droits avec les hommes.
Adolescente, Hélène Pilate se forme dans l'atelier de son beau-père Pierre Hébert, où elle modèle des modèles de montres, puis reçoit régulièrement des commandes de petites pièces décoratives en bronze. Aspirant à devenir sculpteur professionnel, elle complète ses études avec Augustin Dumont (1801-1884) dans la tradition académique. Le soutien du couple impérial lui permet de devenir l'une des rares femmes à s'imposer dans le domaine de la sculpture monumentale : en 1864, elle réalise la Fontaine Herbet pour la place Longueville à Amiens et reçoit au cours de sa carrière plusieurs commandes prestigieuses pour des édifices religieux et publics.
Forte de son succès et de sa reconnaissance officielle, Hélène Bertaux prône l'égalité entre les hommes et les femmes dans les arts. En 1873, Hélène Bertaux ouvre son premier atelier de sculpture, puis en 1879 un autre avec une école de sculpture pour les femmes. Ses élèves, dont Clémence-Jeanne Eymard de Lanchâtre (1854-1894) et Jenny Weil (1851-1933), remportent par la suite des prix au Salon. La création en 1881 de l'Union des femmes peintres et sculpteurs, dont elle est présidente de 1881 à 1894, marque une nouvelle étape dans son combat pour l'égalité des sexes dans l'enseignement académique. Hélène Bertaux devient la première femme membre du jury du Salon et reçoit une médaille d'or à l'Exposition universelle de 1889.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Joseph Binder, de son nom complet Joseph Friedrich Gustav Binder, était un peintre, designer et graphiste allemand d'avant-garde.
Au début des années 1930, Joseph Binder a travaillé sur des commandes de marques importantes pour Knorr, Reemtsma, Tekrum, Elida, Minera, Dujardin, Stella et Mercedes-Benz et s'est fait connaître en tant que designer industriel définissant un style. Au total, au début des années 1960, Binder avait créé plus de 2 000 timbres et affiches.
En peinture, Binder privilégie le cubisme : la forme géométrique stylisée revêt une grande importance pour le peintre. Il a également été influencé par l'école d'art du Bauhaus et le groupe Blue Rider.
Bernardo Blanco y Pérez était un lithographe, peintre et illustrateur espagnol.
Il a étudié à l'Académie royale de San Fernando, principalement le dessin et la lithographie, et a enseigné. Bernardo Blanco est l'un des artistes dont les œuvres ont été incluses dans une série de lithographies sur la guerre hispano-marocaine (1859-1860).
Jan Bleuland était un médecin, un scientifique médical, un éducateur et un écrivain néerlandais.
Bleuland était un homme intellectuellement avancé, un médecin recherché et un grand amateur d'art. Jan Bleuland a enseigné l'anatomie, la physiologie et l'obstétrique pendant 31 ans et a été professeur et recteur de l'université d'Utrecht. Ses talents de médecin et de chercheur médical ont été reconnus non seulement par ses patients et la communauté scientifique, mais aussi par les plus hautes autorités.
Au cours de sa vie, Jan Bleuland a rassemblé une vaste collection de spécimens médicaux du corps humain, qu'il a utilisés pour ses recherches. Une partie de cette importante collection est toujours exposée dans le Bleulandkabinet original en bois du musée de l'université d'Utrecht. Le Bleulandkabinet contient une vaste collection de squelettes, d'embryons dans l'alcool et de préparations en cire de parties du corps. Ses préparations pionnières ont été acquises par l'université d'Utrecht par décret royal du roi Willem I en 1815 et sont toujours utilisées comme matériel d'enseignement.
Johann Heinrich Bleuler l'Ancien était un peintre paysagiste et graveur suisse.
Bleuler l'Ancien a d'abord suivi une formation de peintre sur porcelaine à la manufacture de porcelaine de Kilchberg-Schooren, près de Zurich. Au début des années 1780, il s'installe à Feuertalen et devient le fondateur de la dynastie d'artistes connue sous le nom de "Bleulerische Malschule". Ses deux fils, Johann Heinrich Bleuler le Jeune (1787-1857) et Johann Ludwig Bleuler (1792-1850), sont également devenus artistes et ont poursuivi l'œuvre de leur père. Au total, la dynastie compte jusqu'à 25 artistes, y compris des filleuls et d'autres membres de la famille.
Bleuler l'Ancien a surtout créé des paysages du Rhin, peints à la gouache et à l'aquarelle, ainsi que des vues panoramiques de villes suisses. Il a également travaillé comme professeur d'art.
Iouliï Ioulievitch Blioumental (еn russe: Юлий Юльевич Блюменталь) était un artiste russe et soviétique d'origine allemande de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste ayant joué un rôle important dans le développement des beaux-arts bachkires.
Iouliï Blioumental a créé des portraits, des paysages et des œuvres de genre, notamment celles qui reflètent la culture et la vie du peuple bachkir, telles que "Cavalier bachkir" et "Derrière la tonte des moutons". En tant que directeur du musée national d'art de Bachkirie entre 1926 et 1935, le maître a joué un rôle important en jetant les bases d'une comptabilité et d'une documentation professionnelles pour les musées.
Grigori Bobrovski (en russe: Григорий Михайлович Бобровский) était un peintre russe, actif durant la première moitié du 20e siècle, reconnu pour son approche unique de la peinture et du graphisme. Sa formation à l'Académie impériale des arts sous la tutelle d'Ilya Repin et son rôle en tant qu'enseignant à l'École de dessin de la Société pour l'encouragement des artistes lui ont permis de développer une maîtrise remarquable dans l'art du portrait et du paysage. Ses œuvres, caractérisées par une expressivité colorée et une attention particulière aux effets de lumière, reflètent l'influence du groupe Mir Iskusstva et des traditions artistiques de l'Âge d'argent, tout en incorporant des éléments du réalisme socialiste relatifs à la vie en URSS.
Bobrovski a joué un rôle clé dans le développement de l'art russe, participant activement à des expositions nationales et internationales, et a été honoré de plusieurs récompenses, notamment les médailles d'or lors d'expositions à Munich. Ses contributions à la décoration festive de Petrograd après la révolution et son engagement dans l'enseignement à VHUTEMAS témoignent de son influence sur les générations futures d'artistes. Ses travaux sont conservés dans des collections prestigieuses, telles que la Galerie d'État Tretiakov, le Musée russe d'État, et bien d'autres.
Les collectionneurs et experts en art et antiquités admireront la diversité et la profondeur de l'œuvre de Bobrovski, qui traverse et encapsule une période dynamique de l'histoire artistique russe. Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Grigori Bobrovski, inscrivez-vous aux mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres disponibles et de participer à la préservation de son héritage artistique remarquable.
Andreas Böhm est un peintre, graphiste et professeur d'art allemand à l'école secondaire supérieure de Brunsbüttel depuis 1980. Il vit et travaille à Dingen, dans le Schleswig-Holstein.
Pendant longtemps, Andreas Bem a été connu pour ses dessins au pochoir, qui ressemblent à des silhouettes avec seulement deux ou trois couches épaisses de peinture. En tant qu'artiste, il a continué à jouer avec les formes, mais en adaptant désormais les lignes libres de la faune.
Joseph Georg Böhm était un astronome, astrophysicien, cartographe, mathématicien et éducateur autrichien.
À l'université de Prague, Böhm a suivi des cours de mathématiques, de physique et d'astronomie et, après avoir obtenu son doctorat, il est devenu assistant à l'observatoire de Vienne sous la direction de Joseph Johann von Littrow. Il travaille ensuite à l'observatoire d'Ofen et enseigne les mathématiques à l'université de Salzbourg. En 1839, il est nommé professeur de mathématiques et de géométrie pratique à l'université d'Innsbruck, dont il est élu recteur en 1848. En 1852, Böhm est nommé directeur de l'observatoire de Prague et professeur d'astronomie théorique et pratique à l'université de Prague.
Georg Böhm a publié plusieurs articles astronomiques importants sur l'observation du soleil. Il est le créateur de plusieurs instruments de mesure et d'observation astronomiques, et il a conçu l'uranoscope et le gnomon universel pour les observations astronomiques amateurs destinées au grand public. En tant que membre de la commission de réparation de l'horloge astronomique de Prague, qu'il rejoint en 1865, il en rédige une description détaillée dans l'ouvrage Beschreibung der alterthümlichen Prager Rathausuhr. Outre l'astronomie et sa vulgarisation, il a également travaillé sur l'agriculture, l'économie et la géodésie. L'une de ses œuvres importantes est Ballistic Experiments (1865).
Jоzsef Boksay (еn russe : Иосиф Иосифович Бокшай) est un peintre et graphiste hongrois né le 2 octobre 1891 à Györgyanliget et mort le 19 octobre 1975 à Ungvár (aujourd'hui Uzhgorod, Ukraine). Formé à l'Académie des beaux-arts de Budapest entre 1910 et 1914 sous la direction d'Imre Reves, Boksay a servi sur le front pendant la Première Guerre mondiale, puis a été fait prisonnier de guerre en Russie. Après la guerre, il enseigne le dessin à Ungvar, où il fonde une école d'art gratuite avec Béla Erdély en 1927, et participe en 1931 à la fondation de l'Association des artistes de Transcarpatie.
Boksay est surtout connu pour son rôle de pionnier dans l'école de peinture de Transcarpatie et pour sa contribution significative à la peinture de paysage, capturant les magnifiques paysages extérieurs de sa région natale. Sa peinture se caractérise par une tentative de transmettre visuellement la beauté des saisons, l'heure du jour, le jeu de l'ombre et de la lumière, sans chercher à exprimer une émotion, mais plutôt à reproduire fidèlement le spectacle de la nature. Outre les paysages, Boksay peint des portraits, des scènes de vie et des natures mortes, démontrant ainsi sa polyvalence artistique.
Au cours de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, notamment le titre d'artiste du peuple d'Ukraine (1960) et d'Union soviétique (1963), ainsi qu'un certain nombre d'autres honneurs pour son travail. Boksay a également laissé une empreinte indélébile en tant qu'enseignant, notamment à l'école d'art Ungvar et à l'Institut d'art industriel de Lviv.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Jozef Boksay et à l'école de peinture transcarpatique, nous vous invitons à vous inscrire à notre lettre d'information pour recevoir des informations sur les ventes et les ventes aux enchères relatives à ses œuvres. Vous serez ainsi informés des possibilités d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable et contribuerez à la préservation de son héritage.
Matthieu Bonafous était un éminent botaniste et agronome français.
Bonafous a été un innovateur dans l'agronomie du XIXe siècle, spécialisé dans l'agriculture technique, avec un intérêt particulier pour le maïs et son importance économique en tant que culture vivrière. Il a également étudié les mûriers et créé de nouvelles espèces pour l'élevage des vers à soie. Il a écrit de nombreux articles scientifiques, dont un sur le riz.
En tant qu'enseignant, Matthieu Bonafous a proposé un cours itinérant basé sur le contact direct avec les praticiens de l'agriculture scientifique.
Giovanni Alfonso Borelli était un scientifique italien universaliste de la révolution scientifique du XVIIe siècle, fondateur de la biomécanique.
Il a étudié les mathématiques avec Benedetto Castelli (1577-1644) à Rome. Dans les années 1640, Borelli a été nommé titulaire de la chaire de mathématiques à l'université de Messine et à Pise en 1656. Après 12 ans à Pise et de nombreuses disputes avec ses collègues, Borelli quitte l'université. En 1667, Borelli retourne à l'université de Messine, où il se consacre à des études littéraires et historiques, étudie l'éruption du volcan Etna et continue à travailler sur le problème du mouvement musculaire des animaux et d'autres fonctions corporelles selon les lois de la statique et de la dynamique. En 1674, il est accusé d'avoir participé à une conspiration visant à libérer la Sicile de l'Espagne et s'enfuit à Rome.
Borelli est principalement connu pour ses tentatives d'expliquer le mouvement musculaire et d'autres fonctions corporelles selon les lois de la statique et de la dynamique. Son ouvrage le plus connu est De Motu Animalium (1680-81 ; "Sur le mouvement des animaux"). Borelli a calculé les forces nécessaires à l'équilibre des différentes articulations du corps humain, bien avant que Newton ne publie ses lois du mouvement. Borelli a été le premier à réaliser que les leviers musculo-squelettiques augmentent le mouvement plutôt que la force, de sorte que les muscles doivent produire des forces beaucoup plus importantes que celles qui s'opposent au mouvement. Il fut également l'un des premiers microscopistes : il étudia au microscope la circulation sanguine, les nématodes, les fibres textiles et les œufs d'araignée. Borelli est également l'auteur d'ouvrages sur la physique, la médecine, l'astronomie, la géologie, les mathématiques et la mécanique.
Vasiliï Pavlovitch Borisenkov (еn russe: Василий Павлович Борисенков) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vasiliï Borisenkov a participé activement aux expositions d'art de Leningrad depuis 1954. Il est l'auteur de peintures de genre et de bataille, de paysages et de portraits. Parmi ses œuvres célèbres figurent les tableaux "Conversation difficile", "Printemps", "Strelna. Le début de l'été" et bien d'autres. Les œuvres du maître se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et à l'étranger.
