Послевоенные принты — Печать! Печать! Печать!
Йозеф Бойс (нем. Joseph Beuys), выдающийся немецкий художник, скульптор и теоретик искусства, оставил неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в 1921 году, Бойс стал символом постмодернистского искусства, прославившись своими неортодоксальными подходами и экспериментами. Особенностью творчества Бойса является глубокое философское содержание его работ, где каждое произведение наделено множеством смыслов и интерпретаций.
Бойс утверждал, что каждый человек обладает творческим потенциалом, и искусство является средством социальных изменений. Он внес значительный вклад в развитие концепции социальной скульптуры, где процесс творчества и взаимодействие с аудиторией играют ключевую роль. Произведения Бойса, такие как "Как объяснить картинам мертвую зайцу" и "7000 дубов", стали культовыми и хранятся в известных музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне.
Его работы выходят за рамки традиционного понимания скульптуры и живописи, включая в себя перформансы, инсталляции и видеоарт. Бойс использовал необычные материалы, такие как жир и войлок, чтобы исследовать темы жизни, смерти и возрождения. Эти материалы стали фирменными знаками его творчества, через которые художник выражал свои идеи о тепле, энергии и процессах преобразования.
Йозеф Бойс остается одной из самых влиятельных фигур в мире искусства XX века, его работы продолжают вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров. Приглашаем любителей искусства и антиквариата подписаться на наши обновления, чтобы не пропустить информацию о продажах произведений Йозефа Бойса и событиях аукционов, связанных с его творчеством. Подписка обеспечит вас актуальной информацией о мире искусства и возможностью прикоснуться к наследию великого мастера.
Макс Билл (нем. Max Bill) был швейцарским скульптором, художником-абстракционистом, архитектором и дизайнером, представителем цюрихской школы конкретного искусства. Его творчество охватывало широкий спектр дисциплин, от изобразительного искусства до дизайна и архитектуры, отличаясь строгой геометричностью и функциональностью. Он известен своими работами, такими как "Ульмская стойка", которая использовалась и как барная стойка, и как табурет, и дизайном часов для фирмы Junghans. Билл также активно участвовал в политической жизни, выступая за ядерное разоружение и защиту окружающей среды, и занимался педагогической деятельностью, руководя Высшей школой формообразования в Ульме, основанной на принципах Баухауза.
Его интерес к математике и геометрии находил отражение в его искусстве, особенно в скульптуре, где он разрабатывал идеи непрерывного развития формы и создавал иллюзии с использованием цвета, объема и пустоты. Он уделял большое внимание роли математических закономерностей в формообразовании, что стало характерной чертой его творчества. Также Билл развивал концепции "конкретного искусства", подчеркивая экономичное и рациональное использование материалов, что нашло отражение в его станковых и монументальных скульптурах из металла, бетона, гранита.
Макс Билл активно выставлялся в галереях и музеях по всему миру, включая ретроспективу в Цюрихском Кунстхаусе и его первую выставку в США в галерее Штемпфли в Нью-Йорке. Его вклад в искусство и дизайн был отмечен множеством наград и признания в различных странах.
Если вас интересует творчество Макса Билла и вы хотите быть в курсе новых выставок, аукционов и продаж произведений искусства, связанных с его именем, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам не пропустить важные события и познакомиться с уникальными произведениями этого выдающегося художника.
Христо Явашев (англ. Сhristo Yavashev) — американский скульптор и художник болгарского происхождения, прославившийся вместе с женой Жанной-Клод де Гийебон своими работами, в которых «упаковывал» различные объекты — от пишущей машинки и автомобиля до здания Рейхстага и целого морского побережья.
Христо Явашев (англ. Сhristo Yavashev) — американский скульптор и художник болгарского происхождения, прославившийся вместе с женой Жанной-Клод де Гийебон своими работами, в которых «упаковывал» различные объекты — от пишущей машинки и автомобиля до здания Рейхстага и целого морского побережья.
Райнер Феттинг (нем. Rainer Fetting) — немецкий художник и скульптор.
Райнер Феттинг был одним из основателей и главных действующих лиц берлинской галереи Galerie am Moritzplatz, основанной в конце 1970-х годов группой молодых художников (в основном живописцев) из класса Карла Хорста Хёдике в бывшей Берлинской высшей школе искусств (Берлинская художественная академия, сегодня известная как Университет искусств). В настоящее время Феттинг является одним из наиболее известных в мире современных немецких художников, создавшим большое количество выразительных фигуративных картин, охватывающих самые разные темы, а также множество бронзовых скульптур.
.jfif)
Сэмюэль Льюис Фрэнсис (англ. Samuel Lewis Francis) или Сэм Фрэнсис был американским художником и графиком, родившимся в Сан-Матео, Калифорния, 25 июня 1923 года. Его творчество отличалось принадлежностью к абстрактному экспрессионизму, ташизму и пост-живописной абстракции, благодаря чему Фрэнсис зарекомендовал себя как выдающийся представитель абстракционизма. Его образовательный путь начался в Калифорнийском университете в Беркли, где он изучал медицину, психологию и биологию. Тяжелая травма, полученная во время службы в американских ВВС в период Второй мировой войны, вынудила Фрэнсиса обратиться к живописи как средству реабилитации и самовыражения.
После войны Фрэнсис продолжил обучение и получил степень бакалавра искусств. Вскоре он переехал в Париж, где и состоялась его первая персональная выставка в 1952 году. Пребывание в Европе позволило ему погрузиться в местные художественные течения и наладить связи с другими артистами. В конце 1950-х годов Фрэнсис совершил кругосветное путешествие, что оказало значительное влияние на его творчество. Вернувшись в Калифорнию в 1960-х, он продолжил работать в Лос-Анджелесе, где его стиль приобрел характерные черты крупномасштабного яркого абстрактного экспрессионизма.
Фрэнсис активно участвовал в многочисленных выставках, среди которых выделяются "Документа" II и III в Касселе, а также 32-е Биеннале в Венеции. После его смерти в 1994 году был основан "Фонд Сэмюэля Л. Фрэнсиса", целью которого является исследование, документирование, защита и увековечивание творческого наследия художника. Фонд также работает над созданием Районного каталога работ Фрэнсиса.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и стремитесь узнать больше о Сэмюэле Льюисе Фрэнсисе и его вкладе в мировую художественную культуру, рекомендуем подписаться на обновления. Подписка позволит вам получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Готтхард Граубнер (нем. Gotthard Graubner) — немецкий художник-абстракционист, связанный с послевоенными движениями Zero и Informel. Работы Граубнера известны своей сосредоточенностью на цвете и его связи с пространством и восприятием.
Граубнер учился в Кунстакадемии Дюссельдорфа у художника Георга Майстермана. В 1950-х годах он стал ассоциироваться с группой Zero, движением художников, которые стремились создать новую форму искусства, свободную от традиционных художественных условностей и сосредоточенную на использовании нетрадиционных материалов.
В 1960-х годах Граубнер начал создавать свои фирменные «цветопространственные тела» — большие холсты, которые крепились на расстоянии от стены и заполнялись толстым слоем пигмента. Эти работы были созданы для восприятия как трехмерные объекты, которые были одновременно картинами и скульптурами, и часто создавали ощущение глубины и пространственной двусмысленности.
Работы Граубнера широко выставлялись в Европе и США, и на протяжении всей своей карьеры он был удостоен многочисленных наград и премий. Он также преподавал в нескольких художественных школах, в том числе в Kunstakademie Дюссельдорфа и Stedelschule во Франкфурте.
Новаторский подход Граубнера к живописи и его исследование взаимосвязи между цветом, пространством и восприятием продолжают оказывать важное влияние на современное искусство.
Готтхард Граубнер (нем. Gotthard Graubner) — немецкий художник-абстракционист, связанный с послевоенными движениями Zero и Informel. Работы Граубнера известны своей сосредоточенностью на цвете и его связи с пространством и восприятием.
Граубнер учился в Кунстакадемии Дюссельдорфа у художника Георга Майстермана. В 1950-х годах он стал ассоциироваться с группой Zero, движением художников, которые стремились создать новую форму искусства, свободную от традиционных художественных условностей и сосредоточенную на использовании нетрадиционных материалов.
В 1960-х годах Граубнер начал создавать свои фирменные «цветопространственные тела» — большие холсты, которые крепились на расстоянии от стены и заполнялись толстым слоем пигмента. Эти работы были созданы для восприятия как трехмерные объекты, которые были одновременно картинами и скульптурами, и часто создавали ощущение глубины и пространственной двусмысленности.
Работы Граубнера широко выставлялись в Европе и США, и на протяжении всей своей карьеры он был удостоен многочисленных наград и премий. Он также преподавал в нескольких художественных школах, в том числе в Kunstakademie Дюссельдорфа и Stedelschule во Франкфурте.
Новаторский подход Граубнера к живописи и его исследование взаимосвязи между цветом, пространством и восприятием продолжают оказывать важное влияние на современное искусство.
Готтхард Граубнер (нем. Gotthard Graubner) — немецкий художник-абстракционист, связанный с послевоенными движениями Zero и Informel. Работы Граубнера известны своей сосредоточенностью на цвете и его связи с пространством и восприятием.
Граубнер учился в Кунстакадемии Дюссельдорфа у художника Георга Майстермана. В 1950-х годах он стал ассоциироваться с группой Zero, движением художников, которые стремились создать новую форму искусства, свободную от традиционных художественных условностей и сосредоточенную на использовании нетрадиционных материалов.
В 1960-х годах Граубнер начал создавать свои фирменные «цветопространственные тела» — большие холсты, которые крепились на расстоянии от стены и заполнялись толстым слоем пигмента. Эти работы были созданы для восприятия как трехмерные объекты, которые были одновременно картинами и скульптурами, и часто создавали ощущение глубины и пространственной двусмысленности.
Работы Граубнера широко выставлялись в Европе и США, и на протяжении всей своей карьеры он был удостоен многочисленных наград и премий. Он также преподавал в нескольких художественных школах, в том числе в Kunstakademie Дюссельдорфа и Stedelschule во Франкфурте.
Новаторский подход Граубнера к живописи и его исследование взаимосвязи между цветом, пространством и восприятием продолжают оказывать важное влияние на современное искусство.
Кит Харинг (англ. Keith Haring) был выдающимся американским художником, чьё творчество оказало заметное влияние на уличную культуру 1980-х годов. Он известен своими яркими, динамичными изображениями и символами, которые отражают социальные и политические темы того времени. Харинг прославился благодаря своей способности общаться с аудиторией через искусство, делая его доступным и понятным широкому кругу людей.
Особенностью творчества Харинга является его уникальный стиль, сочетающий элементы граффити, поп-арта и арт-брют. Художник использовал контрастные цвета и простые линии для создания визуально привлекательных работ, которые невозможно спутать ни с чем другим. Его произведения часто содержат образы танцующих фигур, летающих тарелок и различных символов, что делает их узнаваемыми и любимыми среди поклонников искусства по всему миру.
Некоторые из самых известных работ Харинга можно найти в ведущих музеях и галереях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже. Его искусство не только занимает важное место в истории современного искусства, но и продолжает вдохновлять новые поколения художников.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на наши обновления, чтобы не пропустить информацию о продажах новых продуктов и аукционных мероприятиях, связанных с Китом Харингом. Подписка обеспечит вас самой актуальной информацией, помогая оставаться в курсе всех значимых событий, связанных с этим выдающимся художником.
Эрвин Герих (нем. Erwin Heerich) — немецкий художник и скульптор.
В начальный период творчества Э. Герих создаёт стилизованные скульптуры животных, рисунки и графические изображения растений и различных предметов. Начиная с 1959 он становится автором картонных пластических работ, рисунков и графических произведений. Выставки работ Гериха проходили в художественных музеях и галереях Бонна, Дюссельдорфа, Берлина, Крефельда, Кёльна, Бонна, Дуйсбурга, Леверкузена и других городов Германии, а также Нью-Йорка, Питтсбурга, Токио, Каира и др. В 1964 году скульптор участвует в выставке современного искусства в родном Касселе, на которой были представлены 10 его скульптур из картона. Он был также участником XII биеннале в Сан-Паулу. За свою художественную деятельность Э. Герих был отмечен многочисленными наградами и премиями.
Дэвид Хокни (англ. David Hockney) — выдающийся британский художник, чьи работы оказали значительное влияние на искусство 20-го века. Родившийся в 1937 году, Хокни прославился как живописец, график, декоратор, и фотограф. Его уникальный стиль, объединяющий элементы поп-арта и кубизма, сделал его одним из самых узнаваемых художников современности.
Особенностью творчества Хокни является его стремление к экспериментам с перспективой и цветом, что привносит в его работы неповторимое ощущение глубины и яркости. Художник известен своими портретами и пейзажами, в которых он исследует отношения людей с окружающим миром. Среди самых известных работ Хокни — серия картин "Бассейны", которая считается одной из визитных карточек художника.
Дэвид Хокни активно применяет в своём искусстве и новые технологии, например, создавая работы на iPad. Это подчёркивает его открытость к новым методам выражения и желание исследовать границы визуального искусства. Его произведения находятся в многочисленных музеях и галереях по всему миру, включая Тейт в Лондоне и Музей современного искусства в Нью-Йорке.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, творчество Дэвида Хокни остаётся вечным источником вдохновения и объектом для изучения. Хокни не просто художник; он — явление в мире искусства, которое продолжает влиять на поколения художников.
Приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Дэвидом Хокни, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим ключевым словом. Это уникальная возможность оставаться в курсе всех событий, связанных с наследием великого художника.
Томас Хубер (Thomas Huber) — современный швейцарский художник, известен своими масштабными проектами и уникальным взглядом на концептуальное искусство. Он изучал живопись в Школе прикладного искусства в Базеле, затем продолжил обучение в Королевском колледже искусств в Лондоне и Государственной художественной академии в Дюссельдорфе. С начала 1980-х годов работы Томаса Хубера выставлялись в ведущих международных учреждениях и музеях, таких как Центр Помпиду в Париже, Кунстхаус в Цюрихе и МАМКО в Женеве. Его проекты часто исследуют взаимосвязь между пространством, текстом и изображением, представляя собой глубокие философские размышления о природе искусства и восприятия.
Одной из заметных работ Томаса Хубера является серия «Лаго Маджоре». Эта серия включает в себя как крупные масляные картины, так и акварели, создающие погружение в пейзажи озера Маджоре. Характерной чертой работ является отсутствие видимых следов кисти и человеческого присутствия, что создает чистые и совершенные образы природы.
Томас Хубер также известен своей активной образовательной и общественной деятельностью. Он был профессором в Университете изящных искусств в Брауншвейге и председателем Союза немецких художников. За свою карьеру Хубер получил множество наград, включая Премию Мерет Оппенхайм и Премию фонда Хейтланд.
Многие известные работы Томаса Хубера находятся в различных музеях и галереях, подтверждая его вклад в современное искусство. Его проекты часто продаются на аукционах, привлекая коллекционеров и ценителей искусства со всего мира.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и хотите узнавать об обновлениях, связанных с Томасом Хубером, включая новые продажи произведений и аукционные мероприятия, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам быть в курсе последних событий и не пропустить уникальные возможности приобрести работы этого выдающегося художника.
