Фотография — A1184: Photography
Андреас Гурски (нем. Andreas Gursky) — известный немецкий фотограф, чьи работы выделяются на фоне современного искусства благодаря их масштабности и уникальному подходу к композиции. Андреас Гурски известен своими огромными фотографиями, на которых изображены архитектурные и пейзажные сцены, выполненные с высокой точки наблюдения. Его фотографии достигают высоких цен на арт-рынке, а работа «Рейн II» была продана за рекордные $4 338 500 в 2011 году.
Андреас Гурски начал свою карьеру, смешивая структурные подходы с традициями северной пейзажной живописи, переходя к грандиозным городским пейзажам и интерьерам, формируемым современной жизнью. Его работы характеризуются уникальными стратегиями композиции, которые создают драматичные изображения на грани репрезентации и абстракции.
В своем творчестве Андреаса Гурски часто исследует потребительскую культуру и загруженность современной жизни, применяя цифровую манипуляцию для усиления или изменения своих изображений.
Если вас интересует искусство Андреаса Гурски, подпишитесь на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж его работ и аукционных событий, связанных с этим выдающимся фотографом.
Бернд и Хилла Бехер (нем. Bernd und Hilla Becher) — пара немецких фотографов, известных своими фронтальными фотографиями промышленных объектов.
Чтобы придать фотографиям характер «объективного» документального фильма, все они сделаны в соответствии с одним и тем же неизменным протоколом: нейтральный свет (пасмурное небо), и каждая фотография в одной серии скомпонована одинаково (угол зрения и кадрирование). К этому следует добавить использование черно-белого цвета, телеобъектива, чтобы избежать искажений, камеры Linhof 8x10, а также специфическую презентацию работ, сохранявшуюся на протяжении многих лет.
Преобладает одна эстетическая характеристика: сфотографированные конструкции выглядят как геометрические или извилистые формы, которые повторяются на протяжении всей серии. Этот феномен серийности характерен для фотоконцептуального синтаксиса, который они применяют в своих работах. Совершенно нейтральные фотографии, таким образом, изолируют инфраструктуру.
Работы Бехеров играют определенную роль в укреплении общественного интереса к промышленному наследию.
Митчелл Эпштейн (англ. Mitchell Epstein) — американский фотограф высокого искусства, одним из первых начавший широко использовать цвет.
Работы Эпштейна широко выставлялись и публиковались в США и Европе, были собраны многочисленными крупными музеями, включая нью-йоркский Музей современного искусства и Музей американского искусства Уитни, Музей Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе, Музей современного искусства в Сан-Франциско и Тейт Модерн в Лондоне.
Льюис Хайн (англ. Lewis Wickes Hine) — американский фотограф, социолог и документалист, который использовал свою камеру как инструмент для социальных изменений.
Фотографии Хайна сыграли важную роль в изменении законов о детском труде в США, а его снимки использовались в качестве доказательств в судебных делах и на слушаниях в Конгрессе. Он верил, что фотография может быть мощным инструментом социальных реформ, и использовал свою камеру, чтобы подчеркнуть несправедливость и трудности, с которыми сталкиваются американцы из рабочего класса.
Помимо работы фотографом, Хайн также был преподавателем и защитником искусства. Он преподавал в Школе этической культуры в Нью-Йорке, где призывал своих учеников использовать фотографию как средство социального комментария.
Наследие Хайна как фотографа и общественного деятеля продолжает вдохновлять поколения художников и борцов за социальную справедливость. Его фотографии считаются ценным историческим свидетельством жизни начала XX века, а его стремление использовать искусство как средство социальных изменений остается ярким примером того, какую роль художники могут играть в формировании общества.
Нан Голдин (англ. Nan Goldin) — американская фотограф и активистка. Она известна своими интимными и провокационными работами, которые часто исследуют подкультуры ЛГБТ, моменты интимности, кризис ВИЧ/СПИДа и эпидемию опиоидов. Её наиболее известное произведение — "Баллада о сексуальной зависимости" (1986), документирующая пост-Стоунволльскую гей-субкультуру, включая её семью и друзей.
Нан Голдин начала документировать постпанковскую новую волну и оживлённую гей-субкультуру Нью-Йорка конца 1970-х и начала 1980-х годов, особенно привлекаясь к подкультуре тяжёлых наркотиков в районе Боуэри. Эти фотографии, сделанные между 1979 и 1986 годами, образуют её слайд-шоу «Баллада о сексуальной зависимости», позже опубликованное в виде книги. Её работы, часто представленные в форме слайд-шоу, документируют любовь, гендер, быт и сексуальность, затрагивая культуру одержимости и зависимости.
С течением времени её фотографии перешли от изображений опасной молодёжной безрассудности к сценам родительства и семейной жизни в различных мировых контекстах. Голдин продолжает проживать и работать в Нью-Йорке, Париже и Лондоне. Её работы выставлялись в таких местах, как Музей современного искусства (MoMA), и она является основателем группы активистов P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now).
Если вам интересны обновления, связанные с Нан Голдин, и вы хотели бы получать уведомления о новых продажах произведений и аукционных мероприятиях, подпишитесь на наши обновления. Обещаем отправлять только актуальную информацию, связанную с творчеством Нан Голдин.
Ральф Петерс (нем. Ralf Peters) — современный немецкий фотограф.
Ральф Петерс — концептуальный фотограф, который создает визуальные исследования мест и объектов, часто в тематических сериях. Игриво перемещаясь между фантазией и реальностью, Петерс манипулирует цифровыми изображениями, чтобы бросить вызов зрителю концепции традиционной фотографии, поднимая вопрос о том, является ли что-то реалистичным изображением или умело манипулированным видением.
Ральф Петерс (нем. Ralf Peters) — современный немецкий фотограф.
Ральф Петерс — концептуальный фотограф, который создает визуальные исследования мест и объектов, часто в тематических сериях. Игриво перемещаясь между фантазией и реальностью, Петерс манипулирует цифровыми изображениями, чтобы бросить вызов зрителю концепции традиционной фотографии, поднимая вопрос о том, является ли что-то реалистичным изображением или умело манипулированным видением.
Ральф Касперс (нем. Ralf Kaspers) — современный немецкий фотограф.
Его привлекают и монументальные темы (природа, городские пейзажи, архитектура), и орнаментальный микрокосм, состоящий из бесчисленных комбинаций одинаковых мелких предметов.
Постоянная смена тем и сюжетов позволяет автору детально исследовать важнейшие художественные категории, такие как форма, фактура, ритм.
Ральф Касперс (нем. Ralf Kaspers) — современный немецкий фотограф.
Его привлекают и монументальные темы (природа, городские пейзажи, архитектура), и орнаментальный микрокосм, состоящий из бесчисленных комбинаций одинаковых мелких предметов.
Постоянная смена тем и сюжетов позволяет автору детально исследовать важнейшие художественные категории, такие как форма, фактура, ритм.
Ральф Касперс (нем. Ralf Kaspers) — современный немецкий фотограф.
Его привлекают и монументальные темы (природа, городские пейзажи, архитектура), и орнаментальный микрокосм, состоящий из бесчисленных комбинаций одинаковых мелких предметов.
Постоянная смена тем и сюжетов позволяет автору детально исследовать важнейшие художественные категории, такие как форма, фактура, ритм.
Штефан Калуца (нем. Stephan Kaluza) — выдающийся немецкий фотохудожник, живописец и писатель. Он изучал историю искусства в Дюссельдорфской академии искусств и философию в Университете Генрихе Гейне в Дюссельдорфе. Штефан Калуца проживает и работает в Дюссельдорфе, где создает свои уникальные произведения, часто окутанные атмосферой отдаленности, недоступности и поэтической меланхолии.
Его живописные работы поражают глубиной и многогранностью, представляя собой гиперреалистичные или почти абстрактные изображения природы, лесов и водных поверхностей. Часто на первый взгляд идиллические пейзажи Штефана Калуцы оказываются наполненными скрытыми смыслами, размышлениями о природе творения и вопросах, что стоит за видимым.
Работы Штефана Калуцы включены в коллекции множества музеев и частных собраний по всему миру, в том числе в Арп Музее в Ремагене, Тойтлофф Коллекции в Билефельде, Группе Артемис Франсуа Пино в Париже, Коллекции Муньоса в Мадриде, Музее искусств Кванджу в Южной Корее, Музее современного искусства Портленда в Орегоне, США, и Людвиг Музее в Кобленце.
Его выставки, как персональные, так и групповые, проходили в различных странах и на различных площадках, включая Галерею Михаэля Шульца в Берлине, Галерею Вилли Шутса в Эйндховене, Галерею Ван дер Штратен в Амстердаме и многие другие. Калуца также участвовал в многочисленных групповых выставках, в том числе в проекте «Рейнпроект» в Арп Музее в Ремагене и в выставке «Сердце Землетрясения» в Музее Швах в Иерусалиме.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата и хотите узнавать о новых работах и событиях, связанных с Штефаном Калуцей, подписывайтесь на обновления. Это позволит вам быть в курсе последних новостей и мероприятий, связанных с творчеством этого уникального художника.
Вито Аккончи (итал. Vito Acconci) — американский художник, дизайнер и архитектор. Он наиболее известен своими новаторскими работами в области перформанса и провокационными инсталляциями, исследующими взаимоотношения между человеческим телом и пространством.
Аккончи получил степень бакалавра искусств в колледже Святого Креста в 1962 году. Позже он получил степень магистра изящных искусств в Университете Айовы.
В конце 1960-х — начале 1970-х годов Аккончи стал известен своими новаторскими перформансами, в которых художник часто подвергал собственное тело различным формам физического и психологического стресса.
В 1980-х и 1990-х годах Аккончи переключил свое внимание на искусство инсталляций, создавая иммерсивные среды, которые бросали вызов восприятию зрителями пространства и собственного тела. Он также работал как дизайнер и архитектор, создавая общественные скульптуры и здания по всему миру.
Работы Аккончи выставлялись в крупнейших музеях и галереях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Венецианскую биеннале. За свой вклад в современное искусство он получил множество наград и премий, включая медаль Скоухегана за скульптуру в 1995 году.
Его наследие как влиятельного и провокационного художника продолжает ощущаться в мире современного искусства и сегодня.
