Картины — Art & Design : un certain regard sur le XXè siècle
Фредерик Артур Бриджмен (англ. Frederick Arthur Bridgman) — американский художник. Он был известен своими картинами, написанными в стиле ориентализма.
Фредерик Артур Бриджмен изучал искусство в Бруклинской художественной ассоциации и Национальной академии дизайна в Нью-Йорке. В 1866 году он отправился в Париж для продолжения учебы в Школе изящных искусств. Там он работал в студии Жана-Леона Жерома, который в то время был ведущим художником-востоковедом. Бриджмен писал сцены повседневной жизни в этих местах, а также исторические и религиозные сюжеты. Его картины отличались яркими красками, вниманием к деталям и драматическими композициями.
Анри Эмильен Руссо (фр. Henri Émilien Rousseau) — французский живописец, график и иллюстратор, наиболее известен своими ориенталистскими сценами с изображением лошадей и всадников.
Анри Эмильен Руссо (фр. Henri Émilien Rousseau) — французский живописец, график и иллюстратор, наиболее известен своими ориенталистскими сценами с изображением лошадей и всадников.
Анри Эмильен Руссо (фр. Henri Émilien Rousseau) — французский живописец, график и иллюстратор, наиболее известен своими ориенталистскими сценами с изображением лошадей и всадников.
Гюстав Кларанс Родольф Буланже (фр. Gustave Clarence Rodolphe Boulanger) — французский художник-академист, известный своими реалистичными изображениями классической и восточной тематики. Он родился в Париже и обучался живописи в Парижской Школе изящных искусств, где получил образование у Поля Делароша и Пьера-Жюля Кавалье.
Его работы отражают различные темы, включая сцены из древнего Рима, восточные мотивы, а также портреты и исторические сюжеты. Буланже известен своей техникой и вниманием к деталям, что делает его работы популярными среди коллекционеров и ценителей искусства.
Одним из его наиболее известных произведений является картина «Святой Себастьян и император Максимилиан» (1877). Другие работы Гюстава Буланже, такие как «Рынок рабов» (1882) и «Фрина» (1876), демонстрируют его способность создавать мощные и выразительные изображения с использованием сложной композиции и богатого цвета.
Его работы можно увидеть в различных музеях и частных коллекциях, что подтверждает его значимость в мире искусства. Если вы хотите получать уведомления о новых выставках и аукционах, посвященных Гюставу Буланже, подпишитесь на наши обновления.
Морис Дени (фр. Maurice Denis), выдающийся французский художник постимпрессионист и символист, оставил неизгладимый след в истории искусства. Родившийся в 1870 году в Гранвиле, Дени с самого детства проявлял интерес к искусству и религии, впоследствии соединив эти страсти в своем творчестве.
Дени стал ключевым фигурантом художественной группы "Наби", выступив ее главным теоретиком. Его работы отличались простотой форм, мягкостью линий и бледностью красок. Характерной чертой его творчества было преклонение перед женщиной и идеализация женских образов, что нашло отражение во многих его произведениях.
Среди известных работ Дени — картины "Путь на Голгофу" (1889), "Приношение на Голгофе" (1890), "Апрель" (1892), "Ландшафт с зелеными деревьями" (1893), "Музы" (1893), "Танцоры" (1905) и "Желтый кот" (1915). Эти и многие другие произведения Дени демонстрируют его особое внимание к религиозной тематике и использование символистических мотивов.
Дени также активно занимался писательской деятельностью, опубликовав несколько значимых теоретических работ по искусству. Его книги "Теории" (1912), "Новые теории" (1922) и "История религиозного искусства" (1939) оказали значительное влияние на молодых художников того времени.
Важным аспектом его жизни были путешествия. Они не только вдохновляли Дени на создание новых произведений, но и позволяли ему изучать различные культуры и художественные традиции. Например, в 1890 году он познакомился со своей будущей женой и музой Мартой Мёрье, которая стала главной героиней многих его работ.
Творчество Мориса Дени можно увидеть во многих мировых музеях и галереях, включая Государственный Эрмитаж и музей Орсэ. Его работы продолжают вдохновлять художников, искусствоведов и коллекционеров по всему миру.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых событий, связанных с творчеством Мориса Дени, включая продажи произведений и аукционные мероприятия.
Моисей Кислинг (фр. Moïse Kisling), выходец из Польши, зарекомендовал себя как выдающийся французский художник Парижской школы. Его талант в области живописи получил признание благодаря уникальному стилю, объединяющему элементы сюрреализма в изображении обнаженного женского тела и портретов, что принесло ему широкую известность. Кислинг переехал в Париж в 1910 году, где и присоединился к кругу известных художников в Монмартре и позже в Монпарнасе. Его творчество нашло отклик среди современников, включая близкое дружеское общение с Амедео Модильяни, который создал портрет Кислинга в 1916 году, сейчас хранящийся в Musee d'Art Moderne.
Работы Кислинга отражают его исключительную способность передавать красоту и тонкость человеческой фигуры, что сравнимо с творчеством Марка Шагала в пейзажах. Некоторые из его знаковых произведений включают "Портрет Жана Кокто", "Кики де Монпарнас в красном джемпере и голубом шарфе", "Молодая датчанка", а также "Большая обнаженная Жосан на красной кушетке".
Кислинг активно участвовал в художественной жизни Парижа, его работы регулярно экспонировались на различных выставках, в том числе и в международном масштабе, например, выставка «Кислинг, великая фигура Парижской школы» в Токийском музее изобразительных искусств в 2019 году демонстрировала его значимость и влияние на мировую культуру и искусство.
Коллекционерам, экспертам в области искусства и антиквариата, заинтересованным в наследии Моисея Кислинга, предлагаем подписаться на обновления, чтобы не упустить информацию о продажах новых работ и аукционных событиях, связанных с этим знаменитым художником. Это прекрасная возможность погрузиться в мир культуры, искусства и уникального творчества Кислинга, чьи работы продолжают вдохновлять и поражать своей красотой и глубиной.
Андре Дерен (фр. André Derain) был выдающимся французским художником, известным своей ролью в развитии фовизма и кубизма. Родившись в 1880 году в Шату, Франция, он начал свою художественную карьеру после отказа от инженерных учебных заведений, посещая Академию Каррьера и делая наброски в Лувре. На его ранние работы сильно повлияли Поль Сезанн и Винсент ван Гог. Особенно важным было лето 1905 года, проведенное в Кольуре с Анри Матиссом, где Дерен начал использовать пуантилистическую технику. Этот период работы Дерена характеризовался яркими, неестественными цветами и простыми формами, что было характерно для фовистского стиля.
Среди его наиболее известных работ - "Порт Лондона" (1906) и "Порт Кольур" (1905). Эти и другие работы Дерена были высоко оценены в его время, и он сотрудничал с такими галеристами, как Воллард и Канвейлер. После Первой мировой войны, в которой он участвовал, стиль Дерена стал более классическим, с ощутимым влиянием Коро и других мастеров классицизма.
Однако карьера Дерена имела и спорные моменты. Во время Второй мировой войны он принял приглашение посетить Германию, что привело к обвинениям в сотрудничестве с нацистами после освобождения Франции. Это повлияло на его репутацию в последние годы жизни.
Творчество Дерена оказало значительное влияние на искусство 20-го века, особенно его роль в развитии фовизма и кубизма, а также в его экспериментах с африканским искусством и примитивизмом. Его работы представлены во многих музеях и галереях по всему миру, включая Национальную галерею Австралии, Музей Кантини в Марселе и Музей современного искусства в Труа.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, подписка на обновления, связанные с Андре Дереном, позволит вам быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с этим знаменитым художником.
Андре Лот (фр. André Lhote) — выдающийся французский художник, теоретик и педагог, чьё имя неразрывно связано с кубизмом. Андре Лот начал своё обучение в области декоративных искусств, прежде чем полностью переключиться на живопись. Его работа отмечена влиянием таких мастеров, как Поль Гоген и Поль Сезанн, и уже к 1910 году он окончательно склонился к кубизму, вступив в группу Section d’Or.
Андре Лот активно участвовал в художественной жизни Парижа, проводя выставки и публикуя теоретические работы о кубизме. После Первой мировой войны он занялся педагогической деятельностью, основав в 1922 году собственную академию в Монпарнасе. Среди его студентов были многие известные художники, включая Анри Картье-Брессона.
За свою жизнь Андре Лот получил множество наград, включая Grand Prix National de Peinture в 1955 году, и был назначен президентом Международной ассоциации художников, граверов и скульпторов при ЮНЕСКО. Его вклад в искусство кубизма и образование в области изобразительного искусства продолжает оказывать влияние на современников и последующие поколения художников.
Если вы интересуетесь искусством и хотели бы узнавать о новых экспонатах и аукционах, связанных с Андре Лотом, подпишитесь на наши обновления.
Анри Лебаск (фр. Henri Lebasque) — французский художник, известный своим вкладом в развитие импрессионизма и постимпрессионизма в искусстве. Он родился в Шампинье (Мен и Луара) и получил образование в École régionale des beaux-arts в Анже, а затем переехал в Париж, где учился у Леона Бонна и работал с Фердинандом Юмбером над муралами в Пантеоне. Лебаск сотрудничал с такими художниками, как Камиль Писсарро и Огюст Ренуар, которые оказали значительное влияние на его творчество.
Анри Лебаск был одним из основателей Осеннего Салона в 1903 году и участником Салона независимых. Его работы представлены во многих французских музеях, включая Музей Орсе в Париже и Музей изящных искусств в Лилле. Лебаск также известен своими путешествиями на юг Франции, которые радикально изменили его палитру и стиль.
Он создал множество произведений, в том числе живописные полотна и литографии, и его работы можно увидеть в публичных коллекциях по всему миру. Среди его известных работ — «Баньянтис в Пьерфоне», «Закат над Пон-Авеном» и «Сад» в Фондации Бемберг в Тулузе.
Если вас интересует искусство Анри Лебаска и вы хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим художником, подпишитесь на наши обновления. Мы будем информировать вас только о наиболее значимых событиях в мире искусства, связанных с Анри Лебаском.
.jpg)
Альбер Глез (фр. Albert Gleizes) был французским художником, философом и одним из теоретиков кубизма, который внес значительный вклад в развитие этого направления в искусстве. Родившийся в Париже в 1881 году, Глез начал свой творческий путь под влиянием постимпрессионизма, однако его стиль эволюционировал к более геометрическим и абстрактным формам, что привело его к кубизму.
В период с 1908 по 1909 годы, под влиянием Жана Метценже и Анри Ле Фоконье, Глез разработал упрощенный геометрический стиль живописи. Эта эволюция привела его к созданию "угловатых" картин, которые были выставлены в Салоне Независимых в Париже в 1910-1911 годах. Со временем он все больше приближался к аналитическому кубизму, а затем к синтетическому, создавая свои первые абстрактные произведения.
Одним из важных достижений Глеза было введение термина "кубизм" в 1912 году, что помогло укрепить это направление как ключевое течение в искусстве начала XX века. В 1951 году, когда популярность кубизма уже утвердилась, Глезу был присужден Гран-при на биеннале в Ментоне, что стало признанием его вклада в искусство.
Среди известных работ Глеза можно выделить "Портрет Жака Нейрала" (1911), "Пейзаж" (1914), "Портрет Игоря Стравинского" (1914), и "Акробаты" (1916). Эти произведения демонстрируют его уникальный подход к кубизму и абстракции.
Для любителей и коллекционеров искусства, а также экспертов в области антиквариата, изучение жизни и творчества Альбера Глеза представляет особый интерес. Подписавшись на обновления, вы сможете узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с этим выдающимся художником.
Бернар Бюффе (фр. Bernard Buffet), французский художник, знаменит своим уникальным стилем, сочетающим модернизм и салонное искусство, родился в Париже в 1928 году. Его творчество получило известность благодаря меланхоличным и мрачным работам, отражающим послевоенную атмосферу Франции. Бюффе известен своими портретами, натюрмортами и жанровыми картинами с характерными угловатыми фигурами и скудными интерьерами, созданными в нарочито неуютном стиле. Кроме того, его религиозные композиции шокировали публику своей приземленной обыденностью.
Он был близок к неореалистическим тенденциям, но критики часто относили его к течению мизерабилизма, в котором Бюффе стал ключевой фигурой. В дальнейшем его работы приобрели яркие, но все еще сдержанные красочные акценты, часто превращаясь в большие панно, составляющие многочисленные серии, такие как "Страсти Христовы", "Цирк", "Парижские пейзажи", "Жанна д'Арк", "Птицы", "Ад из «Божественной комедии» Данте" и многие другие. Его стиль оставался жестким и графически острым, как и его характерная подпись.
Бюффе также активно работал в области гравюры, создавая иллюстративные циклы к текстам известных писателей, таких как Лотреамон, Жан Кокто и Франсуаза Саган. С 1964 года художник начал переводить отдельные мотивы своих картин в скульптуру, расширяя тем самым границы своего творческого влияния.
Известный за свои вклады в искусство, Бюффе был женат на писательнице и певице Аннабель Бюффе и являлся членом жюри Каннского кинофестиваля 1958 года. Его работы выставляются в ведущих музеях и галереях по всему миру, включая музей, посвященный его творчеству, открытый в Японии в 1973 году.
Приглашаем всех коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Бернаром Бюффе, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях, посвященных этому выдающемуся художнику.
Джино Северини (итал. Gino Severini) — итальянский художник, прославившийся своим вкладом в футуризм и кубизм. Он родился в Италии и большую часть своей жизни провел между Парижем и Римом, создавая работы, которые стали знаковыми для движений искусства XX века. Джино Северини часто выбирал тему танцоров для выражения динамизма в искусстве.
В послевоенные годы он отошел от футуризма, склонившись к кубизму и неоклассицизму, исследуя баланс и пропорции в своих работах. В 1920-е годы он получил заказы на фрески и мозаики, включая работы для замка Монтефугоны и участие в Биеннале в Риме и Венеции.
В более поздние годы стиль Джино Северини стал полуабстрактным, возвращаясь к темам футуризма, таким как танцоры и движение. Он получил многочисленные заказы на оформление общественных и частных пространств, в том числе для авиакомпаний KLM и Alitalia в Риме и Париже.
Вдохновленный мозаиками раннего Византия, Джино Северини в своих поздних работах часто обращался к этому искусству, объясняя, что процесс создания мозаики позволял ему вдумчиво подходить к выражению своих идей, подобно тому как Поль Сезанн наносил краску на холст.
Джино Северини играл ключевую роль в искусстве модернизма, оставив после себя богатое наследие в виде картин, мозаик и фресок, которые продолжают вдохновлять историков искусства и коллекционеров по всему миру. Его работы выставляются в ведущих музеях, включая MoMA в Нью-Йорке, где представлено несколько его значительных произведений.
Для тех, кто интересуется искусством и хотел бы получать обновления о новых продажах и аукционных событиях, связанных с Джино Северини, рекомендуем подписаться на наши обновления. Это отличный способ оставаться в курсе последних новостей и иметь возможность приобрести уникальные произведения искусства.
Жан Дюфи (фр. Jean Dufy) — французский художник конца XIX – первой половины XX веков. Он известен как живописец и дизайнер, работавший в разных стилях, включая кубизм и фовизм. Современники ценили талант колориста Дюфи, который постоянно экспериментировал с цветами, находя вдохновение, в частности, в джазовой музыке.
Жан Дюфи на своих картинах, которые он писал маслом и акварелью, предпочитал изображать жизнь Парижа. Одна из его излюбленных тем — зрелища, особенно цирк. Дюфи также был востребован как дизайнер. В течение 30 лет он разрабатывал дизайн изделий из фарфора, а в 1925 году на Международной выставке декоративного искусства Дюфи был удостоен золотой медали за дизайн фарфорового сервиза «Замки Франции». Жан Дюфи также помогал своему брату Раулю Дюфи создавать фреску площадью 600 квадратных метров для павильона электричества на Всемирной выставке 1937 года в Париже.
Работы Жана Дюфи выставлялись в престижных музеях и галереях на протяжении всей его карьеры. В наши дни его картины хранятся в публичных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Центра Помпиду в Париже, Галереи Альбертина в Вене и других мировых центрах искусства.
Леопольд Сюрваж (фр. Léopold Survage), настоящее имя — Леопольд Фридрих Штюрцваге (фран. Leopold Friedrich Sturzwage) — русский и французский художник финско-датского происхождения, был близок к Парижской школе.
Леопольд Сюрваж (фр. Léopold Survage), настоящее имя — Леопольд Фридрих Штюрцваге (фран. Leopold Friedrich Sturzwage) — русский и французский художник финско-датского происхождения, был близок к Парижской школе.
Ганс Хартунг (нем. Hans Hartung) — французский художник XX века, известный своей изящной каллиграфической живописью. Творчество Ганса Хартунга отличается двойственностью, обладая чертами искусства, и некой альтернативой. Картины мастера, исполненные в манере ташизма, отражают глубинные процессы человеческой психики и вызывают ассоциации с природными стихиями.
