Мифологическая живопись Символизм
Арнольд Бёклин (нем. Arnold Böcklin) — известный швейцарский художник XIX века, один из основоположников символизма, создавший новую эстетику в европейском изобразительном искусстве и виртуозно объединивший в произведениях разные стили: романтизм, классицизм, барокко. Творчество Арнольда Бёклина, как и биография мастера, отходит от исторических тривиальностей. Его картины, яркие и контрастные, сочетают возвышенное и смешное, вызывают резонанс с внутренним воображением зрителя.
Эжен Берман (фр. Eugène Berman) — американский художник и сценограф русского происхождения, связанный с движениями сюрреализма и неоромантизма.
Работы Эжена Бермана часто изображали мечтательные пейзажи, архитектурные сооружения и загадочные фигуры. Берман был известен своим тщательным вниманием к деталям, богатой цветовой палитрой и ощущением театральности в своих композициях.
В своих картинах Берман создавал мир поэтической и таинственной атмосферы, вызывая чувство меланхолии и самоанализа. Его сюжеты часто включали мифологические или аллегорические фигуры, руины и сценические декорации. Его работы имели сюрреалистическое качество, смешивая реальность и воображение.
Эжен Берман также внес значительный вклад в создание декораций для театральных постановок, особенно в сотрудничестве со своей женой, Леонорой Каррингтон, известной художницей-сюрреалисткой. Их совместное художественное видение привносило на сцену сюрреалистические и фантастические элементы, усиливая общее театральное впечатление.
Уильям Блейк (англ. William Blake) — знаменитый английский художник эпохи Романтизма XVIII-XIX веков, произведения которого будоражат фантазию, отображая хаос и противоречие окружающего мира. Картины Уильяма Блейка не похожи на другие творения той эпохи: живописец не следовал за модой. Художник использовал акварель и бумагу вместо привычных масла и холста. Блейк отображал в своих произведениях собственное видение мира. Популярные на тот момент пейзажи и портреты его не особо интересовали. Чаще художник запечатлевал исторические моменты и сюжеты из Библии. Творчество Уильяма Блейка современники не понимали. Одни считали его безумцем, другие и вовсе игнорировали. Лишь спустя долгое время после смерти живописца люди начали смотреть на его картины иначе, разгадывая их смысл.
Константин Фёдорович Богаевский был русским художником, известным своими символистскими пейзажами. Родившись в 1872 году в Феодосии, он прославился благодаря своему уникальному видению природы и мастерству воплощения мечты в реальность на холсте. Специфический стиль Богаевского выделяется необычным освещением и экспрессивным небом, вдохновлённым работами Бёклина и Климта. Его картины, такие как "Последние лучи", "Старый Крым", "Древняя крепость", отражают глубокую связь художника с крымскими пейзажами и античной историей региона.
Богаевский активно участвовал в художественной жизни начала XX века, будучи членом "Мира искусства" и Союза русских художников. Его работы выставлялись на множестве значимых выставок, в том числе на организованной Сергеем Дягилевым экспозиции русского искусства. Визит в Италию в 1911 году оказал сильное влияние на творчество Богаевского, вдохновив его на создание серии работ, где он исследовал темы археологического пейзажа и маньеризма.
В своём творчестве Константин Фёдорович обращался к философским темам одиночества и малости человека, что нашло отражение в его символистских пейзажах. Во время работы на Днепрострое он создал ряд знаменитых рисунков и акварелей, а также спас несколько произведений Айвазовского во время гражданской войны.
Многие произведения Богаевского сегодня можно увидеть в ведущих музеях России, включая Государственный Русский музей, демонстрирующие его вклад в развитие русского и советского искусства. Его творчество остаётся вдохновением для последующих поколений художников.
Подписывайтесь на наши обновления, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Константином Фёдоровичем Богаевским.
Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов — выдающийся русский художник, чье имя занимает особое место в культуре и искусстве на рубеже XIX-XX веков. Его творчество отличается глубоким символизмом и поэтичностью, что делает его произведения уникальными в российской живописи.
Борисов-Мусатов родился в 1870 году и с ранних лет проявил интерес к изобразительному искусству. Поездки по Европе и обучение в Париже оказали значительное влияние на его стиль, в котором соединились элементы импрессионизма и модернизма. Особенностью его работ является стремление к гармонии и идеализации, что видно в таких известных картинах, как «Призраки» и «Водоём».
Его произведения находятся в ведущих музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей, где каждый посетитель может насладиться утонченностью и красотой его живописи. Борисов-Мусатов оставил после себя наследие, которое продолжает вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру.
Важность его работы для культуры и искусства трудно переоценить. Борисов-Мусатов не просто создавал картины; он вносил в живопись новые тенденции, объединяющие русский национальный колорит с европейскими художественными традициями.
Если вы интересуетесь искусством и хотели бы получать обновления о продажах новых продуктов и аукционных событиях, связанных с Виктором Эльпидифоровичем Борисовым-Мусатовым, подпишитесь на наши уведомления. Мы обещаем отправлять только актуальную и интересную информацию, которая позволит вам оставаться в курсе последних новостей в мире искусства.
Виктор Михайлович Васнецов, выдающийся русский художник, оставил заметный след в культуре и искусстве своего времени. Родившийся в семье священника, Васнецов изначально направлялся на духовное образование, однако встреча с художником Эльвиро Андриолли полностью изменила его жизненный путь. По совету Андриолли, Васнецов отправился в Санкт-Петербург, чтобы поступить в Академию художеств, что и определило его будущую судьбу художника.
Васнецов был тесно связан с движением передвижников и получил признание благодаря своим бытовым сюжетам, таким как «С квартиры на квартиру». Однако его истинное призвание проявилось в обращении к историческим и былинным темам, что принесло ему славу как создателю неорусского стиля в живописи. Картины «Богатыри», «Алёнушка», «Иван-Царевич на Сером Волке» и многие другие стали культовыми образами русской культуры.
Особое место в его творчестве занимают работы на религиозные темы, в том числе росписи для Владимирского собора в Киеве и храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге. Эти произведения демонстрируют его мастерство в области монументальной живописи и глубокое понимание религиозной тематики.
Васнецов также оказал влияние на другие виды искусства, включая архитектуру, где он выступил автором проекта фасада Третьяковской галереи. Несмотря на трудности последних лет жизни, Васнецов продолжал творить, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников и ценителей искусства.
Его работы хранятся в многих музеях и галереях по всему миру, а его вклад в русскую культуру и искусство остается неоценимым. Приглашаем всех, кто интересуется русским искусством и культурой, подписаться на обновления и не пропустить новые продажи произведений и аукционы, связанные с Виктором Михайловичем Васнецовым.
Михаил Александрович Врубель был выдающимся русским художником, чьё творчество оставило неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Омске в 1856 году, Врубель проявил себя не только как живописец, но и как мастер скульптуры и архитектурного декора. Его работы отличаются уникальным стилем, в котором переплелись элементы символизма и модерна, за что и получили признание среди знатоков искусства и антиквариата.
Особенностью творчества Врубеля является его стремление к созданию комплексных, насыщенных образов, где каждый элемент несёт глубокий смысл. Характерной чертой его живописи стала экспрессивная, насыщенная цветовая палитра, благодаря которой его произведения невозможно спутать с работами других художников. Врубель уделял большое внимание деталям, что делает его картины поистине живыми.
Среди наиболее известных работ Врубеля - "Демон сидящий", "Царевна-лебедь", которые сегодня можно увидеть в крупнейших музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Его вклад в искусство не ограничивается только живописью; Врубель также известен своими работами в области театрального декора и скульптуры, что делает его фигурой значимой для изучения в контексте культуры и искусства.
Признание Михаила Врубеля как одного из величайших художников своего времени неуклонно растёт, а интерес коллекционеров и экспертов к его творчеству не угасает. Мы приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новостей о продажах произведений искусства и аукционных событиях, связанных с Михаилом Врубелем. Это уникальная возможность углубить свои знания и расширить коллекцию эксклюзивными работами выдающегося мастера.
Герман Гендрих (нем. Hermann Hendrich) — немецкий художник последней четверти XIX – первой трети ХХ веков. Он известен как живописец, известный своими работами в романтическом и старогерманском стиле.
Гендрих вершиной своего творчества считал полотна и интерьер для «Вальпургиева зала» вблизи города Тале, созданные в 1901 году. Для «Зала Нибелунгов» на горе Драхенфельс, открытого в 1913 году в честь Рихарда Вагнера, он написал 12 полотен по древнегерманским легендам. Художник также создал иллюстрации к произведениям Гёте, а также экспозиции в «Зале немецких саг» в Золингене.
Гендрих был сооснователем союза Верданди, противостоявшего модернизму в искусстве. В его честь названа площадь в Берлине — Гендрихплац.
Густав Франсискус де Смет (фр. Gustave Franciscus De Smet) — бельгийский художник, писавший свои работы преимущественно в импрессионистском и экспрессионистском стилях. Ранние работы созданы под влиянием импрессионизма. Начиная с 1908 года художник жил и работал в городке Синт-Мартенс-Латем. В это время он находился под влиянием работ Эмиля Клауса. С началом Первой мировой войны в 1914 году бежал в Нидерланды. Здесь он познакомился с экспрессионистским искусством, что коренным образом изменило его творчество. Полотна этого периода мрачны, полны беспокойного движения. В 1922 году Де Смет вернулся в Бельгию, жил сперва в Генте, затем вернулся в Синт-Мартенс-Латем. Картины, написанные им в 1920-е — 1930-е годы, более оптимистичны, основной их темой стало изображение человека и его жизненных обстоятельств. Художник в конце своего творческого пути писал также пейзажи и городские виды; работы этого периода выполнены в реалистической манере.
Карл Вильгельм Дифенбах (нем. Karl Wilhelm Diefenbach) — немецкий художник конца XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец, график, представителем символизма и стиля модерн, а также как общественный деятель, создатель коммуны Химмельхоф.
Дифенбах получил известность как художник ещё в молодости. Он успешно зарабатывал, создавая иллюстрации к детским книгам и акварельные копии. В 1882 году он объявил о создании своёго собственного учения, которое включало в себя идеи о жизни в гармонии с природой, отказе от моногамии и религии, практике натуризма и вегатарианства. Художник тогда же создал знаменитое 68-метровое фризовое произведение «Per aspera ad astra». Статус крупного художника Дифенбах приобрёл на острове Капри, в то время как на родине его творчество было предано забвению.
Гюстав Доре (фр. Gustave Dore), полное имя Поль Гюстав Луи Кристоф Доре (Paul Gustave Louis Christophe Doré) — французский живописец, скульптор, график, иллюстратор и карикатурист.
Доре был очень трудолюбив и плодовит: он создал более 10 000 иллюстраций для художественных книг, а также Библии. Он украсил своими живыми рисунками произведения Рабле, Бальзака, Сервантеса, Данте и Мильтона, благодаря чему имя Доре было прославлено. У него был особый дар иллюстрировать природу и сказки.
Стефан Абель Зиндинг (норвж. Stephan Abel Sinding) — норвежский и датский скульптор.
Стефан родом из творческой семьи, его братья — композитор Кристиан Зиндинг и художник Отто Зиндинг. Он поступил в Королевский колледж рисования и изучал искусство у Альберта Вольфа в Берлине. Во Франции в 1874 году его впечатлили работы Огюста Родена и Поля Дюбуа, в результате Стефан Зиндинг отказался от популярного неоклассического направления того времени и перешел к стилю, вдохновленному Микеланджело, с плавными линиями, поднимая темы скандинавской мифологии, а также реальности и эротики.
Зиндинг создал множество реалистичных, но одновременно и глубоко символичных скульптур, одна из которых — «Мать в плену» — принесла ему Гран-при на Всемирной выставке в 1889 году.
В 1883 году Стефан Зиндинг переехал в Копенгаген, позже стал гражданином Дании и профессором Академии изящных искусств в Копенгагене. В 1910 году он поселился в Париже, где жил и работал до своей смерти в 1922 году. Он стал одним из самых известных скульпторов Норвегии наряду с Густавом Вигеландом.
Фердинанд Келлер (нем. Ferdinand Keller) — немецкий художник последней трети XIX – начала ХХ веков. Он известен как жанровый и исторический живописец, а также педагог.
Келлер заработал первый большой успех в 1867 году своей картиной «Смерть короля Филиппа II Испанского». В своих монументальных работах он воспевал исторические, династические и культурные эпизоды истории Германии и Бадена. Одной из известных его работ является картина «Апофеоз кайзера Вильгельма I», которую приобрёл кайзер Вильгельм II. Работы Келлера сегодня украшают залы театров, включая Баденский государственный театр и дрезденскую Оперу Земпера.
Фабрицио Клеричи (итал. Fabrizio Clerici) — итальянский художник, рисовальщик, иллюстратор, сценограф и архитектор.
Клеричи получил диплом архитектора, и большое влияние на него оказали античные памятники, живопись и архитектура эпохи Возрождения и барокко. В 1943 году Клеричи провел свою первую персональную выставку в миланской Галерее искусств Каирола, где были представлены рисунки, акварели, литографии и офорты. К этому же периоду относятся его первые книжные иллюстрации.
В 1947 году Клеричи начал плодотворную деятельность в театре, балете и опере с дебюта в качестве сценографа в постановке пьесы Джорджа Бернарда Шоу «Профессия миссис Уоррен». В следующем году он впервые принял участие в Венецианской биеннале. Там он познакомился с Сальвадором Дали и создал декорации и костюмы для «Орфея» Игоря Стравинского, шедшего в театре Ла Фениче. В 1949 году он создал масштабные архитектурные фантазийные картины.
Дальнейшая жизнь многогранного художника Фабрицио Клеричи была полна работой в самых различных сферах искусства, творческими успехами и выставками. Его работы выставлялись во многих музеях США, включая МоМА и Музей Гуггенхайма, а также во Франции, например, в Центре Помпиду.
Альфред Кубин (нем. Alfred Kubin) — выдающийся австрийский гравер, иллюстратор и литератор, яркий представитель символического и экспрессионистского направлений в изобразительном искусстве первой половины ХХ века. Произведения Альфреда Кубина переполнены фантасмагорическими и гротескными изображениями сновидений, мотивами опустошенности и страха.
Людвиг фон Лёффц (нем. Ludwig von Löfftz) — немецкий художник последней трети XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец и график, жанрист и пейзажист.
Людвиг фон Лёффц создавал свои произведения в стиле, близком к работам немецких и нидерландских живописцев XVI-XVII веков. Его работы отличались ясным рисунком, умелой игрой света и тени, а также глубоким сопереживанием событиям, изображаемым на холсте. Среди его известных работ — «Кардинал, играющий на органе», «Алчность и любовь», «Эразм и его школа», «Старушка», «Эвридика», «Менялы».
Василий Дмитриевич Милиоти (1875-1943) был знаменитым российским художником, активно участвовавшим в художественной жизни начала XX века. Родился и скончался в Москве, Милиоти не получил специального художественного образования, но занимался живописью под руководством своего брата Николая и учился на юридическом и историко-филологическом факультетах Московского университета. Его творчество отличалось уникальным стилем, сказочно-ирреальными темами и миниатюрно-узорчатым письмом, напоминающим орнаменты типа "павлиний глаз".
Милиоти активно участвовал в выставках таких объединений, как "Союз русских художников" и "Мир искусства", а также в знаменитой выставке "Голубая роза". Помимо живописи, он занимался графикой и сценографией, оформлял журналы "Весы" и "Золотое руно", где также выступал в качестве художественного критика. Некоторые из его работ хранятся в крупнейших музеях России, таких как Третьяковская галерея и Русский музей, что свидетельствует о важности его вклада в русское искусство.
В 1927 году Милиоти создал цикл рисунков к "Пиру во время чумы" А.С. Пушкина и продолжал писать романтические, малые по формату "сказки", а также картины по мотивам литературной и музыкальной классики, показывая их лишь узкому кругу друзей и не участвуя в выставках с того времени.
Василий Милиоти был также участником и секретарём "Союза русских художников" и заведовал издательским отделом журнала "Золотое руно".
Мы приглашаем всех, кто интересуется русским искусством и творчеством Василия Дмитриевича Милиоти, подписаться на наши обновления. Мы будем регулярно информировать вас о новых продажах произведений и аукционах, связанных с этим выдающимся художником.
Николай Дмитриевич Милиоти был выдающимся российским художником, широко известным своим вкладом в развитие русского символизма. Родившись в 1874 году в Москве, Милиоти провел большую часть своей жизни в эмиграции, особенно в Париже, где его творчество получило высокую оценку. В 1920-х годах он активно сотрудничал с известными деятелями культуры, такими как Поль Валери и Райнер Мария Рильке, и внес значительный вклад в развитие театрального искусства, создавая декорации и костюмы для спектаклей.
В 1938 году его автопортрет был приобретен французским правительством, что стало знаком признания его таланта. Милиоти также активно участвовал в благотворительности, жертвуя свои произведения в поддержку русской эмигрантской общины. Скончался художник в Париже в 1962 году, но его наследие продолжает жить: работы Милиоти экспонируются в музеях России и Европы, включая Государственную Третьяковскую галерею и музеи Парижа.
Творчество Николая Милиоти отличает глубокий символизм и особое внимание к деталям, что делает его произведения узнаваемыми и ценными среди коллекционеров и любителей искусства. Его участие в группе "Голубая роза" подчеркивает его вклад в развитие русского модернизма и символизма.
Если вас интересуют обновления и информация о продажах произведений Николая Дмитриевича Милиоти или аукционных событиях, связанных с его работами, подпишитесь на наши обновления. Мы гарантируем, что подписка позволит вам быть в курсе всех важных событий, связанных с этим великим художником.
Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) — великий живописец XIX века, работавший в стиле символизма, посвятивший свою жизнь поиску высокого духовного идеала и его отражению в живописи. Картины Гюстава Моро — это гармоничное сплетение мифологических и религиозных образов, глубоких размышлений автора над сущностью бытия, тайных и загадочных знаков, кроющихся в мельчайших деталях изображения, неповторимой авторской палитры.
Кай Расмус Нильсен (дат. Kay Rasmus Nielsen) — датский иллюстратор, один из ведущих художников «Золотого века иллюстрации» начала 20 века. Нильсен плодотворно сотрудничал с компанией Диснея, для которой создал множество сюжетных эскизов и иллюстраций, в том числе для художественного фильма «Фантазии».
Ханнс Пеллар (нем. Hanns Pellar) — австрийский художник и иллюстратор. Обучался живописи в Венской академии изящных искусств у Генриха Лефлера.
Ханнс Пеллар был одним из самых заметных художников Мюнхена, чье добротное мастерство и очень приятные изображения были характерны для эпохи принца-регента. Будучи «любимцем различных уважаемых дармштадтских семей», он создал большое количество портретов, особенно дамских, что в итоге принесло ему прозвище «художник элегантности».
Эдвард Джон Пойнтер (англ. Edward John Poynter) — знаменитый английский художник, чьи работы оказали значительное влияние на искусство своего времени. Он родился в Париже, но его творчество прочно связано с Великобританией, где он получил признание и занимал важные посты в арт-сообществе. Пойнтер известен своими масштабными историческими полотнами, такими как «Израиль в Египте», которые демонстрируют его мастерство и талант в изобразительном искусстве.
Он не только создавал великолепные картины, но и занимался педагогической деятельностью, будучи первым профессором Слейдской школы искусств в Лондонском университетском колледже. Благодаря его усилиям, школа приобрела репутацию одного из лучших учебных заведений, где акцент делался на навыки рисования. Кроме того, Эдвард Джон Пойнтер был директором Национальной галереи и президентом Королевской академии искусств.
Его вклад в искусство и образование признавался на высшем уровне: он был награжден рыцарским титулом и баронетством. Любители искусства и коллекционеры до сих пор высоко ценят его работы, многие из которых хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Если вы интересуетесь творчеством Эдварда Джона Пойнтера и хотите быть в курсе последних новостей, связанных с продажами его работ и аукционными событиями, подпишитесь на наши обновления. Мы гарантируем, что вы будете получать только актуальную информацию, связанную с этим выдающимся художником.
Пьер Сесиль Пюви де Шаванн (фр. Pierre Cécile Puvis de Chavannes), выдающийся французский живописец, был известен как "художник для Франции". В его влиятельных фресковых росписях прослеживается классицистический стиль, в котором часто встречаются образы эллинистической Греции.
Пюви получил множество заказов для государственных и частных учреждений по всей Франции, в том числе значительные работы в Амьене, Марселе, Лионе, Пуатье и Париже. Его успех как "художника для Франции" был обусловлен его способностью апеллировать к различным идеологиям того времени. Помимо фресок, Пюви создавал станковые картины, некоторые из которых можно увидеть в галереях по всему миру. Несмотря на свою значимость, он не был в полной мере оценен при жизни, и его творчество остается предметом постоянных искусствоведческих дискуссий.
Эллинг Рейтан (норвеж. Elling Reitan) — норвежский живописец-символист.
Рейтан сегодня является одним из самых признанных и востребованных художников страны. Его картины отличаются символизмом и колоритом, а зрителя захватывают красивые и чистые цвета. Он также владеет большинством техник и работает в литографии, акварели и пастели.
Анна Владимировна Ремизова-Васильева, более известная под псевдонимом "Мисс", была русской художницей и графиком, чьё творчество оставило заметный след в русском модернизме начала XX века. Её работы отражают влияние таких мастеров, как Константин Сомов и английский график Обри Бердслей, и отмечены участием в обществе "Мир искусства". Ремизова-Васильева прославилась благодаря своему уникальному стилю, сочетающему элементы символизма и иронической ностальгии по эпохе "Галантного века".
Особенное место в её наследии занимает альбом "Купидоновы проказы", наполненный цветными и чёрно-белыми иллюстрациями, демонстрирующими галантные сцены в будуарах и саду. Эти работы выделяются детальной прорисовкой и обилием мелких элементов, характерных для XVIII века, и являются ярким примером будуарного направления в графике, основанного на влиянии Бердслей.
Вклад Ремизовой-Васильевой в искусство также значителен благодаря её активной публикационной деятельности. Её работы регулярно появлялись на страницах таких изданий, как "Новый Сатирикон", "Солнце России", и других, что свидетельствует о высокой популярности художницы в литературных и художественных кругах того времени.
К сожалению, после Октябрьской революции информация о жизни и деятельности Анны Владимировны становится крайне ограниченной, а последние годы её жизни окутаны тайной. Согласно некоторым данным, художница могла провести последние годы своей жизни в Херсоне, однако подтверждённой информации об этом нет.
Для тех, кто интересуется русским модернизмом и историей искусства, творчество Анны Ремизовой-Васильевой остаётся важной и вдохновляющей страницей, позволяющей глубже понять культурные процессы начала XX века. Если вас привлекает мир искусства и вы хотите быть в курсе новостей о продажах работ и аукционных событиях, связанных с Анной Владимировной Ремизовой-Васильевой, рекомендуем подписаться на обновления.
Чарльз де Соузи Рикеттс (англ. Charles de Sousy Ricketts) — британский художник, иллюстратор, писатель и печатник, известный своими работами в качестве книжного дизайнера и типографа, а также дизайном костюмов и декораций для пьес и опер.
Джозеф Эдвард Саутолл (англ. Joseph Edward Southall) — британский художник, лидер Бирмингемской группы художников-ремесленников.
В возрасте 21 года во время путешествия по Франции и Италии Саутолл был восхищен итальянскими художниками эпохи Возрождения. Позже он создал множество больших темперных картин, в основном с мифологическими и религиозными сюжетами, которые выставлялись по всей Европе, а также в США. Художник также писал пейзажи и множество портретов акварелью и маслом.
С началом Первой мировой войны Саутолл больше занялся антивоенной борьбой, писал брошюры и рисовал карикатуры для книг и журналов. Вместе с другими членами Бирмингемской группы Саутолл также занимался различными ремеслами, включая фрески, украшение мебели, кружево, книжную иллюстрацию и гравюры.
Леон Спиллиарт (фр. Léon Spilliaert) — бельгийский художник. Он известен своим уникальным стилем символизма, многие из его работ изображают пейзажи, похожие на сны, жуткие натюрморты и загадочные фигуры.
Спиллиарт вырос в богатой семье и сначала изучал архитектуру, а затем обратился к искусству. Он был в основном самоучкой, и на его творчество оказало сильное влияние бельгийское символистское движение, а также работы таких художников, как Джеймс Энсор и Эдвард Мунк.
Спиллиарт был особенно заинтересован в исследовании тайн человеческой психики, и многие его работы отражают чувство тревоги или неуверенности. Он часто использовал сильные контрасты света и тени, чтобы создать ощущение драмы и напряжения в своих работах, а его использование цвета часто было приглушенным и сдержанным.
Несмотря на свой успех как художника, Спиллиарт был глубоко закрытым человеком, и при жизни он редко выставлял свои работы. Однако он продолжал работать на протяжении всей своей жизни, создав большое количество призрачных и загадочных работ, которые и сегодня завораживают зрителей.
Генри Джон Сток (англ. Henry John Stock) — британский художник-прерафаэлит, представитель английской романтической традиции.
Генри почти ослеп в детстве, но прозрел, когда переехал жить в Болье в Нью-Форест. Полностью выздоровев, он учился в Школе искусств Св. Мартина и в школах Королевской академии. И, видимо, испытания, выпавшие на его долю в детстве, сыграли свою роль в мировоззрении художника.
Сток пользовался успехом как светский портретист, но главной сферой его интересов всегда были фантазийные, религиозные и мифологические сюжеты.
Ян Теодор Тороп (нидерл. Johannes Theodorus Toorop) — крупнейший представитель символизма в нидерландской живописи. Обучался живописи в Государственной академии изобразительных искусств в Амстердаме и в Академии изящных искусств в Брюсселе.
Ян Теодор Тороп изучал творчество прерафаэлитов, которое произвело на него глубокое впечатление. В конце 1880-х годов Тороп писал картины в стиле пуантилизма и стал первым нидерландским художником, использовавшим эту технику.
В Бельгии на художника большое влияние оказало творчество Джеймса Энсора и Тороп постепенно сместился к символизму и ар нуво. Также существенное место в его творчестве занимали графика и иллюстрации.
Пауль Туман (нем. Paul Thumann) — немецкий художник второй половины XIX – начала ХХ века. Он известен как портретный живописец и книжный иллюстратор.
Пауль Туман создавал рисунки, которые украшали произведения знаменитых авторов, таких как Гёте, Теннисон, Шамиссо, Гамерлинг и Гейне. По оценкам критиков, его иллюстрации отличались изящностью и тонкостью линий, выразительностью человеческих и поэтических образов. Стилистически работы мастера приближались к модерну, популярному на рубеже XIX-XX веков. Туман также создавал картины на исторические, религиозные и мифологические темы.
Джордж Фредерик Уоттс (англ. George Frederick Watts) — выдающийся британский художник и скульптор. Он начал свою карьеру художника в возрасте 16 лет и уже с 1837 года регулярно участвовал в выставках Королевской академии. В 1843 году Уоттс выиграл конкурс на декорации для нового Дворца Вестминстера, что позволило ему финансировать длительное пребывание в Италии. Там он нашёл вдохновение в ландшафтной живописи Тосканы и был вдохновлён творчеством Микеланджело и Джотто. Вернувшись в Британию, Уоттс создал фреску «Правосудие, Гемицикл законодателей» в Великом зале Линкольнской Инн, вдохновлённую «Школой Афин» Рафаэля.
Джордж Фредерик Уоттс стремился вложить в свои произведения моральный смысл, и его характерные аллегорические картины, такие как «Надежда» и портреты известных современников (Гладстон, Теннисон, Милль), сегодня признаны одними из лучших образцов портретной живописи викторианской эпохи. Как скульптор, он известен в основном своей работой «Физическая энергия» (1904), копии которой находятся в Мемориале Сесила Родса в Кейптауне и в Кенсингтонских садах в Лондоне.
В позднем творчестве Джордж Фредерик Уоттс был известен своими символистическими картинами и скульптурами, а также за выдающиеся портретные работы викторианской эры. Его дом в Комптоне, около Гилфорда, Суррей, теперь является Галереей Уоттса, посвящённой его творчеству.
Для получения обновлений, связанных с Джорджем Фредериком Уоттсом, мы приглашаем вас подписаться на рассылку. Подписка позволит вам быть в курсе новинок, продаж произведений и аукционных мероприятий, связанных с этим знаменитым художником.
Владимир Андреевич Фаворский был выдающимся русским и советским художником, графиком и педагогом, чье имя занимает особое место в истории искусства России. Родившись в 1886 году, Фаворский оставил неизгладимый след в мире культуры, искусства, живописи, благодаря своему уникальному стилю и подходу к творчеству.
Фаворский известен своими работами в области книжной графики, иллюстрациями к произведениям классической литературы, а также созданием уникальных линогравюр. Его талант выражался не только в умении передать глубину и многообразие человеческих эмоций, но и в мастерстве работы с текстурой и светом.
Особенностью творчества Фаворского является глубокая философская проникновенность и мастерское использование пространства и перспективы. Его работы отличаются особенной линейной ритмикой и динамикой, что делает каждое произведение узнаваемым и неповторимым.
Произведения Владимира Андреевича Фаворского представлены во многих музеях и галереях, в том числе в Третьяковской галерее и Русском музее, где их могут увидеть и оценить как коллекционеры, так и эксперты в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новостей о продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Владимиром Андреевичем Фаворским. Подписка гарантирует вам доступ к самой актуальной информации о творчестве великого художника.
Анри Фантен-Латур (фр. Henri Fantin-Latour) — французский живописец и литограф, известный своими цветочными натюрмортами и групповыми портретами парижских художников и писателей.
Анри Фантен-Латур также создавал фантастические литографии, вдохновленные музыкой великих классических композиторов, и его произведения регулярно демонстрировались в парижском Салоне с 1861 года. Он участвовал в Салоне оверженных в 1863 году и принял участие в дань уважения Эжену Делакруа в 1864 году. Несмотря на дружбу с Эдуаром Мане, он отклонил приглашение участвовать в первой выставке импрессионистов в 1874 году.
В 1870-х годах его работа сместилась в сторону более литературных тем, связывающих его с символизмом. В дополнение к этому, его работы отражали его открытие немецкой современной музыки Роберта Шумана, Иоганнеса Брамса и Рихарда Вагнера, которые также служили ему источником вдохновения.
Если вы интересуетесь творчеством Анри Фантен-Латура, подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с этим выдающимся художником.
Николай Петрович Феофилактов был выдающимся российским художником-графиком модерна и живописцем, оставившим значительный след в российском искусстве начала XX века. Родившись в Москве, Феофилактов не получил профессионального художественного образования, но это не помешало ему стать одним из ведущих художников своего времени. Он самостоятельно изучал живопись и музыку, вдохновляясь творчеством Михаила Врубеля и западноевропейского югендштиля.
С начала своей карьеры Феофилактов активно участвовал в художественной жизни Москвы, включая выставку "Алая Роза" в 1904 году и сотрудничество с художниками объединения "Голубая Роза". Его стиль, оказавшийся под сильным влиянием Аубри Бёрдсли, принес ему славу "московского Бёрдсли" благодаря мастерству исполнения заставок, виньеток и обложек для журнала московских символистов "Весы". Характерные черты его творчества включали изображение болезненных фантазий, масок, странных гермафродитов и других сюрреалистичных образов с легкостью и юмором, что делало его работы выразительными и запоминающимися.
В период с 1911 по 1932 годы Феофилактов интенсивно занимался живописью, создавая знаменитые работы, такие как "Дама", "Цыгане", и серию итальянских пейзажей. Его творчество было высоко оценено, и некоторые работы были приобретены Третьяковской галереей. Помимо живописи, он активно работал в сфере графического дизайна, иллюстрировал и оформлял книги для московских издательств, внося вклад в развитие русской книжной графики и иллюстрации.
К сожалению, его талант не был в полной мере признан при жизни. Феофилактов ушел из жизни в 1941 году, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров. Его работы сегодня можно увидеть в ведущих музеях и галереях, отражая уникальный вклад художника в искусство модерна и символизма.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, подпишитесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с Николаем Петровичем Феофилактовым. Это отличная возможность углубить свои знания и расширить коллекцию уникальными произведениями искусства.
Ге́нрих Фо́гелер (нем. Heinrich Vogeler) — немецкий художник и философ, представитель немецкого югендстиля (модерна).
Разносторонний и талантливый творец, он постоянно рисовал, писал акварелью, сочинял стихи, проектировал, занимался дизайном и декором. С течением времени стиль его творчества менялся в широком диапазоне.
Во время Первой мировой войны с 1914 по 1917 годы Фогелер находился на Восточном фронте в качестве добровольца и делал зарисовки, в результате чего у него сформировались пацифистские настроения.
В середине 1920-х он несколько раз побывал в Советском Союзе и результатом его впечатлений стали картины в его собственном «комплексном стиле»: «Карелия и Мурманск» (1926), «Строительство новой жизни в советских республиках Центральной Азии» (1927), «Баку» (1927). В 1931 году Фогелер получил приглашение работать в СССР. Приход к власти нацистов в Германии сделал невозможным возвращение его на родину, а после вторжения Гитлера Фогелер в числе многих был депортирован в Казахскую ССР, где и умер.
Ханс фон Маре (нем. Hans von Marеes) — немецкий художник середины XIX века. Он известен как живописец и график, представитель символизма.
Фон Маре был видным не только практиком, но и теоретиком искусства. Он создал «Римский кружок» немецких художников, деятельность которого в Италии серьёзно повлияла на развитие изобразительного искусства рубежа. Творчество Маре было сосредоточено на теме гармоничного сосуществования человека с природой, он стремился достичь идеального соотношения между формой и пространством, как в искусстве древних греков и итальянского Возрождения. В период расцвета карьеры мастера он обратился к мифологическим сюжетам и разработал сложную технику, создавая глубокие и насыщенные цвета с помощью слоёв масляных красок.
Карл фон Марр (нем. Carl von Marr) — немецкий художник конца XIX – первой трети ХХ веков американского происхождения. Он известен как живописец и педагог, профессор Мюнхенской академии художеств.
Карл фон Марр работал в религиозном, мифологическом, бытовом жанрах, а также писал портреты. Он получал золотые медали в Германии и США, где выставлялись его произведения. Мастер был членом совета директоров Немецкой ассоциации художников.
Иога́нн Ге́нрих Фю́сли (нем. Johann Heinrich Füssli) — швейцарский и английский рисовальщик и живописец, историк и теоретик искусства, который в Англии как Ге́нри Фýзели (англ. Henry Fuseli) bekannt wurde. Фюсли считается одним из главных новаторов живописи рубежа XVIII-XIX веков, а его творчество, наряду с творчеством Уильяма Блейка, — ранним проявлением романтизма в английском искусстве.
Вильгельм Хаммерсхёй (дат. Vilhelm Hammershøi) — датский художник преимущественно интерьеров, представитель символистского направления.
Вильгельм учился в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене, и через несколько лет на Всемирной выставке 1889 года в Париже в датском павильоне были выставлены четыре его картины. Хаммерсхёй был последним значимым художником в датском искусстве XIX века. Он писал на фоне современного опыта, но его живопись никогда не отступала от основных правил картин датского Золотого века.
Поначалу его мотивы чередовались между фигурной и пейзажной живописью, а позже Хаммерсхёй стал по-настоящему художником интерьеров. Комнаты стали для него постоянным источником сюжетов, а стены и окна, образующие границу с миром, почти в буквальном смысле стали фоном для его живописи. Люди в его картинах если и присутствуют, то как безмолвные статуи, полностью погруженные в свои мысли. Все его работы, будь то портрет, интерьер или пейзаж, полны тишины, покоя и меланхолии.
Фердинанд Хо́длер (нем. Ferdinand Hodler]) — швейцарский художник. Один из крупнейших представителей модерна.
Самой известной работой Ходлера можно назвать картину «Дровосек» (1908), которая была отпечатана на купюрах номиналом 50 швейцарских франков, выпущенных в 1911 году, и оказала влияние на художественные образы будущего советского авангарда.
Шипионе (итал. Scipione), имя при рождении Джино Боничи (Gino Bonichi) — итальянский художник, известен своим вкладом в итальянское художественное движение Scuola Romana. Он был одним из пионеров этого направления, стремившегося соединить элементы авангардных стилей с традиционным итальянским искусством.
Художественный стиль Шипионе можно охарактеризовать как экспрессивный и эмоциональный. Его картины часто несут в себе ощущение сырой интенсивности и психологической глубины, отражая внутреннюю борьбу и сложности человеческого опыта. Используя смелые мазки, яркие цвета и искаженные фигуры, он создавал визуально привлекательные и эмоционально насыщенные произведения искусства.
Фердинанд Штегер (нем. Ferdinand Staeger) — немецкий художник-символист и график чешского происхождения, иллюстратор и дизайнер тканей.
Штегер учился в Школе технического дизайна в Брно, а затем Школе прикладных искусств в Праге, с 1908 года жил в Мюнхене и сотрудничал с журналом «Jugend». Он был участником Первой мировой войны, его военные рисунки характеризуются человечностью. После окончания войны с большим успехом иллюстрировал книги Герхарда Гауптмана, Йозефа фон Эйхендорфа, Эдуарда Мёрике, Адальберта Штифтера.
Во время Третьего Рейха Штегер сотрудничал с властью, написав несколько пропагандистских картин, за что ему присвоили звание профессора. В 1943 году он потерял свой дом в Мюнхене под бомбами союзников и многие работы были утеряны.
После Второй мировой войны он писал в импрессионистской манере, создавая картины на мифические, мистические, символические и религиозные темы. Многие произведения относятся к жанру «магического реализма». Штегер также известен как дизайнер гобеленов, мастер офорта и экслибриса, он был членом Ассоциации немецких художников. Его жена Сидони Спрингер (1878-1937) так же была художником и графиком.
Гиорги Штефула (нем. Gyorgy Stefula) — немецкий художник, иллюстратор, художник по костюмам и сценограф.
Штефула учился в Академии изящных искусств в Гамбурге и Высшей школе живописи в Альтоне, женился на Доротее Хютер, которая стала его творческим соавтором. После Второй мировой войны он принимал участие в многочисленных выставках в Германии и за ее пределами. Вместе с Доротеей они часто выставляли свои работы и сотрудничали в нескольких проектах, включая дизайн сцены и костюмов для Национальной оперы в Мюнхене.
Среди уникальных работ Штефулы, выполненных в духе Анри Руссо или Pittura Metafisica, воображаемые, фантастические пейзажи и невероятные портреты, волшебные натюрморты и звери; они полны символики и мифологических отсылок.
Марк Эманс (фр. Marc Eemans) — бельгийский художник, поэт и искусствовед, один из пионеров конструктивистской абстракции.
В 1925 году Эманс присоединился к художникам-сюрреалистам Дали и Магритту, с которыми проводил совместные выставки. А вскоре слава поэта затмила его успех художника. В 1930 году Эманс дебютирует как поэт в книге Vergeten te worden: 10 lijnvormen, beïnvloed Door 10 woordvormen. Находясь под влиянием символизма, он называет свою поэзию «гностическим сюрреализмом». В 1938 году он публикует сборник стихов «Визиоен Воли», и другие.
Его художественная и политическая позиция во время Второй мировой войны привела к разрыву с Магриттом и другими.
Помимо сборников стихов, Эманс написал сочинения на различные темы, в том числе о современной живописи и архитектуре.
Александр Евгеньевич Яковлев был выдающимся русским художником и графиком, оставившим заметный след в истории искусства начала XX века. Родившись в семье военного моряка, Яковлев получил образование в Академии художеств, где завязал дружбу и творческое сотрудничество с Василием Шухаевым, что повлияло на его дальнейшее развитие как художника. Его ранние работы были связаны с журналами «Сатирикон» и «Новый Сатирикон», а также с объединением «Мир искусства», что позволило Яковлеву занять свое место среди ведущих художников того времени.
Одним из его наиболее знаменитых произведений является автопортрет в образах Арлекина и Пьеро, созданный совместно с Шухаевым. Эта работа, написанная под впечатлением от спектакля В.Э. Мейерхольда, сегодня находится в коллекции Русского музея и является ярким примером его таланта.
В 1920-х годах Яковлев принял участие в нескольких знаменитых экспедициях фирмы «Ситроен», благодаря чему создал серии работ, посвященных Африке и Азии. Эти путешествия не только обогатили его творчество экзотическими мотивами, но и принесли ему международное признание и независимость, завоевав орден Почетного легиона от французского правительства.
Последние годы своей жизни Яковлев посвятил преподаванию, возглавив кафедру живописи в Школе изящных искусств Музея изящных искусств в Бостоне, и продолжил работать над созданием произведений искусства, прежде всего, портретов и этнографических рисунков. Его вклад в искусство остается значительным, а работы хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Для тех, кто интересуется искусством и историей художника Александра Яковлева, предлагаем подписаться на обновления и не пропустить уникальные предложения по продаже произведений и аукционные события, связанные с его творчеством.
Георг Янни (нем. Georg Janny) — австрийский художник-пейзажист, фигуративист и декоратор.
Георг Янни работал в мастерской Карло Бриоши, Германа Бургхарта и Иоганна Каутского, в которой также работали Конрад Петридес, Леопольд Ротхауг, Фердинанд Бруннер и Альфонс Муха. Георг Янни был членом Дюрербунда и временно его архивариусом.
До самой смерти активно занимался пейзажной и фигурной живописью. Помимо многочисленных пейзажных картин, Янни часто писал сцены сказочных или волшебных миров, которые по своему символическому содержанию напоминают картины Арнольда Бёклина или Гюстава Доре.