Художники Примитивизм
Томми Уэйн Кэннон (англ. Tommy Wayne Cannon), также известный как T. C. Cannon — американский индейский художник XX века.
В своем творчестве T. C. Cannon часто затрагивал темы самобытности, культуры и влияния колонизации коренных американцев. В своих картинах и гравюрах он передавал мощные послания, имеющие социальное и политическое значение.
Произведения Кэннона характеризуются яркими красками, смелыми композициями и глубоким повествованием, оставляя неизгладимый след в мире искусства.
Пасита Абад (англ. Pacita Abad) была выдающейся художницей с Филиппин, известной своими яркими и многослойными полотнами. Родившись в 1946 году на острове Баско, она начала свою карьеру в США, где и осталась после студенческих протестов против режима Маркоса на Филиппинах. Вдохновляясь культурными особенностями разных стран, Абад путешествовала по миру, что нашло отражение в её уникальном стиле, сочетающем элементы народного искусства и современных техник, таких как трапунто — метод, при котором холст становится объемным за счет простегивания и набивки.
Её работы выставлялись по всему миру, включая крупные музеи и галереи, такие как SFMOMA и Музей Бруклина, отражая её значимость на международной арт-сцене. Абад также активно участвовала в общественной жизни, проводя мастер-классы и лекции, поддерживая тем самым молодых художников и культурное обмены между странами.
Среди её известных работ — покрытый разноцветными кругами 55-метровый мост в Сингапуре, ставший символом её креативного подхода к публичному искусству. Абад скончалась в 2004 году, оставив после себя наследие, которое продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру.
Если вы заинтересованы в творчестве Паситы Абад и хотите узнавать о предстоящих выставках и аукционных продажах её работ, подписывайтесь на обновления. Это позволит вам оставаться на связи с миром искусства и не пропустить важные события, связанные с её наследием.
Владимир Иванович Акулов — советский и современный белорусский художник. Он известен как живописец, график и педагог, представитель второй волны белорусского авангарда.
Владимир Акулов в своём творчестве выработал уникальный стиль под влиянием экспрессионизма, кубизма, примитивизма, фовизма. Он — мастер портрета, пейзажа, натюрморта, композиций с символико-аллегорическими сюжетами, иллюстраций к литературным произведениям. Художник на протяжении своей карьеры создал несколько циклов портретов, в том числе известных людей.
Роби Дви Антоно (англ. Roby Dwi Antono) — современный индонезийский визуальный художник, создающий в основном сюрреалистические картины, а также скульптуры и гравюры. Его работы открывают портал в другую вселенную, где космические корабли, инопланетяне, динозавры и существа с человеческими чертами встречаются вместе. Эти сюрреалистические творения, которые когда-то жили только в воображении Дви Антоно, оживают в новом царстве на его холсте. Вдохновленные его детскими воспоминаниями и любовью к фантастическим фильмам, его картины предоставлены зрителю для интерпретации.
Кристиан Карел Аппель (нидерл. Christiaan Karel Appel) — нидерландский художник, скульптор, график, один из основателей авангардной группы «КоБрА». В своих работах он сочетал фигуративные и абстрактно-экспрессионистские элементы.
Ян Балет (нем. Jan Balet) — немецко-американский художник, рисовальщик и иллюстратор. Находясь под влиянием стиля наивного искусства, он работал в основном как график и иллюстратор детских книг, а также как художник наивно-абсурдных картин с композиционно доминирующими, двухмерными, в основном мужскими фигурами, которые кажутся нереальными, несмотря на точное построение перспективы.
Роджер Баллен (англ. Roger Ballen) — американский и южноафриканский фотограф, живёт и работает в Йоханнесбурге.
Роджер Баллен изучал психологию в Калифорнийском университете в Беркли, и эта специальность помогает ему в более глубоком постижении и изучении мира вокруг. Путешествия по миру привели его в Южную Африку, которая стала его новым домом.
Баллен — один из последних фотографов, которые снимают исключительно в черно-белом цвете, приближаясь к формам минимализма.
Гэри Бант (англ. Gary Bunt) — британский художник-самоучка, известный своими картинами английских пригородов и сельской местности. Он занялся искусством, чтобы преодолеть тяжелую болезнь. Гэри Бант в примитивном стиле, с утонченной простотой и добрым юмором изображает обычную жизнь с её простыми радостями.
Жан-Мишель Баския (англ. Jean-Michel Basquiat) — знаменитый американский художник второй половины ХХ столетия, яркий представитель неоэкспрессионистского течения в искусстве. Жан-Мишель Баския прославился написанием картин в смешанной технике, в которых оригинальным образом сочетались элементы абстракции и фигуративизма. На начальном этапе творчества он занимался изготовлением граффити, но затем переключился на станковую живопись. Биография художника насыщена бурными событиями и эпатажными поступками.
Дэвид Батлер (англ.David Butler) — афроамериканский скульптор и художник из Гуд-Хоупа, штат Луизиана. Его стиль олицетворяют кинетические скульптуры из переработанной жести или дерева, которые он украшал насыщенными цветами и геометрическими узорами. Его работы находятся в постоянных коллекциях Смитсоновского музея американского искусства, Американского музея народного искусства и Филадельфийского музея искусств.
Екатерина Васильевна Белокур — украинская советская художница середины ХХ века. Она известна как мастер народной декоративной живописи.
Екатерина Белокур была самоучкой и прославилась своими красочными живописными работами, в основном изображая цветы, пейзажи и портреты. Её работы часто включали в себя комбинацию весенних и осенних элементов, и она могла потратить несколько недель, чтобы создать даже небольшие детали на холсте. Екатерина также изготавливала свои собственные кисти, выбирая волоски из кошачьих хвостов, и для каждой краски использовала отдельную кисть. Её творчество отличалось яркими красками и стилем.
Чарльз Бенефил (англ. Charles Benefiel) — современный американский художник-аутсайдер из Калифорнии. Поскольку он страдает тяжелым обсессивно-компульсивным расстройством, почти все его работы выполняются методом степлирования. В настоящее время он живет в Альбукерке, штат Нью-Мексико.
Камиль Бомбуа (фр. Camille Bombois) — французский художник, известный своими красочными изображениями сельской жизни и бытовых сцен.
Бомбуа начал заниматься живописью в качестве хобби, но его талант был быстро признан, и вскоре он стал профессиональным художником. Он был в основном самоучкой и разработал свой собственный уникальный стиль, характеризующийся смелыми, яркими цветами и свободной, выразительной кистью.
На Бомбуа повлияло движение фовистов, которое было известно использованием ярких цветов и смелых, упрощенных форм. Он также черпал вдохновение в деревенских пейзажах и людях из рабочего класса, с которыми сталкивался в повседневной жизни. Часто писал портреты и натюрморты.
Бомбуа выставлял свои работы в парижском Salon d'Automne и Salon des Artistes Indépendants, и его работы были хорошо приняты критиками и коллекционерами. В 1953 году он был награжден орденом Почетного легиона.
Бомбуа продолжал рисовать на протяжении всей своей жизни, и его работы хранятся во многих крупных коллекциях, включая Музей Орсе в Париже и Эрмитаж в Санкт-Петербурге, Россия.
Фернандо Ботеро Ангуло (Fernando Botero Angulo) — колумбийский художник и скульптор, известный своим уникальным стилем «ботеризм», который характеризуется изображением фигур с преувеличенными объемами. Эти работы часто несут в себе элементы политической критики или юмора и являются легко узнаваемыми на международном уровне.
Фернандо Ботеро начал свою карьеру как художник с копирования работ великих мастеров в музее Прадо, а затем переехал в Париж, где продолжил свое обучение и творческую деятельность. С течением времени он получил мировую известность, его произведения экспонировались в ведущих музеях и галереях по всему миру. К примеру, работы Ботеро можно найти на Парк-авеню в Нью-Йорке и на Елисейских полях в Париже.
Одной из знаменитых серий его работ является серия картин «Абу-Грейб», которая основана на докладах о нарушениях прав человека в тюрьме Абу-Грейб. Эти работы Фернандо Ботеро не продавал, предпочитая дарить их музеям, чтобы они служили напоминанием о происходящих злоупотреблениях.
Ботеро также был известен своим вкладом в скульптуру, начав создавать бронзовые скульптуры в середине 70-х. Его скульптуры также олицетворяют его уникальный стиль с преувеличенными формами.
Не упустите возможность подписаться на обновления и узнавать о новых продажах и аукционах, связанных с работами Фернандо Ботеро.
Давид Давидович Бурлюк, украинский и русский художник, поэт и публицист, считается одним из основателей русского футуризма. Его творчество охватывает широкий спектр жанров и стилей, включая живопись, графику и поэзию, отличающуюся экспериментальным подходом и новаторством.
Бурлюк получил образование в художественных школах Казани и Одессы, а затем продолжил обучение в Мюнхене и Париже. Вернувшись в Россию, он активно участвовал в литературном и художественном авангарде, став лидером футуристического движения. Вместе с Маяковским, Каменским и другими Бурлюк создал знаменитый манифест "Ляпас общественному вкусу", призывая к отказу от классики и поиску новых форм выражения.
Эмигрировав в 1920 году, Бурлюк провел два года в Японии, где создал около 300 картин, вдохновленных восточной культурой. После этого он переехал в США, где продолжил свою деятельность, оставаясь верным идеям футуризма и активно участвуя в культурной жизни эмигрантской общины.
Бурлюк также известен своими картинами, посвященными Украине, включая такие работы, как «Святослав», «Запорожцы в походе», «Козак Мамай». Его произведения хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая Национальный художественный музей Украины и мемориальный музей художника в Нью-Йорке.
Если вас интересует искусство и антиквариат, особенно творчество Давида Бурлюка, предлагаем подписаться на обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Раймон-Эмиль Вайделих (фр. Raymond-Émile Waydelich) — франко-эльзасский живописец, скульптор и художник-акционист. Он живет и работает в Хиндисхайме/Эльзасе.
Обширное творчество Вайделиха включает картины, скульптуры из керамики или бронзы, ассамбляжи, работы на бумаге, а также публичные художественные акции и перформансы. Художественные техники его красочной, игривой, остроумной и причудливой графики варьируются от рисунка, акварели, литографии, офорта и монотипии до наложения красок на найденные бумажные предметы.
Он является одним из самых известных ныне живущих художников Франции. Его работы находятся в многочисленных государственных и частных коллекциях по всему миру. Особую известность приобрели его акварельные коллажи, изображающие реальных существ (крокодила, кошку, свинью), призрачно отчужденных в пейзажах, которые художник рисовал на старинных письмах, некоторые из которых он приобрел во время путешествий (например, на Крит). Его стиль, который часто заимствует перспективы, мотивы и элементы доисторических наскальных рисунков или греческой мифологии, приближается к фантастическому реализму.
Джон Кристофер Вуд (англ. John Christopher Wood) — британский художник и рисовальщик.
Его творчество повлияло на развитие английского модернизма, несмотря на ранний конец его богемной, беспокойной и наркозависимой жизни. Он был одним из немногих британских художников, получивших признание в парижском художественном движении 1920-х годов.
Иван Генералич (хорв. Ivan Generalić) — хорватский живописец ХХ века, представитель примитивизма. Он был основоположником Хлебинской школы наивного искусства, воспитавшей десятки художников. Большинство картин мастера относятся к бытовому жанру, хотя среди шедевров его творчества есть немало аллегорий, пейзажей и портретов, а также произведений на историческую тематику.
Иван Генералич принадлежит к числу самых известных художников-примитивистов всех времён. Ещё при жизни мастера по всему миру было проведено более 70 его персональных выставок, а в наши дни крупнейшие музеи Европы, Азии и Америки регулярно организуют ретроспективы работ Генералича.
Роберт Львович Генин — художник первой половины ХХ века еврейского происхождения, работавший в нескольких странах, включая Российскую империю, Германию, Францию, Швейцарию и СССР. Он известен как живописец и график.
Роберт Генин работал в различных жанрах, включая пейзажи, портреты, жанровые композиции и обнажённую натуру. Он также занимался литографией, ксилографией и офортом. Его стиль развивался от югендстиля и символизма в начале 1900-х годов к экспрессионизму после Первой мировой войны. Позднее он пришёл к своеобразному лирическому примитивизму. Художник работал как в станковой, так и в монументальной живописи и испытал влияние разных художников.
Мадж Гилл (англ. Madge Gill)— британская художница.
Гилл родилась в многодетной семье и воспитывалась в бедности. На протяжении всей жизни она страдала от различных проблем со здоровьем, включая слепоту на один глаз, а позже потеряла сына, что привело ее к приступам депрессии.
Несмотря на сложные обстоятельства, Гилл была плодовитым художником, создав за свою жизнь тысячи рисунков и вышивок. Ее работы часто вдохновлялись спиритизмом и включали сложные и высоко детализированные узоры и символы.
Впервые работы Гилл были обнаружены случайно в 1963 году, через два года после ее смерти. С тех пор ее работы выставлялись в крупнейших галереях и музеях по всему миру, включая галерею Хейворд в Лондоне и Американский музей народного искусства в Нью-Йорке.
Сегодня Гилл считается важной фигурой в истории аутсайдерского искусства и славится своим уникальным и неповторимым стилем. Ее работы продолжают вдохновлять и завораживать любителей искусства и коллекционеров по всему миру.
Поль Гоген (фр. Eugène Henri Paul Gauguin) был выдающимся французским художником, скульптором и графиком, чьи работы сыграли ключевую роль в развитии постимпрессионизма. Родившийся в Париже 7 июня 1848 года, Гоген провёл детство в Перу и во Франции, где, вернувшись в 1861 году, обучился французскому языку и начал успешно заниматься образованием. Первоначально работая биржевым брокером, он женился на Мэтте-Софи Гад в 1873 году и обзавёлся большой семьёй. Интерес к живописи у Гогена пробудился под влиянием его опекуна Гюстава Арозы, коллекционера современной живописи.
Познакомившись с Камилем Писсарро и другими импрессионистами, Гоген начал развивать свой стиль, первоначально сосредоточившись на пейзажах. Его ранние работы, такие как пейзажи, написанные в Понтуазе, были вдохновлены импрессионизмом. С 1886 года Гоген активно участвует в выставках импрессионистов, а позже его стиль эволюционировал в сторону постимпрессионизма, символизма и синтетизма. Он был также известен своими путешествиями в Полинезию, которые оказали влияние на его творчество, в частности, внедрение экзотических тем и японского влияния в его работы.
Гоген создал множество произведений, многие из которых сейчас находятся в известных музеях и галереях. Среди его знаменитых работ - "Будь влюблён и будешь счастлив", "У моря", "Старухи Арля", "Жёлтый Христос", "Тропическая растительность" и "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?".
Гоген умер 8 мая 1903 года на островах Маркизы во Французской Полинезии, оставив после себя богатое художественное наследие, которое продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру.
Приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Полем Гогеном, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий. Эта подписка станет вашим надёжным ресурсом для информации о мире искусства и антиквариата.
Ли Годи (англ. Lee Godie), урождённая Джамот Эмили Годи (англ. Jamot Emily Godee) — американская художница-самоучка, работавшая в Чикаго с конца 1960-х до начала 1990-х годов. Она была продуктивной художницей, известной своими картинами и модифицированными фотографиями, которые выставлены в галереях и музеях, таких как Галерея Хейворд в Лондоне и Смитсоновский музей американского искусства. Её часто считают художником с самым большим числом коллекций в Чикаго.
Оска Гутхайль (нем. Oska Gutheil) — немецкий художник. Гутхайль считается новой звездой в мире искусства: галереи таких мегаполисов, как Нью-Йорк, Берлин и Вена, соревнуются за картины художника, сочетающего наивную живопись с элементами панка и комизма.
Оска Гутхайль создает красочные, безумные миры, полные гибридных существ.
Джудит Гутьеррес Москосо (исп. Judith Gutiérrez Moscoso) — эквадорская художница, которая жила и работала в Эквадоре и Мексике. Вместе с другими художницами она входила в состав Школы современного пластического искусства Гуаякиля (Escuela de Guayaquil en las Artes Plásticas Contemporáneas) и активно участвовала в боевых группах, таких как Союз женщин Гуаяса (Unión de Mujeres del Guayas), предшественниках эквадорских феминистских организаций.
Торнтон Дайал (англ. Thornton Dial) — новаторский американский художник, ставший известным в конце 1980-х годов. Работы Дайала демонстрируют формальное разнообразие через выразительные, плотно составленные ассамбляжи из найденных материалов, часто выполненные в монументальном масштабе. Диапазон его тем охватывает широкий спектр истории, от прав человека до стихийных бедствий и текущих событий. Работы Дайала широко представлены в американских музеях; десять работ Дайала были приобретены музеем Метрополитен в 2014 году.
Артур Дайал (англ. Arthur Dial) — американский художник и скульптор, работавший в Бессемере, штат Алабама. Он входит в семью художников Дайалов, в которую входят его старший брат, Торнтон Дайал, и племянники, Торнтон Дайал-младший, Ричард Дайал и Рональд Локетт.
Дайал создавал рельефы и картины, которые концентрировались на конкретном моменте в рамках более широкого повествования, которое он хотел передать. Он использует эти моменты, такие как Ева, потянувшаяся за запретным плодом, или «Джордж Уоллес, блокирующий вход в Университет Алабамы в Монтгомери», чтобы подчеркнуть исторические или фольклорные моменты крайнего напряжения. Фокус Дайала на сценах конфликта в реальной или воображаемой истории человечества исходит из его непосредственного наблюдения за жизнью юга на протяжении XX века. Он описывает свои рассказы как «запись того, что прошло».
Генри Дарджер (англ. Henry Darger) — американский андерграундный художник-иллюстратор и писатель, автор тысячестраничных фэнтезийных романов, остающихся неопубликованными. Его иллюстрации к собственным книгам являются одними из наиболее известных образцов ар-брют.
Уильям Дженнис (англ. William Jennys) — американский примитивный художник-портретист, работавший примерно с 1790 по 1810 год. Он путешествовал по всей Новой Англии в поисках заказов в сельской местности и небольших городах.
Его ранние работы характеризуются широко смоделированными лицами с минимальной детализацией костюмов и голыми фонами. По мере развития его карьеры костюмы и фоны становились все более детализированными.
Уильям Генри Джонсон (англ. William Henry Johnson) — американский художник ХХ века. Он известен как живописец-примитивист.
Уильям Джонсон свою творческую карьеру начинал с реализма, но затем обратился к примитивизму и экспрессионизму. Он прославился своими работами в народном афроамериканском стиле.
Джонсон был активистом культурного движения «Гарлемский ренессанс», возглавляемого ведущими афроамериканскими писателями и художниками.
Марсель Дзама (англ. Marcel Dzama) — современный художник из Виннипега, Манитоба, Канада, который в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке. Его работы выставлялись на международных выставках, в частности его рисунки тушью и акварелью. Дзама много работает в области скульптуры, живописи, коллажа и кино. Художник также известен своими замысловатыми диорамами и масштабными полиптихами, основанными на его талантах в различных средствах массовой информации. Дзама работает в нескольких дисциплинах, чтобы воплотить в жизнь свои человеческие фигуры, животных и воображаемых гибридов, и заработал международную репутацию и последователей за своим искусством, изображающим причудливые, анахроничные миры.
Томас (Сэм) Дойл (англ. Thomas "Sam" Doyle) — афроамериканский художник с острова Святой Елены, штат Южная Каролина. Его красочные картины на листовом металле и дереве запечатлели историю и людей общины гулла на острове Св. Елены.
Картины и скульптуры Дойла находятся в постоянных коллекциях Американского музея народного искусства, Музея искусств Хай, Смитсоновского музея американского искусства, Музея искусств Гиббса, Музея искусств округа Лос-Анджелес и Пенн-центра (школа Пенн на острове Св. Елены).
Таданори Ёкоо (яп. 忠則 横尾; англ. Tadanori Yokoo) — японский графический дизайнер и художник, один из наиболее известных художников современного искусства в Японии.
Начинал карьеру в ранние 1960-е годы как сотрудник газеты Кобэ Симбун и позднее вошёл в состав Nippon Design Center. Стал известен благодаря новаторскому стилю, включавшему в стилистику поп-арта национальные символы Японии, которые в то время считались архаичными и к которым в графическом дизайне не обращались.
Анна Земанкова (чеш.Anna Zemánková) — чешская художница. Она была одним из самых значительных художников мирового арт-брюта. Однако ее высокая художественная культура, разнообразие ее работ и ясное внутреннее видение делают ее отступлением от первоначального определения арт-брюта, и она фигурирует в этой категории как пасьянс. Восемнадцать работ Земанковой были включены в эпохальную Венецианскую биеннале 2013 года. Ее работы выставлялись в Нью-Йорке, Париже, а также на персональных выставках в Лозанне и Праге. Она представлена в самых значительных мировых коллекциях арт-брюта и выставлена на аукцион Christie's.
Гектор Ипполит (англ. Hector Hyppolite) — гаитянский художник. Считается «великим мэтром гаитянского искусства».
Ипполит, плодовитый художник, обычно изображал сцены Воду и создал от 250 до 600 картин за последние три года своей жизни. Во многом на его творчество повлияла его преданность своей работе священника.
Фредерик Джозеф Йейтс (англ. Frederick Joseph Yates) — английский художник. Несмотря на его затворнический характер, картины сочетали в себе острые наблюдения за людьми, ведущими свою повседневную жизнь, с яркими импрессионистскими красками и выразительной манерой письма.
Фрида Кало де Ривера (исп. Frida Kahlo de Rivera), знаменитая мексиканская художница, родилась 6 июля 1907 года в Койоакане, Мехико. В детстве она пережила полиомиелит, из-за чего её правая нога стала короче и тоньше левой, и в результате этого она месяцами находилась в изоляции, подвергаясь насмешкам сверстников. Фрида была близка с отцом, который научил её фотографии, литературе, природе и философии. В школьные годы она сосредоточилась на изучении естественных наук с целью стать врачом и была приверженцем мексиканской культуры и социальной справедливости.
В 1922 году Фрида поступила в элитную Государственную начальную школу, где из 2000 учащихся было всего 35 девочек, и занималась боксом и другими видами спорта. В школе она встретила своего будущего мужа, известного художника Диего Риверу. В 18 лет Фрида попала в серьёзную аварию, получив множественные травмы, что привело к длительной реабилитации и оставило проблемы со здоровьем на всю жизнь. Именно во время восстановления она начала рисовать, используя зеркало для создания автопортретов, что стало основным направлением её творчества.
В 1929 году Фрида и Диего Ривера поженились. Они сближались не только искусством, но и общими политическими убеждениями. В 1930-х годах пара провела некоторое время в США, где Ривера работал над заказами на фрески, а Фрида создавала свои работы. Вернувшись в Мексику, они поселились в новом доме в районе Сан-Анджеле, который стал местом встреч художников и политических активистов. Кало также была замечена в связи с Львом Троцким.
Фрида Кало де Ривера остаётся одной из самых влиятельных фигур в искусстве и культуре. Её творчество, полное страсти, боли и культурного самовыражения, продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру. Для получения обновлений о новых продажах и аукционах, связанных с творчеством Фриды Кало де Ривера, подписывайтесь на нашу рассылку.
Иосиф Артемьевич Каралян (англ. Iosif Artemievich Karalyan) — советский художник, член Союза художников СССР, заслуженный художник Армянской ССР.
Творчество Караляна — своего рода щемящая ностальгия по стране детства, которую можно посетить лишь во сне и в воображении, так как ее уже не существует, ибо детство каждого человека, как и его эпоха неповторимы, неповторимы пережитые ощущения, они сохраняются визуально лишь в изобразительном искусстве.
Его работы хранятся в Музее современного искусства (Ереван), Национальной галерее Армении (Ереван), Государственной Третьяковской галерее (Москва), Музее восточного искусства (Москва), доме-музее Ованеса Туманяна (Ереван), в фондах Министерства культуры Армении и многочисленных частных коллекциях в Армении и за рубежом.
Джеймс Чарльз Касл (англ. James Charles Castle) — американский художник-самоучка, который на протяжении всей своей жизни создавал рисунки, ассамбляжи и книги. Касл родился глубоко глухим. Художественные работы Касла были созданы почти исключительно из найденных материалов, таких как бумага, спасенная из обычной упаковки и почты, а также пищевые контейнеры всех типов. Касл смешивал чернила с сажей из дровяной печи и слюной и наносил их с помощью инструментов собственного изготовления, включая заточенные палочки и другие найденные предметы. Его рисунки чутко изображают интерьеры, здания, животных, пейзажи и людей, основываясь на сельской усадьбе его семьи в долине Гарден, а также на архитектуре и пейзажах тех мест, где он жил и бывал. Его бывший дом в Бойсе, штат Айдахо, теперь является культурным центром, посвященным его творчеству, и включает в себя место для проживания художников.
Джейн Квик-ту-Си Смит (англ. Jaune Quick-to-See Smith) — коренная американская визуальная художница и музейный куратор.
Она также является преподавателем искусства, защитником искусства и политическим активистом. За свою долгую карьеру она была плодовита, а ее работы опираются на мировоззрение коренных народов и комментируют идентичность коренных американцев, историю угнетения и экологические проблемы.
В середине 1970-х годов Смит стала известна как художник и печатник, а позже ее стиль и техника переросли в коллаж, рисунок и смешанную технику. Ее работы широко выставлялись, многие из них находятся в постоянных коллекциях крупных художественных музеев, а также в Нью-Мексико, в пейзаже, который постоянно является одним из самых больших источников ее вдохновения.
Моисей Кислинг (фр. Moïse Kisling), выходец из Польши, зарекомендовал себя как выдающийся французский художник Парижской школы. Его талант в области живописи получил признание благодаря уникальному стилю, объединяющему элементы сюрреализма в изображении обнаженного женского тела и портретов, что принесло ему широкую известность. Кислинг переехал в Париж в 1910 году, где и присоединился к кругу известных художников в Монмартре и позже в Монпарнасе. Его творчество нашло отклик среди современников, включая близкое дружеское общение с Амедео Модильяни, который создал портрет Кислинга в 1916 году, сейчас хранящийся в Musee d'Art Moderne.
Работы Кислинга отражают его исключительную способность передавать красоту и тонкость человеческой фигуры, что сравнимо с творчеством Марка Шагала в пейзажах. Некоторые из его знаковых произведений включают "Портрет Жана Кокто", "Кики де Монпарнас в красном джемпере и голубом шарфе", "Молодая датчанка", а также "Большая обнаженная Жосан на красной кушетке".
Кислинг активно участвовал в художественной жизни Парижа, его работы регулярно экспонировались на различных выставках, в том числе и в международном масштабе, например, выставка «Кислинг, великая фигура Парижской школы» в Токийском музее изобразительных искусств в 2019 году демонстрировала его значимость и влияние на мировую культуру и искусство.
Коллекционерам, экспертам в области искусства и антиквариата, заинтересованным в наследии Моисея Кислинга, предлагаем подписаться на обновления, чтобы не упустить информацию о продажах новых работ и аукционных событиях, связанных с этим знаменитым художником. Это прекрасная возможность погрузиться в мир культуры, искусства и уникального творчества Кислинга, чьи работы продолжают вдохновлять и поражать своей красотой и глубиной.
Борис Николаевич Кошелохов (англ. Boris Nikolaevich Koshelokhov), известный в художественном Петербурге под прозвищем Боб (Bob) — советский и российский художник-авангардист.
Борис Кошелохов был организатором группы художников-нонконформистов «Летопись», представлявшей чрезвычайно разнородный спектр направлений: от крайнего экспрессионизма до примитивизма.
Ники́фор Крыни́цкий (польск. Nikifor Krynicki), настоящее имя Эпифаний Дровняк (польск. Epifaniusz Drowniak) — польский художник-примитивист лемковского происхождения.
Оставленное Никифором наследие огромно, в нём насчитывают до 40 тысяч работ. В настоящее время признан одним из крупнейших наивных художников. Его работы находятся в разных художественных собраниях, большинство — в региональном музее города Новы-Сонч и в музее Никифора в Крынице (открыт в 1995).
Жан-Мари Ламар (фр. Jean-Marie Lamare) — современный фламандский художник-примитивист, мастер искусства темперы. Эта техника, унаследованная от великих фламандских мастеров, поражает особой яркостью. Композиции Ж. М. Ламара переносят нас в фантастический мир.
Михаил Фёдорович Ларионов был выдающимся российским художником, чьё творчество оказало значительное влияние на развитие искусства XX века. Родившийся в 1881 году, Ларионов не только проявил себя как талантливый живописец, но и стал одним из основателей авангардного направления в российском искусстве. Его работы отличаются экспериментами с цветом, формой и перспективой, что делает их уникальными и узнаваемыми.
Ларионов был одним из пионеров русского авангарда и, вместе с Наталией Гончаровой, создал направление, известное как "лучизм", стремясь передать динамику и движение с помощью "лучей" цвета. Эта техника стала одним из его важнейших вкладов в развитие современного искусства. Ларионов также активно участвовал в различных художественных выставках и организациях, способствуя развитию культуры и искусства в России и за рубежом.
Произведения Ларионова находятся в многочисленных музейных коллекциях по всему миру, включая Государственную Третьяковскую галерею в Москве и Музей современного искусства в Нью-Йорке. Его работы продолжают привлекать внимание коллекционеров и экспертов в области искусства, оставаясь значимыми и востребованными на аукционах.
Ларионов не просто оставил след в истории искусства; он изменил её, предложив новые формы и методы выражения, которые вдохновляют художников до сих пор. Его наследие продолжает изучаться и переосмысливаться, подчёркивая его вклад в культурное наследие мирового искусства.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений Михаила Фёдоровича Ларионова и событиях на аукционах. Это ваш шанс быть в курсе самых значимых событий, связанных с работами этого выдающегося художника.
Ло́уренс Сти́вен Ла́ури (англ. Laurence Stephen Lowry) — британский художник, мастер городского пейзажа и жанровых сцен, портретист.
Лаури начинал как художник-любитель, но постепенно получил признание на родине и в Европе, стал академиком Королевской академии художеств (1962), почётным доктором наук университетов Манчестера, Солфорда) и Ливерпуля. В 2000 году в Солфорде был открыт Центр Лаури стоимостью 106 миллионов фунтов стерлингов. Названная в честь художника галерея площадью 2000 квадратных метров вмещает в постоянной экспозиции 55 его картин и 278 рисунков — самую большую в мире коллекцию его работ.
Торборг Линдберг-Карлссон (шведск. Torborg Lindberg-Karlsson) — шведская художница и скульптор.
Она создавала вырезанные из дерева и раскрашенные скульптуры, изображающие людей в костюмах северных народов, в основном относящихся к саамской культуре. Также она вырезала церковные украшения и утварь.
Фредерик Джеймс Ллойд (англ.Frederick James Lloyd) — английский художник. Он прославился своими картинами, в основном изображающими животных и сельские пейзажи.
Он был первым из ныне живущих художников-самоучек, чья картина под названием «Кошка и мышь» была выставлена в лондонском музее Тейт.
Гилберт Луджан (англ. Gilbert Lujan) — американский скульптор и художник-монументалист. В профессиональных кругах более известен под псевдонимом «Магу».
Работы Магу стали популярны на протяжении 1980-х и 1990-х годов, поскольку в них использовались красочные образы, антропоморфные животные, изображения лоурайдеров возмутительно пропорциональных размеров, украшенные наложенными друг на друга мотивами коренных народов (городов, граффити), инсталляции Dia De Los Muertos, алтари и всевозможные заимствования из поп-культуры.
Вондер Люк (англ. Wonder Luke) — зимбабвийский скульптор.
Как и многие художники в Зимбабве, он был простым работником на поле, пока не попал на ферму скульпторов. Вондер Люк нашел свой уникальный стиль и создает человеческие головы различных размеров, с мягкими и приятными чертами лица и различными эмоциями. Его работы пользуются большим успехом среди знатоков.
Казимир Северинович Малевич, выдающийся художник польско-украинского происхождения, занимает особое место в истории мирового искусства как основоположник супрематизма. Это направление, ставшее одним из ключевых в авангардном искусстве XX века, предложило радикально новый подход к использованию геометрических форм и цвета, отходя от традиционного изобразительного искусства в сторону абстракции. Малевич стремился донести до зрителя идею, что искусство не обязано имитировать природные формы, чтобы выразить глубокие эмоциональные и философские идеи.
Его работа, особенно такие знаковые произведения как «Чёрный квадрат», оказала неизмеримо большое влияние на развитие не только живописи, но и скульптуры, архитектуры и дизайна, предложив новый взгляд на роль и значение формы и цвета в художественном творчестве. Эти идеи Малевича нашли отражение не только в его произведениях, но и в теоретических работах, где он размышлял о будущем искусства, его формах и функциях.
Произведения Малевича сегодня представлены в ведущих музеях мира, включая Государственный Русский музей и Музей современного искусства в Нью-Йорке, подтверждая их значимость и влияние на мировую художественную культуру. Его наследие продолжает вдохновлять художников, архитекторов и дизайнеров по всему миру, символизируя переход к новым формам выражения и восприятия искусства.
Для коллекционеров и специалистов искусства, интересующихся работами Малевича, подписка на обновления о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся мастером, предоставляет уникальную возможность отслеживать актуальные тенденции и обогащать свои коллекции произведениями, вдохновлёнными его революционным видением. Это не только способ внести вклад в сохранение его наследия, но и возможность глубже понять влияние его идей на современное искусство и культуру.
Байя Махиддин (араб. باية محي الدين; англ. Baya Mahieddine) или Фатима Хаддад (араб. فاطمة حداد; англ. Fatima Haddad) — алжирская художница, наиболее известная своими яркими и красочными картинами, на которых часто изображались смелые формы и фигуры. В возрасте шестнадцати лет Байя провела свою первую выставку в Париже, где ее заметили такие известные художники, как Пабло Пикассо и Андре Бретон.
Работы Байи Махиддин часто ассоциируются с сюрреализмом, поскольку она находилась под сильным влиянием Бретона и других художников-сюрреалистов. Однако она также черпала вдохновение в традиционном алжирском искусстве и культуре, включая в свои работы такие элементы, как каллиграфия и геометрические узоры.
На протяжении всей своей карьеры произведения Байи выставлялись в Алжире и Франции, и она получила широкое признание критиков за свой уникальный стиль и подход к живописи. Помимо картин, она также создавала гобелены, керамику и другие произведения искусства.
Саломон «Сал» Мейер (нем. Salomon «Sal» Meijer) – голландский художник, известный изображениями кошек и видами Амстердама. Работы Мейера выставлены, в частности, в Еврейском историческом музее и музее кошек Kattenkabinet в Амстердаме. В юности работал в алмазной промышленности, одновременно изучая искусство. В 1914 году полностью посвятил себя живописи. Его первая персональная выставка состоялась в 1926 году. Работы Мейера были включены в выставку-продажу 1939 года Onze Kunst van Heden («Наше искусство сегодня») в Рейксмузеуме в Амстердаме. Из-за простоты картин Мейера и его к ним отношения (он считал их не произведениями искусства, а ремеслом) его работы часто называли наивными и примитивными. Переоценка его творчества началась в 1957 году со статьи Каспера Нихейса.
Жоан Миро (кат. Joan Miró i Ferrà) был выдающимся каталонским художником, скульптором и керамистом, чьё творчество оказало значительное влияние на мир искусства ХХ века. Родившийся в Барселоне 20 апреля 1893 года и ушедший из жизни 25 декабря 1983 года в Пальме, Майорка, Миро стал одной из ключевых фигур в сюрреализме и абстрактном искусстве. Его работы отличаются сочетанием абстракции и сюрреалистической фантазии, что проявляется в напряжении между его поэтическим вдохновением и видением жестокости современной жизни.
Среди заметных работ Миро - картины, такие как "Натюрморт с кроликом" (1920), где он исследовал кубизм, сохранив при этом реалистичные элементы; "Фермерский дом" (1921-1922), который является данью уважения его семье и национальной истории; и "Вспаханное поле" (1923), стилистический перелом в его творчестве, объединяющий ранние работы и начало оригинального подхода, который сделал его одним из самых креативных художников своего времени. Картина "Каталонский пейзаж" (1923-1924), представляющая сюрреалистический автоматизм, также заслуживает особого внимания.
Миро был не только художником, но и скульптором, керамистом и автором литографий, создавая множество муралов, гобеленов и скульптур для общественных пространств. Его работа характеризуется экспериментированием с различными материалами и техниками, что позволяло ему постоянно обновлять своё искусство и оставаться актуальным на протяжении всей карьеры.
Недавно в Барселоне была организована выставка, объединяющая более 250 работ Миро из государственных и частных коллекций со всего мира, демонстрирующая его вклад в искусство XX века.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, заинтересованных в творчестве Жоана Миро, предлагаем подписаться на наши обновления. Вы будете в курсе новостей о продажах произведений и аукционах, связанных с этим выдающимся художником.
Мария дель Кармен Мондрагон Вальсека (исп. María del Carmen Mondragón Valseca), известная также под псевдонимом Науи Олин (аст. Nahui Olin) — мексиканская художница, натурщица и поэтесса.
Кармен Мондрагон была связана с авангардистским движением, известна своим нетрадиционным образом жизни и откровенным характером. Ее вклад в мексиканский модернизм и роль музы для известных художников и писателей еще больше укрепили ее статус культурной иконы.
Личная жизнь и отношения Нахуи Олин были столь же нетрадиционными. У нее были романы с известными художниками, в том числе с Диего Риверой и Херардо Мурильо (доктор Атль), которые повлияли на ее художественное самовыражение и мировоззрение. Исследование любви, желания и идентичности через свое творчество и личный опыт сделало ее символом расширения женских возможностей и сексуального освобождения.
Сестра Гертруда Морган (англ.Gertrude Morgan) — афроамериканская художница-самоучка, музыкант, поэт и проповедник. При жизни сестра Морган получила признание критиков за свои картины в стиле фолк-арт. Ее работы были включены во многие новаторские выставки визионерского и народного искусства, начиная с 1970-х годов.
Подобно другим художникам-самоучкам, сестра Морган использовала простые формы для изображения человеческой фигуры. Ее работы характеризуются отсутствием использования формальных приемов, таких как перспектива и определение света и тени, что придает им плоское, двухмерное качество. Она пишет и рисует, используя акриловые краски, темперу, шариковую ручку, акварель, мелки, цветные и свинцовые карандаши, фломастеры. Используя недорогие материалы, которые были у нее под рукой, сестра Морган рисовала на бумаге, туалетных рулонах, пластиковых кувшинах, бумажных мегафонах, обрезках дерева, абажурах, бумажных веерах и подносах из пенополистирола. Тот факт, что она была самоучкой, в сочетании с ее выбором материалов, а также ее стиль и тематика привели к тому, что ее характеризуют как наивного, народного, визионерского, вернакулярного и аутсайдерского художника.
Генри Муньярадзи (англ. Henry Munyaradzi), известный как просто Генри — зимбабвийский скульптор-самоучка, представитель «скульптуры шона».
До того, как к нему в руки попал инструмент, Генри был простым работником и никогда не посещал школу. Его скульптурная работа сочетает в себе простоту примитива со стилизованной изысканностью. Он очень уважает камень, который использует, и часто вдохновляется оригинальной формой. Генри добился выдающихся успехов на международном уровне, проводя индивидуальные и групповые выставки по всему миру.
Генри Спенсер Мур (англ. Henry Spencer Moore) был выдающимся британским скульптором и художником, оставившим неизгладимый след в мире искусства XX века. Он известен своими полуабстрактными монументальными скульптурами, которые сегодня можно встретить в разных уголках мира. Мур увлекался искусством Древней Греции, этрусков и майя, что нашло отражение в его творчестве. Особенно его привлекала тема материнства, которая прослеживается во многих его работах, таких как скульптура «Мать и дитя (Капюшон)», установленная в Соборе Святого Павла в Лондоне.
Его бронзовая скульптура «Король и Королева», созданная в 1952—1953 годах, отражает романтический и идиллический образ, пользующийся большой популярностью среди посетителей галерей. Интересно, что идея создания этой скульптуры была вдохновлена важным историческим событием - смертью Георга VI и восшествием на престол королевы Елизаветы II.
Мур также был знаменит своим художественным подходом, который сравнивал женское тело с природным ландшафтом. Его скульптуры отличает изображение женских фигур, где каждая форма имеет своё значение, а пустоты символизируют пещеры. Одна из его наиболее известных работ в этом направлении - скульптура «Лежащая фигура».
В его работах чувствуется глубокое уважение к материалу и стремление к созданию форм, символизирующих природное и земное начало. Этот подход Мура оказал значительное влияние на развитие современного искусства и модернизма в Англии.
За свою жизнь Генри Мур создал множество произведений, которые сегодня находятся в ведущих музеях и коллекциях по всему миру. Его наследие продолжает вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Если вас интересует искусство Генри Мура и вы хотите узнать о новых выставках его работ, подпишитесь на обновления. Так вы всегда будете в курсе последних новостей о продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим знаменитым художником.
