Художники Готическое искусство
Феррер Басса (исп. Jaume Ferrer Bassa) был испанским художником-миниатюристом, родившимся между 1285 и 1290 годами. Он известен как первый представитель итало-готического стиля в каталонской живописи XIV века и выделяется своими фресками, выполненными в 1346 году. Басса умер в Барселоне в 1348 году от чумы.
Его наиболее известные работы находятся в монастыре Педральбес в Барселоне и включают такие фрески, как «Поклонение пастухов», «Жёны-мироносицы у гроба», «Коронация Девы Марии». Эти произведения представляют собой глубоко разработанные композиции, делённые на два регистра: один посвящен Страстям Христовым, а другой — Богоматери. Особенностью его стиля является сочетание статичных и массивных форм Джотто с жизненной энергией и движением. Художник также придавал глубину пространству и усиливал выразительность лиц. Колорит его работ усилен темно-зеленым фоном, который иногда дополняется растительным орнаментом, деревьями или листвой.
Феррер Басса, выходя за рамки ранней французской готики, обнаруживает знакомство с Джотто и мастерами сиенской школы. Некоторые его работы напоминают произведения Дуччо ди Буонинсенья, Симоне Мартини и Лоренцетти, особенно в эпизодах «Страстей» и «Благовещения».
Сын Феррера Бассы, Арнау Басса, также был художником и сотрудничал со своим отцом в нескольких работах.
Если вас интересуют произведения Феррера Бассы и другие связанные с ним темы, подпишитесь на наши обновления. Мы регулярно информируем о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником и его творчеством.
Луис Борраса (исп. Lluís Borrassà), выдающийся представитель Каталанской и балеарской школы, оставил значительный след в мире искусства. Эта школа, возникшая в XIV-XV веках, стала важной ветвью испанской художественной культуры. Она развивалась на основе местных романских росписей церквей и под влиянием итальянских школ живописи, таких как сиенская и флорентинская.
Творчество Боррасы отличается смешением стилей и традиций. В его работах прослеживается влияние интернациональной готики, объединяющей фламандские, парижские и бургундские элементы. Борраса умело сочетал динамизм и детализацию, создавая сложные и выразительные композиции.
Одним из известных произведений Боррасы является "Алтарь святого Петра" (1411-1413), выполненный в церкви Санта-Мария в Таррасе. Это произведение демонстрирует его мастерство в работе с пространством и персонажами. Также заслуживает внимания "Алтарь святой Клары" (1415) для монастыря в Виче, который считается шедевром художника.
Каталонская и балеарская школа, в контексте которой работал Борраса, прошла через сложный исторический путь. Объединение Испании в 1479 году ударило по независимости Каталонии, что, в свою очередь, повлияло на развитие этой школы. Однако, несмотря на эти трудности, школа оставила заметный след в истории искусства.
Любителям и коллекционерам искусства и антиквариата, интересующимся Луисом Боррасой и Каталанской и балеарской школой, мы предлагаем подписаться на наши обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим замечательным художником и его эпохой.
Якоб Корнелисз ван Оостсанен (нидерл. Jacob Cornelisz van Oostsanen) — голландский живописец и мастер ксилографии конца позднего готического периода. Его можно считать одним из последних представителей традиционных стилей живописи до принятия новых элементов стиля Ренессанс в живописи Северных Нидерландов.
Доменико Венециано (итал. Domenico Veneziano), итальянский художник раннего Возрождения, родился около 1410 года и скончался 15 мая 1461 года. Его творчество было тесно связано с Перуджей и Тосканой, где он и провел большую часть своей жизни. Венециано известен своими инновационными методами в использовании света и цвета, что сделало его одним из выдающихся мастеров своего времени.
Его наиболее известное произведение, Алтарь Санта Лючия де Маньоли, выполненное в период с 1445 по 1447 год, сейчас находится в галерее Уффици во Флоренции. Эта работа отличается необычной для своего времени цветовой гаммой, что даже привело Джорджо Вазари к ошибочному предположению о том, что она была написана маслом. Доменико также работал над украшениями капеллы Портинари в госпитале Санта Мария Нуова во Флоренции, где, как известно, использовал льняное масло в качестве связующего для красок.
Среди других важных работ Венециано стоит выделить Мадонну дель Розето, которая находится в Национальном музее искусств Румынии, и Мадонну Беренсон во Вилле I Tatti во Флоренции, обе датированные примерно 1432-1437 годами. Его вклад в развитие искусства Возрождения неоценим, особенно в области использования света и цвета, что повлияло на многих последующих художников.
Доменико Венециано был тесно связан с семьей Медичи, что отмечается в его письме Пьеро ди Козимо де Медичи, где художник выражает свою привязанность к этому могущественному роду и просит разрешения написать алтарь для главы семейства. Также Вазари упоминает о легенде, согласно которой Венециано был убит Андреа дель Кастальо из-за ревности, однако это предположение остается без подтверждения, поскольку Кастальо умер за четыре года до Венециано.
Венециано оставил значительный след в истории искусства, и его работы до сих пор восхищают знатоков искусства по всему миру. Мы приглашаем всех заинтересованных коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Доменико Венециано, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим великим мастером.
Таддео Гадди (итал. Taddeo Gaddi) прославился как один из самых талантливых учеников и последователей знаменитого флорентийского мастера Джотто. После смерти Джотто Гадди на протяжении трех десятилетий был ведущим флорентийским художником, хотя и не обладал всеобъемлющим эстетическим видением своего учителя.
Его ранние работы, такие как небольшой триптих с изображением Девы Марии на престоле с Младенцем и святыми, подписанный и датированный 1334 годом, заслуживают внимания. Главным же творением Таддео Гадди считается цикл фресок «Истории Девы Марии» в Барончелли Капелле базилики Санта Кроче во Флоренции (1328-1338 гг.). Эти работы демонстрируют мастерство Гадди в стиле Джотто, к которому он добавил личный эксперимент с архитектурными фонами.
Таддео Гадди также работал над панелями для сакристии церкви Санта Кроче, которые теперь находятся в Галерее Академии во Флоренции, а также в музеях в Мюнхене и Берлине. Его стиль, хотя и следовал традициям Джотто, был менее героическим и более анекдотичным.
Таддео Гадди скончался в 1366 году и был похоронен в Санта Кроче. Его сын, Аньоло Гадди, продолжил традиции Джотто, но с дальнейшими украшениями в сторону декоративной элегантности.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, желающих узнать больше о творчестве этого замечательного художника, мы предлагаем подписаться на обновления, связанные с Таддео Гадди. Будьте в курсе новостей о продажах и аукционах, связанных с его работами.
Маттиас Грюневальд (нем. Matthias Grünewald, Mathis Gothart-Nithart) был выдающимся немецким художником эпохи Возрождения, чьи произведения отличались необычайной выразительностью и эмоциональной насыщенностью. Родившийся около 1480 года в Вюрцбурге и скончавшийся в августе 1528 года в Халле, Грюневальд оставил после себя наследие, которое и по сей день восхищает своей уникальностью и глубиной.
Грюневальд известен прежде всего своим шедевром — Изенгеймским алтарем, выполненным для монастыря Антонитов в Изенгейме, который является одним из самых значительных произведений северного Возрождения благодаря своей экспрессивности, мастерскому использованию цвета и способности передать страдание и духовную силу. Этот алтарь, датируемый примерно 1512-1516 годами, сегодня можно увидеть в музее Унтерлинден в Кольмаре, Франция.
Произведения Грюневальда характеризуются интенсивным цветом и волнующей линией, что делает его стиль уникально выразительным и легко узнаваемым. Он часто изображал религиозные сцены, наполненные эмоциональной силой и глубоким драматизмом, такие как "Плач по Христу" или "Воскрешение Христа", которые демонстрируют его умение работать с светом и тенью для создания мощного визуального воздействия.
Кроме Изенгеймского алтаря, Грюневальд создал множество других замечательных произведений, которые сегодня можно увидеть в различных музеях и галереях по всему миру, включая Карлсруэ и Мюнхен в Германии, а также Вашингтоне и Базеле.
Грюневальд оставался относительно неизвестным в течение многих веков после своей смерти, но его талант и значимость были переоценены в конце 19-го века, когда его стали считать культовой фигурой, прославляющей экспрессионизм и отсутствие классицизма в его работах. Его вклад в искусство оценивается особенно высоко среди экспертов и коллекционеров, ценящих глубину и эмоциональность его произведений.
Для тех, кто интересуется искусством и хочет узнать больше о жизни и творчестве этого выдающегося мастера, мы предлагаем подписаться на наши обновления. Это позволит вам получать информацию о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Маттиасом Грюневальдом.
Пол де Лимбург (фр. Pol de Limburg), также Паул ван Лимборх или ван Лимбург (нидерл. Paul Van Lymborch, Van Limburg) — французский миниатюрист начала XV века родом из Северных Нидерландов.
Вместе с двумя братьями — Германом (Herman) и Жаном (Jean) — Пол работал в Париже. Еще в подростковом возрасте все трое поступили на службу к Жану де Франсу, герцогу де Берри. Именно для него были созданы две наиболее богато иллюстрированные книги часов (популярная форма частного молитвенника того времени).
Пол, очевидно, обладал бОльшим мастерством среди братьев и ему принадлежит основная часть работы. После завершения «Красных ведомостей» братья приступили к работе над книгой «Три богатых ведомости герцога де Берри». Это произведение, считающееся их величайшим творением, принадлежит к числу лучших образцов стиля интернациональной готики.
Братья Лимбург оставили «Богатые дни герцога де Берри» незавершенными, так как почти одновременно умерли в 1416 году, возможно, во время эпидемии чумы.
Братья Лимбург являются наиболее известными из всех позднеготических иллюминаторов рукописей. Вместе они синтезировали новации других иллюминаторов и выработали собственный стиль, отличающийся тонкостью линий, кропотливостью техники и мельчайшей проработкой деталей. Их «Богатые дни герцога де Берри», завершенные около 1485 г. Жаном Коломбом, являются одной из вех в искусстве книжной иллюминации. Она во многом повлияла на ход развития раннего книгоиздания и предвосхитили пути развития искусства Северного Возрождения.
Джованни дель Бьондо (итал. Giovanni del Biondo) — выдающийся итальянский художник XIV века, известным благодаря своим панельным картинам. Он работал в период с 1356 по 1399 годы и специализировался на создании произведений с религиозной тематикой, многие из которых сохранились до наших дней. Живописец был активен во Флоренции, где и скончался в 1399 году. Его ранние работы демонстрируют влияние стиля Джотто, а позднее он начал создавать темперные картины на досках, которые часто показывают влияние работ Амброджо Лоренцетти и других мастеров того времени.
В его карьере есть только два подписанных алтаря, что позволяет с уверенностью приписывать ему значительное количество работ благодаря уникальности его стиля. Среди особенностей его техники выделяются необычные пропорции, острые, колючие черты и сильное чувство дизайна.
Некоторые из его известных произведений находятся в частных коллекциях и музеях, включая Ватиканские музеи и Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Также его работы представлены в Пинакотеке Ватикана и в церкви Сан-Лоренцо в Сан-Джованни Вальдарно.
Произведения Джованни дель Бьондо отличаются вниманием к деталям и глубоким религиозным содержанием, что делает их ценными для коллекционеров и исследователей искусства Возрождения.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, рекомендуем подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах и аукционных мероприятиях, связанных с Джованни дель Бьондо. Эта подписка позволит вам быть в курсе последних новостей и открытий в мире искусства.
Джотто ди Бондоне (итал. Giotto di Bondone), итальянский живописец и архитектор XIV века, считается ключевой фигурой в истории западноевропейского искусства и одним из первых представителей проторенессанса. Его работа отмечает переход от средневекового готического искусства к искусству Ренессанса, и он известен своими инновациями в области композиции, перспективы и эмоциональной выразительности в религиозной живописи.
Джотто родился около 1267 года в Веспигниано (ныне Виккьо) недалеко от Флоренции, в семье крестьянина Бондоне. Существуют легенды о том, как он стал художником, но большинство из них сочинены после его смерти и не подтверждены документально. Однако известно, что он учился у Чимабуэ и был влиятелен во Флоренции в начале XIV века.
Одним из наиболее значительных произведений Джотто являются фрески в верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, созданные в конце 1280-х годов. Эти работы отличаются живостью персонажей и тонкой моделировкой с помощью светотени. Помимо этого, он расписал капеллу Санта Кроче во Флоренции и капеллу дель Арена в Падуе, где его работы демонстрируют мастерство композиции и начала пространственного видения.
Джотто скончался 8 января 1337 года во Флоренции, работая над фреской «Страшный суд» в капелле Барджелло. Несмотря на прошедшие века, его вклад в искусство остается неоценимым, а его работы продолжают восхищать и вдохновлять художников и искусствоведов по всему миру.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, подпишитесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах продукции и аукционных событиях, связанных с Джотто ди Бондоне. Это будет отличным способом оставаться в курсе последних событий и редких произведений искусства, связанных с этим выдающимся художником.
Дуччо ди Буонинсенья (итал. Duccio di Buoninsegna) — итальянский художник, является одним из крупнейших представителей сиенской школы. Он активно работал в конце XIII - начале XIV веков и считается ключевой фигурой в истории живописи проторенессанса. Формирование Дуччо ди Буонинсенья происходило под влиянием Чимабуэ, с которым, по мнению искусствоведа Фердинандо Болоньи, он начал сотрудничество в 1283-84 годах.
Дуччо ди Буонинсенья известен своей работой над фресками в Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, где в нескольких местах видна его рука. Его самое знаменитое произведение — это большая «Маэста» из сиенского собора, датируемая 1308-1311 годами. Это двусторонний алтарный образ с изображением мадонны — покровительницы города Сиены — с младенцем и ангелами, а также семьюдесятью шестью сценами из жизни Марии и Христа на оборотной стороне. Многие части этого грандиозного произведения сейчас разбросаны по различным музеям.
Его стиль характеризуется стремлением к жизненной убедительности бытовых деталей и звучной декоративности цвета, а также лиричности образной системы. В отличие от сурового стиля Джотто, Дуччо ди Буонинсенья обладает умением вести занимательный лирический рассказ, передавая его очень наглядно, просто и ясно.
Среди других его известных работ можно выделить «Мадонна Строганова», находящаяся в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, «Францисканская Мадонна» из Пинакотеки в Сиене, а также «Лондонский Триптих» из Национальной галереи в Лондоне.
Эти произведения Дуччо ди Буонинсенья до сих пор остаются важной частью искусства проторенессанса и представляют значительный интерес для искусствоведов, коллекционеров и любителей истории искусства.
Для получения дополнительной информации и обновлений о произведениях Дуччо ди Буонинсенья, а также о выставках и событиях, связанных с его творчеством, приглашаем вас подписаться на наши рассылки.
Якопо ди Паоло (итал. Jacopo di Paolo) — итальянский художник и миниатюрист-иллюстратор, работавший в Болонье в IV-XV веках.
Якопо был очень разносторонним художником, работал в нескольких известных декоративных мастерских города, сотрудничал со скульпторами, создавая рисунки для скульптур. Он также участвовал на разных уровнях в политической и культурной жизни города. Якопо был зачислен в гильдии художников и ювелиров и занимал множество общественных должностей в Болонье. Влияние Якопо в Болонье продолжалось в течение полувека, а трое его сыновей тоже стали художниками.
Никколо ди Пьетро Джерини (итал. Niccolò di Pietro Gerini) — выдающийся итальянский художник позднего готического периода, активно работавший во Флоренции, а также выполнявшим заказы в Пизе и Прато. Его отличало использование традиционных композиций, в которых фигуры располагались в жесткой и драматичной манере. Хотя Джерини не был новатором в живописи, его работы ценятся за мастерство и внимание к деталям.
Никколо ди Пьетро Джерини принадлежал к школе Джотто и был связан с традициями таких мастеров, как Андреа ди Орканья и Таддео Гадди. Его стиль отличался особым изображением фигур: с большими подбородками, наклонными лбами и острыми носами, что было типично для готического изобразительного искусства. Одним из важных аспектов творчества Джерини является его вклад в изобразительное искусство, особенно в области архитектурного дизайна, благодаря чему он часто сотрудничал с другими художниками.
В числе известных работ Джерини — алтарь для церкви Сан Пьер Маджоре во Флоренции, созданный совместно с Якопо ди Чоне, а также ряд фресок во Флоренции, включая фасад Лоджии дель Бигалло и церковь Санта Феличита. Его работы также можно увидеть в Галерее Академии и в базилике Санта Кроче во Флоренции.
Исследования и анализы его работ показывают, что Джерини был представителем консервативного направления во флорентийской живописи позднего XIV века, продолжая и развивая иконографические и формальные модели начала столетия. Его композиции, хотя и простые и поучительные, отличаются особым подходом к формам и объемам, традиционно используемым Орканьей.
Многие работы Джерини хранятся в ведущих музеях мира, включая Национальную галерею в Лондоне и Эрмитаж в Санкт-Петербурге, где представлены его триптихи и другие произведения, демонстрирующие его мастерство в работе с темперой на дереве.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата, и вас интересует творчество Никколо ди Пьетро Джерини, мы приглашаем подписаться на обновления. Это позволит вам быть в курсе последних новинок и эксклюзивных предложений, связанных с произведениями Никколо ди Пьетро Джерини.
Альбрехт Дюрер (нем. Albrecht Dürer) — знаменитый немецкий художник, график и теоретик искусства эпохи Высокого Возрождения. Родившийся в Нюрнберге, Дюрер с раннего возраста занимался художественным творчеством, совершенствуя свои навыки в мастерской своего отца-ювелира. Позже он стал учеником художника и иллюстратора Михаэля Вольгемута, что оказало значительное влияние на его развитие как художника.
Дюрер известен своими гравюрами на дереве и меди, среди которых наиболее известны серии "Апокалипсис" (1498), "Адам и Ева" (1504), "Святой Иероним в своей келье" (1514) и "Ринокерос" (1515). Его работы отличаются высоким качеством исполнения, вниманием к деталям и реалистичным изображением человеческого тела и природы. Дюрер также создал ряд впечатляющих автопортретов, демонстрирующих его мастерство и самосознание как художника.
Одной из заметных черт Дюрера было его стремление к инновациям в искусстве, включая введение классических мотивов в североевропейское искусство, основанных на его знаниях о работах итальянских художников и немецких гуманистов. Это сыграло ключевую роль в утверждении его репутации как одного из важнейших деятелей Северного Возрождения. Дюрер также был официальным дворовым художником Священной Римской империи при императорах Максимилиане I и Карле V, для которых он разрабатывал и руководил реализацией различных художественных проектов.
Важной частью наследия Дюрера являются его теоретические трактаты, в которых он затрагивает принципы математики, перспективы и идеальные пропорции в искусстве. Эти работы оказали значительное влияние на развитие искусства и архитектуры в последующие века.
Произведения Дюрера представлены во многих музеях и галереях мира, в том числе в Прадо, Альте Пинакотеке и Метрополитен-музее. Его картины и гравюры привлекают внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, и продолжают вдохновлять новые поколения художников и искусствоведов.
Мы приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Альбрехтом Дюрером, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим выдающимся художником.
Пьетро Лоренцетти (итал. Pietro Lorenzetti) — выдающийся итальянский художник готического периода, чье творчество оказало значительное влияние на развитие Сиенской школы живописи. Пьетро Лоренцетти, вместе со своим братом Амброджо, стал ключевой фигурой в искусстве того времени, предшествуя эпохе Ренессанса своими инновациями в области натурализма и пространственной перспективы.
Одним из самых амбициозных проектов Пьетро Лоренцетти стали фрески в нижнем трансепте базилики Святого Франциска в Ассизи, где он изобразил страстную историю Христа. Эти работы демонстрируют влияние Джотто и других предшественников, а также его уникальный подход к изображению человеческих эмоций и использованию светотени.
Его мастерская работа, фреска в нижней церкви базилики Сан-Франческо в Ассизи, представляет собой серию крупных сцен, изображающих Распятие, Снятие с креста и Погребение. В этих сценах Лоренцетти демонстрирует эмоциональное взаимодействие между персонажами, отходя от предыдущих более иконографических подходов к живописи.
В его работах виден вклад в развитие искусства: от фресок в Ассизи до алтарных образов и небольших панелей, таких как знаменитый полиптих для церкви Санта Мария делла Пьеве в Ареццо, созданный в 1320 году. Этот полиптих служит прекрасным примером грациозности линий и яркости цвета, которые были характерны для его стиля.
Творчество Пьетро Лоренцетти, обогащенное деталями, эмоциональной глубиной и техническим мастерством, делает его одним из величайших художников своего времени. Его работы, находящиеся в музеях и галереях по всему миру, продолжают привлекать внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Если вы являетесь любителем искусства или антиквариата, мы приглашаем вас подписаться на наши обновления, чтобы быть в курсе новых продаж произведений Пьетро Лоренцетти и связанных с ним аукционных событий. Эта подписка станет вашим надежным источником информации о выдающихся произведениях искусства и предоставит возможность приобрести уникальные антикварные предметы, связанные с именем этого знаменитого художника.
Бернат Марторель (кат. Bernat Martorell), каталонский художник, является ключевой фигурой в истории искусства Готического периода. Родившись в конце 1390-х годов в Сант Селони, Марторель стал известен благодаря своим композициям, в которых он продемонстрировал все возможности готического интернационализма. Его работы отличаются использованием цвета как средства передачи света и его воздействий, что было характерно для этой эпохи.
Марторель, работавший в Барселоне, внес значительный вклад в развитие готического искусства, особенно в контексте Каталонской школы. В его работах прослеживается влияние итальянского Ренессанса, Международного Готического стиля и Фламандской школы. Это влияние проявляется в утонченности линий, детализации и использовании цвета.
Многие из работ Мартореля можно увидеть в музеях и галереях по всему миру.
Бернат Марторель - это символ эпохи, когда искусство переживало трансформацию, отражающую социальные и культурные изменения того времени. Его творчество представляет собой неповторимое наследие каталонской и балеарской школ, подчеркивающее важность этого периода в истории искусства.
Если вы интересуетесь искусством Берната Мартореля и хотели бы получать обновления о новых продажах и аукционных событиях, связанных с его работами, подпишитесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять только актуальную информацию, касающуюся его творчества.
Мартин Шонгауэр (нем. Martin Schongauer) — немецкий живописец, рисовальщик и гравёр периода Раннего Возрождения. Ориентировался на творчество Рогира ван дер Вейдена, посетил Нидерланды; гравюры Шонгауэра оказали большое влияние на европейское искусство.
Фейт Штос (нем. Veit Stoß или Stoss), также Вит Ствош (польск. Wit Stwosz) — немецкий и польский скульптор и резчик, чьи работы ознаменовали переход от поздней готики к Северному Возрождению. Он родился около 1450 г. в окрестностях Хорба-на-Неккаре (Германия) и прославился своим эмоциональным стилем и сложной резьбой, особенно по дереву. Его великолепное произведение — Алтарь Фейта Штоса в базилике Святой Марии в Кракове, завершенный в 1489 г., — является свидетельством его мастерства и остается одним из крупнейших триптихов своего времени.
После возвращения в Нюрнберг в 1496 г. Штос столкнулся с трудностями, в том числе с осуждением за подлог, но в конце концов был помилован. Его последующие работы, такие как "Товия и ангел", продолжали демонстрировать его исключительный талант и вызывали восхищение даже у таких критиков, как Джорджо Вазари.
Для тех, кто увлекается искусством скульптуры и историей эпохи Возрождения, работы Штоса представляют собой глубокое погружение в художественный мир той эпохи. Его работы, хранящиеся в различных музеях, позволяют заглянуть в переломный период истории искусства.
