Декораторы
Гвидо Убальдо Аббатини (итал. Guido Ubaldo Abbatini) был итальянским художником барочного периода, активно работавшим в Риме и Усиньи. Родившись в Читта-ди-Кастелло на рубеже XVI и XVII веков, Аббатини начал свое обучение у Джузеппе Чезари (Кавальере д'Арпино), но сильнее всего его вдохновило творчество Пьетро да Кортона. Гвидо Убальдо также работал ассистентом Джанлоуренцо Бернини, с которым поддерживал связь на протяжении всей жизни.
Аббатини известен своими многочисленными фресками и живописью на досках. Он также работал с мозаикой, в частности, принимал участие в создании мозаик собора Святого Петра в Риме. Одним из значимых проектов Аббатини стало выполнение реновации мозаики "Navicella" в притворе собора Святого Петра.
Кроме того, Гвидо Убальдо Аббатини прославился как портретист; одним из его заметных портретов является портрет Урбана VIII, который хранится в Галерее Национале в Риме. Его произведения также широко распространялись в виде репродукций.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и хотите оставаться в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с творчеством Гвидо Убальдо Аббатини, подписывайтесь на наши обновления.
Луиза Аббема (франц. Louise Abbema) была французской художницей, скульптором и гравером, родившейся в 1853 году в аристократической семье в Этампе. С раннего возраста она обучалась живописи у таких мастеров, как Шарль Шаплен и Жан-Жак Эннер, и быстро заявила о себе, благодаря портретам актеров и актрис Комеди Франсез, в том числе Сары Бернар. Её работы отражали влияние импрессионизма и академического искусства, а также были вдохновлены японским искусством.
Аббема активно участвовала в художественной жизни Парижа, её картины выставлялись в Салоне художников Франции и на Всемирных выставках. Она также выполняла заказы на декоративные панно для ратуш и других общественных зданий в Париже, а также работала над интерьерами таких мест, как Театр Сары Бернар (ныне Театр города Парижа) и дворец губернатора в Дакаре.
В 1906 году Луиза Аббема была награждена орденом Почётного легиона. Несмотря на признание в течение её жизни, после смерти в 1927 году её работы на некоторое время были забыты, но в конце XX века они снова стали популярны, особенно в контексте исследования вклада женщин в искусство прошлых веков.
Если вас заинтересовала работа Луизы Аббема и хотели бы получать обновления о новых продажах её произведений или предстоящих аукционах, подписывайтесь на наши обновления.
Гапар Айтиевич Айтиев — выдающийся советский киргизский художник, педагог и общественный деятель. Родившийся в 1912 году в селе Тулейкен Ошской области, он стал одним из первых профессиональных художников Киргизии, внесший значительный вклад в развитие киргизского искусства. Его образовательный путь прошел через Киргизский институт просвещения и Московское художественное училище "Памяти 1905 года", где он обучался у известных мастеров Н. П. Крымова и П. И. Петровичева.
Творчество Айтиева охватывает широкий спектр жанров, от станковой и монументальной живописи до скульптуры и театрального декораторства. Его работы отмечены высокими наградами и признанием: он является лауреатом Государственной премии Кыргызской ССР имени Токтогула Сатылганова, Народным художником СССР и Киргизской ССР, а также Героем Социалистического Труда.
Айтиев особенно известен своими эпическими и поэтичными пейзажами Киргизстана, такими как "Полдень на Иссык-Куле", а также портретами и монументальной живописью. Его "Галерея портретов современников" от 1979 года является значимым вкладом в портретное искусство.
Айтиев не только создавал искусство, но и активно занимался педагогической деятельностью, руководя мастерской живописи Академии художеств Киргизской ССР в городе Фрунзе. Его вклад в образование и формирование новых поколений художников неоценим.
Приглашаем всех ценителей искусства и антиквариатов подписаться на обновления, связанные с творчеством Гапара Айтиева, чтобы не пропустить информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях.
Борис Израилевич Анисфельд (урожд. Бер Срулевич), родившийся в Бельцах, Бессарабии, был выдающимся художником и сценографом, оставившим заметный след в искусстве России и США. Получив образование в Одесском художественном училище и петербургской Академии художеств, он сотрудничал с такими знаменитыми личностями, как Сергей Дягилев и Анна Павлова, оформляя спектакли и балеты, что принесло ему международное признание.
С 1917 года Анисфельд переехал в США, где продолжил свою деятельность в театре и живописи, оставаясь верным своему уникальному стилю, сочетающему в себе элементы экспрессионизма и символизма. Его работы, отличающиеся глубиной цвета и эмоциональной насыщенностью, экспонируются в многих музеях, включая Бруклинский музей в Нью-Йорке и Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан.
Анисфельд оставался активным и в области образования, преподавая в Художественном институте Чикаго с 1928 по 1957 год. Его подход к обучению подчеркивал важность эмоционального восприятия и выражения в искусстве, что вдохновляло многих студентов.
Приглашаем всех, кто интересуется искусством и антиквариатом, подписаться на обновления и не пропустить уникальные экспозиции и аукционы, посвященные этому выдающемуся художнику.
Алексей Петрович Антропов является выдающимся русским художником, специализирующимся на живописи, чьи работы оказали значительное влияние на культуру и искусство своего времени. Его талант в области портретной живописи сделал его одним из самых запоминающихся и уважаемых художников 18 века в России.
Антропов известен своей уникальной способностью передавать характер и внутренний мир изображаемых им персонажей. Его работы отличаются вниманием к деталям, яркостью цветов и тщательностью проработки лицевых черт. Эти качества делают каждый его портрет не просто изображением человека, но и глубоким психологическим исследованием.
Среди известных работ Антропова можно выделить портреты императрицы Екатерины Великой, которые сегодня хранятся в ведущих музеях России, включая Эрмитаж и Третьяковскую галерею. Эти произведения не только демонстрируют высокий уровень мастерства художника, но и служат важными историческими документами, отражающими эпоху его жизни и творчества.
В своих работах Антропов успешно сочетал традиции русской живописи с влияниями европейского искусства, благодаря чему его творчество занимает особое место в истории культуры. Его вклад в развитие русской живописи трудно переоценить, и сегодня его произведения продолжают привлекать внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж произведений Алексея Петровича Антропова и аукционных событий, связанных с его творчеством. Подписка гарантирует вам актуальную информацию без излишней помпезности, сосредоточенную исключительно на продаже произведений искусства и аукционах.
Анатолий Афанасьевич Арапов — выдающийся русский живописец, акварелист, график и театральный художник, родившийся в Санкт-Петербурге 21 ноября 1876 года. Обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества с 1897 по 1906 годы заложило основу его художественному мастерству. Арапов активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы экспонировались на многих выставках, включая знаменитую "Голубую розу".
Творчество Арапова отличает утонченное чувство стиля и глубокое понимание композиции. Его работы находятся в ведущих музеях России, таких как Государственная Третьяковская галерея, Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева и Ярославский художественный музей, а также в частных коллекциях.
Среди известных работ Арапова - картины "Закат. Истра", "Большак" и "Река Истра", созданные в 1940 году. Эти произведения характеризуются живописной техникой и ярко выраженным чувством красоты природных ландшафтов.
За свою жизнь Арапов внес значительный вклад в развитие русского искусства, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру. Его талант и мастерство признаны не только в России, но и за ее пределами.
Если вас интересует искусство Анатолия Афанасьевича Арапова и вы хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с его творчеством, подпишитесь на обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и прикоснуться к наследию одного из его ярких представителей.
Джон Резерфорд Армстронг (англ. John Rutherford Armstrong) — британский живописец и художник-монументалист, который также занимался оформлением кино и театральных постановок. Он наиболее известен своими сюрреалистическими картинами.
Амико Аспертини (итал. Amico Aspertini) — итальянский художник, рисовальщик и скульптор эпохи Возрождения, считается одним из ведущих представителей болонской школы живописи.
Он обучался в семейной мастерской и находился под влиянием художников школы Феррары — Эрколе де'Роберти, Лоренцо Коста и Франческо Франча. Он работал художником и скульптором, а также был прекрасным рисовальщиком, о чем свидетельствуют многочисленные сохранившиеся рисунки и эскизы. Современники удивлялись его сложному и импульсивному характеру и отмечали, что он работал одновременно двумя руками.
Аспертини написал великолепные портреты, а также создал многочисленные фрески и запрестольные образы в часовнях и церквях Италии. Многие из его работ эксцентричны и эклектичны, даже причудливо-фантастичны, его сложный стиль предвосхищает маньеризм.
Шарль Гарабед Атамян (фр. Charles Garabed Atamian) — французский художник армянского происхождения, родившийся в Турции.
Он некоторое время учился в Академии художеств в Венеции, затем работал главным дизайнером на фарфоровом заводе Стамбула. В 1894 году Атамян работал с коллективом художников над украшением нового дворца султана Абдул-Хамида Иль в Йылдызе, на европейской стороне Босфора. Он разработал среди прочего узоры для керамической плитки стен дворца.
В 1897 году Атамян эмигрировал во Францию и занялся иллюстрированием книг и журналов, а также работал над декорациями для нескольких парижских театров. С 1903 года Атамян с непременным успехом принимал участие в различных выставках. Он писал пейзажи, морские и пляжные сцены с детьми (в том числе около 200 картин в Сен-Жиле в Вандее, где он проживал каждый год в летние месяцы с 1923 по 1939 год). На протяжении всей своей карьеры он был прекрасным художником-портретистом. В 1927 году он стал членом Национального общества художников.
Пётр Васильевич Басин был русским живописцем, академиком и профессором Императорской академии художеств, вносящим значительный вклад в религиозную, историческую и портретную живопись России. Его творчество охватывает обширный спектр тем и стилей, включая монументальные работы в церквях и светских зданиях. Особенно заметны его вклады в росписи Исаакиевского собора, где он создал до сорока образов и картин религиозного содержания.
Басин также преподавал в натурном классе академии, и его ученики стали значимыми фигурами в русской живописи. К его известным работам относятся портреты и религиозные изображения, выполненные для многих значимых российских соборов и церквей.
В дополнение к своему художественному наследию, Басин активно участвовал в оценке и приобретении искусства для государственных коллекций, а также в сохранении памятников русской архитектуры.
Его произведения находятся в ведущих музеях России, включая Русский музей в Санкт-Петербурге и Московский публичный музей, а также во многих церковных коллекциях по всей стране.
Если вас интересует русская живопись и история искусства, подпишитесь на обновления и узнавайте о новых выставках и аукционах, связанных с Пётром Васильевичем Басиным. Это ваш шанс углубиться в мир русского искусства и не пропустить уникальные события и экспонаты!
Беле Бахем (на самом деле Ренате Габриэле Бахем) — немецкий художник-график, книжный иллюстратор, сценограф и писатель. В 1997 году Бахем была награждена орденом «За заслуги перед Федеративной Республикой Германия».
Бахем считается одним из самых важных немецких послевоенных художников и одним из немногих сюрреалистов немецкой литературной иллюстрации.
Елена Михайловна Бебутова — российская и советская художница середины ХХ века грузинско-армянского происхождения. Она известна как живописец, график и сценограф.
Елена Бебутова прошла эволюцию от увлечения кубизмом и футуризмом в раннем творчестве к более декоративному и реалистическому стилю. В 1917 году она начала работать над оформлением спектаклей в различных театрах России, провела персональную выставку в Москве в 1923 году. Вернувшись в СССР после командировок в Берлин и Париж, она стала одним из членов-учредителей общества «Четыре искусства». Её работа в театре была тесно связана с режиссёрской деятельностью её брата Валерия Бкебутова, их последней совместной работой была постановка «Гамлета» в Витебском Белорусском театре в 1946 и 1955 годах.
Бебутова также известна как модель для портретов, созданных её мужем Павлом Кузнецовым.
Абрахам Янсзоон Бега (нидерл. Abraham Jansz. Bega), также Абрахам Янсзоон Бегейн (Abraham Jansz. Begeyn) — голландский живописец-пейзажист, мастер натюрморта, рисовальщик и декоратор.
Одаренность Абрахама оценили очень рано и уже в 17 лет он стал членом профессиональной Гильдии святого Луки города Лейдена, учился у харлемского живописца Николаса Берхема (1620-1683), много путешествовал по Европе и рисовал.
Абрахам Бега написал множество пейзажей, в том числе прибрежные речные виды, архитектурные, со стадами и пастухами. Кроме того, он автор цветочных композиций и натюрмортов с атрибутами охоты. В 1688 году он был приглашен в Берлин в качестве придворного художника курфюрста Фридриха III, однако работать ему здесь пришлось в основном декоратором интерьеров и рисовальщиком замков.
Карл Петрович Беггров (нем. Karl Joachim Beggrow) был российским художником и литографом балтийско-немецкого происхождения, известным своими акварельными пейзажами и видами городов. Родился в 1799 году в Санкт-Петербурге и стал известным благодаря своим детализированным и точным изображениям городских пейзажей, особенно Санкт-Петербурга.
Беггров получил художественное образование в Императорской Академии художеств, где развил свои навыки в акварели и литографии. Он часто изображал виды Санкт-Петербурга, его архитектуру и повседневную жизнь, что сделало его работы ценным историческим источником и объектом интереса для коллекционеров. Карл Беггров был также отцом известного русского художника Александра Беггрова, что подчеркивает важность его художественного наследия.
Среди известных работ Карла Петровича Беггрова выделяются литографии с видами Санкт-Петербурга, которые сейчас находятся в различных музеях и частных коллекциях. Его работы высоко ценятся за их точность и художественное мастерство, что делает их популярными среди любителей искусства и историков.
Если вы хотите узнать больше о произведениях Карла Петровича Беггрова или получать уведомления о новых поступлениях и аукционных событиях, связанных с его работами, подпишитесь на наши обновления.
Александр Николаевич Бенуа был выдающимся русским художником, театральным декоратором, историком искусства, критиком и одним из основателей художественного объединения "Мир искусства". Его талант проявился в различных областях культуры и искусства, оказав значительное влияние на развитие русского модерна.
Бенуа уделял большое внимание деталям, благодаря чему его работы отличались высокой степенью выразительности и эмоциональной насыщенности. Он считался мастером композиции, а его способность сочетать исторические и современные элементы в дизайне театральных постановок привнесла новизну в русское искусство того времени.
Среди известных работ Бенуа - оформление спектаклей для Русских балетов Сергея Дягилева, которые до сих пор вызывают восхищение у зрителей по всему миру. Его живописные полотна и эскизы хранятся в ведущих музеях России и Европы, включая Государственный Русский музей и Третьяковскую галерею.
Александр Бенуа оставил неизгладимый след в истории мирового искусства, его наследие продолжает вдохновлять новые поколения художников и дизайнеров. Его работа является примером неустанного поиска и экспериментов, символом культурного развития и взаимосвязи искусства с жизнью.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Александром Николаевичем Бенуа. Это позволит вам первыми узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником. Подписка обещает быть источником эксклюзивной информации, которая обогатит вашу коллекцию и позволит глубже понять тенденции мирового искусства.
Павел Петрович Беньков — российский и советский художник первой половины ХХ века. Он известен как живописец, график, театральный декоратор, педагог.
Павел Беньков создавал портреты, пейзажи, городские пейзажи, жанровые картины. Его стиль в зрелые годы можно охарактеризовать как импрессионистский, с вниманием к цветовой гамме и свету. В 1929 году он переехал в Среднюю Азию, где его стиль приобрёл уникальные черты, отражая местные пейзажи и культуру. Его работы оказали значительное влияние на живописные традиции Узбекистана и Средней Азии.
Кристиа́н Бера́р (фр. Christian Bérard), известный также как Бебе (фр. Bébé) — французский художник, иллюстратор и художник по костюмам.
Кристиан Берар и его партнёр Борис Кохно, который после Второй мировой войны участвовал в создании труппы «Балет Елисейских полей», являлись одной из наиболее известных гомосексуальных пар Франции в 30-40-е годы XX века.
Обри Винсент Бёрдсли (англ. Aubrey Vincent Beardsley) был выдающимся английским иллюстратором и автором, чьё творчество оказало значительное влияние на искусство и культуру конца XIX века. Его работы, отличающиеся уникальным стилем и глубокой символикой, занимают особое место в истории арт-нуво и эстетизма. Бёрдсли известен своими черно-белыми рисунками, вдохновлёнными японскими гравюрами, которые изображают гротеск, декаданс и эротику, тем самым вызывая споры и обсуждения среди современников и потомков.
Одним из наиболее значительных периодов в его карьере было сотрудничество с журналом "The Yellow Book", где Бёрдсли выступал в роли художественного редактора и внёс значительный вклад в его оформление. Этот журнал стал важной платформой для продвижения идей эстетизма и декаданса в Англии. Бёрдсли также работал над иллюстрациями к произведениям таких авторов, как Оскар Уайльд и Александр Поуп, демонстрируя свой неповторимый стиль и взгляд на искусство.
Его иллюстрации к "Саломее" Оскара Уайльда и "Лисистрате" Аристофана вызвали широкий общественный резонанс и до сих пор рассматриваются как важнейшие достижения в его творчестве. Сочетание тонкой линии, контраста черного и белого, а также провокационного содержания делает эти работы неповторимыми и легко узнаваемыми.
Несмотря на свой короткий жизненный путь, Бёрдсли оставил после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять художников и исследователей искусства. Его работы экспонируются в ведущих музеях мира, включая Викторию и Альберт в Лондоне, подчёркивая их значимость и актуальность для современной культуры и искусства.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Обри Винсентом Бёрдсли. Подписка позволит вам получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Эжен Берман (фр. Eugène Berman) — американский художник и сценограф русского происхождения, связанный с движениями сюрреализма и неоромантизма.
Работы Эжена Бермана часто изображали мечтательные пейзажи, архитектурные сооружения и загадочные фигуры. Берман был известен своим тщательным вниманием к деталям, богатой цветовой палитрой и ощущением театральности в своих композициях.
В своих картинах Берман создавал мир поэтической и таинственной атмосферы, вызывая чувство меланхолии и самоанализа. Его сюжеты часто включали мифологические или аллегорические фигуры, руины и сценические декорации. Его работы имели сюрреалистическое качество, смешивая реальность и воображение.
Эжен Берман также внес значительный вклад в создание декораций для театральных постановок, особенно в сотрудничестве со своей женой, Леонорой Каррингтон, известной художницей-сюрреалисткой. Их совместное художественное видение привносило на сцену сюрреалистические и фантастические элементы, усиливая общее театральное впечатление.
Георгий Николаевич Бибиков — российский и советский художник середины ХХ века. Он известен как живописец, график, иллюстратор, монументалист и театральный художник ленинградской школы, работавший в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта и тематической картины.
Георгий Бибиков начал участвовать в художественных выставках с 1920 года. В числе его известных произведений — «Грузчики», «Молодые краснофлотцы получают обмундирование», «Привет победителям», «Окопная правда» и другие. Его работы находятся в Государственном Русском музее и в музеях и частных коллекциях России, Украины, Германии и Франции.
Иван Яковлевич Билибин был выдающимся русским художником-иллюстратором, графиком и театральным дизайнером, чьё творчество оставило заметный след в культуре начала XX века. Родившись в 1876 году, он проявил себя как ключевая фигура в движении "Мир искусства", а также внёс значительный вклад в декоративно-прикладное искусство и театральную графику. Его работы отличались особым стилем, сочетающим в себе элементы народного искусства с тенденциями ар-нуво.
Особенно Билибин известен своими иллюстрациями к русским народным сказкам и былинам, где он мастерски использовал орнаментальные мотивы и яркую палитру, создавая неповторимый и узнаваемый визуальный ряд. Среди его известных работ - иллюстрации к сказкам А.С. Пушкина, в том числе к "Сказке о золотом петушке".
Жизненный путь Билибина был насыщен и многогранен. После Февральской революции он покинул Россию, провёл пять лет в Египте, где его работы пользовались успехом у местных заказчиков, а затем переехал в Европу. В 1935 году Билибин вернулся в СССР, где был признан и удостоен звания профессора графической мастерской и степени доктора искусствоведения.
Личная жизнь художника также была полна событий. Билибин дважды женился, в первом браке у него родилось двое сыновей. Его второй брак с ученицей Р. О’Коннель был заключён в 1912 году, после чего они вместе эмигрировали в Англию.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и вас интересуют работы Ивана Яковлевича Билибина, подписывайтесь на обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и аукционах, связанных с этим великим художником.
Борис Константинович Билинский — выдающийся художник-график, сценограф и живописец начала XX века, родился в Бендерах, Российской империи. Его работы отличаются необычным сочетанием авангардизма и классического искусства, что сделало его известным далеко за пределами России. Билинский активно сотрудничал с театрами и кинокомпаниями в Берлине, Париже, Лондоне и Нью-Йорке, создавая декорации и костюмы к многочисленным спектаклям и фильмам.
В 1920-е годы Билинский переехал в Париж, где его талант нашел широкое признание. Он работал над декорациями и костюмами для таких фильмов, как «Казанова» (1927), «Тараканова» (1929), и «Шахерезада» (1928), а также участвовал в создании оперы Глинки «Руслан и Людмила» и спектаклей русского балета. Билинский также известен своими работами в области графического дизайна, в том числе созданием афиш и кинокостюмов, опубликованных на страницах французских журналов.
Его творчество не ограничивалось лишь театральной и кинематографической сферами. В последние годы своей жизни Билинский исследовал возможности воплощения музыки в цвете, создав серию альбомов «Музыка в красках», где музыкальные произведения К. Дебюсси, М. Равеля, Ф. Шопена, и И.-С. Баха нашли свое отражение в живописи.
Борис Константинович Билинский скончался 3 февраля 1948 года в Катании, Италия, но его наследие живет до сих пор. Его работы хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, а посмертные выставки продолжают проводиться в разных странах, включая Рим, Капри, Нью-Йорк, и Париж.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, Борис Билинский остается важной фигурой, чье творчество вдохновляет новые поколения художников и коллекционеров. Подпишитесь на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах и аукционах, связанных с работами Билинского.
Михаил Павлович Бобышов — выдающийся российский советский художник, театральный декоратор и график. Получил образование в петербургском училище Штиглица, где на него оказали влияние идеи "Мира искусства". Бобышов был известен своими декорациями и костюмами, которые отличались тонким чувством стиля эпохи и декоративной графичностью. Его талант проявился в работе над спектаклями, такими как "Золотой петушок" Римского-Корсакова и "Риголетто" Верди, где Бобышов демонстрировал свое умение воплощать эпоху и настроение произведений через театральные декорации и костюмы.
Великий русский художник Илья Репин заметил талант молодого Бобышова и помог ему в поступлении в Центральное училище технического рисования. Путешествия по Европе и Африке, а также знакомство с театральным искусством Запада существенно повлияли на формирование его художественного стиля. Особенно Бобышова вдохновили "Русские сезоны" в Париже, где он впервые познакомился с работами Александра Бенуа, Леонида Бакста и других выдающихся художников.
Его преподавательская деятельность также заслуживает внимания. Бобышов преподавал в Ленинградской академии художеств с 1926 года и в Московском художественном институте с 1943 по 1947 годы, внося значительный вклад в развитие отечественного художественного образования.
Среди известных работ Бобышова - серия акварелей и акварелей с гуашью, посвященных Ленинграду в годы Великой Отечественной войны, которая является не только произведением искусства, но и документом исторической значимости.
Приглашаем коллекционеров и экспертов искусства подписаться на обновления, связанные с творчеством Михаила Павловича Бобышова, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях.
Ксения Леонидовна Богуславская — русская художница ХХ века, большую часть карьеры жившая и работавшая в Германии и Франции. Она известна как живописец, график, театральная художница и дизайнер, поэтесса.
Ксения Богуславская являлась представителем школы авангардистов. Она создавала полуабстрактные кубофутуристические композиции, в том числе пейзажи, натюрморты, жанровые сцены, изображения интерьеров. В этом же стиле художница рисовала эскизы для предметов прикладного искусства. Она также иллюстрировала обложки изданий, работала как сценограф.
Мишель Бойе (фр. Michel Boyer) — один из последних великих дизайнеров интерьера, который остался верен принципам современности.
Бойе сотрудничал с Dior, Lanvin, Balmain, разрабатывал интерьеры для отелей, посольств, многочисленных корпоративных штаб-квартир. Среди его частных клиентов были Эли де Ротшильд, Лилиан Бетанкур и Карим Ага Хан.
Андре Борепэр (фр. André Beaurepaire) — французский художник и сценограф.
Борепэр учился в Школе изящных искусств в Туре, а затем в Париже в Высшей национальной школе декоративного искусства. Он работал как живописец и график, а также создавал декорации и костюмы для театральных постановок и фильмов.
Борепэр был особенно известен как сценограф, он сотрудничал со многими крупными французскими режиссерами и хореографами, включая Жана-Луи Барро, Роже Планшона и Мориса Бежара. Он создал декорации для ряда классических театральных произведений, включая шекспировские «Гамлет» и «Макбет», «Мизантроп» Мольера и «Антигона» Жана Ануя.
Помимо работы в качестве сценографа, Борепэр продолжал рисовать на протяжении всей своей карьеры, и его работы выставлялись в галереях и музеях во Франции и за рубежом. Его картины отличаются яркими цветами и динамичными композициями, в которых часто присутствуют абстрактные или геометрические формы.
Алексей Николаевич Борисов — русский и советский художник первой половины ХХ века. Он известен как живописец, график, декоратор, сценограф и педагог.
Алексей Борисов в своём творчестве охватывал различные темы, от пейзажей и портретов до работ, посвящённых партизанскому движению, индустриализации и коллективизации в Сибири, где художник поселился. Его произведения, по мнению критиков, выделялись выразительностью, трепетностью, поэтичностью и достоверностью. Мастер оставил значительное творческое наследие, включая около 700 произведений живописи, графики и декоративных эскизов.
Владимир Лукич Боровиковский — выдающийся русский художник конца XVIII — начала XIX веков, родился в Миргороде (ныне Украина) в семье казака. Свою карьеру Боровиковский начал как иконописец, однако судьба преподнесла ему шанс стать придворным художником, когда императрица Екатерина Великая оценила его работы, созданные для неё во время её посещения Крыма. После переезда в Санкт-Петербург в 1788 году Боровиковский сменил фамилию с "Боровик" на более аристократическое "Боровиковский" и начал принимать уроки у Дмитрия Левицкого и Иоганна Баптиста Лампи.
Боровиковский стал известен благодаря своим портретам, в которых с уникальной тонкостью передавал внутренний мир и настроение моделей, мастерски работая с эмоциональным выражением и фактурой материалов. Он акцентировал внимание на нравственной чистоте и благородстве изображаемых людей. Среди его известных работ — портреты Екатерины Великой, Павла I, а также многих аристократов и деятелей культуры того времени.
Боровиковский также был признанным мастером портретной миниатюры и в последние годы своей жизни вновь обратился к религиозной живописи, создавая иконы для Казанского собора и иконостас для церкви на Смоленском кладбище в Петербурге. Его творчество оказало значительное влияние на развитие русской живописи, сливая в себе черты классицизма и сентиментализма. Среди его учеников были Алексей Венецианов и другие знаменитые художники.
Произведения Боровиковского находятся в коллекциях многих музеев, в том числе в Русском музее, где хранятся его знаменитые миниатюры.
Если вас интересует искусство и вы хотите быть в курсе событий, связанных с творчеством Владимира Лукича Боровиковского, подпишитесь на обновления. Так вы не пропустите информацию о новых выставках, продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Жорж Брак (фр. Georges Braque) — французский художник, чьи инновации в живописи оказали огромное влияние на развитие кубизма. Был одним из ключевых фигур в истории искусства ХХ века. Работая вместе с Пабло Пикассо, Жорж Брак разработал новые подходы к изображению формы и пространства, которые стали основой для кубистского движения. Его творчество включало в себя не только живопись, но и скульптуру, графику и коллаж.
Жорж Брак начинал свой творческий путь с импрессионизма, затем перешел к фовизму, но наиболее значимый вклад он внес в развитие кубизма. С 1908 по 1912 годы его работы демонстрируют глубокий интерес к геометрии и множественной перспективе. Брак активно экспериментировал с коллажем и техникой папье-колле, добавляя в свои работы новые измерения и текстуры.
Несмотря на свою тесную связь с Пикассо, Брак сохранил собственный уникальный стиль, в котором были очевидны его преданность кубистским принципам и интерес к исследованию формы и пространства. Он продолжал развивать свои идеи в послевоенные годы, возвращаясь к живописи натюрмортов и пейзажей и исследуя новые темы и методы.
Жорж Брак, несомненно, оставил неизгладимый след в истории искусства, и его работы продолжают вдохновлять коллекторов и экспертов в области искусства и антиквариата. Для тех, кто интересуется кубизмом и творчеством Брака, важно изучить его вклад в этот революционный художественный стиль и оценить его работы, которые представлены в множестве музеев и галерей по всему миру.
Если вы хотите узнать больше о творчестве Жоржа Брака и получать обновления о новых продажах его работ и связанных событиях на аукционах, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам быть в курсе последних новостей и открытий, связанных с этим выдающимся художником.
Артур Брузенбаух — австрийский художник. Артур Брузенбаух учился у Иоганна Каутского, а затем работал декоратором сцены. В 1920 году он стал членом Венского сецессиона, в 1939 году перешел в Кюнстлерхаус. В 1928 году представлял Австрию на художественных конкурсах Олимпийских игр 1928 года. С 1937 по 1941 год участвовал во всех крупных немецких художественных выставках в Мюнхене с семью картинами маслом. В 1939 году Гитлер приобрел картину «Мельк-ан-дер-Донау» в праздничных украшениях. Брузенбаух, которого относят к позднему импрессионизму, занимался фресковой живописью и графикой.
Карл Павлович Брюллов, значимая фигура русского романтизма, оставил неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Санкт-Петербурге, он достиг высот в живописи, став первым русским художником, получившим признание за пределами своей родины. Его творчество характеризуется глубоким психологизмом и стремлением к исторической достоверности, что особенно заметно в его ведущем произведении – "Последний день Помпеи". Эта картина, демонстрирующая драматизм и романтические эффекты освещения, принесла ему европейскую известность.
Брюллов был мастером как парадного, так и камерного портрета, эволюционировав от радостного приятия жизни до сложного психологизма. Например, его "Автопортрет" 1848 года предвосхитил достижения мастеров второй половины XIX века. В качестве преподавателя академии искусств он разработал стиль портрета, сочетающий неоклассическую простоту с романтическими тенденциями и реализмом, что нашло отражение в его работах, включая прекрасные портреты, такие как "Портрет великой княгини Елены Павловны" и "Всадница".
Некоторые из его знаменитых работ находятся в ведущих музеях, включая Государственный Русский музей и Государственную Третьяковскую галерею, что делает его наследие доступным для широкой публики. Особенностью Брюллова является его способность сочетать техническое мастерство с глубоким эмоциональным содержанием, делая его произведения вечно актуальными и вдохновляющими для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных мероприятий, связанных с Карлом Павловичем Брюлловым. Это уникальная возможность углубиться в изучение его творчества и добавить в свою коллекцию редкие произведения великого мастера.
Ганс-Ульрих Бухвальд был немецким живописцем, графиком, керамистом, сценографом и мастером масок. Его творчество насчитывает около 10 000 рисунков, ксилографий и линогравюр, картин, керамики, деревянных скульптур и масок. Для него характерно разнообразие художественных форм выражения. Бухвальд чувствовал себя приверженцем классического модернизма, с которым он познакомился только после войны. Его вдохновляли Георг Грош, Пабло Пикассо, Эдвард Мунк, Август Макке, Франц Марк, Оскар Шлеммер, Фернан Леже, но он искал свой собственный стиль в различных областях.
Франсуа Буше (фр. François Boucher) — выдающийся французский художник, работавший в стиле рококо. Его творчество отличается идиллическими и чувственными изображениями на классические темы, декоративные аллегории и пасторальные сцены. Буше известен как мастер жанровой сцены, часто используя свою собственную семью в качестве моделей, что контрастировало с его портретами одалиск, отражающими более страстный и эротический стиль.
Франсуа Буше занимался дизайном театральных костюмов и декораций, а также созданием эскизов для гобеленов. Его дизайны нашли широкое применение, включая изготовление фарфоровых и бисквитных изделий в мануфактурах Венсен и Севр. Вдобавок, он произвел множество набросков и эскизов, которые пользовались большим спросом среди коллекционеров.
Его талант нашел признание в том, что он стал первым художником короля в 1765 году, а также получил должности в Академии искусств и мануфактуре Гобеленов. Франсуа Буше оставил значительное наследие в истории искусства, оказав огромное влияние на декоративные искусства периода рококо во Франции и по всей Европе.
Для получения дополнительной информации и обновлений, связанных с Франсуа Буше, включая уведомления о продаже произведений искусства и аукционах, рекомендуем подписаться на нашу рассылку. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей и событий, связанных с этим выдающимся художником эпохи Рококо.
Валентино Ваго (итал. Valentino Vago) — итальянский живописец, известный своими масштабными настенными росписями.
Он учился живописи в Академии изящных искусств Брера, был участником многочисленных выставок.
С 1979 года он посвятил себя настенной живописи, расписывая общественные и частные пространства, а также церкви в Италии и за рубежом. Одна из самых впечатляющих работ Валентино Ваго — церковь Пресвятой Девы Марии Святого Розария в Дохе, Катар, где художник расписал 12 000 квадратных метров.
Ирма Вайланд (нем. Irma Weiland) — немецкая художница, работавшая преимущественно в живописи и рисунке.
На протяжении всей своей карьеры Вайланд исследовала различные художественные стили, включая экспрессионизм, сюрреализм и абстракцию. Она была особенно известна своими экспрессивными работами, в которых часто использовала смелые цвета и геометрические формы.
Картины Ирмы Вайланд включены во многие частные и государственные коллекции.
Энтони Вальдорп (нидерл. Anthonie Waldorp) или Антуан де Саайер Вальдорп (Antoine de Saaijer Waldorp) — голландский художник и предшественник Гаагской школы. Учился в Гааге у известного художника-декоратора Джоаннеса Брекенхаймера-младшего. Начал рисовать сценические декорации. Позже сосредоточился на домашних и церковных интерьерах и портретах (люди в костюмах XVII века).
Энтони Вальдорп специализировался на речных и морских пейзажах (картины, рисунки и акварели). Это оказалось мудрым решением, поскольку привело к международному признанию. Также занимался литографией.
Теофил Агнес ван де Керкхове (нидерл. Theofiel Agnes van de Kerckhove) — бельгийский живописец, график, декоратор и сценограф.
Он учился живописи в Антверпенской академии, где также посещал занятия скульпторов Деккерса, Клаэссенса и Дюпона, в 1936 году вступил в ассоциацию художников Rupelgouw в Буме. Ван де Керкхове работал сценографом в опере в Лилле, некоторое время жил в Германии. Здесь он работал с Альбертом Серваесом, с которым познакомился еще в академии. В 1950-е годы ван де Керкхове был куратором в Рококсхюисе и одним из создателей декораций для бельгийского телевидения.
Дирк ван дер А (нидерл. Dirk van der Aa), также известный под именами Теодорус ван дер Ха или Тьерри ван дер Аа, — нидерландский художник, график-орнаменталист, представитель рококо. Он был членом Гильдии Святого Луки в Гааге. В основном он занимался росписью интерьеров и стал известен благодаря своим живописным декорационным аллегориям и работам, выполненным в технике однотонной гризайли.
Николаас ван дер Ваай (нидерл. Nicolaas van der Waay) — голландский художник-декоратор, акварелист и литограф. Работал во многих жанрах, включая дизайн марок, монет и банкнот. Наиболее известен аллегорическими иллюстрациями, которые создал для «Золотой кареты», и серией картин, изображающих жизнь девочек из амстердамского приюта. Его работа также участвовала в художественном конкурсе на летних Олимпийских играх 1928 года.
Винсент Янсз ван дер Винне (нидерл. Vincent Jansz van der Vinne) — нидерландский художник-пейзажист Золотого века, член Гильдии Святого Луки в Харлеме.Он известен своими итальянскими пейзажами и цветочными натюрмортами, а также создавал гобелены и украшал целые комнаты. Винне был коллекционером и торговцем произведениями искусства, а также управляющим музея.
Андрей Владимирович Васнецов был советским и российским художником-живописцем и монументалистом, а также педагогом. Его творчество отличалось использованием "сурового стиля", который привносил в произведения героику, энергию и силу личности. Васнецов является внуком известного русского живописца Виктора Васнецова и продолжил семейные художественные традиции.
Значительную часть своей карьеры Васнецов посвятил монументальной живописи, причём начал свою карьеру с создания фриза для павильона «Сельское хозяйство» на ВДНХ. С тех пор он активно участвовал в московских, региональных и всесоюзных выставках, а его работы теперь можно увидеть в таких местах, как Русский музей и Третьяковская галерея.
Васнецов также принимал участие во Второй мировой войне, что повлияло на его искусство, делая его полотна более насыщенными и эмоциональными. Среди его наиболее известных произведений — «Семья Иванушкиных», «Стирающая», и «Разговор». Эти работы характеризуются глубоким пониманием человеческих эмоций и мастерским сочетанием цвета и формы.
Его вклад в искусство был отмечен множеством наград, включая звание Народного художника СССР и Премию Президента Российской Федерации в области литературы и искусства.
Если вы интересуетесь творчеством Андрея Васнецова и хотите быть в курсе всех новинок, связанных с продажами его произведений и аукционами, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам первым узнавать о важнейших событиях и предложениях, которые могут быть интересны как коллекционерам, так и знатокам искусства.
Клод Визе (фр. Claude Viseux) — французский художник и скульптор. Произведения Клода Визе находятся во многих общественных местах Франции и музеях мира. Он также принимал участие в разработке и создании балетных декораций и костюмов.
Бьорн Виинблад (дат. Björn Wiinblad) — датский художник и дизайнер. Он был наиболее известен своими работами в керамике, но также работал в различных других медиа, включая стекло, текстиль и графику.
Виинблада учился в Королевской датской академии изящных искусств в Копенгагене, а затем начал свою карьеру как свободный художник и дизайнер. В 1950-х годах он получил международное признание за свои работы из керамики, которые отличались использованием ярких цветов, причудливых узоров и замысловатых деталей.
Керамические изделия Виинблада часто были функциональными, такими как тарелки, вазы и миски, но он также создавал масштабные керамические фрески и скульптуры. На его творчество оказали большое влияние сказки, мифология и движение декоративно-прикладного искусства.
Помимо керамики, Виинблад создавал текстиль, изделия из стекла и мебель, а также был искусным художником-графиком. Он создавал иллюстрации для книг и журналов, а также плакаты, рекламу и даже набор почтовых марок для датской почты.
Работы Виинблада выставлялись в музеях и галереях по всему миру, и он был удостоен многочисленных наград и почестей за свой вклад в искусство. Его дизайны остаются популярными и сегодня, а его керамика и другие работы находятся в коллекциях многих музеев и частных коллекционеров.
Бен Вилликенс (нем. Ben Willikens), имя при рождении Эберхард-Гюнтер Вилликенс (нем. Eberhard-Günter Willikens), — современный немецкий художник. Он известен своими строгими пространственными концепциями в сером цвете. С 1985 года он также проектирует декорации для различных немецких оперных театров.
Иван Яковлевич Вишняков был выдающимся русским художником, чьё имя тесно связано с развитием культуры и искусства в России XVIII века. Он прославился как мастер портрета и религиозной живописи, оставив после себя богатое наследие, которое и по сей день вызывает восхищение у искусствоведов и коллекционеров.
Вишняков умело сочетал в своём творчестве традиции русской живописи с европейскими влияниями, что сделало его работы уникальными и легко узнаваемыми. Его портреты отличаются глубиной психологизма и вниманием к деталям, благодаря чему персонажи его картин кажутся живыми.
Среди известных работ Вишнякова особое место занимают его иконы и церковные фрески, которые можно увидеть в некоторых из самых известных храмов России. Эти произведения не только демонстрируют мастерство художника, но и являются важной частью культурного наследия страны.
Коллекционеры и эксперты в области искусства и антиквариата постоянно ищут работы Вишнякова, что подтверждает его значимость и влияние на развитие русской живописи. Его картины являются желанным приобретением для многих частных и музейных коллекций.
Подписывайтесь на наши обновления, чтобы не пропустить информацию о продажах новых произведений и аукционных событиях, связанных с Иваном Яковлевичем Вишняковым. Обещаем отправлять только актуальную информацию, которая будет интересна коллекционерам и знатокам искусства.
Всеволод Владимирович Воинов был русским и советским художником, графиком и искусствоведом, оставившим заметный след в российской культуре начала XX века. Он окончил физико-математический факультет Санкт-Петербургского университета, занимался станковой и прикладной графикой, и был активным участником художественной жизни того времени. Воинов сотрудничал с многими известными деятелями искусства, включая Бориса Кустодиева, и принимал участие в множестве выставок как в России, так и за рубежом.
Воинов имел широкий спектр интересов и талантов, работая не только как художник, но и как театральный художник, педагог и автор научных работ по искусству. Он преподавал в ВХУТЕМАСе, Ленинградском хореографическом училище и других учебных заведениях. В период Великой Отечественной войны Воинов участвовал в ополчении и работал в штабе, а также в эвакуации в Алма-Ате работал театральным художником.
Его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях. Некоторые из его известных произведений включают «Работница на производстве» (1925), «Деревенский пейзаж» (1918), «На реке Нарове» (1940) и «Портрет искусствоведа Гольдберга» (1937). Эти и другие работы Воинова отражают его мастерство в графике и его способность запечатлеть моменты русской жизни и природы.
Если вас интересует русское искусство и творчество Всеволода Владимировича Воинова, рекомендуем подписаться на обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим замечательным художником.
Ханс Вредеман де Врис (нидерл. Hans Vredeman de Vries) — нидерландский живописец и гравёр, художник-декоратор, архитектор и инженер эпохи Возрождения.
Изучив работы Витрувия и Себастьяно Серлио и сам немало вложив труда, Вредеман стал известным во всей Европе специалистом по перспективам. Как теоретик архитектуры, он наиболее прославился своими разнообразными проектами придуманных видов городов и зданий, показанных в тщательно продуманной линейной перспективе. Очевидно, они создавались как образцы для архитекторов.
В 1575–1586 годах Ханс Вредеман де Врис работал городским архитектором Антверпена и отвечал за укрепления города. Затем работал в Гамбурге, Данциге, Праге и Амстердаме. Он также известен своей публикацией 1583 года о садовом дизайне и книгами с множеством примеров орнаментов и перспективы.
Его сын Саломон Вредеман де Врис (1556-1604) тоже был художником.
Михаил Александрович Врубель был выдающимся русским художником, чьё творчество оставило неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Омске в 1856 году, Врубель проявил себя не только как живописец, но и как мастер скульптуры и архитектурного декора. Его работы отличаются уникальным стилем, в котором переплелись элементы символизма и модерна, за что и получили признание среди знатоков искусства и антиквариата.
Особенностью творчества Врубеля является его стремление к созданию комплексных, насыщенных образов, где каждый элемент несёт глубокий смысл. Характерной чертой его живописи стала экспрессивная, насыщенная цветовая палитра, благодаря которой его произведения невозможно спутать с работами других художников. Врубель уделял большое внимание деталям, что делает его картины поистине живыми.
Среди наиболее известных работ Врубеля - "Демон сидящий", "Царевна-лебедь", которые сегодня можно увидеть в крупнейших музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Его вклад в искусство не ограничивается только живописью; Врубель также известен своими работами в области театрального декора и скульптуры, что делает его фигурой значимой для изучения в контексте культуры и искусства.
Признание Михаила Врубеля как одного из величайших художников своего времени неуклонно растёт, а интерес коллекционеров и экспертов к его творчеству не угасает. Мы приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новостей о продажах произведений искусства и аукционных событиях, связанных с Михаилом Врубелем. Это уникальная возможность углубить свои знания и расширить коллекцию эксклюзивными работами выдающегося мастера.
Густав Вундервальд (нем. Gustav Wunderwald) — немецкий художник и сценограф, представитель движения новой предметности.
Вундервальд учился живописи в кёльнской мастерской Вильгельма Куна, работал оформителем в Готе. С 1912 года Вундервальд служил декоратором в Немецкой опере в Берлине. В живописном творчестве Вундервальд создал около 200 картин в разных жанрах.
Адомас Гальдикас (лит. Adomas Galdikas) — литовский художник живописец, график, театральный художник, сценограф.
Адомас Гальдикас писал пейзажи, натюрморты, портреты, абстрактные композиции. Автор эстампов, иллюстрировал книги. Создал декорации к семнадцати спектаклям Государственного театра в Каунасе, среди наиболее значительных театральных работ, помимо «Шарунаса» Креве — опера «Гражина» Юргиса Карнавичюса (1933).
Карл Гатерманн Младший (нем. Karl Gatermann) — немецкий художник, график и сценограф. Гатерманн выучился на декоратора, работая на своего отца в Цербсте. Он посещал художественную школу при в Дессау в 1926 году, а с 1927 года учился в Bauhaus Dessau. С 1935 года до начала Второй мировой войны учился в Мюнхене в Академии изящных искусств. В качестве сценографа работал в Баварской государственной опере в Мюнхене, а также в оперных театрах Магдебурга и Бернбурга; он также работал в Bavaria Film в Мюнхене на съемках художественного фильма «Филина». После войны Гатерманн в основном писал маслом пейзажи Мюнхена. Мюнхенское художественное издательство Эмиля Кёна приобрело многие из его горных картин и воспроизвело их в виде художественных открыток. Гатерманн объявил себя первым художником мюнхенского парка. В этот период его стиль приближался к позднему импрессионизму.
Герман Гендрих (нем. Hermann Hendrich) — немецкий художник последней четверти XIX – первой трети ХХ веков. Он известен как живописец, известный своими работами в романтическом и старогерманском стиле.
Гендрих вершиной своего творчества считал полотна и интерьер для «Вальпургиева зала» вблизи города Тале, созданные в 1901 году. Для «Зала Нибелунгов» на горе Драхенфельс, открытого в 1913 году в честь Рихарда Вагнера, он написал 12 полотен по древнегерманским легендам. Художник также создал иллюстрации к произведениям Гёте, а также экспозиции в «Зале немецких саг» в Золингене.
Гендрих был сооснователем союза Верданди, противостоявшего модернизму в искусстве. В его честь названа площадь в Берлине — Гендрихплац.
Гюнтер Герцо (исп. Gunther Gerzso) — мексиканский художник, дизайнер, а также режиссёр и сценарист в кино и театре.
Гюнтер Герцо был удостоен стипендии Гуггенхайма в 1973 году, а спустя пять лет он был награждён Национальной премией изящных искусств.
Франс Геффельс, известный в Италии как Франческо Геффельс, (нидер. Frans (Francesco) Geffels) — фламандский живописец, гравер, архитектор, сценограф и дизайнер эфемерных конструкций для торжественных и праздничных случаев.
Георг Гзель (нем. Georg Gsell) был швейцарским живописцем и рисовальщиком, известным своей работой в жанрах портретной, монументально-декоративной и бытовой живописи. Родившись в 1673 году в Санкт-Галлене, Швейцария, Гзель учился в Вене у антверпенского живописца Антони Схоньяна и впоследствии жил и работал в Антверпене и Амстердаме, где встретил Петра I и был приглашён им в Россию в 1717 году.
В России Гзель стал управляющим картинной галереей в Петергофе и активно занимался преподаванием и руководством художественных проектов. Он расписывал плафоны Летнего дворца и грот в Летнем саду, а также работал над проектами иллюминаций и композициями для триумфальных ворот. Его творчество также включало создание картин для Петропавловского собора и лютеранской церкви Св. Петра в Санкт-Петербурге.
Произведения Гзеля находятся в крупных музейных коллекциях, включая Государственный Русский музей и Третьяковскую галерею, где можно увидеть такие работы, как портреты Петра Андреевича Толстого и Артемия Волынского.
Если вы заинтересованы в искусстве Георга Гзеля и хотите узнавать о новых выставках, продажах произведений и аукционных событиях, подпишитесь на наши обновления. Это отличная возможность для коллекционеров и экспертов в области искусства быть в курсе всех событий, связанных с творчеством этого выдающегося художника.
Анатолий Андреевич Горпенко — советский художник середины ХХ века. Он известен как живописец и график, баталист и портретист.
Анатолий Горпенко во время Великой Отечественной войны служил в качестве военного художника, создавая агитационные плакаты и фронтовые зарисовки. Его творчество включает живописные произведения, в том числе батальные сцены и портреты военных деятелей. Он также участвовал в создании диорам и панорам, а его работы, включая витражи и мозаики, украшали памятники и здания, в том числе в Берлине.
Горпенко также занимался графикой для издательств и журналов и создавал политические плакаты.
Карл Георг Антон Греб (нем. Carl Georg Anton Graeb) — немецкий архитектурный, декоративный и театральный живописец. Он также работал гравером и создал несколько пейзажей. Его сын Пауль Греб (1842–1892) так же был художником-архитектором и пейзажистом.