Декораторы XIX век
Луиза Аббема (франц. Louise Abbema) была французской художницей, скульптором и гравером, родившейся в 1853 году в аристократической семье в Этампе. С раннего возраста она обучалась живописи у таких мастеров, как Шарль Шаплен и Жан-Жак Эннер, и быстро заявила о себе, благодаря портретам актеров и актрис Комеди Франсез, в том числе Сары Бернар. Её работы отражали влияние импрессионизма и академического искусства, а также были вдохновлены японским искусством.
Аббема активно участвовала в художественной жизни Парижа, её картины выставлялись в Салоне художников Франции и на Всемирных выставках. Она также выполняла заказы на декоративные панно для ратуш и других общественных зданий в Париже, а также работала над интерьерами таких мест, как Театр Сары Бернар (ныне Театр города Парижа) и дворец губернатора в Дакаре.
В 1906 году Луиза Аббема была награждена орденом Почётного легиона. Несмотря на признание в течение её жизни, после смерти в 1927 году её работы на некоторое время были забыты, но в конце XX века они снова стали популярны, особенно в контексте исследования вклада женщин в искусство прошлых веков.
Если вас заинтересовала работа Луизы Аббема и хотели бы получать обновления о новых продажах её произведений или предстоящих аукционах, подписывайтесь на наши обновления.
Борис Израилевич Анисфельд (урожд. Бер Срулевич), родившийся в Бельцах, Бессарабии, был выдающимся художником и сценографом, оставившим заметный след в искусстве России и США. Получив образование в Одесском художественном училище и петербургской Академии художеств, он сотрудничал с такими знаменитыми личностями, как Сергей Дягилев и Анна Павлова, оформляя спектакли и балеты, что принесло ему международное признание.
С 1917 года Анисфельд переехал в США, где продолжил свою деятельность в театре и живописи, оставаясь верным своему уникальному стилю, сочетающему в себе элементы экспрессионизма и символизма. Его работы, отличающиеся глубиной цвета и эмоциональной насыщенностью, экспонируются в многих музеях, включая Бруклинский музей в Нью-Йорке и Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан.
Анисфельд оставался активным и в области образования, преподавая в Художественном институте Чикаго с 1928 по 1957 год. Его подход к обучению подчеркивал важность эмоционального восприятия и выражения в искусстве, что вдохновляло многих студентов.
Приглашаем всех, кто интересуется искусством и антиквариатом, подписаться на обновления и не пропустить уникальные экспозиции и аукционы, посвященные этому выдающемуся художнику.
Анатолий Афанасьевич Арапов — выдающийся русский живописец, акварелист, график и театральный художник, родившийся в Санкт-Петербурге 21 ноября 1876 года. Обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества с 1897 по 1906 годы заложило основу его художественному мастерству. Арапов активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы экспонировались на многих выставках, включая знаменитую "Голубую розу".
Творчество Арапова отличает утонченное чувство стиля и глубокое понимание композиции. Его работы находятся в ведущих музеях России, таких как Государственная Третьяковская галерея, Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева и Ярославский художественный музей, а также в частных коллекциях.
Среди известных работ Арапова - картины "Закат. Истра", "Большак" и "Река Истра", созданные в 1940 году. Эти произведения характеризуются живописной техникой и ярко выраженным чувством красоты природных ландшафтов.
За свою жизнь Арапов внес значительный вклад в развитие русского искусства, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру. Его талант и мастерство признаны не только в России, но и за ее пределами.
Если вас интересует искусство Анатолия Афанасьевича Арапова и вы хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с его творчеством, подпишитесь на обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и прикоснуться к наследию одного из его ярких представителей.
Шарль Гарабед Атамян (фр. Charles Garabed Atamian) — французский художник армянского происхождения, родившийся в Турции.
Он некоторое время учился в Академии художеств в Венеции, затем работал главным дизайнером на фарфоровом заводе Стамбула. В 1894 году Атамян работал с коллективом художников над украшением нового дворца султана Абдул-Хамида Иль в Йылдызе, на европейской стороне Босфора. Он разработал среди прочего узоры для керамической плитки стен дворца.
В 1897 году Атамян эмигрировал во Францию и занялся иллюстрированием книг и журналов, а также работал над декорациями для нескольких парижских театров. С 1903 года Атамян с непременным успехом принимал участие в различных выставках. Он писал пейзажи, морские и пляжные сцены с детьми (в том числе около 200 картин в Сен-Жиле в Вандее, где он проживал каждый год в летние месяцы с 1923 по 1939 год). На протяжении всей своей карьеры он был прекрасным художником-портретистом. В 1927 году он стал членом Национального общества художников.
Пётр Васильевич Басин был русским живописцем, академиком и профессором Императорской академии художеств, вносящим значительный вклад в религиозную, историческую и портретную живопись России. Его творчество охватывает обширный спектр тем и стилей, включая монументальные работы в церквях и светских зданиях. Особенно заметны его вклады в росписи Исаакиевского собора, где он создал до сорока образов и картин религиозного содержания.
Басин также преподавал в натурном классе академии, и его ученики стали значимыми фигурами в русской живописи. К его известным работам относятся портреты и религиозные изображения, выполненные для многих значимых российских соборов и церквей.
В дополнение к своему художественному наследию, Басин активно участвовал в оценке и приобретении искусства для государственных коллекций, а также в сохранении памятников русской архитектуры.
Его произведения находятся в ведущих музеях России, включая Русский музей в Санкт-Петербурге и Московский публичный музей, а также во многих церковных коллекциях по всей стране.
Если вас интересует русская живопись и история искусства, подпишитесь на обновления и узнавайте о новых выставках и аукционах, связанных с Пётром Васильевичем Басиным. Это ваш шанс углубиться в мир русского искусства и не пропустить уникальные события и экспонаты!
Карл Петрович Беггров (нем. Karl Joachim Beggrow) был российским художником и литографом балтийско-немецкого происхождения, известным своими акварельными пейзажами и видами городов. Родился в 1799 году в Санкт-Петербурге и стал известным благодаря своим детализированным и точным изображениям городских пейзажей, особенно Санкт-Петербурга.
Беггров получил художественное образование в Императорской Академии художеств, где развил свои навыки в акварели и литографии. Он часто изображал виды Санкт-Петербурга, его архитектуру и повседневную жизнь, что сделало его работы ценным историческим источником и объектом интереса для коллекционеров. Карл Беггров был также отцом известного русского художника Александра Беггрова, что подчеркивает важность его художественного наследия.
Среди известных работ Карла Петровича Беггрова выделяются литографии с видами Санкт-Петербурга, которые сейчас находятся в различных музеях и частных коллекциях. Его работы высоко ценятся за их точность и художественное мастерство, что делает их популярными среди любителей искусства и историков.
Если вы хотите узнать больше о произведениях Карла Петровича Беггрова или получать уведомления о новых поступлениях и аукционных событиях, связанных с его работами, подпишитесь на наши обновления.
Александр Николаевич Бенуа был выдающимся русским художником, театральным декоратором, историком искусства, критиком и одним из основателей художественного объединения "Мир искусства". Его талант проявился в различных областях культуры и искусства, оказав значительное влияние на развитие русского модерна.
Бенуа уделял большое внимание деталям, благодаря чему его работы отличались высокой степенью выразительности и эмоциональной насыщенности. Он считался мастером композиции, а его способность сочетать исторические и современные элементы в дизайне театральных постановок привнесла новизну в русское искусство того времени.
Среди известных работ Бенуа - оформление спектаклей для Русских балетов Сергея Дягилева, которые до сих пор вызывают восхищение у зрителей по всему миру. Его живописные полотна и эскизы хранятся в ведущих музеях России и Европы, включая Государственный Русский музей и Третьяковскую галерею.
Александр Бенуа оставил неизгладимый след в истории мирового искусства, его наследие продолжает вдохновлять новые поколения художников и дизайнеров. Его работа является примером неустанного поиска и экспериментов, символом культурного развития и взаимосвязи искусства с жизнью.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Александром Николаевичем Бенуа. Это позволит вам первыми узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником. Подписка обещает быть источником эксклюзивной информации, которая обогатит вашу коллекцию и позволит глубже понять тенденции мирового искусства.
Павел Петрович Беньков — российский и советский художник первой половины ХХ века. Он известен как живописец, график, театральный декоратор, педагог.
Павел Беньков создавал портреты, пейзажи, городские пейзажи, жанровые картины. Его стиль в зрелые годы можно охарактеризовать как импрессионистский, с вниманием к цветовой гамме и свету. В 1929 году он переехал в Среднюю Азию, где его стиль приобрёл уникальные черты, отражая местные пейзажи и культуру. Его работы оказали значительное влияние на живописные традиции Узбекистана и Средней Азии.
Обри Винсент Бёрдсли (англ. Aubrey Vincent Beardsley) был выдающимся английским иллюстратором и автором, чьё творчество оказало значительное влияние на искусство и культуру конца XIX века. Его работы, отличающиеся уникальным стилем и глубокой символикой, занимают особое место в истории арт-нуво и эстетизма. Бёрдсли известен своими черно-белыми рисунками, вдохновлёнными японскими гравюрами, которые изображают гротеск, декаданс и эротику, тем самым вызывая споры и обсуждения среди современников и потомков.
Одним из наиболее значительных периодов в его карьере было сотрудничество с журналом "The Yellow Book", где Бёрдсли выступал в роли художественного редактора и внёс значительный вклад в его оформление. Этот журнал стал важной платформой для продвижения идей эстетизма и декаданса в Англии. Бёрдсли также работал над иллюстрациями к произведениям таких авторов, как Оскар Уайльд и Александр Поуп, демонстрируя свой неповторимый стиль и взгляд на искусство.
Его иллюстрации к "Саломее" Оскара Уайльда и "Лисистрате" Аристофана вызвали широкий общественный резонанс и до сих пор рассматриваются как важнейшие достижения в его творчестве. Сочетание тонкой линии, контраста черного и белого, а также провокационного содержания делает эти работы неповторимыми и легко узнаваемыми.
Несмотря на свой короткий жизненный путь, Бёрдсли оставил после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять художников и исследователей искусства. Его работы экспонируются в ведущих музеях мира, включая Викторию и Альберт в Лондоне, подчёркивая их значимость и актуальность для современной культуры и искусства.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Обри Винсентом Бёрдсли. Подписка позволит вам получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Иван Яковлевич Билибин был выдающимся русским художником-иллюстратором, графиком и театральным дизайнером, чьё творчество оставило заметный след в культуре начала XX века. Родившись в 1876 году, он проявил себя как ключевая фигура в движении "Мир искусства", а также внёс значительный вклад в декоративно-прикладное искусство и театральную графику. Его работы отличались особым стилем, сочетающим в себе элементы народного искусства с тенденциями ар-нуво.
Особенно Билибин известен своими иллюстрациями к русским народным сказкам и былинам, где он мастерски использовал орнаментальные мотивы и яркую палитру, создавая неповторимый и узнаваемый визуальный ряд. Среди его известных работ - иллюстрации к сказкам А.С. Пушкина, в том числе к "Сказке о золотом петушке".
Жизненный путь Билибина был насыщен и многогранен. После Февральской революции он покинул Россию, провёл пять лет в Египте, где его работы пользовались успехом у местных заказчиков, а затем переехал в Европу. В 1935 году Билибин вернулся в СССР, где был признан и удостоен звания профессора графической мастерской и степени доктора искусствоведения.
Личная жизнь художника также была полна событий. Билибин дважды женился, в первом браке у него родилось двое сыновей. Его второй брак с ученицей Р. О’Коннель был заключён в 1912 году, после чего они вместе эмигрировали в Англию.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и вас интересуют работы Ивана Яковлевича Билибина, подписывайтесь на обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и аукционах, связанных с этим великим художником.
Владимир Лукич Боровиковский — выдающийся русский художник конца XVIII — начала XIX веков, родился в Миргороде (ныне Украина) в семье казака. Свою карьеру Боровиковский начал как иконописец, однако судьба преподнесла ему шанс стать придворным художником, когда императрица Екатерина Великая оценила его работы, созданные для неё во время её посещения Крыма. После переезда в Санкт-Петербург в 1788 году Боровиковский сменил фамилию с "Боровик" на более аристократическое "Боровиковский" и начал принимать уроки у Дмитрия Левицкого и Иоганна Баптиста Лампи.
Боровиковский стал известен благодаря своим портретам, в которых с уникальной тонкостью передавал внутренний мир и настроение моделей, мастерски работая с эмоциональным выражением и фактурой материалов. Он акцентировал внимание на нравственной чистоте и благородстве изображаемых людей. Среди его известных работ — портреты Екатерины Великой, Павла I, а также многих аристократов и деятелей культуры того времени.
Боровиковский также был признанным мастером портретной миниатюры и в последние годы своей жизни вновь обратился к религиозной живописи, создавая иконы для Казанского собора и иконостас для церкви на Смоленском кладбище в Петербурге. Его творчество оказало значительное влияние на развитие русской живописи, сливая в себе черты классицизма и сентиментализма. Среди его учеников были Алексей Венецианов и другие знаменитые художники.
Произведения Боровиковского находятся в коллекциях многих музеев, в том числе в Русском музее, где хранятся его знаменитые миниатюры.
Если вас интересует искусство и вы хотите быть в курсе событий, связанных с творчеством Владимира Лукича Боровиковского, подпишитесь на обновления. Так вы не пропустите информацию о новых выставках, продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Жорж Брак (фр. Georges Braque) — французский художник, чьи инновации в живописи оказали огромное влияние на развитие кубизма. Был одним из ключевых фигур в истории искусства ХХ века. Работая вместе с Пабло Пикассо, Жорж Брак разработал новые подходы к изображению формы и пространства, которые стали основой для кубистского движения. Его творчество включало в себя не только живопись, но и скульптуру, графику и коллаж.
Жорж Брак начинал свой творческий путь с импрессионизма, затем перешел к фовизму, но наиболее значимый вклад он внес в развитие кубизма. С 1908 по 1912 годы его работы демонстрируют глубокий интерес к геометрии и множественной перспективе. Брак активно экспериментировал с коллажем и техникой папье-колле, добавляя в свои работы новые измерения и текстуры.
Несмотря на свою тесную связь с Пикассо, Брак сохранил собственный уникальный стиль, в котором были очевидны его преданность кубистским принципам и интерес к исследованию формы и пространства. Он продолжал развивать свои идеи в послевоенные годы, возвращаясь к живописи натюрмортов и пейзажей и исследуя новые темы и методы.
Жорж Брак, несомненно, оставил неизгладимый след в истории искусства, и его работы продолжают вдохновлять коллекторов и экспертов в области искусства и антиквариата. Для тех, кто интересуется кубизмом и творчеством Брака, важно изучить его вклад в этот революционный художественный стиль и оценить его работы, которые представлены в множестве музеев и галерей по всему миру.
Если вы хотите узнать больше о творчестве Жоржа Брака и получать обновления о новых продажах его работ и связанных событиях на аукционах, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам быть в курсе последних новостей и открытий, связанных с этим выдающимся художником.
Артур Брузенбаух — австрийский художник. Артур Брузенбаух учился у Иоганна Каутского, а затем работал декоратором сцены. В 1920 году он стал членом Венского сецессиона, в 1939 году перешел в Кюнстлерхаус. В 1928 году представлял Австрию на художественных конкурсах Олимпийских игр 1928 года. С 1937 по 1941 год участвовал во всех крупных немецких художественных выставках в Мюнхене с семью картинами маслом. В 1939 году Гитлер приобрел картину «Мельк-ан-дер-Донау» в праздничных украшениях. Брузенбаух, которого относят к позднему импрессионизму, занимался фресковой живописью и графикой.
Карл Павлович Брюллов, значимая фигура русского романтизма, оставил неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Санкт-Петербурге, он достиг высот в живописи, став первым русским художником, получившим признание за пределами своей родины. Его творчество характеризуется глубоким психологизмом и стремлением к исторической достоверности, что особенно заметно в его ведущем произведении – "Последний день Помпеи". Эта картина, демонстрирующая драматизм и романтические эффекты освещения, принесла ему европейскую известность.
Брюллов был мастером как парадного, так и камерного портрета, эволюционировав от радостного приятия жизни до сложного психологизма. Например, его "Автопортрет" 1848 года предвосхитил достижения мастеров второй половины XIX века. В качестве преподавателя академии искусств он разработал стиль портрета, сочетающий неоклассическую простоту с романтическими тенденциями и реализмом, что нашло отражение в его работах, включая прекрасные портреты, такие как "Портрет великой княгини Елены Павловны" и "Всадница".
Некоторые из его знаменитых работ находятся в ведущих музеях, включая Государственный Русский музей и Государственную Третьяковскую галерею, что делает его наследие доступным для широкой публики. Особенностью Брюллова является его способность сочетать техническое мастерство с глубоким эмоциональным содержанием, делая его произведения вечно актуальными и вдохновляющими для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных мероприятий, связанных с Карлом Павловичем Брюлловым. Это уникальная возможность углубиться в изучение его творчества и добавить в свою коллекцию редкие произведения великого мастера.
Энтони Вальдорп (нидерл. Anthonie Waldorp) или Антуан де Саайер Вальдорп (Antoine de Saaijer Waldorp) — голландский художник и предшественник Гаагской школы. Учился в Гааге у известного художника-декоратора Джоаннеса Брекенхаймера-младшего. Начал рисовать сценические декорации. Позже сосредоточился на домашних и церковных интерьерах и портретах (люди в костюмах XVII века).
Энтони Вальдорп специализировался на речных и морских пейзажах (картины, рисунки и акварели). Это оказалось мудрым решением, поскольку привело к международному признанию. Также занимался литографией.
Дирк ван дер А (нидерл. Dirk van der Aa), также известный под именами Теодорус ван дер Ха или Тьерри ван дер Аа, — нидерландский художник, график-орнаменталист, представитель рококо. Он был членом Гильдии Святого Луки в Гааге. В основном он занимался росписью интерьеров и стал известен благодаря своим живописным декорационным аллегориям и работам, выполненным в технике однотонной гризайли.
Николаас ван дер Ваай (нидерл. Nicolaas van der Waay) — голландский художник-декоратор, акварелист и литограф. Работал во многих жанрах, включая дизайн марок, монет и банкнот. Наиболее известен аллегорическими иллюстрациями, которые создал для «Золотой кареты», и серией картин, изображающих жизнь девочек из амстердамского приюта. Его работа также участвовала в художественном конкурсе на летних Олимпийских играх 1928 года.
Всеволод Владимирович Воинов был русским и советским художником, графиком и искусствоведом, оставившим заметный след в российской культуре начала XX века. Он окончил физико-математический факультет Санкт-Петербургского университета, занимался станковой и прикладной графикой, и был активным участником художественной жизни того времени. Воинов сотрудничал с многими известными деятелями искусства, включая Бориса Кустодиева, и принимал участие в множестве выставок как в России, так и за рубежом.
Воинов имел широкий спектр интересов и талантов, работая не только как художник, но и как театральный художник, педагог и автор научных работ по искусству. Он преподавал в ВХУТЕМАСе, Ленинградском хореографическом училище и других учебных заведениях. В период Великой Отечественной войны Воинов участвовал в ополчении и работал в штабе, а также в эвакуации в Алма-Ате работал театральным художником.
Его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях. Некоторые из его известных произведений включают «Работница на производстве» (1925), «Деревенский пейзаж» (1918), «На реке Нарове» (1940) и «Портрет искусствоведа Гольдберга» (1937). Эти и другие работы Воинова отражают его мастерство в графике и его способность запечатлеть моменты русской жизни и природы.
Если вас интересует русское искусство и творчество Всеволода Владимировича Воинова, рекомендуем подписаться на обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим замечательным художником.
Михаил Александрович Врубель был выдающимся русским художником, чьё творчество оставило неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Омске в 1856 году, Врубель проявил себя не только как живописец, но и как мастер скульптуры и архитектурного декора. Его работы отличаются уникальным стилем, в котором переплелись элементы символизма и модерна, за что и получили признание среди знатоков искусства и антиквариата.
Особенностью творчества Врубеля является его стремление к созданию комплексных, насыщенных образов, где каждый элемент несёт глубокий смысл. Характерной чертой его живописи стала экспрессивная, насыщенная цветовая палитра, благодаря которой его произведения невозможно спутать с работами других художников. Врубель уделял большое внимание деталям, что делает его картины поистине живыми.
Среди наиболее известных работ Врубеля - "Демон сидящий", "Царевна-лебедь", которые сегодня можно увидеть в крупнейших музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Его вклад в искусство не ограничивается только живописью; Врубель также известен своими работами в области театрального декора и скульптуры, что делает его фигурой значимой для изучения в контексте культуры и искусства.
Признание Михаила Врубеля как одного из величайших художников своего времени неуклонно растёт, а интерес коллекционеров и экспертов к его творчеству не угасает. Мы приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новостей о продажах произведений искусства и аукционных событиях, связанных с Михаилом Врубелем. Это уникальная возможность углубить свои знания и расширить коллекцию эксклюзивными работами выдающегося мастера.
Герман Гендрих (нем. Hermann Hendrich) — немецкий художник последней четверти XIX – первой трети ХХ веков. Он известен как живописец, известный своими работами в романтическом и старогерманском стиле.
Гендрих вершиной своего творчества считал полотна и интерьер для «Вальпургиева зала» вблизи города Тале, созданные в 1901 году. Для «Зала Нибелунгов» на горе Драхенфельс, открытого в 1913 году в честь Рихарда Вагнера, он написал 12 полотен по древнегерманским легендам. Художник также создал иллюстрации к произведениям Гёте, а также экспозиции в «Зале немецких саг» в Золингене.
Гендрих был сооснователем союза Верданди, противостоявшего модернизму в искусстве. В его честь названа площадь в Берлине — Гендрихплац.
Карл Георг Антон Греб (нем. Carl Georg Anton Graeb) — немецкий архитектурный, декоративный и театральный живописец. Он также работал гравером и создал несколько пейзажей. Его сын Пауль Греб (1842–1892) так же был художником-архитектором и пейзажистом.
Иоганн Георг Гримм (нем. Johann Georg Grimm) — немецкий художник середины XIX века. Он известен как живописец-пейзажист и дизайнер, наиболее прославившийся своими работами, созданными во время пребывания в Бразильской империи.
Георг Гримм признан выдающимся мастером бразильского искусства и считается лидером модернизма в этой стране. Он оказал значительное влияние на развитие современной живописи в Бразилии, основав школу пленэра и став учителем. Его натуралистические пейзажи признаны ценным наследием, многие из них находятся в частных коллекциях. В Германии он остался малоизвестным.
Пьер-Антуан Демаши (фр. Pierre-Antoine Demachy) — французский живописец, мастер архитектурных пейзажей.
Он выучился на художника архитектуры в Королевской академии живописи и скульптуры, специализировался на рисовании руин, архитектурных сооружений и декораций. Благодаря успехам в своем творчестве стал королевским мастером архитектурных декораций для увеселительных мероприятий. Демаши также обучал студентов живописи в Луврском дворце.
Оуэн Джонс (англ. Owen Jones) — британский архитектор, дизайнер, теоретик и художник декоративно-прикладного искусства.
Получив образование в Королевской академии, Джонс в 1833-1834 гг. путешествовал по Ближнему Востоку и Испании, изучая архитектуру и дизайн исламского, и в особенности арабского мира. Свою работу «Планы, фасады, разрезы и детали Альгамбры» (1842-45 гг.) Джонс посвятил знаменитому дворцу в Гранаде, выдающемуся образцу мавританской архитектуры.
Джонс известен также своим трудом по восточным и западным мотивам дизайна «Грамматика орнамента» (1856 г.), который является систематизированным живописным сборником с акцентом на использование цвета и применение логических принципов в дизайне ковров, обоев, мебели и оформлении интерьера.
Рауль Дюфи (фр. Raoul Dufy) — выдающийся французский художник, чье имя прочно связано с историей постимпрессионизма, фовизма и кубизма. Его творчество ознаменовано ярким индивидуальным стилем, который развивался и трансформировался на протяжении всей его карьеры.
В начале своего пути Дюфи был вдохновлен фовизмом, а затем обратился к кубизму, стремясь изучить и отразить структуру форм. Однако из-за низкой покупательской спросности на его работы, Дюфи начал заниматься ксилографией, иллюстрированием и разработкой узоров для тканей. Этот период отмечен возвращением к более светлым и ярким краскам в его живописи.
Существенным этапом в карьере Дюфи стало создание настенного полотна площадью 600 квадратных метров для Парижской международной выставки 1937 года. В своих поздних работах он часто сосредотачивался на использовании одного основного цвета.
Кроме того, Дюфи зарекомендовал себя как талантливый иллюстратор и коммерческий художник. Он создавал муралы для общественных зданий, а также значительное количество гобеленов и керамических работ. Его работы украшали страницы книг таких авторов, как Гийом Аполлинер, Стефан Малларме и Андре Жид.
Произведения Рауля Дюфи представлены в множестве публичных коллекций, включая Арт-институт Чикаго, Музей искусств Онтарио, Музей искусств Макней в Техасе, Музей современного искусства в Париже и Национальную галерею искусств в Вашингтоне.
Рауль Дюфи был мастером, который оставил значительный след в истории искусства, своими работами вдохновляя как современников, так и будущие поколения художников и ценителей искусства.
Если вас интересует искусство Рауля Дюфи и вы хотите быть в курсе новинок, связанных с его творчеством, подписывайтесь на наши обновления. Мы будем информировать вас о новых продажах произведений и предстоящих аукционах. Оставайтесь на связи с миром культуры и искусства, не упустите уникальную возможность расширить вашу коллекцию.
Иван Семёнович Ефимов — российский и советский художник первой половины ХХ века. Он известен как живописец-анималист, график, скульптор, иллюстратор и реформатор театра кукол.
Иван Ефимов работал в разных жанрах и техниках, но всё его творчество, включая декоративно-прикладное искусство, было сфокусировано на анималистической тематике. Он создавал работы для московского метро, вокзалов, санаториев и многих других мест и прославился своей техникой сквозного объёмного рельефа в скульптуре. Мастер также проиллюстрировал более 20 книг.
Ефимов создавал и эротические произведения — около тысячи листов с разнообразными тематическими сериями, но о них общественность узнала только после распада СССР.
Шарль Жуас (фр. Charles Jouas), урожденный Шарль Альфред Огюст Жуас (Charles Alfred Auguste Jouas) — французский художник, иллюстратор и дизайнер, гравер.
Шарль обучался живописи в мастерских у различных художников и работал над театральными декорациями. В 1896 году он познакомился с известным библиофилом Анри Беральди, и эта встреча стала решающей: у художника появились перспективные заказы. Затем началось долгое сотрудничество с гравером Анри Пайяром (1846-1912).
Шарль Жуас специализировался на городских пейзажах Парижа, с 1890-х работал иллюстратором для редких книжных изданий. А затем начал гравировать собственные рисунки и экспериментировать с офортом, стал президентом секции гравюры Национального общества изящных искусств.
Людвиг Зайтц (нем. Ludwig Seitz) — итальянский художник последней трети XIX – начала ХХ веков немецкого происхождения. Он известен как исторический и религиозный живописец, сын известного художника Александра Максимилиана Зейтца.
Людвиг Зайтц занимался преимущественно религиозными сюжетами и отличался способностью мастерски воссоздавать стили старых мастеров. Он внёс важный вклад в реставрацию и украшение церквей в Риме, а также создал ряд фресок и образов для различных соборов и капелл. В частности, он работал над алтарными образами и реставрацией живописи в замке князя Фюрстенберга на берегу Боденского озера.
Пауль Кайзер (нем. Paul Kayser) — немецкий живописец и график. После обучения в качестве художника-декоратора Кайзер посещал Школы прикладного искусства в Мюнхене и Дрездене.
Пауль Кайзер был одним из основателей Гамбургского клуба художников 1897 года и Гамбургского сецессиона, а также членом Гамбургской ассоциации художников и Ассоциации художников Альтона. На его стиль оказал решающее влияние Альберт Марке, с которым Кайзер познакомился в 1909 году.
В 1937 году натюрморт Кайзера был конфискован из музея в Хузуме в рамках нацистской кампании «Дегенеративное искусство».
Даниэль Каффе (нем. Daniel Caffe) — немецкий художник, мастер пастельного портрета. Начал свою карьеру как художник, занимающийся архитектурным декором, а затем переехал в Дрезден, где стал известным портретистом. Его обучение в Дрезденской академии изящных искусств под руководством Касановы, а также влияние неоклассических работ Менгса значительно повлияли на его стиль.
Даниэль Каффе был особенно популярен среди русских меценатов, что открыло ему дорогу к созданию портретов значительных личностей того времени, таких как князь Белосельский и адмирал Федор Григорьевич Орлов. Он также был известен своими копиями работ из Дрезденской галереи. Помимо портретов, Каффе также работал с архитектурным декором и пейзажами.
Среди наиболее известных работ Даниэля Каффе — портреты прусского государственного деятеля Карла Августа фон Харденберга и портреты известных деятелей своего времени, выполненные на пастели. После десяти лет работы в Дрездене он переехал в Лейпциг, где и скончался в 1815 году.
Его работы хранятся в крупных музеях и частных коллекциях, продолжая привлекать внимание коллекционеров и искусствоведов. Художник оставил значительное наследие в области портретной живописи, которое ценится за умение передавать характер модели и тонкости эмоционального состояния.
Для получения обновлений, связанных с работами и выставками Даниэля Каффе, рекомендуем подписаться на наши рассылки. Обещаем отправлять только актуальную информацию, которая будет интересна ценителям и коллекционерам искусства.
Йоганн Доменикус Квальо (нем. Johann Dominicus Quaglio) — немецкий художник первой половины XIX века итальянского происхождения. Он известен как архитектурный живописец и график эпохи романтизма, театральный художник, литограф и гравёр.
Квальо путешествовал по различным странам, что стало источником вдохновения для его многочисленных работ. Он изображал в своих работах средневековые церкви, замки, руины и города. Мастер был одним из первых, кто использовал литографию для воссоздания готических сооружений в графической форме. Его работы представляют собой исторические и архитектурные документы того времени.
Квальо был придворным художником при баварском троне и членом Мюнхенской и Берлинской академий художеств. Он, по мнению критиков, вернул архитектурную живопись на достойный уровень.
Шарль-Луи Клериссо (фр. Charles-Louis Clérisseau) — французский архитектор, декоратор, рисовальщик и живописец французского неоклассицизма. Учился у живописца Джованни Паоло Панини, занимался во Французской Академии в Риме.
Императрица Екатерина II приобрела полное собрание рисунков Клериссо — восемнадцать коробок, не считая отдельных поступлений. Ныне они хранятся в собрании Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
Фернан Кнопф (фр. Fernand Khnopff), полное имя Фернан-Эдмон-Жан-Мари Кнопф (фр. Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff) — бельгийский живописец-символист, график, скульптор и историк искусства.
Фернан родился в богатой семье, посещал Королевскую академию изящных искусств в Брюсселе, где учился живописи у Ксавье Меллери. Все годы учебы в академии Кнопф проводил лето в Париже, изучая искусство, и на Всемирной выставке 1878 года он увидел работы прерафаэлита Эдварда Бёрн-Джонса и символиста Гюстава Моро, которые оказали решающее влияние на его творчество.
В начале 1880-х Кнопф начал выставлять свои символистские работы, часто вдохновленные литературными произведениями, в частности Гюстава Флобера. В его картинах точный реализм сочетается с неземной сказочной атмосферой, он также писал портреты.
В 1883 году Кнопф стал одним из основателей группы бельгийских художников-авангардистов Les Vingt. С начала 1990-х он регулярно сотрудничал с брюссельским оперным театром Королевский де ла Монне, создавая костюмы и декорации для многих постановок. Он также оформлял интерьеры знаковых зданий Брюсселя: Дома Стокле и Отель де Виль в Сен-Жиле.
Степан Фёдорович Колесников был выдающимся русским художником, чьё творчество оставило заметный след в искусстве начала XX века. Он учился в Императорской Академии художеств у таких мастеров, как Репин и Куинджи, что сформировало его уникальный стиль. Колесников активно участвовал в выставках и получил международное признание, в том числе золотую медаль за картину «Весна» на Х Всемирной выставке в Мюнхене.
После революционных событий 1917 года Колесников эмигрировал в Сербию, где продолжил свою деятельность как художник, преподаватель и сценограф. В Белграде он провёл ряд персональных выставок и работал над монументальной живописью. Колесников также известен своими пейзажами, в которых он мастерски передавал красоту природы. Его работы, представленные на международных аукционах, подчёркивают вклад художника в мировое искусство и почему его творчество ценится как в России, так и в Сербии.
Произведения Колесникова хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, демонстрируя его уникальный вклад в развитие живописи. Его талант в области монументальной живописи и умение захватывать динамику природных явлений делают его одним из самых интересных художников своего времени.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата, подпишитесь на обновления, чтобы не пропустить информацию о продажах и аукционных событиях, связанных со Степаном Фёдоровичем Колесниковым.
Плинио Коломби (итал. Plinio Colombi) — швейцарский живописец и график. Для своих картин он часто выбирал пейзажные мотивы региона озера Тун, а также писал натюрморты. Его работы включают гравюры, картины, офорты, акватинты, литографии, гравюры на дереве, рисунки и плакаты.
Антонио Гомес Крос (исп. Antonio Gómez Cros) — испанский художник-живописец, литограф и декоратор.
Антонио начал изучать живопись в Академии изящных искусств Сан-Карлос в Валенсии и завершил обучение в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо. Он был представителем раннего романтизма с признаками классицизма.
Антонио Гомес Крос специализировался на исторических сценах и был признанным портретистом. В 1846 году он был назначен почётным камерным художником Елизаветы II и написал на этом посту несколько известных исторических, батальных и религиозных полотен. Художник также занимался росписями стен и занавесов во дворцах и театрах.
Елизавета Сергеевна Кругликова была русско-советской художницей, гравёром и педагогом, прославившейся благодаря своему уникальному подходу к техникам гравюры и монотипии. Родившаяся в семье с искусствоведческими традициями, она начала своё обучение в Москве, а затем продолжила его в Париже, где и обрела своё уникальное звучание в искусстве. В Париже Елизавета создала свою мастерскую, которая стала своеобразным культурным центром для русских художников.
Кругликова исследовала и возрождала старинные техники гравюры, такие как меццотинто и акватинта, но особенно прославилась благодаря своим монотипиям и силуэтам, включая серии портретов выдающихся русских поэтов и деятелей революции. Она также была одним из основателей Государственного кукольного театра и преподавала в Высших художественно-технических мастерских.
Среди её известных работ - серия игральных карт с силуэтами, отражающими пропагандистский дух 1920-30-х годов, где изображения дам, королей и валетов символизировали крестьян, рабочих и пионеров.
Елизавета Кругликова умерла в Ленинграде в 1941 году, оставив после себя богатое наследие в русском и советском искусстве. Её работы хранятся в музеях и галереях, продолжая вдохновлять новые поколения художников.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с творчеством Елизаветы Сергеевны Кругликовой, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях.
Павел Варфоломеевич Кузнецов был выдающимся русским художником, чьё творчество оказало заметное влияние на развитие искусства в начале XX века. Он прославился как один из основателей и наиболее ярких представителей "Голубой розы" — направления, которое внесло значительный вклад в развитие русского символизма и авангарда.
Кузнецов не просто следовал традициям живописи своего времени, он экспериментировал с цветом и формой, стремясь передать своё видение мира через яркие и насыщенные образы. Его работы отличаются глубоким символизмом, а уникальный стиль сразу узнаваем. Кузнецов смело сочетал в своих полотнах элементы восточного искусства, что делало его творчество особенно притягательным.
Среди наиболее известных работ художника — серии картин, посвящённых пейзажам Средней Азии и Крыма, которые сегодня можно увидеть в ведущих музеях России, включая Государственную Третьяковскую галерею и Русский музей. Эти полотна поражают глубиной и насыщенностью цвета, демонстрируя уникальное мастерство Кузнецова.
Его вклад в развитие русской культуры и искусства трудно переоценить. Кузнецов не только оставил после себя великолепные произведения живописи, но и вдохновил целое поколение молодых художников на поиски новых форм и средств выражения.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, чтобы не пропустить информацию о продажах новых лотов и аукционных событиях, связанных с творчеством Павла Варфоломеевича Кузнецова. Подписка гарантирует вам актуальные новости о мероприятиях, которые позволят глубже погрузиться в мир русского авангарда и приобрести уникальные произведения искусства.
Борис Михайлович Кустодиев — выдающийся русский художник, чьё творчество занимает особое место в истории русского искусства. Родившись в 1878 году в Астрахани, Кустодиев проявил себя не только как талантливый живописец, но и как иллюстратор и сценограф. Его произведения отличаются яркостью, насыщенностью цветов и глубоким пониманием русской души и культуры.
С началом Революции 1905 года, Кустодиев активно участвует в жизни художественных кругов, внося свой вклад в сатирические журналы и становясь членом ассоциации "Мир Искусства". Его иллюстрации к произведениям классиков русской литературы, таких как Гоголь, Лермонтов и Толстой, стали важным вкладом в историю русского книжного дизайна.
Одним из наиболее известных произведений Кустодиева является картина "Купчиха за чаем", написанная в 1918 году, которая стала символом русского быта и культуры. Несмотря на тяжелое заболевание, которое привело к параличу в 1916 году, Кустодиев продолжал работать, создавая произведения, отличающиеся жизнелюбием и оптимизмом.
Кустодиев также известен своими портретами, среди которых особо выделяется портрет Федора Шаляпина, созданный в 1921 году. Эта работа, полная символизма и отражающая русские традиции Масленицы, занимает особое место в коллекции Государственного музея театра и музыки в Санкт-Петербурге.
Кустодиевские произведения сегодня можно увидеть в музеях и галереях по всему миру, где они продолжают вдохновлять любителей искусства своей уникальной красотой и глубиной.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Борисом Михайловичем Кустодиевым. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж произведений и аукционных мероприятий, связанных с этим замечательным художником.
Август Лаукс или Огюст Ло (фр. August Laux) — живописец и дизайнер французского происхождения, работавший в Германии и США.
В 1863 году вместе с родителями он эмигрировал из Германии в Нью-Йорк, где изучал скульптурное искусство и живопись, затем поступил на курсы в Национальную академию дизайна. В 1870-х он получил заказ на роспись декораций для частного театра клуба на Манхэттене. После успешного результата работа Лаукса стала пользоваться спросом в богатых домах и отелях.
В живописи Лаукс брался за разные жанры: он писал цветочные и фруктовые натюрморты, жанровые анималистические сценки, сельские пейзажи.
Генрих Лефлер (нем. Heinrich Lefler) — австрийский художник, книжный иллюстратор и театральный декоратор. Обучался живописи в Вене в Академии изобразительных искусств и в Мюнхенской академии художеств.
Генрих Лефлер был главным художником в Венской опере. С 1903 преподавал в Академии изобразительных искусств и одновременно работал декоратором в Венском Бургтеатре.
Генрих Лефлер также был одним из первых художников Австрии, который активно работал в области прикладного искусства. Он создавал рекламные плакаты для фирм, разрабатывал оформление банковских купюр, писал фрески для вилл, замков, отелей. Лефлер также иллюстрирует многочисленные издания журналов, календарей, книг.
Мари Лорансен (фр. Marie Laurencin) была выдающейся французской художницей, чье имя прочно ассоциируется с миром искусства начала XX века. Родившись в Париже в 1883 году, Лорансен оставила значительный след в истории живописи, гравюры, а также в сферах театрального декора. Её творчество отличалось уникальным стилем, сочетавшим элементы рококо и влияние африканской скульптуры, персидских и монгольских миниатюр, что делало её работы легко узнаваемыми благодаря светлым розовым и голубым оттенкам.
Произведения Лорансен выставляются в известных музеях мира, включая Галерею Тейт в Лондоне, Художественную галерею Бирмингемского музея в Алабаме, музей Роже-Кийо в Клермон-Ферране и музей Оранжери в Париже. Её работы привлекли внимание не только ценителей искусства, но и популярных личностей, таких как Коко Шанель, для которой Лорансен рисовала портреты, а также проектировала костюмы и декорации для балетных постановок Сергея Дягилева.
Лорансен также была известна своей работой в театре, где она создавала декорации и костюмы, в том числе для "Комеди-Франсез" и русского балета. Её живописные произведения, портреты женщин и детей, а также цирковые персонажи, были оценены за их очарование и изящество. Любопытно, что имя Лорансен упоминается в популярной песне Джо Дассена "L’Été indien", что подчеркивает её значимость в культуре того времени.
Кроме того, в 1985 году в Токио был открыт музей, посвященный Мари Лорансен, что является весомым признанием её вклада в искусство. Новая волна интереса к её творчеству возникла после публикации биографии художницы Бертраном Мейером-Стейбли в 2011 году, а в 2013 году в музее Мармоттан-Моне в Париже прошла выставка её работ, заново представившая творчество Лорансен широкой публике.
Мари Лорансен была не просто художницей; она была символом эпохи и вдохновением для многих. Её творчество и жизнь продолжают восхищать и мотивировать поклонников искусства, коллекционеров и экспертов по всему миру. Если вас заинтересовали работы Мари Лоранси, коллекционеров и исследователей антиквариата, мы приглашаем вас подписаться на наши обновления. Так вы всегда будете в курсе последних новостей о продажах произведений искусства и аукционных мероприятиях, связанных с Мари Лорансен. Ваша подписка станет ключом к миру уникального искусства и предметов антиквариата, открывая доступ к эксклюзивным предложениям и редким коллекционным находкам, связанным с этой знаменитой художницей.
Ганс Макарт (нем. Hans Makart) — австрийский художник второй половины XIX века. Он прославился как мастер исторической живописи, натюрморта, аллегорий, пейзажа и портрета. Большинство его картин написаны в академическом стиле. Макарт также был востребованным сценическим декоратором, дизайнером костюмов, мебели и интерьера.
Ганс Макарт был очень популярен в Вене, а его студия была местом притяжения сливок венского общества. Именем художника даже назвали отдельный стиль в искусстве с характерными плавными формами и яркой цветовой гаммой — «Макартстиль». Макарт постоянно организовывал в своей мастерской грандиозные фестивали, которые охотно посещали члены императорской семьи. Он сделал ультрамодным новый собственный стиль интерьера и вскоре большинство квартир состоятельных граждан Вены были обставлены по образцу его салона.
Макарт был профессором исторической живописи в Венской академии художеств, руководителем крупнейшего выставочного комплекса австрийской столицы Künstlerhaus. В 1879 году по случаю серебряной свадьбы императорской четы Макарт организовал грандиозное театрализованное представление, эскизы для которого сохранились до сих пор.
Сергей Васильевич Малютин, русский и советский художник, архитектор и педагог, родился в Москве в 1859 году и ушел из жизни там же в 1937 году. Его имя прочно ассоциируется с созданием первой русской матрёшки в 1890-х годах, что стало важным вкладом в русскую культуру и искусство. Работая в игрушечной мастерской «Детское воспитание», Малютин в сотрудничестве с токарем Василием Звёздочкиным создал куклу, вдохновившуюся японской традиционной куклой. Эта игрушка, получившая название «Матрёна», стала прототипом современной матрёшки.
Кроме того, Малютин занимался архитектурой, особенно заметно его сотрудничество с Марией Тенишевой в Талашкино, где он проявил себя как архитектор, создавая проекты, богато декорированные керамическими орнаментированными плитами и росписями. Его работы характеризуются использованием народных мотивов и стремлением к воссозданию национального стиля.
В Государственном Русском музее хранятся его работы, включая портреты и жанровые картины, созданные в конце XIX – начале XX веков. Среди них портреты дочери художника Веры Сергеевны Малютиной и художника Василия Васильевича Переплетчикова, отражающие глубокую психологизм и мастерство Малютина как портретиста.
Сергей Малютин оставил заметный след в русской культуре, будучи не только создателем национального символа - матрёшки, но и талантливым художником, чьи работы продолжают вдохновлять поколения.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, предлагаем подписаться на обновления, чтобы не пропустить новости о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с творчеством Сергея Васильевича Малютина.
Коломан Мозер (нем. Koloman Moser) — выдающийся австрийский художник и график, один из основателей Венского сецессиона и Венских мастерских (Wiener Werkstätte). Он известен своим вкладом в развитие модернизма и дизайна, создавая проекты мебели, рисунки для фарфора, витражи и оформления театральных спектаклей.
В 1907 году, после ухода из Wiener Werkstätte, Коломан Мозер уделил больше внимания живописи и активно участвовал в выставках по всей Европе, включая Вену, Дюссельдорф, Рим и Берлин. Его работы сейчас можно увидеть в многих музеях, в том числе в Музее Леопольда в Вене, где находится самая большая коллекция его творений.
Коломан Мозер не просто художник, он был значимой фигурой в австрийском искусстве начала XX века, оставив заметный след в стиле югендстиля.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата знакомство с творчеством Мозера открывает уникальное окно в мир венского модерна. Если вы хотите узнать больше о его работах или получать обновления о выставках и аукционах, связанных с Коломаном Мозером, подпишитесь на наши обновления.
Альфонс Муха (чеш. Alfons Maria Mucha) — выдающийся чешский художник, чьё имя неразрывно связано с эпохой модерна и стилем арт-нуво. Родившись в Моравии в 1860 году, Муха начал свою карьеру в Париже, где его талант нашёл яркое воплощение в создании рекламных плакатов, декораций и украшений. Особенно знамениты его работы для великой актрисы Сары Бернар, которые принесли ему широкую известность.
Одним из наиболее значительных достижений Мухи является создание "Славянской эпопеи" — серии монументальных полотен, посвящённых истории славянских народов. Эта работа заняла важное место в его творчестве и стала визитной карточкой художника. Кроме того, Муха оставил значительный след в дизайне ювелирных изделий и бытовых предметов, став одним из пионеров в области промышленного дизайна.
Переехав обратно в Чехию в начале XX века, Муха продолжил работу над проектами, близкими к его сердцу, включая декоративные росписи и фрески, а также проекты в области графического дизайна. Его вклад в культуру и искусство остаётся неоценимым, а работы хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Для любителей искусства и антиквариата, интересующихся творчеством Альфонса Мухи, музей Альфонса Мухи в Праге предлагает уникальную возможность познакомиться с его наследием. Экспозиция включает в себя как известные шедевры, так и менее известные работы художника, открывая новые грани его таланта.
Приглашаем вас подписаться на обновления и узнавать о новых продажах продукции и аукционных событиях, связанных с Альфонсом Мухой. Это отличная возможность для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата углубить свои знания и обогатить свои коллекции уникальными экземплярами.
Михель Неер (нем. Michael Neher) — немецкий живописец и архитектурный декоратор.
Михель обучался в Академии в Мюнхене, в 1819 году отправился в Италию и провел там пять лет, из них два года в Риме, где много занимался архитектурной живописью в мастерской художника Генриха Марии фон Гесса, и в 1825 году вернулся в Мюнхен.
Как типичный представитель эпохи бидермейера, Неер создал множество костюмных рисунков и пейзажей. Он также прославился своими видами общественных мест и архитектурными изображениями многих баварских городов. С 1837 года Михель Неер полностью посвятил себя архитектурной живописи и путешествовал для усовершенствования мастерства по Рейну и в Бельгию. В 1839 году он расписал несколько салонов в замке Хоэншванген по эскизам Швинда, Гаснера и Шванталера. В 1876 году он был удостоен звания почетного члена Мюнхенской академии.
Бернхард Панкок (нем. Bernhard Pankok), полное имя Бернхард Вильгельм Мария Панкок (Bernhard Wilhelm Maria Pankok) — немецкий живописец и график, дизайнер, художник-прикладник и архитектор периода модерна.
После получения навыков художника и реставратора Бернхард Панкок изучал живопись в Дюссельдорфской академии художеств, затем в Берлине. В 1892 году он начал работать в Мюнхен в собственной студии живописи, делая в том числе и иллюстрации для журналов «Пан» и «Югенд». Панкок был одним из основателей Мюнхенского объединения мастерских художественных ремесел.
В 1897 году Панкок начал заниматься дизайном мебели и демонстрировал свои работы на многочисленных выставках, в том числе на знаковой «Всемирной и международной выставке» 1900 года в Париже. В том же году историк искусства Конрад Ланге поручил Бернхарду Панкоку спроектировать для него Haus Lange, он вообще много работал архитектором и спроектировал и другие здания в Штутгарте.
Панкок был плодовит и универсален: он проектировал декорации для оперных сцен и салоны для океанских лайнеров и даже пассажирские каюты цеппелинов, работал архитектором, дизайнером мебели, декоратором интерьеров, художником и графиком.
В 1907 году он был соучредителем Немецкого Веркбунда. В 1901 году пригласили преподавать в Королевскую учебно-экспериментальную мастерскую в Штутгарте; в 1913 году он стал ее главой и в этом качестве объединил со Школой искусств и ремесел.
Эдуард Фридрих Папе (нем. Eduard Friedrich Pape) — выдающийся немецкий художник, известный своим вкладом в театральную, декоративную и пейзажную живопись. Он оттачивал свое мастерство в Берлинской академии, обучаясь у Карла Блехена и Вильгельма Ширмера с 1839 по 1843 год, а также работая в студии Иоганна Герста, известного театрального и декоративного художника. В 1845 году Эдуард Фридрих Папе отправился в путешествие по Тиролю, Швейцарии и Италии, обогащая свой опыт и художественный репертуар.
Его талант привел к участию в оформлении берлинского Нового музея в 1849-1853 годах, где он воссоздавал образы античной архитектуры, особенно театров Греции и Рима. После этого он был удостоен звания королевского профессора и членства в Берлинской академии в 1853 году. Он много занимался стенной живописью, создавая ландшафты и архитектурные виды. Художник часто изображал природу Швейцарии, горы Баварии и Верхней Италии, проявляя романтический подход к передаче поэтических ощущений от этих мест. Его мастерство особенно ярко проявлялось в изображении спокойных вод горных озёр, а также водопадов.
Однако карьера Эдуарда Фридриха Папе столкнулась с трудностями из-за тяжелой болезни в 1857 году, которая надолго лишила его возможности заниматься живописью. Несмотря на эти препятствия, он продолжал свои художественные начинания до глубокой старости, когда у него начались проблемы со зрением, и к моменту смерти в 1905 году он почти ослеп.
Наследие Эдуарда Фридриха Папе отражено в его работах, которые были признаны и оценены на различных аукционах, демонстрируя его неизгладимое влияние на мир искусства. Его работы дают представление о немецком искусстве XIX века, особенно в области пейзажа и декоративной живописи, что делает его значимой фигурой для коллекционеров и любителей искусства.
Для тех, кто заинтересован в дальнейшем изучении творчества и вклада Эдуарда Фридриха Папе, подпишитесь на обновления о новых продажах и аукционных событиях, связанных с его работами. Эта подписка откроет вам доступ к увлекательному миру художественного наследия Папе.
Михаил Родионович Пестриков — российский и советский художник конца XIX – первой трети ХХ веков. Он известен как живописец и педагог.
Михаил Пестриков занимался станковой и монументально-декоративной живописью. Он писал портреты, создал ряд картин библейской тематики. Художник также выполнял росписи в домах, научных учреждениях и в церквях.
Лодовико Польяги (итал. Lodovico Pogliaghi) — итальянский живописец, скульптор и декоратор. Обучался в Академии Брера у Джузеппе Бертини.
Лодовико Польяги, как ведущий представитель эклектичного академизма, ориентированного на восстановление более ранних классических стилей, посвятил себя интенсивной деятельности в качестве консультанта Департамента древностей и реставратора.
Фридрих Преллер Старший (нем. Friedrich Preller der Ältere) — немецкий художник, пейзажист и декоратор. Изучал рисунок и живопись в Веймаре и в Антверпенской академии художеств.
Фридрих Преллер Старший создал фрески и станковые картины, иллюстрирующие Одиссею.
Эмиль Преториус (нем. Emil Preetorius) — немецкий иллюстратор, график, книжный дизайнер и коллекционер произведений искусства. Он также считается одним из наиболее значительных сценографов первой половины XX века. В 1909 г. вместе с Паулем Реннером он основал в Мюнхене Школу иллюстрации и книжного дизайна, с 1910 г. возглавлял мюнхенские учебные мастерские, а в 1926 г. стал руководителем класса иллюстрации и класса сценографии в Высшей школе изящных искусств (Hochschule für Bildende Künste) в Мюнхене, где с 1928 г. являлся профессором. В 1914 г. вместе с Францем Паулем Глассом, Фридрихом Хойбнером, Карлом Моосом, Максом Шварцером, Валентином Зиетарой Преториус основал объединение художников "Шестеро" — одну из первых групп художников для выполнения рекламных заказов, особенно плакатов.
С 1908 г. Преториус создал иллюстрации к многочисленным художественным произведениям. В 1932 г. он стал художником-постановщиком Байройтского фестиваля. В 1944 г. он дебютировал в качестве сценографа премьеры оперы Рихарда Штрауса "Любовь датчанки" на Зальцбургском фестивале. В оформлении обложек книг, литературных иллюстраций, рекламы и плакатов Преториус находился под влиянием японской ксилографии, а как сценограф опирался на романтический классицизм.
Генри Райланд был британским художником, книжным иллюстратором, декоратором и дизайнером. Он выставлялся в галерее Гросвенор, а с 1890 года в Королевской академии. Он также регулярно выставлялся в Новой галерее и Королевском институте художников-акварелистов (бывшее Новое общество художников-акварелистов). Он стал полноправным членом последнего учреждения. Хотя он писал маслом, он специализировался на высококачественных акварельных картинах с изображениями молодых женщин в классических драпировках на мраморных террасах. Его акварели широко тиражировались в виде гравюр. Райланд также проектировал витражи, а его гравюры на дереве использовались в ряде журналов, в том числе в English Illustrated Magazine в 1880-х и 1890-х годах.
Одилон Редон (фр. Odilon Redon) — французский художник и график, один из основателей символизма, известный своими работами, которые переносят зрителя в мир грёз и фантазии. Его искусство отличается использованием трепетных, смутных образов, почерпнутых из глубин подсознания, и часто сопровождается литературными фрагментами, добавляющими глубины композициям.
Редон родился 20 апреля 1840 года в Бордо, Франция. Смерть его отца в 1874 году оказала сильное влияние на художника, позволив ему полностью посвятить себя искусству. В 1879 году Редон выпустил альбом своих рисунков "В грёзе", который привлек внимание коллекционеров и знатоков живописи. Он также создал ряд других заметных циклов, таких как "Эдгару По", "Истоки", "В честь Гойи" и "Искушение святого Антония".
С 1890 года Редон начал использовать цвет в своих работах, переходя к пастели и масляным краскам, и создавая яркие и визуально насыщенные произведения. Его работы часто включают такие мотивы, как человеческое лицо, цветы и биологические метаморфозы. К его знаковым работам относятся "Циклоп", "Зеленая смерть", "Черная ваза с цветами" и "Женщина среди цветов".
Редон скончался 6 июля 1916 года в Париже. Он оставил после себя богатое наследие, вдохновляющее художников и коллекционеров по сей день.
Если вы заинтересованы в получении обновлений о новых продажах и аукционах, связанных с творчеством Одилона Редона, подпишитесь на наши уведомления. Мы обещаем отправлять только актуальную и полезную информацию, связанную с этим выдающимся художником.