Художники-графики США
Пасита Абад (англ. Pacita Abad) была выдающейся художницей с Филиппин, известной своими яркими и многослойными полотнами. Родившись в 1946 году на острове Баско, она начала свою карьеру в США, где и осталась после студенческих протестов против режима Маркоса на Филиппинах. Вдохновляясь культурными особенностями разных стран, Абад путешествовала по миру, что нашло отражение в её уникальном стиле, сочетающем элементы народного искусства и современных техник, таких как трапунто — метод, при котором холст становится объемным за счет простегивания и набивки.
Её работы выставлялись по всему миру, включая крупные музеи и галереи, такие как SFMOMA и Музей Бруклина, отражая её значимость на международной арт-сцене. Абад также активно участвовала в общественной жизни, проводя мастер-классы и лекции, поддерживая тем самым молодых художников и культурное обмены между странами.
Среди её известных работ — покрытый разноцветными кругами 55-метровый мост в Сингапуре, ставший символом её креативного подхода к публичному искусству. Абад скончалась в 2004 году, оставив после себя наследие, которое продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру.
Если вы заинтересованы в творчестве Паситы Абад и хотите узнавать о предстоящих выставках и аукционных продажах её работ, подписывайтесь на обновления. Это позволит вам оставаться на связи с миром искусства и не пропустить важные события, связанные с её наследием.
Трей Абделла (англ. Trey Abdella) — американский художник, который живет и работает в Нью-Йорке. Проблемы жизни в сложном космополитическом городе послужили источником вдохновения для его работ, хотя сами картины не связаны конкретно с мегаполисом.
Искусство Трея Абделлы стремится перекликаться с человеческими переживаниями и чувствами. Абделла использует простую универсальную иконографию, взятую из интернет-мемов, фильмов и мультфильмов, встречающихся в современной культуре. Он смешивает эти иконки с различными аспектами тревоги, которую он или его друзья испытывают в различных сценариях, встречающихся в повседневной жизни, изображая изнанку общества. Картины Абделлы выражают неуверенность, смущение, страх, ужас, отвращение, невысказанные желания и эмоции, которые мы вынуждены скрывать каждый день, чтобы соответствовать социальным условностям и ожиданиям.
Тим Айтель (нем. Tim Eitel) — немецкий современный художник.
Творческая манера Тима Айтеля остаётся реалистической, с элементами романтизма. Мастера можно причислить к заметнейшим представителям «Новой лейпцигской школы» живописи. Работы художника настолько точны и близки к изображаемому оригиналу, что вполне могли быть представлены как красочные фотографии.
Крейг Алан (англ. Craig Alan) — американский художник, чьи работы демонстрируют техническую изощренность, а также богатое воображение.
Переехав с семьей в Новый Орлеан, в юности Алан работал уличным художником, создавая портреты. Благодаря своему исключительному таланту и на основе собственных исследований, он со временем развил восхитительное понимание и чувство текстур, композиций и цветов. Сегодня Крейг Алан представляет широкий спектр художественных стилей, от книжной иллюстрации до натуралистической живописи маслом и его Populus Art.
Чарльз Генри Алстон (англ. Charles Henry Alston) — американский художник середины ХХ века. Он известен как график и живописец-монументалист, а также скульптор, иллюстратор и педагог, живший и работавший в нью-йоркском районе Гарлеме.
Чарльз Алстон был активистом так называемого «Гарлемского Возрождения». Он стал первым афроамериканским руководителем Федерального художественного проекта США. Художник создал фрески для Гарлемской больницы, а также ряда культурных и административных зданий в Нью-Йорке. Алстон является автором бюста Мартина Лютера Кинга-младшего, который стал первым изображением афроамериканца, выставленным в Белом доме в Вашингтоне.
Джон Алтун (англ. John Altoon) — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма. Важная фигура искусства Лос-Анджелеса в 1950-1960-х годах.
Учился в Институте искусств Отиса, одновременно посещал Колледж дизайна Центра Искусств Лос-Анджелеса. Известен фигуративными работами, вместе с Эдвардом Кинхольцем и Робертом Ирвином состоял в Ferus group. С ранних лет страдал шизофренией, в порывах депрессии и паранойи уничтожил часть своих работ.
Анни Альберс (нем. Anni Albers), урожденная Аннелиз Флейшманн (нем. Annelise Fleischmann) — американская художница по текстилю, дизайнер, литограф и теоретик искусства немецкого происхождения, участвовавшая в движении Баухаус и преподававшая в колледже Блэк Маунтин. Анни Альберс — одна из немногих женщин Баухауза, добившихся профессионального успеха и признания при жизни.
Хулио Альпуи (исп. Julio Alpuy) — уругвайский живописец, скульптор и художник-монументалист. В начале своей карьеры Альпуи был членом «Школы Юга» (Taller Torres-García) и движения конструктивного искусства. Хотя на его ранние работы большое влияние оказали теории Торреса-Гарсии о том, что он называл конструктивным универсализмом, Альпуи черпал из самых разных культур и мифов, создавая произведения, которые нарушали границы конструктивной сетки. Кроме того, его обучение в Европе и Латинской Америке помогло развить интерес к кубизму и мифам, что повлияло на его последующие работы. Альпуи сделал плодотворную карьеру, и его работы выставляются по всему миру.
Ричард Анушкевич (англ. Richard Anuszkiewicz) был американским художником, одним из основателей и ярким представителем оп-арта, направления в изобразительном искусстве, играющего на оптических иллюзиях и восприятии цвета. Его творчество отличается строгой геометричностью форм и богатством цветовой палитры, что делает его работы особенно выразительными и запоминающимися. Анушкевич получил образование в Институте искусства в Кливленде и Школе искусств и архитектуры Йельского университета, где изучал под руководством Йозефа Альберса, что сыграло важную роль в формировании его художественного вкуса и предпочтений.
После переезда в Нью-Йорк в 1957 году и работы хранителем в Музее современного искусства, Анушкевич принял участие в знаменитой выставке «Чувствительный глаз» 1965 года, что значительно укрепило его позиции среди мастеров оп-арта. В 1960—1970-е годы художник активно сотрудничал с известными представителями этого направления, такими как Виктор Вазарели и Бриджит Рили, что ещё больше укрепило его репутацию в арт-сообществе.
Творчество Анушкевича широко представлено в музеях и галереях по всему миру, его работы можно найти в коллекциях таких мест, как The Heckscher Museum в Нью-Йорке, Graham Modern в Нью-Йорке, Canton Art Institute в Огайо, а также в многочисленных других учреждениях и частных коллекциях. К его наиболее известным произведениям относятся "Temple of the Radiant Yellow" (1985), "Deep Magenta Square" (1978), "Rainbow I" (1986), "The Fourth of the Three" (1963), "Green and Red - Figure and Ground" (1956), и многие другие, демонстрирующие мастерство Анушкевича в создании глубоких и многомерных визуальных эффектов с использованием цвета и формы.
Его невероятный вклад в развитие оп-арта и неиссякаемый интерес к исследованию цвета и формы делают творчество Ричарда Анушкевича предметом постоянного изучения и восхищения как среди искусствоведов, так и любителей искусства. В связи с этим, мы приглашаем коллекционеров и экспертов искусства подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с произведениями Ричарда Анушкевича.
Триша Бага (англ. Trisha Baga) — американская художница, работающая в различных медиа, включая видео-инсталляции, скульптуру, живопись и аудио-инсталляции. Она известна своими экспериментами с технологиями и часто использует голос и тело в своих работах.
Ее работы часто имеют интерактивный характер и представляют собой комбинацию различных элементов, таких как проекции, звуки, объекты и движения. Она также известна своим использованием частных элементов, таких как мобильные телефоны, чтобы создать уникальные и персональные произведения искусства.
В своей практике Триша Бага опирается на наследие скульптуры, живописи, музыки, фотографии и литературы. Среди предметов и тем, которые она исследует, — современные события, поклонение героям и знаменитостям, а также коллективная история. Инсталляции Баги часто включают фильм, состоящий из монтажных и коллажных найденных кадров и фотографий, сложенных таким образом, что одни изображения заслоняют другие; фильмы проецируются прямо на стену, поверх личных вещей и мусора из ее студии так, что они отбрасывают тени на проекцию.
Ее работы были выставлены в многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Лос-Анджелесе, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Биеннале Венеции.
Мирко Базальделла (итал. Mirko Basaldella) — итальянский и американский скульптор и художник.
Он родился в творческой семье, с юности проявил свой талант и участвовал в биеннале в Италии. В 1957 году Базальделла переехал в Кембридж, штат Массачусетс, и в 1962 году избран членом Американской академии искусств и наук.
Ян Балет (нем. Jan Balet) — немецко-американский художник, рисовальщик и иллюстратор. Находясь под влиянием стиля наивного искусства, он работал в основном как график и иллюстратор детских книг, а также как художник наивно-абсурдных картин с композиционно доминирующими, двухмерными, в основном мужскими фигурами, которые кажутся нереальными, несмотря на точное построение перспективы.
Александр Георг Рудольф Бауэр (нем. Rudolf Bauer) — художник немецкого происхождения, один из основоположников абстрактного искусства, картины которого положили начало коллекции беспредметного искусства Соломона Гуггенхайма. Член группы авангардистов «Der Sturm».
Макс Бекман (нем. Max Carl Friedrich Beckmann) — выдающийся немецкий художник, чьё творчество оставило значительный след в истории искусства XX века. Он не принадлежал к какому-либо одному направлению, хотя его часто ассоциируют с экспрессионизмом и Новой объективностью. Макс Бекман отказался от нереалистичного изображения, предпочитая фигуративное искусство, вдохновляясь такими мастерами, как Поль Сезанн, Винсент ван Гог, Рембрандт и Питер Пауль Рубенс.
Макс Бекман создал множество значимых работ, в том числе серию триптихов, которые стали кульминацией его искусства. Он использовал этот формат для изображения современного человечества, проходящего через тьму и страдания к свету и освобождению. Одним из его наиболее известных триптихов является «Отъезд», завершенный в период нацистского режима, отражающий его растущую тревогу перед лицом жестокости.
Во время Второй мировой войны Макс Бекман переехал в США, где продолжил преподавать и создавать искусство до конца своей жизни. Его работы вошли в коллекции многих американских музеев и оказали влияние на таких художников, как Филип Гастон и Натан Оливейра, расширяя границы американского экспрессионизма и фигуративного экспрессионизма.
Из-за своего уникального творческого пути Макс Бекман оставался вне основных художественных категорий, что, возможно, усложнило оценку его наследия после смерти. Однако его вклад в искусство остается неоспоримым, его работы продолжают вдохновлять новые поколения художников и ценителей искусства по всему миру.
Если вас интересует искусство Макса Бекмана и вы хотели бы получать обновления о выставках его работ, аукционах и других событиях, связанных с его творчеством, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей в мире искусства.
Джордж Уэсли Беллоуз (англ. George Wesley Bellows) был американским художником и литографом, известным своими смелыми изображениями городской жизни Нью-Йорка. Он родился 12 августа 1882 года в Колумбусе, штат Огайо, и ушел из жизни 8 января 1925 года в Нью-Йорке.
Беллоуз начал свою карьеру как студент в Нью-Йоркской школе искусств, где его наставником был Роберт Хенри. С течением времени он стал ключевой фигурой в движении "Ашканская школа", активно участвовал в организации выставки Armory Show 1913 года и внес значительный вклад в возрождение интереса к литографии в США.
Одной из его самых знаменитых работ является картина "Стэг у Шарки", изображающая боксерский поединок. Эта тема стала одной из визитных карточек художника, в которой он передал динамичность и напряженность спортивных состязаний. Кроме того, Беллоуз оставил глубокий след в искусстве, создав серии произведений, изображающих морские пейзажи и портреты его семьи, что свидетельствует о его умении работать в разных жанрах.
Его работы находятся в коллекциях многих крупных американских музеев, включая Музей современного искусства и Музей искусств Метрополитен. Хотите узнать больше о наследии Джорджа Уэсли Беллоуза или приобрести произведения связанные с ним? Подпишитесь на наши обновления, чтобы не пропустить новые продажи и аукционы.
Эллен Беркенблит (англ. Ellen Berkenblit) — американская художница. Она родилась в Патерсоне, штат Нью-Джерси, и окончила Купер Юнион в 1980 году. В 2013 году она получила грант Американской академии искусств и литературы, а в следующем году — стипендию Гуггенхайма. Она выставлялась в галерее Антона Керна. В Бруклинском музее хранятся образцы ее работ.
Беркенблит часто работает в крупном масштабе и масляными красками, повторяющимся мотивом в ее работах является волшебная женщина-протагонист, часто изображаемая как карикатурная женщина в профиль, с длинными ресницами, румяными щеками и дикими волосами.
Арне Бессер (англ. Arne Besser) — современный американский художник.
Получил образование художника в школе Art Center School в Лос-Анджелесе. Там он учился у Джона Одюбона Тайлера и Лорсера Фейдельссона. Подход Бесера к фотореализму заключается в том, чтобы извлечь из городского пейзажа и природы сжатое «декоративное» изображение реальности. Его городские сцены изображают уличную жизнь Нью-Йорка, наполненную торговлей и торговцами, проститутками и наркоманами, ищущими дозу. Эти визуальные образы символизируют изнанку городской жизни таким образом, что возвышают эту точку зрения до почти мифического уровня.
Изабель Бишоп (англ. Isabel Bishop) — американская художница и график. Училась у Кеннета Хейса Миллера в Лиге студентов искусств Нью-Йорка, где позже стала преподавателем. Она была наиболее известна своими сценами повседневной жизни на Манхэттене, как член нечетко определенной «школы художников Четырнадцатой улицы», группировавшихся в этом районе. Юнион-сквер занимает видное место в ее работах, где в основном изображены женские фигуры. Картины Бишоп получили премию Американской академии искусств и литературы, а также другие награды.
Себастьян Блэк (англ. Sebastian Black) — современный американский художник из Нью-Йорка, чьи произведения по стилистике напоминают кубизм. Художник наиболее известен своей серией Puppy Paintings, в которой он изобразил мордочки щенков во фрагментарных абстрактных формах и теплых тонах.
Эрвин Блюменфельд (нем. Erwin Blumenfeld) — американский фотограф и художник немецкого происхождения, наиболее известный своими модными фотографиями и экспериментальными работами середины XX века. Он начал свою карьеру как художник, работая в живописи, рисунке и коллаже.
В 1930-х годах Блюменфельд бежал из Германии и поселился в Париже, где стал успешным модным фотографом. В 1941 году Эрвин Блюменфельд вместе с семьей бежит в США. Он работал для Vogue и других известных журналов, создавая культовые образы моделей и знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор и Грейс Келли.
Блюменфельд был также известен своими экспериментальными и авангардными работами, в которых часто использовал такие техники, как фотомонтаж, соляризация и многократная экспозиция. Он рассматривал фотографию как средство художественного выражения и использовал ее для изучения идей об идентичности, красоте и природе реальности.
Наследие Блюменфельда как художника и фотографа продолжает оказывать влияние на современную моду и искусство. Его инновационные техники и особый стиль продолжают вдохновлять новые поколения художников, а его работы признаны значительным вкладом в историю фотографии.
Дерек Пол Бойл (англ. Derek Paul Boyle) — современный американский визуальный художник, чьи работы часто связаны с антропоморфизмом повседневных предметов и абсурдистскими вмешательствами.
Бойл получил степень бакалавра в колледже Эмерсон в Бостоне и степень магистра в области цифровых технологий и медиа в Школе дизайна Род-Айленд.
Бойл выставлял свои работы на национальном и международном уровне, включая выставки в Музее современного искусства в Кливленде, Музее изящных искусств в Бостоне и галерее Саатчи в Лондоне. Его работы включены в коллекции Музея американского искусства Уитни, Музея изящных искусств Бостона, Музея искусств Кливленда и др.
Помимо студийной практики, Бойл также преподает искусство и работает в качестве приглашенного художника в различных учебных заведениях, включая Школу дизайна Род-Айленда, Школу визуальных искусств и Мичиганский университет.
Луиза Бонне (фр. Louise Bonnet) — швейцарская художница-сюрреалистка, вдохновленная альтернативными комиксами и мрачным юмором. Ее гротескные, телесные фигуры часто доминируют над сновидческой обстановкой, в которой они существуют, привлекая темы пола, сексуальности и стыда.
Алексе́й Вячесла́вович Бродо́вич — американский дизайнер, фотограф, художник, преподаватель русско-белорусского происхождения. Пионер графического дизайна, создатель прообраза современного глянцевого журнала о моде, инициатор некоторых направлений и школ в модной фотографии и рекламной графике. Создатель сети обучающих дизайнерских лабораторий «Design Laboratories».
Луиза Буржуа (фр. Louise Bourgeois) — знаменитая американская художница ХХ столетия, яркая представительница модернизма, сюрреализма и феминистского искусства. Луиза Буржуа наиболее известна созданием крупномасштабных скульптур и инсталляций, хотя в начале своей карьеры она увлекалась графикой и масляной живописью. Оригинальные шедевры творчества этой гениальной женщины в наши дни хранятся во многих музеях мира, а ее биография насыщена интересными событиями.
Дональд Бэхлер (англ. Donald Baechler) — американский художник и скульптор, связанный с неоэкспрессионизмом 1980-х годов.
Работы Бехлера находятся в различных постоянных музейных коллекциях, в том числе в Музее американского искусства Уитни, Музее современного искусства, Музее Соломона Р. Гуггенхайма, Музее изобразительных искусств Бостона, Стеделийке и Центре Помпиду.
Лоуренс Вайнер (англ. Lawrence Weiner), американский художник, известный своим вкладом в области концептуального искусства, оставил неизгладимый след в мире современного искусства. Родившись в 1942 году, Вайнер превратил слова и их визуальное представление в основу своего творчества, предлагая новый взгляд на роль искусства в обществе.
Специализируясь на создании текстовых инсталляций, Вайнер использовал стены галерей, книги и различные публичные пространства в качестве своего холста. Его работы характеризуются лаконичностью и глубоким смыслом, заставляющим зрителя задуматься о вечных вопросах бытия и взаимодействия человека с окружающим миром.
Среди наиболее известных работ Вайнера можно выделить инсталляции, размещенные в таких престижных музеях и галереях, как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне. Его творчество получило признание и высокую оценку критиков, подтверждая значимость Вайнера в развитии современного искусства.
Лоуренс Вайнер оставил после себя наследие, вдохновляющее новые поколения художников исследовать возможности слова как средства выражения. Его уникальный подход и философия продолжают оказывать влияние на развитие искусства по всему миру.
Для получения обновлений о новых продажах продукции и аукционных событиях, связанных с Лоуренсом Вайнером, подпишитесь на наши уведомления. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей и не пропустить важные события в мире современного искусства.
Гораций Клиффорд (Клифф) Вестерман (англ. Horace Clifford (Cliff) Westermann) — американский скульптор и гравер. Его скульптуры часто включали в себя традиционные методы столярного дела и маркетри. С конца 1950-х годов и до своей смерти в 1981 году Вестерманн работал с рядом материалов и формальных приемов, чтобы обратиться к целому ряду личных, литературных, художественных и поп-культурных отсылок. Скульптурное творчество художника отличается сложным мастерством, в котором дерево, металл, стекло и другие материалы тщательно обрабатываются вручную, а также способностью передавать необычную, часто юмористическую, индивидуалистическую чувственность.
Скульптуры Вестермана обнаруживают влияние не только ремесленных традиций, но и разнообразных художественных исторических прецедентов. Способность художника передавать тонкие и сверхъестественные эффекты посредством представления, казалось бы, простых объектов часто заставляла критиков сравнивать его работы с работами художников, вдохновленных сюрреализмом, таких как Джозеф Корнелл. Тем не менее, работа Вестерманна включает в себя элементы из широкого и разнообразного спектра художественных практик, включая ассамбляж, дадаизм и народное искусство. Его скульптуры, кроме того, указывают на минимальное и постминимальное искусство конца 1960-х годов и позже, с точки зрения их строгого мастерства, формальной изысканности, нетрадиционного использования материалов и чувства юмора.
ЗЕФИР (англ. ZEPHYR), урожденный Эндрю Виттен (англ. Andrew Witten) — американский художник, лектор и писатель. Он начал рисовать граффити в 1975 году, используя имя ЗЕФИР с 1977 года. Его считают старейшиной граффити, который вместе с Futura 2000, Blade, PHASE 2, CASH, Lady Pink и TAKI 183 изобрел стили и стандарты, использующиеся до сих пор.
Большая часть оригинальных работ ЗЕФИРа представляла собой граффити, нанесенные на подвижной состав Нью-Йоркского метрополитена. ЗЕФИР также был частью первой волны художников граффити, которые перешли в галереи, к коллекционерам и коммерческой работе.
Кристиан Вульфен (нем. Christian Wulffen) — современный немецкий художник-концептуалист, профессор Кливлендского института искусств. Раньше преподавал в Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart и в Freie Hochschule, Metzingen. В настоящее время его работы представлены во многих известных галереях Европы и США.
Адомас Гальдикас (лит. Adomas Galdikas) — литовский художник живописец, график, театральный художник, сценограф.
Адомас Гальдикас писал пейзажи, натюрморты, портреты, абстрактные композиции. Автор эстампов, иллюстрировал книги. Создал декорации к семнадцати спектаклям Государственного театра в Каунасе, среди наиболее значительных театральных работ, помимо «Шарунаса» Креве — опера «Гражина» Юргиса Карнавичюса (1933).
Фредерик Чайльд Гассам (англ. Frederick Childe Hassam) был американским художником-импрессионистом, известным своими городскими и прибрежными пейзажами. Он родился в 1859 году в Дорчестере, штат Массачусетс, и умер в 1935 году в Ист-Хэмптоне, штат Нью-Йорк. Гассам считается одним из ведущих американских импрессионистов и произвел более 3000 картин, включая масла, акварели, эстампы и литографии.
В начале своей карьеры Гассам работал иллюстратором и изучал рисование в Институте Лоуэлла и Бостонском художественном клубе. Позже он переехал в Нью-Йорк, где его работы, вдохновленные городскими пейзажами, стали особенно популярны. Он также часто путешествовал по Новой Англии и Европе, что нашло отражение в его многочисленных пейзажах.
Одной из самых заметных серий его работ являются картины, изображающие американские и союзные флаги во время Первой мировой войны, которые он создал, чтобы поддержать военные усилия и национальный дух. Гассам также активно участвовал в создании и развитии американского импрессионизма, вдохновляясь не только французскими, но и английскими мастерами пейзажной живописи.
Его работы сегодня можно увидеть в многих ведущих музеях, таких как Метрополитен-музей, Национальная галерея искусств и Музей современного искусства.
Если вы хотите узнать больше о Чайльд Гассаме или получать обновления о продажах произведений и аукционах, связанных с его творчеством, подпишитесь на наши новостные рассылки.
Роберт Львович Генин — художник первой половины ХХ века еврейского происхождения, работавший в нескольких странах, включая Российскую империю, Германию, Францию, Швейцарию и СССР. Он известен как живописец и график.
Роберт Генин работал в различных жанрах, включая пейзажи, портреты, жанровые композиции и обнажённую натуру. Он также занимался литографией, ксилографией и офортом. Его стиль развивался от югендстиля и символизма в начале 1900-х годов к экспрессионизму после Первой мировой войны. Позднее он пришёл к своеобразному лирическому примитивизму. Художник работал как в станковой, так и в монументальной живописи и испытал влияние разных художников.
Фернандо Герасси (англ. Fernando Gerassi) — американский художник турецкого происхождения, который выставлялся вместе с Пабло Пикассо до того, как вызвался участвовать в Гражданской войне в Испании.
Фернандо Герасси переехал в Соединенные Штаты в начале Второй мировой войны. С 1944 по 1964 год художник подвергался преследованиям со стороны ЦРУ. Ранние работы Герасси находились под влиянием Станисласа Штюкгольда и Поля Сезанна.
Чарльз Дана Гибсон (англ. Charles Dana Gibson) — американский иллюстратор, чьи работы оказали значительное влияние на американскую культуру конца XIX - начала XX веков. Его наиболее известное творение — «Девушка Гибсона» — стало символом американской женственности и независимости, изображая образ идеальной женщины того времени. Работы Гибсона публиковались в таких изданиях, как Life и Harper's, и были чрезвычайно популярны среди американской публики.
Чарльз Дана Гибсон начал свою карьеру в молодом возрасте, пробуя себя в различных видах искусства, в том числе в резьбе по дереву и рисовании. Его талант был быстро замечен, и его работы стали приносить ему признание и финансовый успех. Он также известен тем, что занимался иллюстрированием социальной жизни, юмористически изображая образы высшего общества и их привычки.
Помимо своего вклада в иллюстрацию, Гибсон также занимался живописью и преподавал искусство. Его влияние на американскую культуру и искусство остается значительным, а его работы продолжают вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, творчество Чарльза Дана Гибсона представляет собой важную часть американского культурного наследия. Если вы хотите получать обновления о новых открытиях и аукционных событиях, связанных с произведениями Гибсона, подпишитесь на наши обновления.
Милтон Глейзер (англ. Milton Glaser) — американский графический дизайнер, создатель журнала «New York Magazine», автор постера с изображением Боба Дилана и символа Нью-Йорка — логотипа «I Love New York».
В 2004 году Глейзер получил награду от Национального музея дизайна за значительный вклад в развитие современного дизайна. В 2009 году Барак Обама вручил ему во время церемонии в Белом доме Национальную медаль искусств за выдающиеся достижения и поддержку искусства.
Григорий Ефимович Глюкман (Гликман) (англ. Grigory Efimovich Glukman (Glikman)) — российско-американский художник-график.
В 1930-х гг. Григорий Глюкман занимался преимущественно станковой живописью. В то время его основными темами стали сцены из парижской уличной жизни, пейзажи, портреты, «ню». В 1941 г. эмигрировал в США.
Феликс Гонзалес-Торрес (англ. Félix González-Torres) — американский художник кубинского происхождения.
Гонзалес-Торрес — один из основателей «искусства 1990-х» — искусства прямого действия и открытой коммуникации со зрителем, в противоположность респектабельному, стабильному, закрытому художественному объекту. Известен своими минималистскими инсталляциями и скульптурами, в которых он использовал такие материалы, как струны, лампочки, часы, кипы бумаг, конфеты (леденцы). Ранние работы художника представляли собой пазлы, сделанные промышленным способом на основе фотографий, взятых из прессы — «Без названия» (Клаус Барби как семьянин). 1988. Первые скульптуры — в виде стопок почти пустых белых листов бумаги (на них только надпись). Стопки своей формой указывали на погребальные стелы на кладбищах ветеранов — «Без названия» (Мемориал). 1989.
Работы Гонзалеса-Торреса представляют собой минималистские скульптуры — абстрактные, геометричные, холодные.
Эйприл Горник (англ. April Gornik) — американская художница, которая пишет американские пейзажи. Ее реалистичные, но мечтательные картины и рисунки воплощают противоположности и говорят об исторически конфликтных отношениях Америки с природой. Хотя она не относит себя к категории художников-экологов, она является страстным сторонником экологических идей.
Виталий Николаевич Горяев был выдающимся советским художником-карикатуристом и живописцем, чья работа оставила значительный след в искусстве 20-го века. Родившийся в 1910 году в Кургане, Горяев вырос в атмосфере творчества и с юности проявил себя как талантливый артист. Его учеба в ВХУТЕИНе и под руководством известных мастеров таких, как Александр Дейнека, Дмитрий Моор, и Сергей Герасимов, заложила фундамент для его будущих достижений в искусстве.
Горяев прославился своими сатирическими работами, в особенности карикатурами, которые не только развлекали, но и заставляли задуматься. Его творчество было тесно связано с социально-политической жизнью СССР, что отражалось в его работах для таких изданий, как журнал "Крокодил". Горяев также был известен благодаря своему сотрудничеству с Владимиром Маяковским, оформляя выставки поэта и даже выступая в балете «Футболист» благодаря своей хорошей физической форме.
Его работы, полные юмора, критики и иронии, сегодня можно найти в музеях и частных коллекциях. Они продолжают вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства. К примеру, работы Горяева такие, как «Черный ребенок и темные личности» и «Добрая мисс Америка», демонстрируют его уникальный стиль и глубокое понимание социальных процессов.
Если вас интересуют работы Виталия Николаевича Горяева и вы хотите узнать о новых выставках, продажах его работ или аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Мы обещаем держать вас в курсе всех событий, связанных с этим выдающимся художником.
Вернер Графф (нем. Werner Graeff) — немецкий скульптор, живописец, график, фотограф и изобретатель.
Его первые картины были написаны в стиле импрессионизма. Примерно в 1919 году он обратился к кубистическим формам. Этот стиль также повлиял на его ранние скульптуры.
Уильям Гроппер (англ. William Gropper) — американский художник-карикатурист, литограф и график, учился у Роберта Генри и Джорджа Беллоуза. Будучи социалистом, он всю жизнь создавал сатирические образы о жадности и эксплуатации, о войне, предрассудках. В 1920-е годы художник посетил СССР, и основной тематикой его работ в 1930-е годы стали международное рабочее движение и антифашистские карикатуры. Он сотрудничал со многими американскими печатными изданиями коммунистической ориентации. Глоппер известен не только карикатурами, но и книжными иллюстрациями, плакатами, монументальной и станковой живописью.
Тодд Грей (англ. Todd Gray) — современный американский художник, скульптор, фотограф и перформансист, который живет и работает в Лос-Анджелесе, Калифорния, и Аквидаа, Гана.
В каталоге к выставке Black is, Black Ain't в Renaissance Society, Чикаго, Эми М. Муни пишет: «Критики отмечают, что работы Грея "свободно владеют культурной иконографией, движимы самоанализом и погружены в вопросы корпоративной политики и расовой идентичности" и что его автопортреты нарушают традиционное прочтение внешнего сходства». Грей описывает себя как художника и активиста, который в основном фокусируется на вопросах расы, класса, пола и колониализма, и использует эти линзы, чтобы бросить вызов бинерам в прошлом и настоящем. В целом, его работы направлены на то, чтобы бросить вызов зрителю как тем, что он включает, так и тем, что он оставляет без внимания.
Джо Гуд (англ. Joe Goode) — американский художник, связанный с поп-артом и движениями Light and Space. В своих работах Гуд часто использует образы американского Запада, такие как облака, горы и закаты, а также повседневные предметы, такие как бутылки из-под молока и газеты.
Гуд учился в Художественном институте Чуинарда в Лос-Анджелесе. Он начал свою карьеру как художник в 1950-х и 1960-х годах, создавая работы, в которых сочетались абстракция и фигуративность. В 1960-х годах он стал ассоциироваться с движением поп-арт и начал включать в свои работы изображения повседневных предметов и популярной культуры.
В 1970-х годах Гуд начал исследовать потенциал света и цвета, создавая инсталляции и скульптуры, которые играли с тем, как свет взаимодействует с различными материалами и поверхностями. Он также был связан с движением Light and Space, которое стремилось создать иммерсивный, сенсорный опыт с помощью света и пространства.
Гуд широко выставлял свои работы в США и Европе, его работы представлены в многочисленных государственных и частных коллекциях. Он также преподавал в нескольких художественных школах, включая Калифорнийский университет в Лос-Анджелесе.
Гуд продолжает работать и выставлять свои работы и сегодня, а его новаторский подход к живописи, скульптуре и инсталляции сделал его одним из самых значительных художников.
Сальвадор Дали (исп. Salvador Dalí), знаменитый испанский сюрреалист, прославился своими картинами, в которых смешивался реализм с фантазией, создавая уникальные изображения сновидений, оптических иллюзий и альтернативных реальностей. Его работы отличались тщательной детализацией, символизмом и влиянием науки, психологии, религии, а также темами смерти и распада. Среди наиболее известных работ Дали - «Постоянство памяти» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк), в которой изображены тающие часы, ставшие его визитной карточкой.
Его талант проявился с ранних лет, начав обучаться изобразительному искусству в муниципальной художественной школе. Позже Дали изучал искусство в Академии братьев ордена маристов и в Академии Сан-Фернандо. Он был известен своим эксцентричным поведением и нестандартным подходом к творчеству, что проявилось еще в студенческие годы.
Дали также оставил след в истории кинематографа, сотрудничая с Альфредом Хичкоком над созданием сюрреалистических сцен в фильме "Заколдованные", а также работая с Уолтом Диснеем над арт-проектом и сценарием для фильма "Destino".
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, интересующихся творчеством Сальвадора Дали, мы предлагаем подписаться на обновления, связанные с его работами. Это позволит вам узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником. Подписка даст вам доступ к эксклюзивной информации и возможности первыми узнать о редких и ценных произведениях искусства.
Уильям Герберт / Бак Дантон (англ. William Herbert / Buck Dunton) — американский художник-иллюстратор, один из основателей Общества художников Таоса в Нью-Мексико, которое считалось одним из наиболее влиятельных арт-коллективов в Соединенных Штатах в начале XX века.
Бак Дантон известен работами, посвященными жизни и культуре индейцев Америки, а также пейзажами Запада. Дантон был признанным мастером своего дела и его работы до сих пор остаются популярными и востребованными в мире искусства.
Генри Дарджер (англ. Henry Darger) — американский андерграундный художник-иллюстратор и писатель, автор тысячестраничных фэнтезийных романов, остающихся неопубликованными. Его иллюстрации к собственным книгам являются одними из наиболее известных образцов ар-брют.
Элен Мария де Кунинг (англ. Elaine Marie de Kooning) — американская художница, график и художественный критик. Представитель художественного течения абстрактный экспрессионизм, профессор искусств. Сыграла большую роль в развитии американской живописи в послевоенный период.
Питер Корнелис де Мур (нидерл. Pieter Cornelis de Moor) — многосторонний нидерландский художник. Он проявил себя в различных видах искусства: рисовании, гравюре, живописи, акварели, литографии и иллюстрации. Питер Корнелис де Мур активно участвовал в культурной жизни, будучи основателем и председателем Роттердамского Кунсткринга и членом Гаагского Кунсткринга. Он работал во многих странах, включая Францию, Италию, Швецию и Швейцарию, а последние годы своей жизни провел в США.
Творчество Питера Корнелиса де Мура отличалось разнообразием тем и стилей, от библейских сцен до аллегорических и символистских изображений. Его произведения можно найти в многочисленных музеях, включая Рейксмузеум в Амстердаме и Музей Бойманс ван Бёнинген в Роттердаме. Известен он также своими многочисленными экспозициями, включая посмертную выставку в Музее Бойманс Ван Бёнинген и обзорную выставку в Дрентсом музее.
Его вклад в искусство и уникальный подход делают творчество де Мура значимым для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата. Его работы не только украшают коллекции, но и служат источником вдохновения для современных художников.
Если вы интересуетесь искусством и хотели бы узнавать о новых продажах произведений Питера Корнелиса де Мура или аукционных событиях, подписывайтесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять вам только актуальную информацию, связанную с творчеством этого выдающегося художника.
Этторе (Тед) ДеГрасиа (англ. Ettore (Ted) DeGrazia) — американский импрессионист, живописец, скульптор, композитор, актер, режиссер, дизайнер, архитектор, ювелир и литограф.
ДеГрасиа известен своими красочными изображениями детей коренных американцев на американском Юго-Западе и другими западными сценами. Он был назван «самым тиражируемым художником в мире».
Анхель Дельгадо Фуэнтес (исп.Angel Delgado Fuentes) — кубинский визуальный художник, живущий в Лонг-Бич, Калифорния.
Работы Анхеля Дельгадо крутятся вокруг одной темы: свобода личности или ее отсутствие, его творчество основано на ограничениях, запретах, контроле и отсутствии свобод, которые накладываются на человека в обществе.
Адольф Артур Ден (англ. Adolf Arthur Dehn) — американский художник и литограф.
В 1961 году был принят в Национальную академию дизайна. В 1930-х годах его работы появлялись в таких журналах, как New Yorker и Vogue. В 1939 году получил стипендию имени Гуггенхайма. После Второй мировой войны обратился к акварели. Его сцены ферм и сельхозугодий, а также пейзажи были хорошо приняты публикой и критиками.
Адольф Ден участвовал и помогал в развитии Американской группы художников (American Artists Group). В 1940-х годах хорошо продавались его литографии, он начал обучать других американских художников этой технике. В Миннесотском историческом обществе (Minnesota Historical Society) хранится большая коллекция работ Адольфа Дена, включая 665 литографий. Его произведения представлены в коллекциях более пятидесяти крупнейших художественных музеев США и Европы.
Джаспер Джонс (англ. Jasper Johns) является выдающимся американским художником, чьи работы оказали значительное влияние на современное искусство. Его творчество охватывает живопись, скульптуру и графику, делая его одним из самых узнаваемых и уважаемых художников XX века. Джонс известен своим уникальным подходом к изображению повседневных объектов, таких как флаги, цифры, карты и буквы, которые он превращает в сложные метафоры и символы.
Среди наиболее известных работ Джонса - его серии картин с американским флагом, начатые в 1950-е годы. Эти произведения стали иконами американской культуры и искусства, поднимая вопросы идентичности, восприятия и значение символов в обществе. Его работы находятся в крупнейших музеях и галереях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Национальную галерею искусств в Вашингтоне.
Джаспер Джонс также известен своим вкладом в развитие поп-арта и минимализма, хотя его творчество нельзя отнести к какому-либо одному направлению. Он экспериментировал с различными материалами и техниками, что позволило ему создать многослойные и глубокие произведения, заставляющие зрителя задуматься.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, произведения Джаспера Джонса представляют собой не только значительное культурное наследие, но и выдающийся пример мастерства и инноваций в современном искусстве. Подписывайтесь на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с Джаспером Джонсом. Это ваш шанс погрузиться в мир искусства и приобрести часть культурного наследия.
Мервин Джулс был американским художником, известным своими трафаретными принтами. Он учился в Городском колледже Балтимора и Колледже искусств Мэрилендского института (MICA). Затем переехал в Нью-Йорк, где учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. В течение 1930-х годов был членом отдела шелкографии в рамках проекта изящных искусств Управления прогресса работ (WPA). В 1945 году работал художником-резидентом в Смит-колледже. Затем преподавал в Смите до 1970 года. С 1970 по 1980 год занимал должность председателя художественного отдела Городского колледжа Нью-Йорка. Работа Жюля была включена в выставку Далласского художественного музея 1944 года Национального общества сериграфии.
Марсель Дзама (англ. Marcel Dzama) — современный художник из Виннипега, Манитоба, Канада, который в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке. Его работы выставлялись на международных выставках, в частности его рисунки тушью и акварелью. Дзама много работает в области скульптуры, живописи, коллажа и кино. Художник также известен своими замысловатыми диорамами и масштабными полиптихами, основанными на его талантах в различных средствах массовой информации. Дзама работает в нескольких дисциплинах, чтобы воплотить в жизнь свои человеческие фигуры, животных и воображаемых гибридов, и заработал международную репутацию и последователей за своим искусством, изображающим причудливые, анахроничные миры.
Мстислав Валерианович Добужинский был выдающимся русским и литовским художником, известным своим вкладом в культуру и искусство начала XX века. Он принадлежал к движению "Мир искусства", которое стремилось объединить живопись, графику и сценографию в едином культурном потоке, отражая эстетические искания того времени.
Добужинский оставил заметный след в искусстве благодаря своему уникальному стилю, который сочетал элементы модернизма и реализма. Он уделял большое внимание деталям городских пейзажей, что делало его работы не только красивыми, но и ценными документами эпохи. Художник также известен своими театральными работами, включая сценографию и костюмы для различных спектаклей.
Среди наиболее известных работ Добужинского - серия литографий, посвященных Петербургу, которая считается одним из вершин его творчества. Эти произведения находятся в музейных коллекциях по всему миру, включая Российский музей и Третьяковскую галерею, и продолжают привлекать внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Мы приглашаем всех, кто интересуется творчеством Мстислава Валериановича Добужинского и историей русской культуры и искусства, подписаться на наши обновления. Подписка позволит вам получать уведомления о новых продажах произведений художника и аукционных событиях, связанных с его творчеством. Не упустите возможность узнать больше о живописи и художниках, которые оставили неизгладимый след в истории искусства.
Томас (Сэм) Дойл (англ. Thomas "Sam" Doyle) — афроамериканский художник с острова Святой Елены, штат Южная Каролина. Его красочные картины на листовом металле и дереве запечатлели историю и людей общины гулла на острове Св. Елены.
Картины и скульптуры Дойла находятся в постоянных коллекциях Американского музея народного искусства, Музея искусств Хай, Смитсоновского музея американского искусства, Музея искусств Гиббса, Музея искусств округа Лос-Анджелес и Пенн-центра (школа Пенн на острове Св. Елены).
Бенедикт Фред Долбин / Поллак (нем. Benedikt Fred Dolbin / Pollak) — австрийский художник и иллюстратор, учился в Венском технологическом университете, во время Первой мировой войны работал в строительной компании Waagner, Biro & Kurz. Позже переехал в Берлин, где создавал иллюстрации для газет и книг. Из-за еврейского происхождения в 1933 году его исключили из Палаты печати, а в 1935 году ему запретили работать. Долбин эмигрировал в США и продолжил карьеру, хотя повторить прежние успехи не смог.
Ашер Браун Дюран (англ. Asher Brown Durand) — выдающийся американский художник, один из основоположников школы Гудзон-Ривер, специализировавшийся на пейзажной живописи. Родившись в 1796 году в Джефферсон-Виллидж, Нью-Джерси, Дюран начал свою карьеру как гравёр, но позже, под влиянием Томаса Коула, переключился на живопись, став ведущим пейзажистом своего времени.
Ашер Браун Дюран известен своими работами, в которых он стремился передать величие и красоту американской природы, подчеркивая, что истинная цель пейзажного искусства — отображение творений Бога в видимом мире. Его картина «Родственные души» (1849 год), изображающая Томаса Коула и поэта Уильяма Куллена Брайанта в пейзаже Катскилл, стала символом школы Гудзон-Ривер и одним из самых известных произведений американской живописи того времени.
В своей карьере Ашер Браун Дюран также занимал должность президента Национальной академии дизайна с 1845 по 1861 год, оказывая значительное влияние на развитие искусства в Америке. Он продолжал работать до 1879 года, когда написал свою последнюю картину.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и хотите быть в курсе последних новостей, связанных с Ашером Брауном Дюраном, подписывайтесь на наши обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим художником.
Дэвид Дяо (англ. David Diao) — американский художник китайского происхождения и преподаватель из Нью-Йорка. Впервые получил признание и внимание общественности благодаря выставке в галерее Паулы Купер в 1969 году. Он известен своим упрощением формы, минимальными композициями и использованием стилизованного текста и типографики. Работы Диао были включены в DOCUMENTA 13. Его работы представлены в коллекции Музея Хиршхорна и Сада скульптур, MoMA, Музея американского искусства Уитни, SFMOMA, коллекции общественного совета Ренна и др. Дяо преподавал в Cooper Union в начале 1970-х и тогда в основном занимался живописью цветового поля, намазывая краску на большой холст. В 2008 году состоялась его первая выставка в Китае. В 2012 году он был избран в Национальную академию дизайна. Он получил премию Фонда современного искусства «Гранты художникам» (2015).
Ален Жаке (фр. Alain Jacquet) — французский художник-самоучка, представитель американского движения поп-арт. В своей серии работ «Камуфляжи» художник часто противопоставляет шедевры истории искусства, известные картины прошлого рекламным идолам своего времени. «Камуфляж Боттичелли» (Рождение Венеры) — одна из известных его работ.
Среди прочего Жаке использовал техники шелкографии, фотомеханического переноса и трафаретной печати.
Антанас Жмуйдзинавичюс (лит. Antanas Žmuidzinavičius) был выдающимся литовским художником и коллекционером, оставившим значительный след в искусстве и культуре Литвы. Он проявил себя не только как талантливый живописец, но и как активный участник культурной жизни своей страны. Он был одним из организаторов Литовского художественного общества и активно участвовал в преподавательской деятельности, способствуя развитию искусства в Литве.
Его творческое наследие включает в себя около 2000 работ, среди которых преобладают пейзажи, отличающиеся лиризмом и идеализацией природы. Жмуйдзинавичюс также был активным участником в создании проекта литовского флага, что подчеркивает его вклад не только в искусство, но и в национальное движение Литвы.
Особенно заметный след в истории оставил Жмуйдзинавичюс своей коллекцией масок и малой пластики, изображающих чертей, на основе которой был создан уникальный Музей чертей в Каунасе. Этот музей является единственным в своем роде и привлекает внимание не только исследователей искусства, но и широкой публики.
Жмуйдзинавичюс также оставил после себя автобиографическую книгу "Палитра и жизнь", которая дает уникальное представление о его жизни и творчестве, а также о культурной жизни Литвы того времени.
Его наследие продолжает жить не только через его произведения искусства и музей, но и через работу его правнука, Ромаса Жмуйдзинавичюса, который также является признанным художником.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Литвы, а также для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, изучение жизни и творчества Антанаса Жмуйдзинавичюса открывает новые горизонты понимания культурного наследия региона. Подписывайтесь на обновления и не пропустите возможность узнать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Антанасом Жмуйдзинавичюсом.
Уильям Зорах (англ. William Zorach), урожденный Зорах Горфинкель (Zorach Gorfinkel) — американский скульптор еврейского происхождения, живописец, гравер и педагог.
Семья Зораха эмигрировала из Литвы в США, когда ему было четыре года. Он выучился на литографа, живопись изучал в Кливлендском художественном институте и в Париже, где писал яркими цветами в манере Анри Матисса и других художников движения фовизм. Вернувшись в 1912 году в США, Зорах стал одним из первых, кто представил европейские течения модернизма в стране. А позже стал много работать со скульптурой.
Уильям Зорах был пионером в искусстве прямой резьбы и уникален тем, что часто использовал очень твердые, цветные и узорчатые камни вроде гранитных валунов, которые находил во время прогулок. Зрелые работы Зораха отличаются монументальностью форм и умелым использованием естественного цвета, прожилок и фактуры камня и дерева. Часто для обогащения поверхности он оставлял следы инструментов скульптора.
Зорах был одним из самых известных и уважаемых скульпторов своего поколения. Он был избран членом Американской академии искусств и литературы, преподавал в Лиге студентов-художников Нью-Йорка.
Эрих Изенбургер (нем. Erich Isenburger) — американский художник немецкого происхождения, который считал себя неоэкспрессионистом. В творчестве живописца есть пейзажи, натюрморты, интерьеры и портреты.
Эрих Изенбургер долгое время занимал должность преподавателя в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке.
Жан Иксерон (англ. Jean Xceron) — американский художник-абстракционист греческого происхождения. Он иммигрировал в Соединённые Штаты в 1904 году и учился в Школе искусств Коркоран. В мире искусства он известен как «пионер беспредметной живописи». Иксерон писал фигурные мотивы, натюрморты и портреты. Его работы находятся в коллекциях Смитсоновского музея американского искусства, Музея Хиршхорна и Сада скульптур.
