Портрет Сюрреализм
Анджело Аккарди (итал. Angelo Accardi) — современный итальянский художник. Рисует сюрреалистические сцены повседневной жизни на фоне реалистичных городских и природных ландшафтов. За каждой картиной стоит целая история. Отличительные особенности творчества Аккарди – ироничная и игривая точка зрения и авангардный стиль.
Джон Алтун (англ. John Altoon) — американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма. Важная фигура искусства Лос-Анджелеса в 1950-1960-х годах.
Учился в Институте искусств Отиса, одновременно посещал Колледж дизайна Центра Искусств Лос-Анджелеса. Известен фигуративными работами, вместе с Эдвардом Кинхольцем и Робертом Ирвином состоял в Ferus group. С ранних лет страдал шизофренией, в порывах депрессии и паранойи уничтожил часть своих работ.
Мануэ́ль А́льварес Браво (исп. Manuel Álvarez Bravo) — мексиканский фотограф-визионер, чьи работы ярко иллюстрируют культурное наследие Латинской Америки. Его уникальный взгляд на жизнь и превосходное мастерство в области фотографии вдохновили многих поколений фотографов по всему миру.
Альварес Браво был известен своими экспериментами со светом и тенями, композицией и формой. Его сюрреалистические фотографии были часто полны тайны и загадочности, и одновременно отражали трудности и противоречия мексиканского общества в первой половине 20 века. В творчестве Альварес Браво удивительным образом сочетались эстетическая красота и глубокий социальный контекст.
Его работы не только вдохновляют своей красотой, но и напоминают о важности сохранения культурного наследия и истории народов.
Владимир Давидович Баранов-Россине (урожд. Шулим-Вольф Лейб Баранов) — яркая фигура русского и французского авангарда, чьё творчество охватывает широкий спектр направлений от кубизма до абстракции. Родившись в 1888 году, он стал активным участником авангардных течений, внося значительный вклад в развитие искусства своего времени. Баранов-Россине известен не только как художник, но и как инноватор в области светомузыки, создав оптофон - уникальный инструмент, совмещающий звук и цвет в единое целое, что получило широкое признание и было представлено в театре В. Э. Мейерхольда и Большом театре в Москве.
Его первый парижский период отмечен работами, вдохновлёнными сезаннизмом и кубизмом, а также созданием полихромной кубистической скульптуры. Баранов-Россине активно участвовал в мировом художественном движении, дружил с известными деятелями искусства, такими как супруги Делоне, и увлекался орфизмом, что нашло отражение в его творчестве.
После переезда в Париж в 1925 году он продолжил свои исследования в области аудиовизуального искусства и оптофоники, организовал Оптофоническую академию и даже запатентовал «хамелеон-метод» для маскировки войск, что легло в основу разработки пятнистого камуфляжа.
К сожалению, жизнь Баранова-Россине трагически оборвалась в январе 1944 года в концлагере Аушвиц. Несмотря на столь трагический исход, наследие Владимира Давидовича Баранова-Россине продолжает жить в его произведениях, которые выставляются в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Если вы интересуетесь искусством и хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Владимиром Давидовичем Барановым-Россине, подписывайтесь на обновления.
Тило Баумгертель (нем. Tilo Baumgärtel) — немецкий художник, живет и работает в Лейпциге.
Картины его восходят к произведениям соцреализма и пропагандистским плакатам большого формата. Художник работает с различными средствами и техниками. Помимо живописи, он также использует литографию, рисунки на бумаге, а также видео. Живописное пространство и создание иногда сюрреалистических пейзажей - одна из его центральных тем.
Тило Баумгартель сотрудничает также с театрами, разрабатывая декорации и видеоролики по сценографии.
Дороте Бахем (нем. Dorothee Bachem) — немецкая самобытная художница и писатель, руководит студией во Фленсбурге.
Бахем изучала искусство в Берлинском университете искусств, работает в различных техниках — многослойная живопись, коллаж, гравюра.
Благодаря своей уникальной поэтике Бахем создает сюрреалистичные, сказочные картинные истории вне времени, в которых читается влияние Пикассо и кубизма.
Беле Бахем (на самом деле Ренате Габриэле Бахем) — немецкий художник-график, книжный иллюстратор, сценограф и писатель. В 1997 году Бахем была награждена орденом «За заслуги перед Федеративной Республикой Германия».
Бахем считается одним из самых важных немецких послевоенных художников и одним из немногих сюрреалистов немецкой литературной иллюстрации.
Эрнст Рудольф Бэрвинд — немецкий художник. Учился в художественных академиях Мюнхена, Берлина и Парижа. Работа Бэрвинда изначально была основана на раннем немецком экспрессионизме. После фазы сюрреализма на него в Париже повлияла живопись Парижской школы и стиля информель, а затем он нашел свой путь к интернациональному стилю.
Фолькер Бёрингер (нем. Volker Böhringer) — немецкий художник и график.
Он был значительным представителем «Новой объективности». В своих картинах и графике Бёрингер обращался к общественно-критическим изобразительным темам, тема ранних работ — промышленные ландшафты. Бёрингер отказался вступить в Лигу немецких художников (VBKD), и поэтому ему запретили выставлять свои работы. Несмотря на свою уединенную жизнь, он получил признание критиков, и его работы были показаны на крупных публичных выставках немецкого современного искусства в Художественном музее Базеля в 1937 году и в Цюрихе в 1949 году. В 1950-е годы он все чаще обращался в своих картинах к религиозной тематике.
Йонас Бургерт (нем. Jonas Burgert) — немецкий художник-фигуративист, живет и работает в Берлине.
Йонас Бургерт окончил Академию изящных искусств в Берлине и учился в аспирантуре (Meisterschueler) у профессора Дитера Хакера в Берлине, и его творчество с самого начала отличалось своей яркой самобытностью.
Живописные полотна Бургерта заполнены фантастическими фигурами самых невообразимых пропорций. В пространствах его панорамных картин человек погружается в визуальный хаос повествовательных слоев, среди загадочных событий, странных фигур и существ. В широкоформатных картинах Йонаса Бургерта преобладают гротеск, причудливость и сюрреалистичность. Кошмарные фигуры, похожие на зомби, вторгаются в его живописные миры, пугающие и притягательные одновременно.
С 1998 г. его работы участвовали в многочисленных групповых выставках по всему миру, Йонас Бургерт в настоящее время очень успешен и его произведения очень охотно приобретают многие галереи.
Луиза Буржуа (фр. Louise Bourgeois) — знаменитая американская художница ХХ столетия, яркая представительница модернизма, сюрреализма и феминистского искусства. Луиза Буржуа наиболее известна созданием крупномасштабных скульптур и инсталляций, хотя в начале своей карьеры она увлекалась графикой и масляной живописью. Оригинальные шедевры творчества этой гениальной женщины в наши дни хранятся во многих музеях мира, а ее биография насыщена интересными событиями.
Ганс-Ульрих Бухвальд был немецким живописцем, графиком, керамистом, сценографом и мастером масок. Его творчество насчитывает около 10 000 рисунков, ксилографий и линогравюр, картин, керамики, деревянных скульптур и масок. Для него характерно разнообразие художественных форм выражения. Бухвальд чувствовал себя приверженцем классического модернизма, с которым он познакомился только после войны. Его вдохновляли Георг Грош, Пабло Пикассо, Эдвард Мунк, Август Макке, Франц Марк, Оскар Шлеммер, Фернан Леже, но он искал свой собственный стиль в различных областях.
Петрус Вандрей (нем. Petrus Wandrey), полное имя Ульрих Карл Петер Вандрей (Ulrich Carl Peter Wandrey) — немецкий художник-цифровизатор.
В молодости он оказался под влиянием сюрреализма, движения поп-арт и дадаизма. Но позже Вандрей настолько впечатлился культурой науки, техники и цифровых изображений, что стал одним из пионеров движения диджитализма.
В своих работах Вандрей часто использует цифровые комбинации, последовательности пикселей и даже компьютерный мусор.
Константин Алексеевич Васильев — советский художник середины ХХ века. Он известен как живописец, график и иллюстратор, прославившийся своими произведениями на былинно-мифологические темы.
Константин Васильев в начале 1960-х годов находился под влиянием сюрреализма и абстрактного экспрессионизма, но позже перешёл к реалистическому стилю. Он находил вдохновение в народном искусстве, мифах, былинах, сказках, славянском, скандинавском и древнегерманском эпосах. Он также создал произведения, посвящённые Великой Отечественной войне, пейзажи и серию графических портретов композиторов и музыкантов.
Себастьян Гёгель (нем. Sebastian Gögel) — немецкий художник и скульптор, живет и работает в Лейпциге.
Гёгель окончил Университет графики и книжного искусства в Лейпциге, с 2005 года сотрудничает с Паулем Хаммером (1975) в проекте HAGEL. Чрезвычайно разнообразный в своих работах, методах работы, тематике и проблемах, Гёгель вписывается в уникальную традицию немецких художников-эрудитов-концептуалистов. С помощью преувеличений, карикатур и гротесков Гёгель одновременно использует и опровергает мораль и репрезентативизм. Сюрреалистичные картины художника и очень разнообразные стили привлекают и одновременно ужасают.
Томоо Гокита (англ. Tomoo Gokita) — ведущий современный японский художник на международной арт-сцене. Его глубоко психологические монохромные абстрактные и фигуративные картины и рисунки в оттенках серого представляют собой культурные архетипы с искаженными и скрытыми чертами на неоднозначном фоне.
Аршил Горки (англ. Arshile Gorky) — знаменитый американский художник армянского происхождения, один из величайших мастеров абстрактного экспрессионизма в истории мирового искусства. Аршил Горки также создал множество ярких картин в стиле сюрреализма, лучшие шедевры творчества живописца в наши дни находятся в крупнейших музеях США. Биография этого незаурядного человека насыщена трагическими событиями, а его жизнь представляет собой образец сложной судьбы гения от искусства.
Гюнтер Вильгельм Грасс (нем. Günter Wilhelm Grass) — немецкий писатель, скульптор, художник и график. Лауреат Нобелевской премии по литературе 1999 года.
Грасс был членом объединения немецкоязычных авторов «Группа 47» (нем. Gruppe 47). Благодаря дебютному роману «Жестяной барабан» (нем. Die Blechtrommel) (1959 год) получил международное признание как выдающийся немецкий писатель послевоенного периода.
Творчество Грасса и его роль как писателя и представителя интеллигенции, активно участвующего в политической жизни, были и остаются предметом глубоких исследований и продолжают вызывать неослабевающий интерес читателей и СМИ как в Германии, так и во всём мире. Главной мотивацией для Грасса была утрата его родного города Данцига и осмысление опыта нацизма, что нашло отражение практически во всех его произведениях. Благодаря своей известности и популярности, он публично комментировал политические и общественные события. Его книги переведены на целый ряд языков, некоторые из произведений экранизированы.
Франк-Арно Грюттнер (нем. Frank-Arno Grüttner) — немецкий художник-фрилансер. Сначала он занимался сюрреалистической живописью в Берлине, но в начале 1980-х гг. сменил свой стиль на картины маслом «городских жителей», а также работал над религиозными мотивами. Когда в конце 1970-х годов сюрреализм надоел ему, он обратился к новым направлениям. Сначала он ориентировался на впечатления, которые давал ему его район во Франкфурте, и рисовал все, что попадалось ему на глаза в плане экстремальности — декадентствующих горожан, наркоманов, мотоциклистов до и после аварии, полностью изменив свой живописный стиль. В результате получились картины, которые не идеализировали людей, а скорее обнажали их внутреннее «я». Для своих франкфуртских картин он использовал аляповатые цвета, но в последние 15 лет красный цвет все больше и больше входит в моду, играя чрезвычайно важную роль в живописи Грюттнера.
Сальвадор Дали (исп. Salvador Dalí), знаменитый испанский сюрреалист, прославился своими картинами, в которых смешивался реализм с фантазией, создавая уникальные изображения сновидений, оптических иллюзий и альтернативных реальностей. Его работы отличались тщательной детализацией, символизмом и влиянием науки, психологии, религии, а также темами смерти и распада. Среди наиболее известных работ Дали - «Постоянство памяти» (1931, Музей современного искусства, Нью-Йорк), в которой изображены тающие часы, ставшие его визитной карточкой.
Его талант проявился с ранних лет, начав обучаться изобразительному искусству в муниципальной художественной школе. Позже Дали изучал искусство в Академии братьев ордена маристов и в Академии Сан-Фернандо. Он был известен своим эксцентричным поведением и нестандартным подходом к творчеству, что проявилось еще в студенческие годы.
Дали также оставил след в истории кинематографа, сотрудничая с Альфредом Хичкоком над созданием сюрреалистических сцен в фильме "Заколдованные", а также работая с Уолтом Диснеем над арт-проектом и сценарием для фильма "Destino".
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, интересующихся творчеством Сальвадора Дали, мы предлагаем подписаться на обновления, связанные с его работами. Это позволит вам узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником. Подписка даст вам доступ к эксклюзивной информации и возможности первыми узнать о редких и ценных произведениях искусства.
Джузеппе Мария Альберто Джорджо де Кирико (итал. Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico), более известный как Джорджо де Кирико, является выдающимся итальянским художником, чьё имя неразрывно связано с метафизической живописью. Его уникальный стиль отличается использованием странных, мечтательных пейзажей, наполненных таинственной атмосферой, которая заставляет зрителя задуматься о глубине бытия и внутреннем мире человека. Де Кирико родился в Греции, но всю свою жизнь тесно связывал с Италией, где и получил основное образование и вдохновение для своих работ.
С самого начала своей карьеры Де Кирико стремился к инновациям в искусстве, создавая произведения, которые выходили за рамки привычного восприятия живописи. Его картины, такие как «Загадочный посланник» и «Песни любви», характеризуются игрой света и тени, а также присутствием классических архитектурных элементов, которые создают ощущение вне времени. Эти работы не просто демонстрируют мастерство художника в области живописи, но и открывают новые горизонты для понимания субъективного опыта реальности.
Де Кирико оставил неизгладимый след в истории искусства, оказав влияние на многих художников 20-го века, включая представителей сюрреализма. Его работы сегодня можно увидеть в ведущих музеях мира, таких как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне, где они продолжают вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Джорджо де Кирико - это фигура, символизирующая поиск новых форм и смыслов в искусстве, его творчество является мостом между прошлым и будущим, предлагая зрителям не просто любоваться красотой, но и размышлять о загадках человеческого существования. Мы приглашаем всех, кто интересуется культурой и искусством, подписаться на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Джорджо де Кирико. Ваша подписка откроет вам двери в мир высокого искусства, где прошлое встречается с будущим.
Эдуард Адольф Делен (нем. Eduard Adolf Daelen) — немецкий художник, писатель и журналист.
Он учился в Художественной академии Дюссельдорфа и Мюнхенской академии художеств. Делен состоял членом общества художников Малькастен (Malkasten) и был председателем местной ассоциации Allgemeine Deutsche Kunstgenossenschaft. Во время Первой мировой войны он занялся рисованием патриотических плакатов и военных открыток.
Делен стал известен также благодаря первой биографии Вильгельма Буша, которую он написал в 1886 году. Он также писал искусствоведческие статьи, которые публиковались под псевдонимами в различных газетах.
Альбе́рто Джакоме́тти (итал. Alberto Giacometti), швейцарский скульптор и художник, прославился своим уникальным стилем в скульптуре, который многие называют экзистенциальным. Он провел большую часть своей жизни во Франции, Париже, и был членом парижских художников-сюрреалистов, а также экспериментировал с кубистическими формами. Известность ему принесли высокие, тонкие, почти исчезающие фигуры, напоминающие остовы деревьев или дрожащие отражения, которые заставляют задуматься об изолированности и одиночестве личности в мире. Среди его самых известных скульптур - «Указующий человек», «Шагающий человек», «Колесница».
Джакометти исследовал в своем творчестве проблему соотношения объемов и масс, а также загадку человеческой фигуры и лица. Он старался задействовать пустоту и пространство как основной материал своих скульптурных композиций.
В последние годы жизни Джакометти его работы были показаны на крупных выставках по всей Европе и даже в США, несмотря на ухудшающееся здоровье. Его картины и рисунки, не получившие должного признания при жизни, после смерти стали частью значимых каталогов мирового искусства и выставляются в музеях по всему миру.
В 2003 году был создан Фонд Наследия Джакометти, владеющий крупнейшей коллекцией работ художника, включая скульптуры, картины, рисунки и гравюры. Фонд занимается сохранением и популяризацией культурного наследия Джакометти, организуя выставки и предоставляя произведения в аренду музеям и учреждениям культуры.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Альберто Джакометти. Это отличная возможность для коллекционеров и экспертов искусства глубже погрузиться в мир его творчества.
Миодраг Джурич (монтенегринское написание: Миодраг Ђурић), известный как Дадо, был художником, родившимся в Черногории, который большую часть своей жизни и творческой карьеры провел во Франции. Он особенно известен как живописец, но также был активен как гравер, рисовальщик, иллюстратор книг и скульптор.
Марсель Дюшан (фр. Henri Robert Marcel Duchamp), французский художник и скульптор, оставил неизгладимый след в мире современного искусства. Его творчество и идеи кардинально изменили подход к пониманию искусства, сделав его одним из основоположников дадаизма и концептуального искусства. Дюшан известен своими провокационными работами, которые вызывали широкие дискуссии и споры, но именно такие произведения и сделали его фигурой, значительно повлиявшей на культуру XX века.
Одним из самых известных произведений Марселя Дюшана является «Фонтан» - обычный писсуар, представленный как произведение искусства. Эта работа стала символом антиискусства и вызвала массу споров о том, что может считаться искусством. Кроме того, Дюшан также знаменит своими «готовыми» объектами и сложными инсталляциями, которые исследуют отношения между искусством, архитектурой и восприятием.
Его работы экспонируются в ведущих музеях мира, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже. Эти музеи предлагают уникальную возможность познакомиться с его вкладом в развитие современного искусственного процесса, представляя широкий спектр его творчества от живописи и скульптуры до архитектурных проектов и фотографии.
Марсель Дюшан остается важной фигурой в искусстве, его работы и идеи продолжают вдохновлять современных художников и коллекционеров. Если вы интересуетесь современным искусством и хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Марселем Дюшаном, подпишитесь на наши обновления. Эта подписка станет вашим ключом к миру выдающихся событий искусства.
Алекс Задковски (нем. Alex Sadkowsky) — швейцарский художник, живописец, иллюстратор, график, фотограф, перформер и писатель. Этот мультимедийный художник, кроме всего прочего, создал и множество портретов. По словам Задковски, его сюрреалистический экспрессионизм или экспрессивный сюрреализм ведет к "ундепрессионизму".
Хидеаки Кавашима (англ. Hideaki Kawashima) — японский художник, живет и работает в Токио.
После окончания Токийского университета он прошел двухлетнее обучение буддизму в храме, после чего начал карьеру художника в 2001 году.
Хидеаки Кавашима использует портретную живопись и автопортреты-маски, чтобы показать двусмысленность человеческой жизни. Его персонажи с выразительными глазами выражают спектр эмоций: страх, желание, тревогу, тоску. Однако эти эмоции неоднозначны. Кавашима привносит в андрогинные лица штрихи фольклора, мифологии и сюрреализма.
Арис Калаизис (нем. Aris Kalaizis) — немецкий художник греческого происхождения. Изучал живопись в Лейпцигской Академии изобразительных искусств.
Арис Калаизис получает международное признание после участия в 2010 году в Венецианской Биенналле (Mostra Internazionale di Architettura), а также в 2011 году в 4-й Триеннале в Гуанчжо́у (Китай).
Свои произведения Калаизис создает с помощью монтирования тщательно продуманных пространственных композиций и сооружения крупномасштабных сцен на месте воображаемого действия. В ходе данного процесса он делает ряд подготовительных фотографий, на основе которых конструируется финальное произведение. Сцены в его картинах, нередко производящих сюрреалистическое впечатление, развиваются исходя из идей, которые Калаизис разрабатывает на манер киносценария. Результатом этого ступенчатого творческого процесса являются живописные произведения, воплощающие в линии и цвете желаемые образы внутреннего мира.
Фрида Кало де Ривера (исп. Frida Kahlo de Rivera), знаменитая мексиканская художница, родилась 6 июля 1907 года в Койоакане, Мехико. В детстве она пережила полиомиелит, из-за чего её правая нога стала короче и тоньше левой, и в результате этого она месяцами находилась в изоляции, подвергаясь насмешкам сверстников. Фрида была близка с отцом, который научил её фотографии, литературе, природе и философии. В школьные годы она сосредоточилась на изучении естественных наук с целью стать врачом и была приверженцем мексиканской культуры и социальной справедливости.
В 1922 году Фрида поступила в элитную Государственную начальную школу, где из 2000 учащихся было всего 35 девочек, и занималась боксом и другими видами спорта. В школе она встретила своего будущего мужа, известного художника Диего Риверу. В 18 лет Фрида попала в серьёзную аварию, получив множественные травмы, что привело к длительной реабилитации и оставило проблемы со здоровьем на всю жизнь. Именно во время восстановления она начала рисовать, используя зеркало для создания автопортретов, что стало основным направлением её творчества.
В 1929 году Фрида и Диего Ривера поженились. Они сближались не только искусством, но и общими политическими убеждениями. В 1930-х годах пара провела некоторое время в США, где Ривера работал над заказами на фрески, а Фрида создавала свои работы. Вернувшись в Мексику, они поселились в новом доме в районе Сан-Анджеле, который стал местом встреч художников и политических активистов. Кало также была замечена в связи с Львом Троцким.
Фрида Кало де Ривера остаётся одной из самых влиятельных фигур в искусстве и культуре. Её творчество, полное страсти, боли и культурного самовыражения, продолжает вдохновлять художников и коллекционеров по всему миру. Для получения обновлений о новых продажах и аукционах, связанных с творчеством Фриды Кало де Ривера, подписывайтесь на нашу рассылку.
Альфредо Кастаньеда (исп. Alfredo Castañeda) — мексиканский художник-сюрреалист.
Кастаньеда интересовался живописью и рисовал с детства, но сначала стал архитектором, получив степень по архитектуре в Мексиканском университете. Во время учебы он продолжал рисовать в виде увлечения, к которому с годами стал относиться все серьезнее. В университете Альфредо познакомился с художником, скульптором и архитектором Матиасом Геритцем, а также с творчеством Рене Магритта. Оба они сыграли огромную роль в мировоззрении молодого художника.
После учебы Кастаньеда работал архитектором, а в 1969 году провел свою первую персональную выставку в Galeria de Arte Mexicano. Его работы также множество раз были продемонстрированы на международном уровне в США и во многих странах Латинской Америки, включая Мексику. Его работы собраны в коллекциях и музеях по всей Америке, Европе и Азии.
Альфредо Кастаньеда известен своими сюрреалистическими картинами, часто портретами. На многих его картинах появляется один и тот же персонаж, который иногда раскрывается в нескольких версиях самого себя. Этот человек (часто похожий на самого художника) как бы ведет бесконечный диалог с самим собой, вовлекая в него и зрителя.
Моисей Кислинг (фр. Moïse Kisling), выходец из Польши, зарекомендовал себя как выдающийся французский художник Парижской школы. Его талант в области живописи получил признание благодаря уникальному стилю, объединяющему элементы сюрреализма в изображении обнаженного женского тела и портретов, что принесло ему широкую известность. Кислинг переехал в Париж в 1910 году, где и присоединился к кругу известных художников в Монмартре и позже в Монпарнасе. Его творчество нашло отклик среди современников, включая близкое дружеское общение с Амедео Модильяни, который создал портрет Кислинга в 1916 году, сейчас хранящийся в Musee d'Art Moderne.
Работы Кислинга отражают его исключительную способность передавать красоту и тонкость человеческой фигуры, что сравнимо с творчеством Марка Шагала в пейзажах. Некоторые из его знаковых произведений включают "Портрет Жана Кокто", "Кики де Монпарнас в красном джемпере и голубом шарфе", "Молодая датчанка", а также "Большая обнаженная Жосан на красной кушетке".
Кислинг активно участвовал в художественной жизни Парижа, его работы регулярно экспонировались на различных выставках, в том числе и в международном масштабе, например, выставка «Кислинг, великая фигура Парижской школы» в Токийском музее изобразительных искусств в 2019 году демонстрировала его значимость и влияние на мировую культуру и искусство.
Коллекционерам, экспертам в области искусства и антиквариата, заинтересованным в наследии Моисея Кислинга, предлагаем подписаться на обновления, чтобы не упустить информацию о продажах новых работ и аукционных событиях, связанных с этим знаменитым художником. Это прекрасная возможность погрузиться в мир культуры, искусства и уникального творчества Кислинга, чьи работы продолжают вдохновлять и поражать своей красотой и глубиной.
Фабрицио Клеричи (итал. Fabrizio Clerici) — итальянский художник, рисовальщик, иллюстратор, сценограф и архитектор.
Клеричи получил диплом архитектора, и большое влияние на него оказали античные памятники, живопись и архитектура эпохи Возрождения и барокко. В 1943 году Клеричи провел свою первую персональную выставку в миланской Галерее искусств Каирола, где были представлены рисунки, акварели, литографии и офорты. К этому же периоду относятся его первые книжные иллюстрации.
В 1947 году Клеричи начал плодотворную деятельность в театре, балете и опере с дебюта в качестве сценографа в постановке пьесы Джорджа Бернарда Шоу «Профессия миссис Уоррен». В следующем году он впервые принял участие в Венецианской биеннале. Там он познакомился с Сальвадором Дали и создал декорации и костюмы для «Орфея» Игоря Стравинского, шедшего в театре Ла Фениче. В 1949 году он создал масштабные архитектурные фантазийные картины.
Дальнейшая жизнь многогранного художника Фабрицио Клеричи была полна работой в самых различных сферах искусства, творческими успехами и выставками. Его работы выставлялись во многих музеях США, включая МоМА и Музей Гуггенхайма, а также во Франции, например, в Центре Помпиду.
Густав Климт (нем. Gustav Klimt), австрийский художник, родился 14 июля 1862 года в Вене, Австрия. Климт известен как основатель школы живописи Венской сецессии. Он проявил свой талант в различных областях искусства, включая живопись, декоративно-прикладное искусство, а также в архитектуре.
Климт начал свою карьеру вместе с братом Эрнстом и одноклассником Францем Матшем в профессиональной компании "Кюнстлер-Компани", получив признание Рудольфа фон Айтельбергера, основателя Школы прикладного искусства. Первые успехи и стипендии позволили им продолжить обучение в области декоративных искусств и живописи.
Климт стал символом новаторства в австрийском искусстве. Он вызвал скандалы своими провокационными работами для Венского университета, изображая женщин с ярко выраженной сексуальностью, что было радикальным отходом от традиционного академического стиля XIX века. Это привело к потере покровительства императора и других представителей власти, но Климт смог зарабатывать на жизнь, пиша с портреты.
Одним из самых известных периодов в творчестве Климта является "золотая фаза", начавшаяся в 1902 году. В этот период он создал некоторые из своих самых знаменитых работ, включая "Поцелуй", "Юдифь и голова Олоферна", а также портреты Адели Блох-Бауэр. Особенностью этих работ является использование золотой фольги и геометрических узоров, которые были вдохновлены мозаиками раннего христианства, виденными Климтом в Равенне, а также элементами египетской и микенской культур.
В 1905 году из-за внутренних конфликтов и различий в целях членов сецессии произошел разрыв, и группа "стилистов", к которой принадлежал Климт, отделилась от "реалистов". Группа Климта, включая ведущих и международно признанных членов сецессии, организовала одну из самых важных выставок начала 20-го века, 1908 Kunstschau.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, творчество Густава Климта является важным объектом изучения. Его работы находятся во многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей Бельведер в Вене. Подписывайтесь на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с Густавом Климтом.
Гелий Михайлович Коржев был советским и российским художником, одним из выдающихся представителей соцреализма, который сумел внести свой уникальный вклад в искусство XX века. Родился в семье, где отец был архитектором, а мать – учителем русского языка и литературы, что создало благоприятную среду для развития его таланта с детства.
С ранних лет проявил склонность к рисованию, что подтолкнуло его к обучению в художественной студии и последующему поступлению в Московскую среднюю художественную школу, где он получил не только профессиональные навыки, но и уникальный опыт, включая эвакуацию во время Великой Отечественной войны и обучение у выдающихся мастеров того времени.
Коржев стал автором многих известных произведений, в том числе таких как "Поднимающий знамя" из триптиха "Коммунисты", "Обгоревшие огнем войны", "Тюрлик", "Дон Кихот". Его работы хранятся в крупнейших музеях России и мира, включая Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге и Государственную Третьяковскую галерею в Москве.
За свою долгую и плодотворную карьеру Коржев был удостоен множества наград, включая звания Народного художника СССР и лауреата Государственной премии СССР. Его творчество оказало значительное влияние на развитие советского и российского искусства, оставив наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников.
Если вас интересует искусство и творчество Гелия Коржева, подпишитесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим великим художником.
Итель Кохун (англ. Ithell Colquhoun) — британская художница сюрреализма, писательница, поэт и драматург родом из Индии. Ее называют «матерью британского сюрреализма». Находясь под заметным влиянием Сальвадора Дали, она изображала растения и окружающий мир в стиле, который сама художница называла «магическим реализмом».
Ерванд Семёнович Кочар был выдающимся армянским скульптором и художником, чьё имя стало символом советского и армянского искусства XX века. Родившийся в Тифлисе, Кочар обучался в Москве и Тбилиси, прежде чем отправиться на учёбу и работу за границу, что значительно повлияло на его творчество. Переезд в Париж открыл перед Кочаром двери в мир авангарда, где он сформировал своё художественное кредо и создал уникальное направление "Пространственная живопись", представляющее собой попытку объединить время и пространство в одном художественном произведении.
Вдохновение для своих работ Кочар черпал в итальянском Возрождении, а также в встречах и общении с видными деятелями культуры того времени. Его дружба с поэтом Аветиком Исаакяном играла значительную роль в формировании его творческого мира. По возвращении в СССР, Кочар столкнулся с трудностями, включая период заключения, однако продолжал создавать произведения, полные новизны и яркости, которые стали значительным вкладом в армянскую и мировую культуру.
Среди наиболее известных работ Кочара - скульптуры "Давид Сасунский", которая стала символом Еревана, и "Вардан Мамиконян", а также картины "Катастрофы войны" и множество произведений в стиле "Пространственная живопись". Его работы находятся во многих музеях и галереях по всему миру, включая Лувр и Центр Помпиду.
В Ереване открыт музей Ерванда Кочара, где представлен весь творческий путь художника, а также его работа в различных периодах жизни - от Парижа до Еревана.
Если вы интересуетесь искусством и антиквариатом, присоединяйтесь к нашим обновлениям, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Ервандом Семёновичем Кочаром.
Виктор Алексеевич Кульбак (фр. Victor Koulbak) — французский художник русского происхождения.
При всем стилистическом, тематическом и техническом разнообразии работы Кульбака всех периодов объединяет скупость технических средств и богатство внутреннего мира изображаемых объектов. То, каким образом художнику удается совместить эти, на первый взгляд, противоположные черты и достичь гармонии,- его тайна. На фоне его коллег-современников он остается уникальным явлением, и это было лаконично сформулировано одним коллекционером: «Kульбак не принадлежит к современному искусству: он умеет рисовать».
Дэвид Лашапель (англ. David LaChapelle) — американский фотограф, кинорежиссёр и режиссёр рекламных роликов, выделяющийся своим особым ироничным стилем «сюрреалистического гламура».
Занимался съёмкой многих популярных видеоклипов для таких звёзд как Бритни Спирс, Аврил Лавин, Элтон Джон, Кристина Агилера, Дженнифер Лопес и многих других.
Жозеф Фернан Анри Леже (фр. Joseph Fernand Henri Leger) был выдающимся французским художником, скульптором и режиссёром, чьё творчество оказало значительное влияние на развитие кубизма и современного искусства в целом. Родившийся в 1881 году в поселке Аржантан, Франция, Леже переехал в Париж, где начал свой путь в искусстве, сначала работая над архитектурными чертежами, затем поступив на обучение в Академию Жюлиана. Встреча с работами Сезанна стала поворотным моментом в его карьере, направив его к кубистическому стилю.
Леже стал известен благодаря своему уникальному подходу к кубизму, который впоследствии получил название "тубизм" из-за характерного акцента на цилиндрических формах. Его работы отличались чёткой, механистичной манерой, где фигуры были лишены психологизма и часто изображались на фоне индустриальных и механических элементов. Такой подход отражал интерес Леже к новым технологиям и промышленной эстетике того времени.
Одним из наиболее значительных периодов в творчестве Леже был "механический" период после Первой мировой войны, когда его произведения приобрели темы машин и индустриализации, отражая изменения в обществе и технологиях. Леже также активно экспериментировал с различными формами искусства, включая кинематограф и монументальную живопись, создавая работы, которые были наполнены оптимизмом и стремлением к прогрессу.
Среди его наиболее известных работ можно выделить "Механик", "Большой обед", а также серию картин "Диски", "Город" и "Механические элементы", которые выставлялись в различных галереях и на выставках по всему миру, включая Париж, Антверпен и Нью-Йорк.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Жозефом Фернаном Анри Леже, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях, посвящённых этому выдающемуся художнику.
Клод Лепап (фр. Claude Lepape) — французский живописец, гравер, театральный декоратор, представитель Парижской школы. Он был сыном художника Жоржа Лепапа, учился живописи в Высшей национальной школе изящных искусств в Париже. Натюрморты и портреты Клода Лепапа передают интимное понимание художником существ и предметов и имеют сюрреалистический оттенок.
Хьюи Ли-Смит (англ. Hughie Lee-Smith) — американский художник и преподаватель. Его сюрреалистические картины напоминают театральные сцены, на них изображены городские пейзажи и морские пляжи с загадочными, одинокими людьми.
Работы Ли-Смита входят в коллекции многих известных музеев.
Роза Лой (нем. Rosa Loy) — немецкая художница, представительница «Новой Лейпцигской школы живописи», живет и работает в Лейпциге.
Она получила образование в Университете Гумбольдта в Берлине и училась в Академии визуальных искусств в Лейпциге. Роза Лой одна из немногих художников в Германии, работающих с новой женственностью в стиле нового романтизма. Ее персонажи живут в мире фантазий, снов и фольклора, в красочных сюрреалистичных и символических декорациях.
Лой смело объединяет женственность и красоту в своих фигуративных картинах. Ее работы также отражают отношения со своим мужем Нео Раухом (Neo Rauch). Вместе они известны во всем мире как успешная творческая пара. У них обоих есть свои независимые произведения, которые, тем не менее, находятся под влиянием друг друга и могут успешно объединять силы мужского и женского начала.
Роза Лой работает казеином на холсте и бумаге, а также владеет различными графическими техниками. Она участвовала в многочисленных выставках лейпцигских художников в международных художественных музеях. Кроме того, ее работы включены в коллекции крупнейших художественных учреждений и организаций, таких как Музей современного искусства Нью-Йорка, Музей современного искусства, Лос-Анджелес, и коллекция Deutsche Bank.
Рене Магритт (фр. René François Ghislain Magritte) — бельгийский художник-сюрреалист, чьё творчество продолжает восхищать и ставить перед зрителями интригующие загадки. В своих работах Магритт мастерски сочетает обыденные объекты с неожиданными элементами, тем самым заставляя нас переосмыслить привычное восприятие реальности.
В каждой картине Магритта скрыт особый смысл, который зритель должен раскрыть, как головоломку. Например, в работе "Голубое небо" он изображает гладиаторов, взирающих на потолок, вместо ожидаемого синего неба и облаков. Такие произведения как "Это не я" и "Голубой птичник" также демонстрируют его уникальный подход к передаче глубоких философских идей через визуальные образы.
Магритт известен своими работами, в которых он исследует тему иллюзии и реальности. Одним из его самых знаменитых творений является картина "Это не яблоко", на которой изображено яблоко с подписью "Ceci n'est pas une pomme". Это произведение подчёркивает разрыв между изображением и реальным объектом, вызывая у зрителя размышления о природе восприятия.
Его картина "Вероломство образов", завершенная в 1929 году, также отражает эту тему. На ней изображена курительная трубка с надписью "Это не трубка", что ставит под сомнение наше привычное восприятие иллюзии и реальности.
Работы Магритта часто экспонируются в музеях и галереях по всему миру, оставаясь важным элементом культурного наследия и продолжая вдохновлять как коллекционеров, так и экспертов в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Рене Магриттом. Это будет ваш ключ к информации о новых продажах произведений и аукционах, посвященных этому выдающемуся художнику.
Андре Массон (фр. André Masson) был выдающимся французским художником, чье творчество оказало значительное влияние на развитие сюрреализма и абстрактного искусства. Родившийся в 1896 году, Массон известен своим уникальным подходом к живописи и рисунку, в котором он сочетал элементы фантастики и реальности, исследуя подсознательные аспекты человеческого опыта.
Массон применял различные техники и материалы, включая песок, который он впервые использовал в 1927 году, создавая текстурированные и многослойные работы. Этот инновационный метод подчеркивал его стремление к экспериментам и желание выражать динамическое движение и внутренние конфликты через свои произведения.
Его работы хранятся в многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже. Произведения Массона, такие как «Автоматический рисунок», не только демонстрируют его мастерство и инновационный подход, но и продолжают вдохновлять художников и коллекционеров современного искусства.
Андре Массон оставил неизгладимый след в истории искусства, благодаря своему умению соединять видимое с невидимым, реальное с подсознательным. Его наследие продолжает жить в коллекциях по всему миру, делая его имя знаковым среди ценителей культуры и искусства.
Мы приглашаем вас подписаться на наши обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с Андре Массоном. Это уникальная возможность для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата узнавать о редких и ценных предметах, связанных с этим выдающимся художником.
Байя Махиддин (араб. باية محي الدين; англ. Baya Mahieddine) или Фатима Хаддад (араб. فاطمة حداد; англ. Fatima Haddad) — алжирская художница, наиболее известная своими яркими и красочными картинами, на которых часто изображались смелые формы и фигуры. В возрасте шестнадцати лет Байя провела свою первую выставку в Париже, где ее заметили такие известные художники, как Пабло Пикассо и Андре Бретон.
Работы Байи Махиддин часто ассоциируются с сюрреализмом, поскольку она находилась под сильным влиянием Бретона и других художников-сюрреалистов. Однако она также черпала вдохновение в традиционном алжирском искусстве и культуре, включая в свои работы такие элементы, как каллиграфия и геометрические узоры.
На протяжении всей своей карьеры произведения Байи выставлялись в Алжире и Франции, и она получила широкое признание критиков за свой уникальный стиль и подход к живописи. Помимо картин, она также создавала гобелены, керамику и другие произведения искусства.
Иоганн Георг Мюллер (нем. Johann Georg Müller) — немецкий живописец и график. Он учился в Академии изящных искусств в Мюнхене.
На творчество Мюллера оказали сильное влияние движения экспрессионистов и сюрреалистов, а его живописные и графические работы часто отличались смелыми цветами и абстрактными, похожими на сны образами. Он был известен использованием символических мотивов и интересом к мифологическим и религиозным темам.
Во время Второй мировой войны Мюллер был призван в немецкую армию и служил на Восточном фронте. После войны он вернулся в Мюнхен и возобновил свою художественную карьеру. Он стал членом немецкой экспрессионистской группы Die Neue Gruppe и участвовал в нескольких выставках по всей Европе.
Его работы продолжают выставляться и изучаться по всему миру, а его наследие оказало значительное влияние на развитие современного и новейшего искусства в Германии и за ее пределами.
