Педагоги Абстракционизм
Йозеф Альберс (нем. Josef Albers) — немецкий и американский художник, дизайнер, поэт, теоретик и преподаватель.
В 1920 году Альберс стал студентом высшей школы Баухаус в Веймаре, и уже через два года создал в Баухаусе мастерскую художественного стекла, а затем возглавил там мастерскую мебели. Он активно работал как дизайнер, создавая эскизы мебели, а также стеклянной и металлической посуды.
В 1933 году Альберс эмигрировал в США и вскоре вступил в Американскую ассоциацию абстракционистов. Его творчество вызвало среди американских художников живой интерес. В 1950 году он возглавил кафедру дизайна в Школе искусств Йельского университета, где читал лекции до 1960 года. Художественный опыт Йозефа Альберса оказал значительное влияние на развитие оп-арта и пост-живописного абстракционизма в США.
Гарольд Амбеллан (англ. Harold Ambellan) — американский художник и скульптор.
Он изучал скульптуру и изобразительное искусство в Буффало, а потом переехал в Нью-Йорк. Человеческая фигура занимает центральное место в творчестве Гарольда Амбеллана. Он создавал монументальные фигуры и много рисовал, оставив тысячи рисунков. Амбеллан был одним из участников Федерального художественного проекта Рузвельта, нанявшего во время Великой депрессии сотни художников, которые в совокупности создали более 100 000 картин и более 18 000 скульптур.
Амбеллан оставался приверженцем фигуративности как в своей скульптуре, так и в живописи. Он был избран президентом Гильдии скульпторов Америки в 1941 году, и в том же году его работы были выставлены на групповых выставках в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и в Академии изящных искусств в Филадельфии.
В 1944 году Амбеллан участвовал в освобождении Нормандии в составе ВМС США, затем преподавал в Нью-Йорке трехмерное искусство в Workshop School. В 1954 году по политическим причинам Амбеллан переехал во Францию и остался там до конца жизни, работая и выставляясь по всей Европе.
Ричард Анушкевич (англ. Richard Anuszkiewicz) был американским художником, одним из основателей и ярким представителем оп-арта, направления в изобразительном искусстве, играющего на оптических иллюзиях и восприятии цвета. Его творчество отличается строгой геометричностью форм и богатством цветовой палитры, что делает его работы особенно выразительными и запоминающимися. Анушкевич получил образование в Институте искусства в Кливленде и Школе искусств и архитектуры Йельского университета, где изучал под руководством Йозефа Альберса, что сыграло важную роль в формировании его художественного вкуса и предпочтений.
После переезда в Нью-Йорк в 1957 году и работы хранителем в Музее современного искусства, Анушкевич принял участие в знаменитой выставке «Чувствительный глаз» 1965 года, что значительно укрепило его позиции среди мастеров оп-арта. В 1960—1970-е годы художник активно сотрудничал с известными представителями этого направления, такими как Виктор Вазарели и Бриджит Рили, что ещё больше укрепило его репутацию в арт-сообществе.
Творчество Анушкевича широко представлено в музеях и галереях по всему миру, его работы можно найти в коллекциях таких мест, как The Heckscher Museum в Нью-Йорке, Graham Modern в Нью-Йорке, Canton Art Institute в Огайо, а также в многочисленных других учреждениях и частных коллекциях. К его наиболее известным произведениям относятся "Temple of the Radiant Yellow" (1985), "Deep Magenta Square" (1978), "Rainbow I" (1986), "The Fourth of the Three" (1963), "Green and Red - Figure and Ground" (1956), и многие другие, демонстрирующие мастерство Анушкевича в создании глубоких и многомерных визуальных эффектов с использованием цвета и формы.
Его невероятный вклад в развитие оп-арта и неиссякаемый интерес к исследованию цвета и формы делают творчество Ричарда Анушкевича предметом постоянного изучения и восхищения как среди искусствоведов, так и любителей искусства. В связи с этим, мы приглашаем коллекционеров и экспертов искусства подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с произведениями Ричарда Анушкевича.
Герман Бахман (нем. Hermann Bachmann) — немецкий художник, графический дизайнер и преподаватель.
Герман обучался в Школе прикладных искусств Оффенбаха-на-Майне, во время Второй мировой войны служил в войсках. В 1945 году Бахман вернулся в родной город и присоединился к художникам школы Галле. А в 1953 году он бежал в Западный Берлин, творческая атмосфера которого была ему ближе.
В 1957 году Герман Бахман стал преподавателем, а позже и профессором в Университете изящных искусств в Берлине, среди его учеников много известных художников. Он состоял в Ассоциации немецких художников.
Лиланд Белл (англ. Leland Bell) был американским художником, чья страсть к живописи вдохновила и повлияла на многих. Он самоучка, известный своей защитой художников, которых он восхищался, включая Карла Кнатса, Жана Арпа и Пита Мондриана. В начале своей карьеры он работал охранником в Музее необъективного искусства, где и закрепилась его любовь к абстрактному искусству, но позже, под влиянием Жана Эльйона, он стал сторонником фигуративного искусства.
Белл использовал абстракцию как средство для изучения фигурации, используя смелые контуры и яркие поля цвета. Его работы, полные драматизма повседневной жизни, отличаются театральностью и статическими позами, напоминающими табло вивант. Автопортреты Белла характеризуются сильными линиями и психологической интенсивностью, пронизывающей его творчество.
Белл черпал вдохновение от модернистов, таких как Дерен, Эльйон, Джакометти и Мондриан, применяя уроки абстракции к фигуративной живописи. Его работы узнаваемы благодаря их графическим качествам: черные контурные линии, смелые цветные плоскости и динамичная композиция, делая его работы выделяющимися среди современных фигуративных художников за их абстрактные качества и внутреннее напряжение.
Белл активно работал художником, преподавателем и лектором, организуя персональные выставки и участвуя в групповых шоу. Его картины и рисунки были представлены на ретроспективной выставке в Коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1987 году. Произведения Белла находятся в многочисленных коллекциях по всей Северной Америке и Европе, отражая его значимость и влияние в искусствоведческом мире.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата Лиланд Белл является фигурой, заслуживающей внимания не только за его вклад в развитие фигуративного искусства, но и за его уникальный подход к абстракции и композиции. Его творчество остается актуальным и вдохновляющим для современных художников и любителей искусства.
Если вы заинтересованы в получении обновлений о новых продажах продуктов и аукционных событиях, связанных с Лиландом Беллом, подпишитесь на обновления, которые будут уведомлять вас о новинках продажи продукции и предстоящих аукционных событиях, связанных с Лиландом Беллом. Это уникальная возможность оставаться на связи с миром искусства и узнавать о редких и ценных произведениях, представляющих интерес для коллекционеров и знатоков. Присоединяйтесь к нам, чтобы не пропустить эксклюзивные предложения и события, открывающие новые горизонты в искусстве и культуре.
Андреас Бём (нем. Andreas Böhm) — немецкий художник, график и учитель изобразительного искусства в гимназии Брунсбюттеля з 1980 года. Живет и работает в Дингене, Шлезвиг-Гольштейн.
Долгое время Андреас Бем был известен своими трафаретными рисунками, которые напоминают силуэты лишь с двумя-тремя плотными слоями краски. Как художник, он продолжал играть с формами, но теперь адаптировал свободные линии дикой природы.
Йозеф Биндер (нем. Joseph Binder), полное имя Йозеф Фридрих Густав Биндер (Joseph Friedrich Gustav Binder) — немецкий живописец-авангардист, дизайнер и график.
В начале 1930-х годов Йозеф Биндер работал с крупными заказами на торговые марки для Knorr, Reemtsma, Tekrum, Elida, Minera, Dujardin, Stella и Mercedes-Benz и заслужил славу промышленного дизайнера, определяющего стиль. Всего к началу 1960-х годов Биндер создал более 2000 марок и плакатов.
В живописи Биндер отдавал предпочтение кубизму: геометрически стилизованная форма имеет для живописца большое значение. Он также находился под влиянием художественной школы Баухаус и группы «Синий всадник».
Александр Николаевич Волков был русским художником, чье творчество тесно связано с Узбекистаном и Средней Азией. Он родился в Фергане и прошел обучение в Петербургской Академии художеств и Киевском художественном училище. Волков считается патриархом школы изобразительного искусства Узбекистана и одним из основоположников современного искусства этого региона.
Его творчество отличается уникальным синтезом восточных и западных художественных традиций, сочетая в себе элементы кубизма, примитивизма и модернизма. В 1920-х годах Волков создал ряд знаковых работ, среди которых выделяется «Гранатовая чайхана», олицетворяющая его интерес к азиатской тематике и экспериментам с формой и цветом.
На протяжении 1930-х годов, под давлением обвинений в формализме, Волков перешел к соцреализму, однако даже в этот период его работы отличались глубокой индивидуальностью и новаторством. Волкова неоднократно критиковали за формализм, что в конечном итоге привело к его отстранению от преподавательской деятельности в 1946 году.
Произведения Волкова включены в коллекции многих крупных музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея искусств народов Востока в Москве, и многих других. Его работы продолжают пользоваться большим спросом на аукционах, демонстрируя высокую оценку таланта художника.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с произведениями Александра Николаевича Волкова. Ваша подписка гарантирует доступ к самой актуальной информации о продажах и экспозициях, посвященных наследию этого выдающегося художника.
Аблейд Гловер (англ. Ablade Glover) — современный ганский художник и педагог.
Он много выставлялся, приобрел международную репутацию за несколько десятилетий, а также считается выдающейся фигурой на западноафриканской художественной сцене. Его работы находятся во многих престижных частных и государственных коллекциях, среди которых Императорский дворец Японии, штаб-квартира ЮНЕСКО в Париже и Международный аэропорт О'Хара в Чикаго. Он получил несколько национальных и международных наград, включая Орден Вольта в Гане, и является пожизненным членом Королевского общества искусств в Лондоне. До 1994 года он был доцентом, заведующим кафедрой художественного образования и деканом колледжа искусств в Университете науки и технологии имени Кваме Нкрумы.
Фернандо де Шишло Вальделомар (исп. Fernando de Szyszlo Valdelomar) — перуанский живописец, скульптор, гравер и педагог, который был ключевой фигурой в развитии абстрактного искусства в Латинской Америке с середины 1950-х годов и одним из ведущих пластических художников Перу.
Ганс Йениш (нем. Hans Jaenisch) — немецкий художник-абстракционист, график и преподаватель университета.
Художественное наследие Ганса Йениша хранится в архиве Fritz-Winter-Haus, Ален, Вестфалия, и представлено публике на регулярных выставках.
Ян Кобласа (чеш. Jan Koblasa) — чешский скульптор, живописец, график, автор философских эссе и преподаватель университета. Обучался в Пражской академии художеств.
Ян Кобласа с 1969 по 1997 гг. был профессором скульптуры в Художественной академии Муфезиуса в Киле. Его уроки включали в себя традиционные пластические формы выражения, такие как портреты , фигуры и обнаженные тела, однако он также давал своим ученикам большую свободу для дальнейшей художественной деятельности.
С 2002 по 2005 год Кобласа преподавал в качестве почетного профессора скульптуры в Пражской академии изящных искусств.
Мартин Крампен (нем. Martin Krampen) — немецкий дизайнер, художник, семиотик и преподаватель.
Он занимал различные профессорские должности в области дизайна и психологии в США и Канаде. С 1972 по 2005 год он преподавал в Университете дизайна Швабиш Гмюнда, с 1998 года — почетный профессор по семиотике. С 1993 года Мартин Крампен является почетным членом Немецкого общества семиотики.
Генри Спенсер Мур (англ. Henry Spencer Moore) был выдающимся британским скульптором и художником, оставившим неизгладимый след в мире искусства XX века. Он известен своими полуабстрактными монументальными скульптурами, которые сегодня можно встретить в разных уголках мира. Мур увлекался искусством Древней Греции, этрусков и майя, что нашло отражение в его творчестве. Особенно его привлекала тема материнства, которая прослеживается во многих его работах, таких как скульптура «Мать и дитя (Капюшон)», установленная в Соборе Святого Павла в Лондоне.
Его бронзовая скульптура «Король и Королева», созданная в 1952—1953 годах, отражает романтический и идиллический образ, пользующийся большой популярностью среди посетителей галерей. Интересно, что идея создания этой скульптуры была вдохновлена важным историческим событием - смертью Георга VI и восшествием на престол королевы Елизаветы II.
Мур также был знаменит своим художественным подходом, который сравнивал женское тело с природным ландшафтом. Его скульптуры отличает изображение женских фигур, где каждая форма имеет своё значение, а пустоты символизируют пещеры. Одна из его наиболее известных работ в этом направлении - скульптура «Лежащая фигура».
В его работах чувствуется глубокое уважение к материалу и стремление к созданию форм, символизирующих природное и земное начало. Этот подход Мура оказал значительное влияние на развитие современного искусства и модернизма в Англии.
За свою жизнь Генри Мур создал множество произведений, которые сегодня находятся в ведущих музеях и коллекциях по всему миру. Его наследие продолжает вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Если вас интересует искусство Генри Мура и вы хотите узнать о новых выставках его работ, подпишитесь на обновления. Так вы всегда будете в курсе последних новостей о продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим знаменитым художником.
Бернхард Мюллер-Фейен (нем. Bernhard Müller-Feyen) — немецкий художник, скульптор и педагог.
Он был магистрантом кельнской Веркшулен, преподавателем художественной академии в Стамбуле и свободным художником в своем родном городе Аденау. Живописные работы Мюллер-Фейена в основном представляли собой абстрактные пейзажи, а в скульптуре он создавал минималистические формы. В 1985 году возникли его первые антропоморфные петлевые формы, также называемые архетипами. А последней работой перед смертью стал мемориал жертвам 11 сентября 2001 года в Ground Zero в Нью-Йорке.
Работы Мюллер-Фейена были представлены на многих национальных и международных выставках.
Вальдемар Ноттбом (нем. Waldemar Nottbohm) — немецкий художник, скульптор и преподаватель. Обучался искусству в Гамбурге, Ганновере и Люнебурге. В 1957 году он получил степень скульптора по технике каменной кладки и дизайну металла.
Вальдемар Ноттбом известен своими абстрактными геометрическими скульптурами из разных материалов.
Вольфганг Опиц (нем. Wolfgang Opitz) — современный немецкий художник, известен своей абстрактной живописью.
Вольфганг Опиц получал художественное образование с 1964 по 1968 год в Эрфурте и Дрездене. Познакомился с А. Р. Пенком, с которым снял множество экспериментальных фильмов в 1969 году. Они также основали группу Lücke в 1971 году вместе с художниками Харальдом Галлашем и Штеффеном Кунертом (Терк). В 1989 году Опиц бежал из Восточной Германии на Запад, где в 1991 году получил должность преподавателя в Люнебургском университете.
Эмилио Петторути (исп. Emilio Pettoruti) был выдающимся аргентинским художником-модернистом, педагогом, и его имя занимает особое место в истории искусства Южной Америки. Родившийся в 1892 году в Ла-Плате в семье с итальянскими корнями, он с детства проявил страсть к искусству, отказавшись от традиционного образования в пользу самообразования и занятий в местной школе рисования. Его ранние работы отличались оригинальностью и уже тогда Петторути демонстрировал склонность к экспериментам.
Петторути продолжил свое обучение в Европе, где под влиянием итальянского Ренессанса и футуризма он сформировал свой уникальный стиль, сочетающий геометрическую абстракцию с элементами кубизма. Во время своего пребывания в Европе, он также вдохновлялся работами Фра Анджелико, Мазаччо и Джотто, что повлияло на формирование его художественного видения.
По возвращении в Аргентину в 1924 году, Петторути встретился с непониманием и критикой за свои авангардные взгляды, однако его выставки оказали значительное влияние на аргентинское искусство, открывая путь для новых направлений и течений. Он активно участвовал в культурной жизни страны, став в 1930 году директором Музея изобразительных искусств в Ла-Плате, где работал над формированием общенациональной художественной коллекции.
В своем творчестве Петторути часто обращался к темам музыкантов и арлекинов, используя их для исследования взаимосвязи между музыкой и живописью. Его работы отличались прототипическим подходом к гармонии, порядку и геометрической точности, что делало их близкими к научной строгости, но одновременно наполненными лиризмом и духовностью.
Эмилио Петторути оставил неизгладимый след в искусстве, его работы экспонируются в ведущих музеях мира. Петторути не просто привнес в аргентинское искусство европейские течения модернизма, но и обогатил их локальным культурным контекстом, что сделало его фигурой мирового значения.
Если вы являетесь коллекционером или специалистом в области искусства и антиквариата, предлагаем подписаться на обновления, связанные с Эмилио Петторути. Так вы всегда будете в курсе новых продаж и аукционов, посвященных его творчеству.
Цезарь В. Радецкий-Радец (нем. Cäsar W. Radetzky-Radetz) — немецкий художник и писатель.
В дополнение к своей работе в качестве внештатного художника он работал учителем рисования с детьми и молодежью, а также лектором по живописи в Академии художеств Райхенхалл. Его работы известны и ценятся благодаря активной международной выставочной деятельности и представлены во многих государственных и частных коллекциях. Радецкий работает маслом, акварелью или смешанной техникой, предпочитая большие форматы изображений.
Ёсисигэ Сайто (яп. 斎藤義重; англ. Yoshishige Saitō) — японский визуальный художник и преподаватель.
Сайто был одной из ключевых фигур в японском искусстве XX века и важнейшим связующим звеном между довоенным авангардом и послевоенным абстрактным искусством.
Виктор Серранкс (фр. Victor Servranckx) — выдающийся бельгийский художник, известный своими работами в стиле абстрактной живописи и дизайна. Виктор Серранкс учился в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, где встретил Рене Магритта, с которым вместе написал «Чистое искусство: защита эстетики» в 1922 году. Стиль мастера был под влиянием кубизма, конструктивизма и сюрреализма.
Виктор Серранкс был одним из первых бельгийских художников, принявших абстракцию. Его творчество охватывало живопись, дизайн, скульптуру и коллаж. В начале своей карьеры он работал на фабрике обоев, где создавал абстрактные узоры, что способствовало его интересу к интерьерному дизайну.
Виктор Серранкс активно участвовал в художественной жизни, выставляя свои работы в различных галереях, включая галерею L'Effort Moderne в Париже. Его вклад в искусство был высоко оценен коллегами и критиками, он преподавал в школе промышленного и декоративного искусства в Икселе и был признан на Венецианской биеннале.
Несмотря на сложный приём в Бельгии, наследие Виктора Серранкса оказало значительное влияние на последующие поколения художников. Его работы можно найти в музеях и коллекциях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в Музее Тиссен-Борнемиса.
Если вы интересуетесь искусством Виктора Серранкса и хотели бы получать обновления о продажах его работ и аукционных событиях, рекомендуем подписаться на наши обновления. Мы будем информировать вас о последних новостях, связанных с этим знаменитым художником.
Поль Серюзье (фр. Paul Sérusier) был выдающимся французским художником-символистом и одним из основателей художественной группы "Наби". Он родился в Париже 9 ноября 1864 года, умер 7 октября 1927 года в Морле, Франция. Он стал известен не только своими живописными произведениями, но и как теоретик искусства. Особенно значительным является его влияние на развитие постимпрессионизма и символизма в искусстве.
Серюзье изучал философию и математику, что нашло отражение в его подходе к живописи. Он искал духовный идеал в искусстве, стремясь свести его к простым формулам и фигурам. Художник оставался верен бретонским пейзажам и обитателям, видя в гармонии цветов и линий медитативное, символическое, магическое и мифологическое значение.
Среди известных работ Серюзье можно выделить "Талисман", "Колдовство (Священный лес)", "Меланхолия", "Дождь", "Портрет Бернара во Флоренции". Его картины отличались технической и колористической глубиной, что художник унаследовал от своего учителя Поля Гогена.
В 1907 году Серюзье становится профессором Академии Рансона и позже пишет свой главный теоретический труд — книгу "Азбука живописи" (1921), которая оказала влияние на многих художников XX века.
Его вклад в искусство оценен как важный этап в развитии современного искусства, и его работы до сих пор вызывают интерес среди коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Если вы хотите получать обновления и информацию о продажах и аукционах, связанных с Полем Серюзье, подпишитесь на наши уведомления.
Владимир Евграфович Татлин — выдающийся русский и советский художник, один из основоположников конструктивизма в искусстве. Его имя неразрывно связано с культурным и художественным наследием начала XX века, обогатившим мировое искусство новыми формами и идеями. Татлин известен своим стремлением к инновациям, экспериментам в области скульптуры и архитектуры, а также уникальным взглядом на роль искусства в обществе.
Одним из самых амбициозных проектов Татлина является проект "Монумент Третьего Интернационала", также известный как Татлинова башня. Этот неосуществленный проект представлял собой спиралевидную структуру, которая должна была символизировать утопические стремления и идеалы социализма. Несмотря на то что башня так и не была построена, её концепция оказала значительное влияние на развитие архитектуры и искусства XX века.
Татлин также известен своими работами в области театрального декора и живописи, где он применял принципы конструктивизма, стремясь создать искусство, служащее общественным и практическим целям. Его эксперименты в области материалов и формы привели к созданию новаторских скульптур и объектов, которые до сих пор вызывают интерес у исследователей и коллекционеров.
Вклад Владимира Татлина в развитие мировой культуры и искусства неоценим. Его работы и идеи продолжают вдохновлять художников, архитекторов и дизайнеров по всему миру. Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, изучение жизни и творчества Татлина открывает новые горизонты понимания взаимосвязей между искусством, технологиями и обществом.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж продуктов и аукционных событий, связанных с Владимиром Евграфовичем Татлиным. Эта подписка позволит вам не пропустить уникальные возможности пополнить вашу коллекцию редкими и ценными экспонатами.
Альма Вудси Томас (англ. Alma Woodsey Thomas) — американская художница ХХ века. Она известна как живописец и педагог, участник культурного движения афроамериканцев «Гарлемский ренессанс».
Альма Томас прославилась как художник после выхода на пенсию после 35-летней карьеры преподавателя искусства в средней школе в Вашингтоне. Она создавала красочные абстрактные картины. Техника художницы заключалась в том, что она рисовала тонкие карандашные линии на холсте для создания форм и узоров, а затем заполняла холст краской. Поздние работы Томас критики сравнивали с западноафриканскими картинами и византийскими мозаиками.
Милдред Джин Томпсон (англ. Mildred Jean Thompson) — американская художница, работавшая в живописи, графике, гравюре, скульптуре и фотографии. Критики связывали ее искусство с западноафриканским текстилем и исламской архитектурой; они также упоминали немецкий экспрессионизм, музыку (как американскую джазовую, так и классическую европейскую) и чтения Томпсон по астрономии, спиритизму и метафизике как важные художественные влияния. Она также писала и была помощником редактора журнала Art Papers.
Хоакин Торрес Гарсия (исп. Joaquín Torres-García) — уругвайский художник, живописец, скульптор, писатель, педагог и теоретик искусства.
Торрес Гарсия считал себя продолжателем древних традиций средиземноморской культуры и, одновременно, художником авангарда. Он разработал уникальный стиль, впервые описанный как Art Constructif.
Макс Улиг (нем. Max Uhlig) — немецкий живописец, который посвящает себя в основном портретам, бытовым и пейзажным мотивам.
Макс Улиг является членом Немецкого союза художников с 1990 года и одним из основателей Саксонской академии искусств. С 1995 по 2002 год он был профессором живописи и графики в Дрезденской академии изящных искусств.
Герхард Фитц (нем. Gerhard Fietz) — немецкий художник, профессор и представитель беспредметной живописи. Он считается важным художником второй половины 20-го века в Германии.
Будучи одним из основателей группы художников ZEN 49, он выступал против традиционного репрезентативного искусства и вместе с такими художниками, как Вилли Баумейстер, Фриц Винтер и Руппрехт Гайгер, разработал стиль живописи, ориентированный на эксперименты с художественными средствами. Фитц участвовал в многочисленных национальных и международных выставках, включая высоко оцененную выставку в Cercle Volnay в Париже в 1955 году.
Дитер Хаак (нем. Dieter Haack) — немецкий художник-абстракционист.
Дитер Хаак учился живописи в Дюссельдорфской Академии изящных искусств. Его работы характеризуются смелыми цветами и энергичными композициями.
Помимо своей художественной практики, Хаак также работал профессором живописи и рисунка в своей альма-матер.
Вия Целминьш (латыш. Vija Celmins) — латвийско-американская художница. Она наиболее известна своими фотореалистичными картинами и рисунками природных и искусственных объектов.
Целминьш и ее семья бежали из Латвии во время Второй мировой войны и в конце концов поселились в США. Она изучала искусство в Школе искусств Джона Херрона в Индианаполисе, а затем в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе.
Цельминьш начала свою карьеру как художник в 1960-х годах, а к 1970-м годам она разработала свой фирменный стиль фотореализма. Она известна своим кропотливым вниманием к деталям, и ее картины и рисунки часто требуют месяцев или даже лет для завершения. Среди самых известных ее работ — изображения ночного неба, океанов и скал.
Цельминьш стала участником многочисленных персональных выставок в музеях и галереях по всему миру, включая ретроспективу в Центре Помпиду в Париже в 2006 году. Ее работы находятся в коллекциях многих крупных музеев, включая Музей Метрополитен в Нью-Йорке, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Национальную галерею искусств в Вашингтоне, округ Колумбия.
Зураб Константинович Церетели — выдающийся грузинский и российский художник-монументалист, скульптор, и живописец, родился 4 января 1934 года в Тифлисе, ныне Тбилиси, в семье с глубокими художественными традициями. Его творческий путь начался с учебы в Тбилисской академии художеств, после чего Церетели активно занялся монументальным искусством, сотрудничая с известными художниками и получая признание как в СССР, так и за рубежом.
Церетели известен своими масштабными проектами в области монументального искусства. Среди его знаковых работ - комплексные композиции и скульптуры, разбросанные по всему миру, включая мозаичный бассейн «Морское дно» в Ульяновске, монумент «Дружба навеки» в Москве, и знаменитый памятник Петру I в Москве, также известный как "Петр Великий". Его работы отличаются выразительностью и масштабностью, благодаря чему Церетели завоевал международное признание.
Важную роль в жизни и творчестве Церетели сыграли его поездки во Францию в 1960-х годах, где он встретился с Пабло Пикассо и Марком Шагалом. Эти встречи оказали значительное влияние на его дальнейшую карьеру. Вернувшись на родину, он продолжил работать над монументальными проектами, внося значительный вклад в культурное наследие не только Грузии и России, но и многих других стран.
Зураб Церетели также является автором значительного количества произведений, находящихся в постоянных экспозициях музеев и галерей по всему миру. Его работы украшают множество публичных пространств, делая искусство доступным широкой аудитории.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, и вас интересуют работы Зураба Церетели, предлагаем подписаться на обновления. Мы будем регулярно информировать вас о новых продажах произведений и аукционах, связанных с творчеством этого великого художника.
