Художники-графики Автопортрет


Самуэль Йессурун де Мескита (нидерл. Samuel Jessurun de Mesquita) был выдающимся нидерландским художником и графиком, чьё творчество оказало заметное влияние на развитие модернизма в искусстве. Родившийся в Амстердаме в семье сефардских евреев, де Мескита с ранних лет проявлял интерес к искусству, экспериментируя с различными техниками и материалами. Его работы, особенно гравюры на дереве, отличались глубоким изобразительным мастерством и уникальным стилем, включающим элементы фантастики, юмора и меланхолии.
Преподавая в Школе архитектуры и декоративных искусств в Харлеме, де Мескита оказал значительное влияние на своих учеников, среди которых был известный график М. К. Эшер. Эшер сохранял тёплые отношения с де Мескитой и после его трагической смерти в концентрационном лагере Освенцим вместе с семьёй помогал сохранить и продвигать наследие своего учителя.
Во время нацистской оккупации Нидерландов де Мескита был вынужден вести уединённый образ жизни, ограничив свою работу в основном эскизами. Трагедия обрушилась на семью в зиму 1944 года, когда Самуэль, его жена Элизабет и их единственный сын Яап были арестованы и отправлены в Освенцим, где вскоре были убиты.
Творчество Самуэля Йессурун де Мескита, включая его портреты и самопортреты, до сих пор вызывает восхищение своей глубиной и мастерством. Его работы находятся в коллекциях многих музеев, в том числе в амстердамском музее "Стеделейк", благодаря усилиям Эшера, который организовал мемориальную выставку в 1946 году.
Приглашаем вас подписаться на обновления и узнавать о новых продажах продукции и аукционных мероприятиях, связанных с Самуэлем Йессурун де Мескита. Это позволит вам глубже погрузиться в мир его искусства и сохранить память о великом художнике.


Кристофано Аллори — итальянский (флорентийский) живописец. Увлекшись эклектическим направлением, он стремился в своих произведениях к блеску красок, к эффектной игре светотенью, к большой рельефности изображенного, что вполне удалось ему в некоторых картинах. Его кисти принадлежат несколько отличных портретов.




Василий Васильевич Беляшин, российский художник, график и живописец Серебряного века, оставил заметный след в истории русского искусства. Родился в 1874 году в Виленской губернии, он начал своё обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества под руководством В. А. Серова, а затем продолжил образование в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств. Его талант был отмечен уже в студенческие годы: за этюд он получил малую серебряную медаль и звание неклассного художника.
Беляшин активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы были представлены на Весенних выставках и выставках Товарищества художников, а также в различных журналах, таких как «Новое время» и «Вершины». Его иллюстрации и живописные произведения пользовались успехом и признанием среди современников.
Произведения Василия Васильевича находятся в ведущих музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что свидетельствует о высокой оценке его вклада в искусство. Это делает его творчество значимым не только для истории русского искусства, но и для коллекционеров и исследователей.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, произведения Беляшина представляют особенную ценность. Его уникальный стиль и вклад в развитие живописи и графики делают его одним из выдающихся художников своего времени. Чтобы узнать больше о его работах и возможностях приобретения, рекомендуем подписаться на обновления и уведомления о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с Василием Васильевичем Беляшиным.




Исаак Израилевич Бродский — выдающийся русский художник, чьё имя знакомо каждому ценителю искусства. Родившийся в Софиевке (ныне Украина) в 1884 году, Бродский стал выдающимся представителем советской живописи, специализируясь на портретах, а также исторических и революционных сюжетах. Его талант был широко признан не только в России, но и за её пределами.
Творчество Бродского отличается глубиной и эмоциональной насыщенностью. Художник сумел создать уникальный стиль, в котором переплелись реализм и личностное видение исторических событий. Его работы несут в себе не только эстетическую ценность, но и служат историческим документом своего времени.
Среди самых известных произведений Бродского – портреты В. И. Ленина и других ведущих деятелей советского государства, а также картины, посвящённые ключевым моментам революционной истории России. Многие из его работ сегодня хранятся в ведущих музеях страны, включая Русский музей и Третьяковскую галерею.
Бродский также занимал важное место в образовательной сфере, будучи профессором и руководителем мастерской в Академии художеств. Его вклад в развитие русского искусства и подготовку новых поколений художников трудно переоценить.
Мы приглашаем всех ценителей искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Исааком Израилевичем Бродским. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим художником. Не упустите возможность узнать больше о наследии Бродского и приобрести часть истории.


Артур Брузенбаух — австрийский художник. Артур Брузенбаух учился у Иоганна Каутского, а затем работал декоратором сцены. В 1920 году он стал членом Венского сецессиона, в 1939 году перешел в Кюнстлерхаус. В 1928 году представлял Австрию на художественных конкурсах Олимпийских игр 1928 года. С 1937 по 1941 год участвовал во всех крупных немецких художественных выставках в Мюнхене с семью картинами маслом. В 1939 году Гитлер приобрел картину «Мельк-ан-дер-Донау» в праздничных украшениях. Брузенбаух, которого относят к позднему импрессионизму, занимался фресковой живописью и графикой.


Варвара Дмитриевна Бубнова — выдающаяся русская художница, педагог и искусствовед, чья жизнь и творчество оказали значительное влияние на развитие искусства в России и Японии. Она родилась в Санкт-Петербурге и окончила Императорскую Академию художеств, став активной участницей художественной жизни начала 20-го века. В 1923 году Бубнова переехала в Японию, где прожила более 30 лет, внося вклад в культурное взаимодействие между двумя странами. Она преподавала русский язык и литературу, вела лекции по русскому искусству и литературе, и разработала новый метод автолитографии на цинке, что повлияло на развитие литографии в Японии.
Бубнова участвовала в выставках японского авангарда и была членом нескольких художественных обществ. В Японии она подружилась с местными художниками и активно выставлялась, провела несколько персональных выставок. В 1958 году вернулась в СССР, где продолжила творческую и педагогическую деятельность, проведя множество выставок по всей стране. Её вклад в развитие культурных связей между СССР и Японией был отмечен орденом Драгоценной короны IV степени.
Работы Варвары Бубновой хранятся в Государственном Русском музее, а также в частных коллекциях и музеях по всему миру. Среди её известных произведений - "Портрет переводчика X. Никамуры", "Японец в кимоно", "Следы войны" и "Хризантемы". Она также оставила значительное наследие в виде публикаций по русскому искусству и литературе, а также воспоминаний о жизни в России и Японии.
Её вклад в искусство и культуру, а также межкультурное взаимопонимание между Россией и Японией, делают её фигурой глобального масштаба. Варвара Бубнова была не просто художником, но и мостом между культурами, чьё наследие продолжает вдохновлять новые поколения.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Варвары Дмитриевны Бубновой, приглашаем подписаться на обновления. Это позволит получать информацию о новых выставках, аукционах и событиях, связанных с её творчеством.


Александр Богданович Виллевальде был русским художником немецкого происхождения, известным своими батальными и анималистическими картинами. Родился в 1857 году в Санкт-Петербурге в семье живописца Богдана Павловича Виллевальде. Его обучение прошло в Императорской академии художеств, где он быстро стал одним из лучших студентов, получив множество наград.
Одной из его значимых работ является картина "Главнокомандующий имперской армией генерал Тилли в опасности", которая принесла ему большую золотую медаль. Виллевальде также специализировался на изображениях лошадей, что делало его востребованным среди крупных коннозаводчиков.
Его произведения хранятся в таких музеях, как Государственный Эрмитаж и Музей коневодства в Москве. Работы Виллевальде ценятся коллекционерами и часто появляются на аукционах, где вызывают большой интерес.
Подпишитесь на обновления, чтобы первыми узнавать о новых поступлениях и аукционных событиях, связанных с произведениями Александра Богдановича Виллевальде.


Надежда Савельевна Войтинская-Левидова была выдающейся российской и советской художницей, переводчицей и искусствоведом, жившей в период с 1886 по 1965 год. Родилась она в Санкт-Петербурге в семье математика и педагога Савелия Осиповича Войтинского и Вильгельмины Лазаревны Берман. Надежда начала свое образование в ЦУТР барона Штиглица, продолжила учебу за рубежом в странах Европы и сблизилась с группой "Мир искусства". Она активно участвовала в художественной жизни начала XX века, создавая портреты культурных деятелей для журнала "Аполлон".
Войтинская-Левидова оставалась в блокадном Ленинграде во время Великой Отечественной войны, работая в Бюро пропаганды Союза писателей и выступая в госпиталях. После войны она преподавала иностранные языки и заведовала кафедрой иностранных языков во Всесоюзном заочном лесотехническом институте.
Ее работы сегодня можно найти в коллекциях Государственного Русского музея, Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина и Государственного литературного музея. Среди наиболее известных произведений - портреты М. А. Кузмина, Н. С. Гумилева и "Портрет дамы в испанском".
Ее жизнь и творчество являются важной частью культурного наследия России, подчеркивая значимость ее вклада в развитие русского искусства и литературы.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Надеждой Савельевной Войтинской-Левидовой.


Максимилиан Александрович Волошин — знаменитый русский поэт-символист, художник, литературный критик и искусствовед. Его жизнь и творчество тесно связаны с Крымом и Коктебелем, где он воплотил мечту о коммуне художников. Волошин вырос в интеллектуальной атмосфере, с ранних лет увлекался литературой и искусством, благодаря чему стал одной из ярких фигур Серебряного века. Его творчество охватывает не только поэзию, но и изобразительное искусство, причем в качестве художника Волошин получил признание за свои акварельные пейзажи Крыма, которые он создавал по памяти, отличаясь философским и пантеистическим взглядом на природу.
Волошин много путешествовал по Европе, посещал Вену, Италию, Швейцарию, Париж, Грецию и Константинополь, где изучал литературу, слушал лекции в Сорбонне и занимался живописью. Эти путешествия обогатили его знаниями и позволили ему вступить в круг европейских интеллектуалов и художников, таких как Гийом Аполлинер, Анатоль Франс, Анри Матисс и Пабло Пикассо. В своем доме в Коктебеле Волошин создал уникальную атмосферу, где собирались известные поэты, писатели и художники того времени.
Несмотря на талант и вклад в культуру, после революции Волошина перестали публиковать в Советской России, и лишь после его смерти его творчество снова стало доступно читателям. Максимилиан Волошин оставил после себя значительное наследие, которое продолжает вдохновлять и сегодня. Его работы хранятся в музеях и являются важной частью русской культурной истории.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, и интересуетесь творчеством Максимилиана Волошина, рекомендуем подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником и поэтом.


Владимир Иванович Гау (нем. Woldemar Hau) был выдающимся русским художником-портретистом, чьи работы преимущественно создавались в технике акварели. Гау родился в семье художника в Ревеле (ныне Таллин), и с юных лет начал свое обучение в области изобразительного искусства. Он проявил свой талант уже в подростковом возрасте, получив шанс портретировать членов императорской семьи благодаря своему мастерству и уникальному стилю.
Гау известен своими портретами высшего общества и членов императорской семьи России, в том числе таких известных личностей, как Царь Николай I и Царица Александра Федоровна. Его работы отличаются высокой степенью детализации и способностью передать внутренний мир изображаемых персонажей, что делает его портреты ценными историческими документами той эпохи.
Карьера Гау была тесно связана с Императорской академией художеств, где он вначале учился, а затем и сам стал значимой фигурой, внося вклад в развитие русской живописи. Его произведения до сих пор можно увидеть в музеях и на выставках, где они продолжают привлекать внимание как искусствоведов, так и широкой публики.
Если вы заинтересованы в русском искусстве и портретной живописи, Владимир Иванович Гау - это имя, которое необходимо знать. Чтобы узнать больше о его работах и возможных выставках, рекомендуем подписаться на обновления, которые будут информировать вас о продажах произведений и аукционных событиях, связанных с его творчеством.


Луис Кристиан Гесс (нем. Louis Christian Hess), имя при рождении Алоис Антон Гесс (нем. Alois Anton Hess) — австрийский художник и скульптор немецкого движения Neue Sachlichkeit («Новая вещественность»).
Во время Первой мировой войны Гесс сражался на французском фронте в Сомме и Арденнах, а уже после обучался живописи в Bayerische Akademie der Bildenden Künste в Мюнхене.
Луис Кристиан Гесс часто ездил к сестре в Италию, где черпал вдохновение в цветах и средиземноморском свете.
В 1928 году сблизился с Максом Бекманом. В 1929 году он присоединился к движению Juryfreie, которое возглавлял до его запрета в 1933 году национал-социалистическим режимом. Политика нацизма в отношении к художникам привела Гесса к добровольному изгнанию.


Рольф Гит (нем. Rolf Gith) — немецкий художник, рисовальщик и дизайнер. Он изучал живопись в Университете изящных искусств в Гамбурге. Занимался преподавательской деятельностью в разных высших учебных заведениях. Гит является членом ассоциации художников Германии.
Рольф Гит работал в разных жанрах: увлекался обнаженной натурой, рисовал портреты окружающих его людей, а также многочисленные автопортреты. С 1996 года центральными темами в его творчестве становятся цвет и свет.


Наталья Сергеевна Гончарова, русская художница-авангардистка, родилась в 1881 году. Она известна своими работами в таких стилях как кубофутуризм и лучизм. Училась в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, где её наставником был К. А. Коровин. Влияние Михаила Ларионова, будущего мужа Гончаровой, оказалось решающим в её переходе от скульптуры к живописи.
С 1906 года Гончарова активно участвует в художественной жизни, принимая участие в выставках в России и за рубежом. Её работы отличались экспериментальным подходом к цвету и форме, а также использованием мотивов русского фольклора и иконописи. Сама художница не признавала ограничений в искусстве, работая в различных направлениях от импрессионизма до футуризма и примитивизма.
Её первая персональная выставка в 1913 году вызвала скандал из-за обвинений в порнографии, однако уже на следующий день Гончарова была оправдана. Эта выставка принесла ей широкую известность и изменила отношение к авангардному искусству в целом. В Третьяковской галерее хранятся несколько её работ.
Коллекция Русского музея включает 13 произведений Гончаровой, среди которых такие работы, как "Беление холста", "Борцы", "Натюрморт с портретом и белой скатертью" и другие.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата и хотите узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с Натальей Сергеевной Гончаровой, подписывайтесь на наши обновления.


Гюнтер Вильгельм Грасс (нем. Günter Wilhelm Grass) — немецкий писатель, скульптор, художник и график. Лауреат Нобелевской премии по литературе 1999 года.
Грасс был членом объединения немецкоязычных авторов «Группа 47» (нем. Gruppe 47). Благодаря дебютному роману «Жестяной барабан» (нем. Die Blechtrommel) (1959 год) получил международное признание как выдающийся немецкий писатель послевоенного периода.
Творчество Грасса и его роль как писателя и представителя интеллигенции, активно участвующего в политической жизни, были и остаются предметом глубоких исследований и продолжают вызывать неослабевающий интерес читателей и СМИ как в Германии, так и во всём мире. Главной мотивацией для Грасса была утрата его родного города Данцига и осмысление опыта нацизма, что нашло отражение практически во всех его произведениях. Благодаря своей известности и популярности, он публично комментировал политические и общественные события. Его книги переведены на целый ряд языков, некоторые из произведений экранизированы.


Борис Дмитриевич Григорьев — знаменитый русский художник, чьё творчество оставило неизгладимый след в истории мирового искусства начала XX века. Родившись в 1886 году, с ранних лет Григорьев проявил ярко выраженный талант к живописи, что позволило ему уже в юности успешно копировать произведения известных художников. Несмотря на желание отца видеть сына коммерсантом, Григорьев посвятил свою жизнь искусству, обучаясь в Строгановском училище и позже в Академии художеств в Петербурге.
Живописец известен своими графическими и живописными циклами, в которых он стремился соединить изображение с текстом, создавая уникальный вид "экспонирования" в книге. Его работы, такие как издания циклов "Intimité" и "Расея", показывают глубокое понимание и любовь к русской культуре и народу, отражая повседневную жизнь русской деревни и её жителей с невероятной искренностью и мастерством.
Григорьев также был известен своими портретами, в которых часто использовал гротеск, чтобы раскрыть внутренний мир изображаемых личностей. Среди наиболее знаковых его работ - портреты М. Горького и В. Э. Мейерхольда, которые демонстрируют не только внешнее сходство, но и глубокий психологический портрет персонажей.
После революции 1917 года Григорьев был вынужден покинуть Россию, и большую часть своей жизни провёл за границей, в Европе и США, где продолжал работать и создавать произведения, вдохновляющие на размышления о судьбах России и её культуре.
Его работы находятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, продолжая привлекать внимание искусствоведов и коллекционеров. На протяжении всей своей карьеры Григорьев оставался верен своему стилю, отличающемуся глубоким лиризмом и острой социальной направленностью, что делает его одним из наиболее выдающихся представителей русского искусства первой половины XX века.
Если вас интересует творчество Бориса Дмитриевича Григорьева и вы хотите узнавать о новых выставках его работ, продажах и аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и открыть для себя уникальное наследие этого выдающегося художника.


Курт Гюнтер (нем. Kurt Günther) — немецкий живописец и график, известный своими экспрессионистскими работами.
В 1920-х и 1930-х годах Гюнтер разработал уникальный стиль, сочетающий элементы экспрессионизма и сюрреализма. В его работах часто появлялись искаженные фигуры и мечтательные пейзажи, он часто использовал яркие цвета и смелые, графические формы.
Несмотря на относительно короткую карьеру, творчество Гюнтера оказало значительное влияние на развитие немецкого модернизма. Его картины и гравюры хранятся в коллекциях по всей Германии.


Жан-Огюстен Дайвайл — голландский художник-портретист и литограф. Представитель романтизма. Учился у художника Адриана де Лели. В 1812 году получил премию Академии изобразительных искусств города Амстердама. С 1820 по 1826 год был директором королевской Академии изобразительных искусств в Амстердаме. В 1828 году вместе со своим бывшим учеником основал производство литографий в Амстердаме. В 1832 году переехал в Роттердам, где успешно занимался созданием портретов.


Жюль де Брёйкер (нидерл. Jules de Bruycker) — бельгийский художник. Работал в технике акварели, графики, офорта. Художественный талант Жюля проявился в раннем возрасте и он начал изучать живопись в Академии изящных искусств. Четыре года спустя он прекратил посещать художественные классы и присоединился к семейному бизнесу. После девятилетнего перерыва снова поступил в Гентскую академию. Впервые выставил свои работы на Гентском салоне в 1903 году. Тогда правительство купило его акварель «Тряпичный рынок» (Voddenmarkt). С 1906 года начал работать в технике офорта. В 1914-1919 году жил в Лондоне, после чего вернулся в Гент. Родной город стал важным объектом его творчества. Он неоднократно изображал городские пейзажи и памятники архитектуры, в особенности — церковь Святого Николая и Замок графов Фландрии, рядом с которыми жил в детстве. О его интересе к архитектуре свидетельствует созданная им серия офортов с изображениями соборов Фландрии и Франции. В то же время в творчестве Де Брёйкера уделяется внимание бедным «маленьким» людям. Героями его работ были бедняки, старики, уличные дети, а также среда их повседневной жизни — бедные районы, блошиные рынки.


Джузеппе Мария Альберто Джорджо де Кирико (итал. Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico), более известный как Джорджо де Кирико, является выдающимся итальянским художником, чьё имя неразрывно связано с метафизической живописью. Его уникальный стиль отличается использованием странных, мечтательных пейзажей, наполненных таинственной атмосферой, которая заставляет зрителя задуматься о глубине бытия и внутреннем мире человека. Де Кирико родился в Греции, но всю свою жизнь тесно связывал с Италией, где и получил основное образование и вдохновение для своих работ.
С самого начала своей карьеры Де Кирико стремился к инновациям в искусстве, создавая произведения, которые выходили за рамки привычного восприятия живописи. Его картины, такие как «Загадочный посланник» и «Песни любви», характеризуются игрой света и тени, а также присутствием классических архитектурных элементов, которые создают ощущение вне времени. Эти работы не просто демонстрируют мастерство художника в области живописи, но и открывают новые горизонты для понимания субъективного опыта реальности.
Де Кирико оставил неизгладимый след в истории искусства, оказав влияние на многих художников 20-го века, включая представителей сюрреализма. Его работы сегодня можно увидеть в ведущих музеях мира, таких как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне, где они продолжают вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Джорджо де Кирико - это фигура, символизирующая поиск новых форм и смыслов в искусстве, его творчество является мостом между прошлым и будущим, предлагая зрителям не просто любоваться красотой, но и размышлять о загадках человеческого существования. Мы приглашаем всех, кто интересуется культурой и искусством, подписаться на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Джорджо де Кирико. Ваша подписка откроет вам двери в мир высокого искусства, где прошлое встречается с будущим.


Жан-Франсуа́ де Труа́ (фр. Jean-François de Troy) — французский художник эпохи Рококо; сын и ученик Франсуа де Труа (1645-1730).
Пользовался репутацией отличного художника. Написал множество крупных и небольших картин во всех родах, для церквей, дворцов и частных заказчиков. Лёгкость, с какою давалась ему композиция, приобретённый технический навык и светский, рассеянный образ жизни мешали ему строго обдумывать изображаемые сцены и внимательно заканчивать исполнение своих произведений.


Феликс дель Марле (фр. Felix del Marle) — французский художник и дизайнер, связанный с авангардными движениями начала XX века, в частности, с орфизмом и De Stijl. Первоначально он находился под влиянием кубизма, но позже принял принципы орфизма, движения, основанного Робером Делоне и характеризующегося использованием ярких цветов и геометрических форм для создания абстрактных композиций.
Феликс дель Марле исследовал динамичное взаимодействие цветов и форм, чтобы вызвать ощущение ритма и движения. В его работах часто присутствуют перекрывающиеся плоскости, смелые цветовые контрасты и ощущение оптической вибрации.
Феликс дель Марле также оказал значительное влияние на движение De Stijl, которое стремилось свести искусство к его основным геометрическим элементам и цветам. Он сотрудничал с Питом Мондрианом и Тео ван Дусбургом.
Помимо живописи, дель Марле занимался промышленным и графическим дизайном, применяя свои принципы для создания мебели, текстиля и типографики. Он верил в интеграцию искусства в повседневную жизнь и синтез художественных дисциплин.


Густав ден Дуйтс (фр. Gustave Den Duyts) — бельгийский живописец, акварелист, пастелист, офортист и график, известный своими пейзажами. Его офорты принесли ему приз в 1875 году на конкурсе, проводимом журналом Journal des Beaux-Arts. С другой стороны, на Пятой выставке Vereniging der Gentsche Kunstoefenaren его картина подверглась критике за то, что была слишком современна. Неопределенные формы заставляли зрителя щуриться, чтобы разглядеть рисунок; эта расплывчатость теперь рассматривается как предтеча фламандского импрессионизма. Большая часть его работ представляла собой городские пейзажи или пейзажи с меланхолическим чувством, часто с заходящим солнцем или восходящей луной и обычно сделанные осенью или зимой. Пейзажи обычно голые и стилизованные, что выдает тот факт, что он был искусным гравером, но никогда не детализировал свои работы. Фигуры людей или животных не имеют резких очертаний, а словно растворяются в фоне.


Франц Долль — немецкий живописец, рисовальщик и график. Cпециализировался на портретной живописи и пейзажах. Создал многочисленные портреты известных личностей. Работы художника находятся в Staatliche Graphische Sammlung в Мюнхене. С 1938 по 1947 год был профессором Дюссельдорфской академии художеств. В 1928 году удостоен Художественной премии города Мюнхена, в 1930 году — премии Альбрехта Дюрера города Нюрнберга и в 1940 году — медали Гёте. Был членом мюнхенского Нового сецессиона с 1930 года, с 1946 года состоял в Новой группе (преемник Нового сецессиона). Был одним из основателей Ассоциации оригинальных гравюр и членом ассоциации семи мюнхенских живописцев. В 1938 и 1943 годах принимал участие в Больших немецких художественных выставках в Мюнхене.


Альбрехт Дюрер (нем. Albrecht Dürer) — знаменитый немецкий художник, график и теоретик искусства эпохи Высокого Возрождения. Родившийся в Нюрнберге, Дюрер с раннего возраста занимался художественным творчеством, совершенствуя свои навыки в мастерской своего отца-ювелира. Позже он стал учеником художника и иллюстратора Михаэля Вольгемута, что оказало значительное влияние на его развитие как художника.
Дюрер известен своими гравюрами на дереве и меди, среди которых наиболее известны серии "Апокалипсис" (1498), "Адам и Ева" (1504), "Святой Иероним в своей келье" (1514) и "Ринокерос" (1515). Его работы отличаются высоким качеством исполнения, вниманием к деталям и реалистичным изображением человеческого тела и природы. Дюрер также создал ряд впечатляющих автопортретов, демонстрирующих его мастерство и самосознание как художника.
Одной из заметных черт Дюрера было его стремление к инновациям в искусстве, включая введение классических мотивов в североевропейское искусство, основанных на его знаниях о работах итальянских художников и немецких гуманистов. Это сыграло ключевую роль в утверждении его репутации как одного из важнейших деятелей Северного Возрождения. Дюрер также был официальным дворовым художником Священной Римской империи при императорах Максимилиане I и Карле V, для которых он разрабатывал и руководил реализацией различных художественных проектов.
Важной частью наследия Дюрера являются его теоретические трактаты, в которых он затрагивает принципы математики, перспективы и идеальные пропорции в искусстве. Эти работы оказали значительное влияние на развитие искусства и архитектуры в последующие века.
Произведения Дюрера представлены во многих музеях и галереях мира, в том числе в Прадо, Альте Пинакотеке и Метрополитен-музее. Его картины и гравюры привлекают внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, и продолжают вдохновлять новые поколения художников и искусствоведов.
Мы приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Альбрехтом Дюрером, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим выдающимся художником.


Пауль Кайзер (нем. Paul Kayser) — немецкий живописец и график. После обучения в качестве художника-декоратора Кайзер посещал Школы прикладного искусства в Мюнхене и Дрездене.
Пауль Кайзер был одним из основателей Гамбургского клуба художников 1897 года и Гамбургского сецессиона, а также членом Гамбургской ассоциации художников и Ассоциации художников Альтона. На его стиль оказал решающее влияние Альберт Марке, с которым Кайзер познакомился в 1909 году.
В 1937 году натюрморт Кайзера был конфискован из музея в Хузуме в рамках нацистской кампании «Дегенеративное искусство».


Джулио Карпиони (итал. Giulio Carpioni) — выдающийся итальянский художник и гравер раннего барокко, активно работавший в Венеции и Виченце. Он родился вероятно в Венеции и изучал искусство под руководством Алессандро Варотари, также известного как Падованино. Карпиони был под влиянием работы Симоне Кантарини, Карло Сарачени и Жана Леклерка. С 1638 года он осел в Виченце, где и создал большинство своих работ.
Джулио Карпиони известен своими историческими и бакханальными сценами, а также многочисленными религиозными сюжетами небольшого размера, которые можно увидеть в церквях Венецианских государств. Его работы представлены в галереях Аугсбурга, Дрездена, Вены, Модены и Флоренции. Среди его важнейших произведений — «Апофеоз семьи Дольфин» (1647) и «Аллегория семьи Гримани» (1651), а также «Триумф Силенуса» в Галерее Академии в Венеции.
Он также был известен своими гравюрами, лучшие из которых изображают Святого Антония Падуанского, Христа на горе Масличной, читающую Деву Марию и Деву Марию с розарием. В своих работах Карпиони часто сотрудничал с другими художниками, как, например, с Франческо Калдеи, который добавлял в его композиции элементы натюрморта или животных.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, творчество Джулио Карпиони остается важным источником вдохновения. Подписывайтесь на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с произведениями Джулио Карпиони.


Карл Кёппинг (нем. Karl Köpping) — немецкий художник, гравер и стеклодув.
В основном он создавал офорты по мотивам известных произведений прошлых веков, особенно Рембрандта, а также Хальса, Гейнсборо или Мункачи. Он также создавал предметы искусства в стиле модерн из витого стекла.
Он был награжден орденом Почетного легиона и медалью I степени Мюнхенской художественной выставки, а также Гран-при Всемирной выставки в Париже в 1889 году.


Орест Адамович Кипренский — выдающийся русский портретист, чьё творчество оставило значимый след в русском искусстве. Получив образование в Санкт-Петербургской академии художеств, Кипренский отправился в Италию, где его работы вызывали восхищение и даже недоверие из-за невероятного мастерства. Среди наиболее известных произведений Ореста Кипренского — портрет Александра Пушкина, созданный в 1827 году, который по праву считается одним из символов русской культуры.
Творческий путь Кипренского был неразрывно связан с его жизненными перипетиями, в том числе с временем, проведенным в Италии и Париже, где он испытал как восхищение, так и несправедливость. Художник создал множество портретов, которые считаются энциклопедией русского общества того времени. Его работы отличаются глубокой психологической проникновенностью и вниманием к деталям, что делает его портреты живыми и выразительными.
Его произведения можно увидеть во многих музеях и галереях, где они продолжают привлекать внимание ценителей искусства. Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, Кипренский — это фигура, которая несомненно заслуживает вашего внимания. Подписывайтесь на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с произведениями Ореста Кипренского.


Герман Кольманн – швейцарский и немецкий живописец, скульптор и график. Писал пейзажи, портреты и фигуры. Кольманн учился в Дрезденской академии у Рихарда Мюллера и Макса Фельдбауэра. В 1934 году получил премию Хьюго Гёпферта. В 1937 году стал известен широкой публике благодаря выставке в Дрезденском художественном салоне Эмиля Рихтера. Также экспонировался на Больших немецких художественных выставках в 1937 и 1938 годах. После службы в армии и пребывания в плену снова работал в Дрездене. Многие его работы показывают реконструкцию города. Кольманн был членом Ассоциации художников-визуалистов ГДР. С 1970 по 1980 год работал реставратором в Музее истории города Дрездена.


Бернхард Кречмар (нем. Bernhard Kretzschmar) — немецкий живописец и график.
Кречмар учился в Дрезденской академии, в 1920 году уничтожил большую часть своих работ и начал карьеру заново. В 1932 стал сооснователем Дрезденского сецессиона, но позже социал-демократы запретили его как дегенеративного художника, а его картины вывезли из музеев и галерей. Кречмар ненавидел нацистов, и ему пришлось спасаться бегством из страны.
Как и многие художники его поколения, он увлекался экспрессионизмом, затем переключился на веризм. Он умело пробовал себя и в футуризме, и в импрессионизме. Он писал картины на темы социальной нищеты, а также комично изображал буржуазный образ жизни. В 1945 году большинство его работ было уничтожено авианалетом.
После Второй мировой войны социальные мотивы отошли на второй план, и Кречмар больше сосредоточился на пейзажах, чаще в пригородных районах Дрездена. Он также написал в течение жизни несколько автопортретов с мрачным, скептическим и ироническим выражением лица, которые дают яркую характеристику художника.
С 1946 года Бернхард Кречмар работал профессором Университета изящных искусств в Дрездене. В 1959 году он получил Национальную премию ГДР, с 1969 — член-корреспондент Немецкой академии художеств в Восточном Берлине.


Мэри Стивенсон Кэ́ссетт (англ. Mary Cassatt) была американской художницей, прославившейся своим участием в движении импрессионистов. Родившаяся в Пенсильвании, она провела большую часть своей жизни во Франции, где сотрудничала с такими мастерами, как Эдгар Дега и Камиль Писсарро. Кэссетт известна своими изображениями женщин и детей, что отражает её интерес к интимным аспектам женской жизни и воспитания.
Её раннее образование в области искусства началось в Академии изящных искусств в Филадельфии, и уже в молодости она стремилась к самостоятельному изучению искусства старых мастеров. После переезда в Париж Кэссетт училась у Жана Леона Жерома, а затем самостоятельно копировала работы в Лувре, что было традиционной практикой для художников того времени.
Одним из самых известных её произведений является картина "В лодке" ("The Boating Party"), находящаяся в Национальной галерее искусства в Вашингтоне. Это произведение демонстрирует её уникальный стиль, который сочетает влияние европейского искусства и новаторские приемы импрессионизма.
На заре XX века Кэссетт также играла важную роль в формировании коллекций искусства в США, советуя коллекционерам приобретать как работы старых мастеров, так и авангардных французских художников. Её вклад в искусство оценивается не только через её собственные работы, но и через её влияние на коллекционирование искусства.
Подпишитесь на обновления и узнавайте о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Мэри Стивенсон Кэссетт.


Курт-Герман Кюн (нем. Kurt-Hermann Kühn) — немецкий художник и график. Прошел обучение в качестве художника-декоратора и учился с 1946 по 1952 год в Академии графики и полиграфии в Лейпциге, а также в Берлине в Академии изящных и прикладных искусств.
Курт-Герман Кюн совершил поездки в Сирию и Египет. Эти путешествия отражены во многих его картинах. Помимо обширной живописной и графической работы, им создано множество крупноформатных росписей, в основном фресок. Его портреты женщин и эротические рисунки также привлекли большое внимание критиков.


Александр Иванович Лактионов, знаменитый советский художник, родился в 1910 году в Ростове-на-Дону и оставил значительный след в искусстве социалистического реализма. Его творчество характеризуется высокой детализацией и почти фотографической точностью, что вызывало как восторг, так и критику среди современников. Лактионов получил образование в Ленинградской академии искусств и был учеником Исаака Бродского, под чьим влиянием он развил свой уникальный стиль, следуя традициям великих мастеров прошлого.
Одним из наиболее известных произведений Лактионова является картина "Письмо с фронта" (1947), созданная в Загорске и экспонируемая в Третьяковской галерее. Это произведение, наполненное теплом и оптимизмом, стало символом послевоенного времени в Советском Союзе и принесло художнику всемирную известность. Лактионов также известен своими жанровыми картинами, такими как "В новую квартиру" (1952) и "Обеспеченная старость" (1958-1960), которые представляют идеализированный образ советской жизни.
Кроме того, Александр Иванович был активным участником культурной жизни СССР, создавая портреты известных советских деятелей, актеров, врачей, солдат и космонавтов, включая портрет Иосифа Сталина. За свой вклад в искусство он был удостоен звания народного художника РСФСР, получил Сталинскую премию и другие награды.
Лактионов умер в 1972 году и был похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве. Несмотря на прошедшие годы, его творчество продолжает вызывать интерес и по сей день экспонируется в ведущих музеях, включая музей Гуггенхайма.
Для тех, кто интересуется искусством и культурой, жизнь и творчество Александра Ивановича Лактионова остаются вдохновляющим примером мастерства и преданности своему делу. Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим выдающимся художником.


Михаил Фёдорович Ларионов был выдающимся российским художником, чьё творчество оказало значительное влияние на развитие искусства XX века. Родившийся в 1881 году, Ларионов не только проявил себя как талантливый живописец, но и стал одним из основателей авангардного направления в российском искусстве. Его работы отличаются экспериментами с цветом, формой и перспективой, что делает их уникальными и узнаваемыми.
Ларионов был одним из пионеров русского авангарда и, вместе с Наталией Гончаровой, создал направление, известное как "лучизм", стремясь передать динамику и движение с помощью "лучей" цвета. Эта техника стала одним из его важнейших вкладов в развитие современного искусства. Ларионов также активно участвовал в различных художественных выставках и организациях, способствуя развитию культуры и искусства в России и за рубежом.
Произведения Ларионова находятся в многочисленных музейных коллекциях по всему миру, включая Государственную Третьяковскую галерею в Москве и Музей современного искусства в Нью-Йорке. Его работы продолжают привлекать внимание коллекционеров и экспертов в области искусства, оставаясь значимыми и востребованными на аукционах.
Ларионов не просто оставил след в истории искусства; он изменил её, предложив новые формы и методы выражения, которые вдохновляют художников до сих пор. Его наследие продолжает изучаться и переосмысливаться, подчёркивая его вклад в культурное наследие мирового искусства.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений Михаила Фёдоровича Ларионова и событиях на аукционах. Это ваш шанс быть в курсе самых значимых событий, связанных с работами этого выдающегося художника.


Жан Леман (нем. Jean Lehmann) — швейцарский живописец, график и скульптор.
Жан окончил Школу прикладных искусств Люцерна, учился в Академии изящных искусств Венеции и в Академии изящных искусств в Мюнхене. Леман работал в Ледниковом саду в Люцерне и гидом в горных отелях, поэтому многие картины его представляют собой горные заснеженные пейзажи. Художник особенно любил писать деревенские пейзажи, сельские сцены спокойной жизни, также он создавал портреты и натюрморты в самых различных техниках. Он также нарисовал серию акварелей и рисунков мелом швейцарских традиционных костюмов.
Леман работал и в рекламном бизнесе, создавая плакаты для спортивных состязаний и туристических компаний.


Йохан Томас Лундби (дат. Johan Thomas Lundbye) — датский художник и график, известный своими пейзажами родной страны и изображениями животных.
Он обучался в Датской королевской академии изящных искусств и откликнулся на призыв развивать национальное искусство, изображая характерные пейзажи Дании, памятники и исторические места, а также жителей страны.
Виды курганов, скал и прибрежий Лундби были по достоинству оценены — он стал одним из национальных художников-романтиков своего поколения.


Рувим (Илья) Моисеевич Мазель (англ. Ruvim (Ilya) Mazel) — российский и советский художник, иллюстратор и педагог. Учился живописи у Николая Рериха и Александра Бенуа.
В «европейский» период жизни сильное влияние на Мазеля оказывал мюнхенский модерн, а после переезда в Ашхабад основными в картинах художника становятся восточные мотивы.


Константин Егорович Маковский — знаменитый русский художник, чьё творчество оставило значительный след в истории искусства. Родившийся в 1839 году, он получил прекрасное образование в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, а затем продолжил обучение в Императорской академии художеств в Санкт-Петербурге. Константин Маковский был частью Санкт-Петербургской артели художников и внёс значительный вклад в развитие жанра живописи, посвящённого повседневной жизни простых граждан.
Его произведения, такие как «Исцеление слепых» (1860) и «Агенты Дмитрия Самозванца убивают сына Бориса Годунова» (1862), демонстрируют глубокое понимание истории и культуры, а также мастерство передачи человеческих эмоций и характеров.
В середине 1870-х годов после путешествия в Египет и Сербию стиль Константинf Маковского претерпел изменения, сосредоточившись на художественных проблемах цвета и формы. В 1880-х годах он стал модным автором портретов и исторических картин, получив высокое признание и став одним из самых высокооплачиваемых русских художников того времени.
Творчество Константинf Маковского по-прежнему вызывает интерес у коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата. Его картины хранятся во многих известных музеях и галереях по всему миру.
Если вы желаете получать актуальные обновления о новых открытиях и аукционных событиях, связанных с произведениями Константина Егоровича Маковского, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей в мире искусства и антиквариата.


Владимир Егорович Маковский — выдающийся русский художник-передвижник, педагог и коллекционер. Он родился в Москве и стал одним из основателей Товарищества передвижных художественных выставок. Маковский известен своими жанровыми картинами, которые часто отражают жизнь простого народа, искусно передавая эмоции и социальные наблюдения.
Владимир учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где позже преподавал, и внес значительный вклад в развитие русской художественной школы. Среди его знаменитых работ — «Осуждённый», «Любители соловьев», «Ожидание», которые вы можете увидеть в таких местах, как Третьяковская галерея и Русский музей.
Маковский активно участвовал в жизни художественных кругов того времени, его работы отличались глубоким социальным содержанием и эмпатией к своим персонажам. Его картины находятся в ведущих музеях России и за её пределами, подтверждая его вклад в мировую художественную культуру.
Если вас интересуют работы Владимира Егоровича Маковского или вы хотите получать обновления о предстоящих продажах и аукционах с его произведениями, подпишитесь на наши обновления. Так вы всегда будете в курсе последних новостей и событий, связанных с этим знаменитым художником.


Маттейс Марис — нидерландский художник, литограф и график. Первоначально рисовал в стиле старых голландских мастеров XVII столетия. Постепенно отошёл от реалистической живописи, сблизился с импрессионистами, в его более поздних работах ощущается также явное влияние художников-прерафаэлитов и символизма. Большинство полотен кисти М. Мариса находятся в музеях и частных собраниях Великобритании и США. Большим почитателем таланта художника был Винсент ван Гог.


Андре Массон (фр. André Masson) был выдающимся французским художником, чье творчество оказало значительное влияние на развитие сюрреализма и абстрактного искусства. Родившийся в 1896 году, Массон известен своим уникальным подходом к живописи и рисунку, в котором он сочетал элементы фантастики и реальности, исследуя подсознательные аспекты человеческого опыта.
Массон применял различные техники и материалы, включая песок, который он впервые использовал в 1927 году, создавая текстурированные и многослойные работы. Этот инновационный метод подчеркивал его стремление к экспериментам и желание выражать динамическое движение и внутренние конфликты через свои произведения.
Его работы хранятся в многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже. Произведения Массона, такие как «Автоматический рисунок», не только демонстрируют его мастерство и инновационный подход, но и продолжают вдохновлять художников и коллекционеров современного искусства.
Андре Массон оставил неизгладимый след в истории искусства, благодаря своему умению соединять видимое с невидимым, реальное с подсознательным. Его наследие продолжает жить в коллекциях по всему миру, делая его имя знаковым среди ценителей культуры и искусства.
Мы приглашаем вас подписаться на наши обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с Андре Массоном. Это уникальная возможность для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата узнавать о редких и ценных предметах, связанных с этим выдающимся художником.


Карл Отто Маттеи (нем. Karl Otto Matthaei) — немецкий живописец, рисовальщик и график. С 1891 по 1900 год учился в Великокняжеской академии изящных искусств в Карлсруэ, которая была одной из ведущих пейзажных школ в Германии. Первые учебные поездки привели его в район Карлсруэ. Около 1894 года он жил в колонии художников Грётцингер. В 1895 году студенты-художники из Карлсруэ основали колонию в Дунене, Альтенвальде и Альтенбрухе (Куксхафен), одним из основателей был Маттеи. Карлсруэ был его официальным местом жительства до 1916 года, хотя он регулярно ездил рисовать на Северное море и в район Нижней Эльбы. Затем он перенес свою резиденцию в Бремен. Маттеи много лет был председателем Ассоциации художников Бремена и стал ее почетным членом в 1924 году. В 1930 году он был назначен почетным президентом Ассоциации художников Северо-Западной Германии.


Джейкоб Ментель (нем. Jacob Maentel), имя при рождении Иоган Адам Бернхард Якоб Ментель (Johann Adam Bernhard Jacob Maentel) — немецко-американский народный художник.
Ментель наиболее известен своим акварельным портретным искусством, в котором подробно изображены декор и одежда общин первых американских иммигрантов.




Фёдор Антонович Моллер, урожд. Отто Фридрих Теодор Моллер (нем. Otto Friedrich Theodor Möller), родился в Кронштадте 30 мая 1812 года. Сын высокопоставленного военного моряка, Фёдор изначально готовился к военной карьере, но после ранения во время Ноябрьского восстания в Польше он начал заниматься рисованием. Это увлечение привело его в Императорскую академию художеств, где он стал одним из любимых учеников Карла Брюллова.
Моллер стал известен благодаря своим портретам и историческим картинам. Среди его самых знаменитых работ — портреты Николая Гоголя, которые считаются одними из лучших образов писателя. Кроме портретной живописи, Моллер также работал над муралами для Исаакиевского собора и рядом картин на библейские и исторические сюжеты, такие как "Проповедь апостола Иоанна на острове Патмос".
На его стиль значительно повлиял период обучения в Италии, где он подружился с Йоханом Фридрихом Овербеком и вступил в движение назареев. Это отразилось в его поздних работах, которые характеризуются особым вниманием к деталям и ярко выраженной религиозной символикой.
В конце жизни Моллер стал профессором исторической живописи и активно занимался образовательной деятельностью, оставив значительный след в русском искусстве. Его работы хранятся в многих музеях и представляют большой интерес для коллекционеров и знатоков искусства.
Не пропустите возможность подписаться на обновления, связанные с Фёдором Антоновичем Моллером, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционов, посвященных его творчеству.


Эдвард Мунк (норв. Edvard Munch) норвежский живописец и график, занимает особое место в мировой истории искусства как один из пионеров экспрессионизма. Его произведения, полные эмоциональной насыщенности и глубоких психологических изысканий, оставили неизгладимый след в культуре и искусстве. Среди его самых знаменитых работ выделяется картина "Крик", символизирующая человеческую тревогу и отчаяние, которая получила мировое признание и стала иконой модернизма.
Мунк родился в Норвегии и с детства проявлял интерес к живописи, несмотря на сложности, связанные с болезнями и семейными трагедиями. Его творчество отражает глубокие личные переживания, включая потерю близких и собственные психологические борьбы. Эти мотивы смерти, одиночества и любви пронизывают большую часть его работ, делая их глубоко личными и эмоционально воздействующими на зрителя.
Произведения Мунка экспонируются в ведущих музеях мира, включая Музей Эдварда Мунка в Осло, который хранит наиболее обширную коллекцию его работ. Художник оставил после себя богатое наследие, оказавшее значительное влияние на развитие современного искусства и продолжающее вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров.
Для тех, кто глубоко интересуется искусством и хотел бы быть в курсе актуальных событий, связанных с произведениями Эдварда Мунка, включая выставки, продажи и аукционы, предлагаем подписаться на наши обновления. Таким образом, вы всегда будете информированы о новых возможностях приобщиться к наследию великого мастера.


Зоран Антон Мушич (словен. Zoran Anton Mušič) — словенский живописец и график, работал в Италии и Франции.
Зоран учился живописи в Мариборе и Загребе, затем на год уехал в Мадрид и Толедо, где изучал и копировал работы Гойи и Эль Греко. В конце 1944 года он стал узником фашистского концлагеря Дахау, где провел несколько месяцев. Он выжил и даже сделал в лагере около двухсот рисунков на бумаге. После освобождения Мушич перебрался в Венецию, а позже в Париж.
Зоран Мушич был единственным художником словенского происхождения, которому удалось утвердиться в элитных культурных кругах Италии и Франции, особенно в Париже второй половины 20 века, где он прожил большую часть своей дальнейшей жизни. Он писал пейзажи, натюрморты, портреты и автопортреты, а также сцены ужасов из концлагеря Дахау и ведуте Венеции. В 1970-1971 годах художник создал живописный цикл-воспоминание «Мы — не последние», посвящённый узникам концлагерей и ставший наиболее известной из его работ.
Фигуры на картинах Мушича появляются из пустого пространства и кажутся незавершенными. Цвета его автопортретов — суровые цвета пустыни, исключающие лишнее и сводящие к минимуму. Эти картины являются свидетельством поиска художником ответов на основные вопросы человеческого существования.


Рихард Мюллер — немецкий живописец и график. Его художественный талант проявился рано. Осенью 1894 года Мюллер впервые выставил пейзаж и анималистику в Художественном салоне Эрнста Арнольда, а в 1895 году познакомился с Максом Клингером, который вдохновил его на изучение техники гравюры. В 1896 году он был представлен Арнольдом на выставке «Ручные рисунки немецких художников» и получил Большую римскую премию Прусской академии художеств в 6000 золотых марок за офорт «Адам и Ева». В 1900 году он получил звание профессора в академии, в Дрездене он был так же известен, как и Клингер. Мюллер был высоко оценен как художник в эпоху национал-социалистов.


Ханна Нагель (нем. Hanna Nagel) — выдающаяся немецкая художница, чьё творчество оставило значительный след в искусстве XX века. Она получила образование в Карлсруэ и Берлине, где её талант был высоко оценен преподавателями и коллегами. Нагель активно участвовала в художественной жизни, её работы экспонировались на многочисленных выставках, в том числе в Прусской академии искусств в Берлине и Стэдтлише Кунстхалле в Мангейме.
Её творчество характеризуется акцентом на феминистские темы, особенно на отношения между мужчинами и женщинами, а также на проблематику сочетания профессиональной деятельности с материнством. В её работах чувствуется глубокая социальная проницательность и стремление к выражению актуальных вопросов, которые остаются релевантными и в наше время.
После Второй мировой войны Ханна Нагель продолжила свою карьеру, создавая иллюстрации для книг, что стало основным источником её дохода. Её творческое наследие, включая более 110 книжных иллюстраций, продолжает вдохновлять и сегодня, о чем свидетельствует внимание к её работам, в том числе в рамках выставок, посвященных её творчеству, таких как выставка в Мангеймской кунстхалле, посвященная переосмыслению её роли как феминистской художницы.
Если вас интересует искусство Ханны Нагель и вы хотите узнавать о новых продажах её работ и аукционных событиях, подпишитесь на обновления. Эта подписка позволит вам быть в курсе всех значимых событий, связанных с её творчеством и наследием.


Отто Нюкель — немецкий художник, график, иллюстратор и карикатурист. Первоначально изучал во Фрайбургском университете медицину, однако обучение не завершил. Переехав в Мюнхен, занимался живописью и рисунком. Был членом художественной группы Мюнхенский сецессион. Работы Нюкеля пронизаны иронией, переходящей в сарказм. Нюкель был мастером карандашного рисунка.







































































































































