Живописцы Авангард
Эрнст Штокер (нем. Ernst Stocker), более известный как Coghuf — швейцарский живописец, рисовальщик и скульптор. Он проектировал гобелены и витражи.
Для творчества Coghuf характерны абстрактные формы, яркие цвета и ощущение динамичного движения. Работы Coghuf часто передают эмоциональную глубину и исследуют связь между формой и пространством.
Всеволод Григорьевич Аверин был украинским советским художником-графиком и книжным иллюстратором. Он был одним из выдающихся украинских художников-анималистов первой половины XX века, объединивших методы авангарда в своих работах.
Аверин работал в области книжной и станковой графики, особенно в технике литографии, а также создавал портреты и пейзажи. Он иллюстрировал множество известных произведений, включая "Атлас анатомии человека" и роман М. Твена. Его работы отличались изысканным стилем и гармоничным дизайном, и его наследие включает около 300 обложек, 3000 иллюстраций и 90 плакатов.
Анджело Аккарди (итал. Angelo Accardi) — современный итальянский художник. Рисует сюрреалистические сцены повседневной жизни на фоне реалистичных городских и природных ландшафтов. За каждой картиной стоит целая история. Отличительные особенности творчества Аккарди – ироничная и игривая точка зрения и авангардный стиль.
Владимир Иванович Акулов — советский и современный белорусский художник. Он известен как живописец, график и педагог, представитель второй волны белорусского авангарда.
Владимир Акулов в своём творчестве выработал уникальный стиль под влиянием экспрессионизма, кубизма, примитивизма, фовизма. Он — мастер портрета, пейзажа, натюрморта, композиций с символико-аллегорическими сюжетами, иллюстраций к литературным произведениям. Художник на протяжении своей карьеры создал несколько циклов портретов, в том числе известных людей.
Натан Исаевич Альтман был выдающимся русским и советским художником-авангардистом, кубистом, скульптором и театральным художником, чьи работы оказали значительное влияние на искусство XX века. Его талант проявился в различных жанрах и техниках, от портретной живописи до сценографии и книжной графики. Особенно заметен его вклад в развитие театрального искусства, где Альтман создал революционные сценографии для спектаклей таких театров, как Московский государственный еврейский театр и Габима.
В своей работе Альтман неоднократно обращался к изображению В. И. Ленина, создавая портреты, которые легли в основу агитационного фарфора 1920-х годов, наиболее известным из которых является тарелка "Кто не работает, тот не ест". Его иллюстрации к "Петербургским повестям" Н. В. Гоголя показывают глубину проникновения в литературный текст и умение передать его атмосферу через изобразительное искусство.
Период проживания в Париже (1928-1935 годы) оказал влияние на развитие творческого стиля Альтмана, где он активно участвовал в международных выставках и сотрудничал с представителями европейского авангарда. Возвращение в СССР пометило новый этап в его карьере, на котором художник сосредоточился на театральном дизайне и книжной графике, стараясь найти новые формы выражения в условиях сталинского режима.
Известны такие работы Альтмана, как "Портрет Анны Ахматовой" (1914), находящийся в Государственном Русском музее, который демонстрирует его мастерство в портретной живописи и вклад в развитие кубизма.
Мы приглашаем всех, кто интересуется искусством и творчеством Натана Исаевича Альтмана, подписаться на обновления, чтобы не пропустить новости о продажах его работ и аукционах, связанных с его наследием.
Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло был украинским художником, известным своими авангардными работами и театральными декорациями. Родившись в 1894 году в Одессе, Андриенко-Нечитайло стал одной из ключевых фигур в искусстве XX века.
Его работы отличались смелыми экспериментами с формой и цветом, что сделало его узнаваемым в художественном мире. Андриенко-Нечитайло активно участвовал в создании театральных декораций, что также отразилось в его живописи. Его уникальный стиль сочетал элементы кубизма, сюрреализма и абстракционизма.
Особое внимание в его творчестве занимают работы, созданные в Париже, где он прожил значительную часть своей жизни. Картины Михаила Фёдоровича можно увидеть в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая такие престижные учреждения, как Центр Помпиду в Париже.
Если вы интересуетесь коллекционированием работ Михаила Фёдоровича Андриенко-Нечитайло, подписывайтесь на наши обновления. Вы будете первыми узнавать о новых поступлениях и аукционах, посвященных его творчеству.
Юрий Павлович Анненков был знаковой фигурой русского и французского искусства, оставив после себя значительное наследие в области живописи, графики и дизайна. Родившись в 1889 году, он прожил насыщенную жизнь, которая завершилась в 1974 году в Париже. Анненков известен своими портретами выдающихся личностей культуры и искусства Серебряного века, включая Анну Ахматову, Бориса Пастернака, Александра Блока, Владимира Маяковского, Корнея Чуковского и многих других.
Его творческий путь начался в России, где он активно участвовал в художественной жизни начала XX века, создавая произведения, которые были вдохновлены кубизмом и футуризмом, благодаря обучению в Париже в 1911-1912 годах. Анненков также сотрудничал с советским правительством, участвуя в создании массовых представлений и декораций к празднованиям годовщины Октябрьской революции. Однако в 1924 году он покинул Россию, сначала переехав в Германию, а затем обосновавшись в Париже, где продолжил работать художником и костюмером для кино.
Особенно значимым для понимания масштаба его таланта является его вклад в иллюстрацию книг и театральное искусство. Его книга «Портреты», выпущенная в 1922 году, собрала портреты ключевых фигур русского искусства того времени. Кроме того, Анненков серьёзно увлёкся кинематографом после 1934 года, оформив декорации и костюмы к более чем 50 фильмам и даже был номинирован на премию «Оскар» за костюмы к фильму «Мадам де…» в 1955 году.
Его работы отличаются великолепной импровизационной свободой и умелыми пластическими решениями, а с 1950-х годов художник практически отказался от фигуративности, обратившись к живописной абстракции и ассамбляжу.
Если вы заинтересовались творчеством Юрия Павловича Анненкова, мы приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с его именем. Так вы всегда будете в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, касающихся его работ.
Армандо (нидерл. Armando), урожденный Герман Дирк ван Додевеерд (нидерл. Herman Dirk van Dodeweerd) — голландский художник, скульптор, поэт, писатель, скрипач, актер, журналист, режиссер кино, телевидения и театра. Армандо было его официальным именем. Его имя при рождении — псевдоним, как он его называл, для него больше не существовало. Сам он называл свою работу «Gesamtkunstwerk», основываясь на своем опыте Второй мировой войны в окрестностях Камп-Амерсфорта.
Мирко Базальделла (итал. Mirko Basaldella) — итальянский и американский скульптор и художник.
Он родился в творческой семье, с юности проявил свой талант и участвовал в биеннале в Италии. В 1957 году Базальделла переехал в Кембридж, штат Массачусетс, и в 1962 году избран членом Американской академии искусств и наук.
Владимир Давидович Баранов-Россине (урожд. Шулим-Вольф Лейб Баранов) — яркая фигура русского и французского авангарда, чьё творчество охватывает широкий спектр направлений от кубизма до абстракции. Родившись в 1888 году, он стал активным участником авангардных течений, внося значительный вклад в развитие искусства своего времени. Баранов-Россине известен не только как художник, но и как инноватор в области светомузыки, создав оптофон - уникальный инструмент, совмещающий звук и цвет в единое целое, что получило широкое признание и было представлено в театре В. Э. Мейерхольда и Большом театре в Москве.
Его первый парижский период отмечен работами, вдохновлёнными сезаннизмом и кубизмом, а также созданием полихромной кубистической скульптуры. Баранов-Россине активно участвовал в мировом художественном движении, дружил с известными деятелями искусства, такими как супруги Делоне, и увлекался орфизмом, что нашло отражение в его творчестве.
После переезда в Париж в 1925 году он продолжил свои исследования в области аудиовизуального искусства и оптофоники, организовал Оптофоническую академию и даже запатентовал «хамелеон-метод» для маскировки войск, что легло в основу разработки пятнистого камуфляжа.
К сожалению, жизнь Баранова-Россине трагически оборвалась в январе 1944 года в концлагере Аушвиц. Несмотря на столь трагический исход, наследие Владимира Давидовича Баранова-Россине продолжает жить в его произведениях, которые выставляются в музеях и частных коллекциях по всему миру.
Если вы интересуетесь искусством и хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Владимиром Давидовичем Барановым-Россине, подписывайтесь на обновления.
Джанфранко Барукелло (итал. Gianfranco Baruchello) — итальянский художник, поэт и кинорежиссер. Был партнером Марселя Дюшана, который познакомил его с арт-сценой Нью-Йорка, поп-артом и американским абстрактным экспрессионизмом.
Елена Михайловна Бебутова — российская и советская художница середины ХХ века грузинско-армянского происхождения. Она известна как живописец, график и сценограф.
Елена Бебутова прошла эволюцию от увлечения кубизмом и футуризмом в раннем творчестве к более декоративному и реалистическому стилю. В 1917 году она начала работать над оформлением спектаклей в различных театрах России, провела персональную выставку в Москве в 1923 году. Вернувшись в СССР после командировок в Берлин и Париж, она стала одним из членов-учредителей общества «Четыре искусства». Её работа в театре была тесно связана с режиссёрской деятельностью её брата Валерия Бкебутова, их последней совместной работой была постановка «Гамлета» в Витебском Белорусском театре в 1946 и 1955 годах.
Бебутова также известна как модель для портретов, созданных её мужем Павлом Кузнецовым.
Роже Безомб (фр. Roger Bezombes) — французский художник, скульптор, медальер и дизайнер XX века. Он учился в Париже, в Школе изящных искусств, и на него оказала большое влияние дружба с Морисом Дени. Безомб работал в основном как живописец, переняв насыщенные цвета Анри Матисса в пейзажах и фигурах, часто основанных на наблюдениях за «экзотическими» культурами, в частности, средиземноморской и североафриканской.
Вениамин Павлович Белкин, русский и советский художник, живописец и график, оставил значительный след в истории русского искусства. Он родился в 1884 году и скончался в 1951 году, прожив большую часть своей жизни в Петербурге. Белкин учился в Москве у М.И.Шестеркина и А.П.Большакова, а также в Париже, что повлияло на формирование его уникального стиля.
Одной из известных работ Белкина является портрет Анны Ахматовой, написанный в 1924 году, который демонстрирует его мастерство портретиста. Эта работа, а также другие его картины, хранятся в Русском музее, Ярославском музее-заповеднике, Пермской художественной галерее и других известных музеях России и за её пределами.
Интересен факт о родственных связях Белкина с Александром Поповым, известным изобретателем радио, что подчёркивает многогранность и связи в культурном и научном мире того времени.
Работы Вениамина Белкина включают в себя не только портреты, но и пейзажи, например, "Река Сена в Париже" (1908), "Белая ночь" (1912), "Фрукты на пианино" (1916), подчёркивающие его вклад в развитие живописи и графики начала XX века.
Если вас интересует искусство Вениамина Павловича Белкина и вы хотите узнать больше о его работах и вкладе в искусство, предлагаем подписаться на обновления, связанные с продажами произведений и аукционными событиями, посвящёнными его творчеству.
Владимир Георгиевич Бехтеев — выдающийся русский и советский художник, иллюстратор и график, чье имя занято в истории авангарда и футуризма. Родился он 15 апреля 1878 года в Москве и провел свою жизнь, внося весомый вклад в развитие русского искусства. Бехтеев учился в Мюнхене и Париже, где овладел навыками рисования и живописи, а также стал соучредителем "Нового Мюнхенского художественного объединения" вместе с Василием Кандинским и другими художниками.
Его творчество охватывает широкий спектр жанров, от иллюстрации и литературной живописи до дизайна и графики. В период с 1936 по 1945 год Бехтеев создал серию знаковых иллюстраций к произведениям Михаила Лермонтова и оформил ряд книг зарубежной классики для издательства "Академия". Его работы отличаются глубиной мысли и яркой индивидуальностью, что делает их важной частью культурного наследия.
Владимир Георгиевич умер 21 июня 1971 года в Москве и был похоронен на Донском кладбище, оставив после себя значительное наследие, которое продолжает вдохновлять современников и исследователей искусства. Его произведения можно увидеть в ведущих музеях и галереях, где они занимают достойное место среди работ мастеров авангарда.
Подписывайтесь на обновления, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционах, связанных с Владимиром Георгиевичем Бехтеевым, и погрузитесь в мир уникального искусства, которое пережило века.
Борис Константинович Билинский — выдающийся художник-график, сценограф и живописец начала XX века, родился в Бендерах, Российской империи. Его работы отличаются необычным сочетанием авангардизма и классического искусства, что сделало его известным далеко за пределами России. Билинский активно сотрудничал с театрами и кинокомпаниями в Берлине, Париже, Лондоне и Нью-Йорке, создавая декорации и костюмы к многочисленным спектаклям и фильмам.
В 1920-е годы Билинский переехал в Париж, где его талант нашел широкое признание. Он работал над декорациями и костюмами для таких фильмов, как «Казанова» (1927), «Тараканова» (1929), и «Шахерезада» (1928), а также участвовал в создании оперы Глинки «Руслан и Людмила» и спектаклей русского балета. Билинский также известен своими работами в области графического дизайна, в том числе созданием афиш и кинокостюмов, опубликованных на страницах французских журналов.
Его творчество не ограничивалось лишь театральной и кинематографической сферами. В последние годы своей жизни Билинский исследовал возможности воплощения музыки в цвете, создав серию альбомов «Музыка в красках», где музыкальные произведения К. Дебюсси, М. Равеля, Ф. Шопена, и И.-С. Баха нашли свое отражение в живописи.
Борис Константинович Билинский скончался 3 февраля 1948 года в Катании, Италия, но его наследие живет до сих пор. Его работы хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, а посмертные выставки продолжают проводиться в разных странах, включая Рим, Капри, Нью-Йорк, и Париж.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, Борис Билинский остается важной фигурой, чье творчество вдохновляет новые поколения художников и коллекционеров. Подпишитесь на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах и аукционах, связанных с работами Билинского.
Йозеф Биндер (нем. Joseph Binder), полное имя Йозеф Фридрих Густав Биндер (Joseph Friedrich Gustav Binder) — немецкий живописец-авангардист, дизайнер и график.
В начале 1930-х годов Йозеф Биндер работал с крупными заказами на торговые марки для Knorr, Reemtsma, Tekrum, Elida, Minera, Dujardin, Stella и Mercedes-Benz и заслужил славу промышленного дизайнера, определяющего стиль. Всего к началу 1960-х годов Биндер создал более 2000 марок и плакатов.
В живописи Биндер отдавал предпочтение кубизму: геометрически стилизованная форма имеет для живописца большое значение. Он также находился под влиянием художественной школы Баухаус и группы «Синий всадник».
Ксения Леонидовна Богуславская — русская художница ХХ века, большую часть карьеры жившая и работавшая в Германии и Франции. Она известна как живописец, график, театральная художница и дизайнер, поэтесса.
Ксения Богуславская являлась представителем школы авангардистов. Она создавала полуабстрактные кубофутуристические композиции, в том числе пейзажи, натюрморты, жанровые сцены, изображения интерьеров. В этом же стиле художница рисовала эскизы для предметов прикладного искусства. Она также иллюстрировала обложки изданий, работала как сценограф.
Арольдо Бонцаньи (итал. Aroldo Bonzagni) — итальянский художник, рисовальщик и иллюстратор. Учился в Академии Брера в Милане.
Арольдо Бонцаньи дружил с Умберто Боччони и присоединился к группе футуристов. Его стиль был отмечен экспрессионизмом, и его рисунки показывают определенную иронию. Он также выполняет ряд эротических скетчей, но в частном порядке, предназначенных для коллекционеров.
Марсель Луи Бонье (фр. Marcel-Louis Baugniet) — бельгийский художник, теоретик, дизайнер мебели, создатель плакатов, костюмов и сценических декораций, он был одним из главных защитников понятия чистой пластики.
Изучал живопись в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, где общался с Полем Дельво, Рене Магриттом, Виктором Сервранком и Пьером-Луи Флуке.
Умберто Боччони (итал. Umberto Boccioni) — знаменитый итальянский художник начала XX века, скульптор-авангардист, родоначальник и идейный вдохновитель футуризма.
Умберто Боччони внес огромный вклад в формирование философии и эстетики движения. Он был одним из создателей «Манифеста футуристической живописи» и лично разработал «Манифест футуристической скульптуры».
Ив Брайе (фр. Yves Brayer) — французский художник и литограф, известный своими пейзажами, портретами и натюрмортами.
Брайе учился в Высшей национальной школе изящных искусств в Париже, а затем в Риме. Он испытал влияние классического искусства и был вдохновлен средиземноморскими пейзажами, которые часто изображал на своих картинах. Он также интересовался культурой Древней Греции, которая повлияла на его творчество.
Ранние работы Брайе были вдохновлены движениями кубизма и сюрреализма. Он был одним из основателей Парижской школы, группы художников, работавших в столице Франции в середине XX века. Он также был членом Французской академии изящных искусств и кавалером ордена Почетного легиона.
Произведения Брайе выставлялись в престижных галереях и музеях мира, включая Лувр в Париже, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Национальный музей западного искусства в Токио. Его картины находятся во многих частных коллекциях.
За свою карьеру Брайе получил множество наград и почестей, включая Гран-при Рима и Приз Института Франции. Он считается одним из самых значительных французских художников XX века.
Варвара Дмитриевна Бубнова — выдающаяся русская художница, педагог и искусствовед, чья жизнь и творчество оказали значительное влияние на развитие искусства в России и Японии. Она родилась в Санкт-Петербурге и окончила Императорскую Академию художеств, став активной участницей художественной жизни начала 20-го века. В 1923 году Бубнова переехала в Японию, где прожила более 30 лет, внося вклад в культурное взаимодействие между двумя странами. Она преподавала русский язык и литературу, вела лекции по русскому искусству и литературе, и разработала новый метод автолитографии на цинке, что повлияло на развитие литографии в Японии.
Бубнова участвовала в выставках японского авангарда и была членом нескольких художественных обществ. В Японии она подружилась с местными художниками и активно выставлялась, провела несколько персональных выставок. В 1958 году вернулась в СССР, где продолжила творческую и педагогическую деятельность, проведя множество выставок по всей стране. Её вклад в развитие культурных связей между СССР и Японией был отмечен орденом Драгоценной короны IV степени.
Работы Варвары Бубновой хранятся в Государственном Русском музее, а также в частных коллекциях и музеях по всему миру. Среди её известных произведений - "Портрет переводчика X. Никамуры", "Японец в кимоно", "Следы войны" и "Хризантемы". Она также оставила значительное наследие в виде публикаций по русскому искусству и литературе, а также воспоминаний о жизни в России и Японии.
Её вклад в искусство и культуру, а также межкультурное взаимопонимание между Россией и Японией, делают её фигурой глобального масштаба. Варвара Бубнова была не просто художником, но и мостом между культурами, чьё наследие продолжает вдохновлять новые поколения.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Варвары Дмитриевны Бубновой, приглашаем подписаться на обновления. Это позволит получать информацию о новых выставках, аукционах и событиях, связанных с её творчеством.
Давид Давидович Бурлюк, украинский и русский художник, поэт и публицист, считается одним из основателей русского футуризма. Его творчество охватывает широкий спектр жанров и стилей, включая живопись, графику и поэзию, отличающуюся экспериментальным подходом и новаторством.
Бурлюк получил образование в художественных школах Казани и Одессы, а затем продолжил обучение в Мюнхене и Париже. Вернувшись в Россию, он активно участвовал в литературном и художественном авангарде, став лидером футуристического движения. Вместе с Маяковским, Каменским и другими Бурлюк создал знаменитый манифест "Ляпас общественному вкусу", призывая к отказу от классики и поиску новых форм выражения.
Эмигрировав в 1920 году, Бурлюк провел два года в Японии, где создал около 300 картин, вдохновленных восточной культурой. После этого он переехал в США, где продолжил свою деятельность, оставаясь верным идеям футуризма и активно участвуя в культурной жизни эмигрантской общины.
Бурлюк также известен своими картинами, посвященными Украине, включая такие работы, как «Святослав», «Запорожцы в походе», «Козак Мамай». Его произведения хранятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая Национальный художественный музей Украины и мемориальный музей художника в Нью-Йорке.
Если вас интересует искусство и антиквариат, особенно творчество Давида Бурлюка, предлагаем подписаться на обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.
Владимир Давидович Бурлюк родился 27 марта 1886 года в селе Котельва Харьковской губернии Российской империи. Он был русским художником, одним из основоположников русского футуризма, и его вклад в развитие авангардного искусства в начале XX века был значителен. Бурлюк учился в различных художественных школах, в том числе в Мюнхене и Париже, что позволило ему освоить передовые европейские техники и стили. Он активно участвовал в кубо-футуристических выставках и был экспонентом выставок общества "Синий всадник".
Владимир Бурлюк был не только живописцем, но и графиком, иллюстратором книг, поэтом, что отражает многогранность его таланта. Его работы характеризуются экспериментами с фактурой и цветом, а также неординарным видением формы и пространства. Бурлюк считается одним из пионеров футуризма в России, и его творчество оказало значительное влияние на развитие авангардного искусства в стране.
Творческий путь Владимира Бурлюка оборвался во время Первой мировой войны, когда он был мобилизован в армию и погиб в 1917 году на Салоникском фронте от взрыва бомбы. Несмотря на его раннюю смерть, наследие Бурлюка продолжает вдохновлять художников и исследователей искусства по всему миру.
Работы Владимира Бурлюка хранятся в крупных музеях, включая Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге и Таганрогский художественный музей. Эти произведения продолжают привлекать внимание искусствоведов и ценителей авангардного искусства, подчеркивая значимость его вклада в развитие культуры XX века.
Приглашаем всех заинтересованных в искусстве и творчестве Владимира Бурлюка подписаться на наши обновления. Это позволит вам быть в курсе новостей о продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим выдающимся художником.
Мария Ивановна Васильева (фр. Marie Vassilieff) — французская художница, родившаяся в Смоленске, Россия. Она переехала в Париж в 1905 году, чтобы изучать искусство, и стала заметной фигурой в художественном сообществе города. Васильева была художницей, скульптором и дизайнером, известна своим участием в движениях кубистов и монпарнасских художников.
В 1910 году Васильева открыла La Ruche, студийный комплекс и колонию художников в 15-м округе Парижа. Комплекс состоял из небольших, недорогих студий, которые сдавались в аренду художникам, только начинающим, а также более состоявшимся живописцам, которым нужно было место для работы. La Ruche быстро стал местом сбора самых известных художников того времени, включая Марка Шагала, Макса Эрнста и Амедео Модильяни.
Во время Первой мировой войны Васильева работала медсестрой и водителем скорой помощи, за свою службу она была награждена Croix de Guerre. После войны она продолжала работать как художник и участвовала в нескольких выставках, включая Salon d'Automne и Salon des Artistes Indépendants.
Помимо своей художественной деятельности, Васильева была также известна своей активистской деятельностью. Она была членом Французской коммунистической партии и участвовала в различных социалистических и феминистских организациях.
Винсент Вебер (нем. Vincent Weber) — немецкий художник.
На творчество Вебера первоначально повлияли авангардные взгляды его учителей в Баухаузе. Его ранние экспериментальные коллажи из материалов атаковали традиционные способы видения и бросали вызов традициям института искусства. Позже он обратился к более традиционным изображениям, которые даже не останавливались на декоративности.
Работы Вебера контрастируют с развитием искусства в XX веке: в то время как искусство XX века проходит путь от эстетизма к анархическому авангарду, Вебер возвращает этот путь назад: от анархо-авангардной эстетической оппозиции к эстетически-декоративному искусству.
Эльза Вебер-Роувольф (нем. Else Weber-Rouwolf), урожденная Эльза Роувольф (Else Rouwolf) — немецкая художница экспрессивного реализма.
Свою первую картину Эльза нарисовала в 30 лет и впервые приняла участие в выставке в 1926 году в Гамбурге. Она стала участницей Гамбургского сецессиона, членом «Гамбургского общества художников» и «Гедока», дружила с Э. Хартманом и Г. Вольвилем. В 1929 году художница уехала на год в Париж учиться в Академии Гранд Шомьер.
Главным направлением творчества Вебер был портрет — ее моделями были художники, друзья, муж и дочь, знакомые и их дети. Эльза также много путешествовала и рисовала пейзажи. Она пережила войну, рисовала до девяноста лет и умерла в возрасте 100 лет.
Эрих Вегнер (нем. Erich Wegner) — немецкий художник. На его творчество сильно повлияло движение экспрессионистов, и он часто изображал сцены повседневной жизни в смелом и экспрессивном стиле.
Картины Вегнера отличались густыми мазками и яркими цветами, которые передавали ощущение энергии и движения. Он часто писал городские сцены, такие как уличные и городские пейзажи, а также создавал многочисленные портреты и натюрморты.
Во время нацистского режима в Германии работы Вегнера считались «дегенеративными», и ему было запрещено выставлять свое искусство. Несмотря на это, он продолжал работать тайно, а после войны возобновил показ своих работ.
Сегодня работы Вегнера хранятся в коллекциях по всему миру, включая Национальную галерею в Берлине и Музей современного искусства в Нью-Йорке.
Гюнтер Везелер (нем. Günter Weseler) — немецкий художник, известный своими «дыхательными объектами», которые составляют основную часть его творчества. Один из самых важных немецких художников-авангардистов 1960-х и 1970-х годов. В начале творческого пути постоянно обращался к живописи. Порой обращался к фантастике, рисовал кубистические дома в шахматном порядке. В 1964 году начал изучать феномен дыхания. В 1966 году перешел к «визуальному формированию ритма дыхания» с помощью надуваемых сжатым воздухом дыхательных шаров размером около двух метров, из которых воздух снова уходил, и, наконец, к механически управляемым предметам. Своих безликих, дышащих меховых созданий он помещал в самые разные жизненные ситуации. В зависимости от расположения, места и обстоятельств они могут полностью менять характер.
Тим Верфейе (фр. Tim Verfaillie) — бельгийский художник, одна из незначительных фигур фламандского экспрессионизма. В молодые годы он путешествовал по Шотландскому нагорью. Атмосфера, которую он там наблюдал, осталась важным фактором в его творчестве.
Александр Николаевич Волков был русским художником, чье творчество тесно связано с Узбекистаном и Средней Азией. Он родился в Фергане и прошел обучение в Петербургской Академии художеств и Киевском художественном училище. Волков считается патриархом школы изобразительного искусства Узбекистана и одним из основоположников современного искусства этого региона.
Его творчество отличается уникальным синтезом восточных и западных художественных традиций, сочетая в себе элементы кубизма, примитивизма и модернизма. В 1920-х годах Волков создал ряд знаковых работ, среди которых выделяется «Гранатовая чайхана», олицетворяющая его интерес к азиатской тематике и экспериментам с формой и цветом.
На протяжении 1930-х годов, под давлением обвинений в формализме, Волков перешел к соцреализму, однако даже в этот период его работы отличались глубокой индивидуальностью и новаторством. Волкова неоднократно критиковали за формализм, что в конечном итоге привело к его отстранению от преподавательской деятельности в 1946 году.
Произведения Волкова включены в коллекции многих крупных музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея искусств народов Востока в Москве, и многих других. Его работы продолжают пользоваться большим спросом на аукционах, демонстрируя высокую оценку таланта художника.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с произведениями Александра Николаевича Волкова. Ваша подписка гарантирует доступ к самой актуальной информации о продажах и экспозициях, посвященных наследию этого выдающегося художника.
Григорий Иванович Гавриленко — украинский советский художник середины ХХ века. Он известен как график и иллюстратор, представитель украинского авангардного искусства, «шестидесятник».
Григорий Гавриленко прославился своими графическими работами, включая пейзажи и портреты. Его творчество включало в себя разнообразные техники и стили, от быстрых зарисовок до лаконичных рисунков-формул. Мастер также оформил и проиллюстрировал множество книг, включая народные сказки. В последние годы жизни он активно работал в цветной линогравюре, создавая эстампы и иллюстрации.
Валерий Арутюнович Гегамян — советский и украинский художник середины ХХ века армянского происхождения. Он известен как живописец, график и педагог.
Валерий Гегамян прославился своими монументальными полотнами, крупными тематическими циклами и графическими сериями. Он также создавал портреты, пейзажи и натюрморты. С начала 1960-х годов он проживал и работал в Одессе и основал художественно-графический факультет в Одесском педагогическом институте, где преподавал более 20 лет. Мастер воспитал множество известных художников, некоторые из которых также являются педагогами, передавая опыт своего учителя.
Роберт Львович Генин — художник первой половины ХХ века еврейского происхождения, работавший в нескольких странах, включая Российскую империю, Германию, Францию, Швейцарию и СССР. Он известен как живописец и график.
Роберт Генин работал в различных жанрах, включая пейзажи, портреты, жанровые композиции и обнажённую натуру. Он также занимался литографией, ксилографией и офортом. Его стиль развивался от югендстиля и символизма в начале 1900-х годов к экспрессионизму после Первой мировой войны. Позднее он пришёл к своеобразному лирическому примитивизму. Художник работал как в станковой, так и в монументальной живописи и испытал влияние разных художников.
Нина Генриховна Генке-Меллер была выдающейся русской художницей-авангардисткой, книжным графиком, дизайнером интерьеров и сценографом. Родившаяся в Москве, она принадлежала к поколению художников, которые активно участвовали в развитии авангардного искусства в России и Украине в начале XX века. Генке-Меллер занималась супрематизмом и футуризмом, внося в эти течения свой уникальный вклад.
Особенно примечательными являются её работы в сфере декоративно-прикладного искусства и книжной графики, а также сотрудничество с известной мастерской Н. П. Ламановой и работа на фабрике по выпуску обоев, где она создавала рисунки в супрематическом стиле, часто предназначавшиеся для тарелок. Её активное участие в художественной жизни того времени, включая руководство кустарной артели в деревне Вербовка, сотрудничество с Казимиром Малевичем и другими известными художниками-супрематистами, подчёркивает её значимость в развитии авангардного искусства.
Одной из заметных работ Генке-Меллер является "Супрематическая композиция" 1915 года, находящаяся в частном собрании в Киеве. Эта и другие её работы демонстрируют глубокое понимание супрематизма и способность к экспериментам с формой и цветом.
Важным аспектом её биографии является семейная жизнь: Нина была женой художника Вадима Георгиевича Меллера, который также имел значительное влияние на развитие искусства того времени. Их совместная творческая и личная жизнь оставила заметный след в истории культуры.
После семейной трагедии в 1924 году Генке-Меллер переехала в Москву, где продолжила свою работу, в том числе сотрудничая с мастерской Н. П. Ламановой и работая на фарфоровом заводе. Её жизнь и творчество оставили заметный след в искусстве авангарда, подчёркивая важность инноваций и экспериментов в развитии культуры и искусства.
Если вас интересует искусство Нины Генке-Меллер и другие связанные с ней произведения и события, предлагаем подписаться на обновления. Так вы всегда будете в курсе новых продаж произведений и аукционов, связанных с её творчеством.
Густав Гильдемайстер (нем. Gustav Gildemeister) — немецкий художник, представитель авангардных течений начала ХХ века.
Он изучал искусство в Дюссельдорфской академии, писал портреты и в основном пейзажи с тех стилях, которые активно развивались в тот период: немецкого модерна, французского пуантилизма и позднего импрессионизма. Художник был призван во время Первой мировой войны и погиб на фронте.
Татьяна Николаевна Глебова — советская художница ХХ века. Она известна как живописец, график, оставившая богатое творческое наследие, отличающееся глубиной и многообразием тем и стилей.
Татьяна Глебова в своём творчестве охватывала три основные темы. Первая — городская жизнь, отражённая через жанровые сцены, описывающие уличные события и быт. Вторая — интерес к внутренней природе человека, выраженный в портретах и изображениях внутренних преобразований. Третья — мистическая и религиозная тематика, включающая иконы, символику и духовную геометрию. Её последние работы посвящались природе и разрабатывали символику цвета и формы.
Наталья Сергеевна Гончарова, русская художница-авангардистка, родилась в 1881 году. Она известна своими работами в таких стилях как кубофутуризм и лучизм. Училась в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, где её наставником был К. А. Коровин. Влияние Михаила Ларионова, будущего мужа Гончаровой, оказалось решающим в её переходе от скульптуры к живописи.
С 1906 года Гончарова активно участвует в художественной жизни, принимая участие в выставках в России и за рубежом. Её работы отличались экспериментальным подходом к цвету и форме, а также использованием мотивов русского фольклора и иконописи. Сама художница не признавала ограничений в искусстве, работая в различных направлениях от импрессионизма до футуризма и примитивизма.
Её первая персональная выставка в 1913 году вызвала скандал из-за обвинений в порнографии, однако уже на следующий день Гончарова была оправдана. Эта выставка принесла ей широкую известность и изменила отношение к авангардному искусству в целом. В Третьяковской галерее хранятся несколько её работ.
Коллекция Русского музея включает 13 произведений Гончаровой, среди которых такие работы, как "Беление холста", "Борцы", "Натюрморт с портретом и белой скатертью" и другие.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата и хотите узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с Натальей Сергеевной Гончаровой, подписывайтесь на наши обновления.
Виталий Николаевич Горяев был выдающимся советским художником-карикатуристом и живописцем, чья работа оставила значительный след в искусстве 20-го века. Родившийся в 1910 году в Кургане, Горяев вырос в атмосфере творчества и с юности проявил себя как талантливый артист. Его учеба в ВХУТЕИНе и под руководством известных мастеров таких, как Александр Дейнека, Дмитрий Моор, и Сергей Герасимов, заложила фундамент для его будущих достижений в искусстве.
Горяев прославился своими сатирическими работами, в особенности карикатурами, которые не только развлекали, но и заставляли задуматься. Его творчество было тесно связано с социально-политической жизнью СССР, что отражалось в его работах для таких изданий, как журнал "Крокодил". Горяев также был известен благодаря своему сотрудничеству с Владимиром Маяковским, оформляя выставки поэта и даже выступая в балете «Футболист» благодаря своей хорошей физической форме.
Его работы, полные юмора, критики и иронии, сегодня можно найти в музеях и частных коллекциях. Они продолжают вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства. К примеру, работы Горяева такие, как «Черный ребенок и темные личности» и «Добрая мисс Америка», демонстрируют его уникальный стиль и глубокое понимание социальных процессов.
Если вас интересуют работы Виталия Николаевича Горяева и вы хотите узнать о новых выставках, продажах его работ или аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Мы обещаем держать вас в курсе всех событий, связанных с этим выдающимся художником.
Вернер Графф (нем. Werner Graeff) — немецкий скульптор, живописец, график, фотограф и изобретатель.
Его первые картины были написаны в стиле импрессионизма. Примерно в 1919 году он обратился к кубистическим формам. Этот стиль также повлиял на его ранние скульптуры.
Борис Дмитриевич Григорьев — знаменитый русский художник, чьё творчество оставило неизгладимый след в истории мирового искусства начала XX века. Родившись в 1886 году, с ранних лет Григорьев проявил ярко выраженный талант к живописи, что позволило ему уже в юности успешно копировать произведения известных художников. Несмотря на желание отца видеть сына коммерсантом, Григорьев посвятил свою жизнь искусству, обучаясь в Строгановском училище и позже в Академии художеств в Петербурге.
Живописец известен своими графическими и живописными циклами, в которых он стремился соединить изображение с текстом, создавая уникальный вид "экспонирования" в книге. Его работы, такие как издания циклов "Intimité" и "Расея", показывают глубокое понимание и любовь к русской культуре и народу, отражая повседневную жизнь русской деревни и её жителей с невероятной искренностью и мастерством.
Григорьев также был известен своими портретами, в которых часто использовал гротеск, чтобы раскрыть внутренний мир изображаемых личностей. Среди наиболее знаковых его работ - портреты М. Горького и В. Э. Мейерхольда, которые демонстрируют не только внешнее сходство, но и глубокий психологический портрет персонажей.
После революции 1917 года Григорьев был вынужден покинуть Россию, и большую часть своей жизни провёл за границей, в Европе и США, где продолжал работать и создавать произведения, вдохновляющие на размышления о судьбах России и её культуре.
Его работы находятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, продолжая привлекать внимание искусствоведов и коллекционеров. На протяжении всей своей карьеры Григорьев оставался верен своему стилю, отличающемуся глубоким лиризмом и острой социальной направленностью, что делает его одним из наиболее выдающихся представителей русского искусства первой половины XX века.
Если вас интересует творчество Бориса Дмитриевича Григорьева и вы хотите узнавать о новых выставках его работ, продажах и аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и открыть для себя уникальное наследие этого выдающегося художника.
Александр Овакимович Григорян — советский и армянский художник второй половины ХХ – начала ХХI веков. Он известен как живописец и график, портретист и иллюстратор.
Александр Григорян писал картины, отличающиеся яркими насыщенными цветами и эмоциональностью. Он специализировался на портретах знакомых ему людей, чьи образы он передавал с теплотой и эмпатией. Его произведения не просто отражали лица, но и транслировали внутренний мир и темперамент каждого изображённого человека.
Мастер также иллюстрировал произведения Шекспира и армянских писателей.
Хедвиг Грундманн (нем. Hedwig Grundmann), урожденная Хедвиг Грэф (нем. Hedwig Graef) — немецкий живописец, график, художник-экслибрис и преподаватель рисования.
Также в Ганновере и Берлине она проходила различные стажировки в области графики, декоративно-прикладного искусства и моды.
Кроме того, она прошла курс обучения у Йоханнеса Иттена и Генриха Рихтера в Берлине в 1926 году, у Адольфа Хёльцеля в Штутгарте в 1927 году и в классе живописи Пауля Клее в Баухаусе Дессау с 1928 по 1931 год.
Ярослав Грус (чеш. Jaroslav Grus) — чешский художник, график, иллюстратор и гравер. В начале творческого пути находился под влиянием импрессионизма и постимпрессионизма. Во время учебных поездок по Германии и Франции (1922-1925 гг.) приобрел опыт и знания о фовизме, благодаря которым развил собственную концепцию пейзажной живописи.
Ладо Давидович Гудиашвили — выдающийся грузинский художник, график и театральный декоратор, оставивший заметный след в искусстве 20-го века. Родившись в Тифлисе в семье железнодорожного служащего, Гудиашвили с ранних лет проявил талант к изобразительному искусству, что позволило ему зарекомендовать себя как одного из ярчайших представителей грузинской новой живописи. Его творчество характеризуется уникальным сочетанием модернистской остроты, рафинированной стилизации без радикального авангардизма, декоративной экспрессией и глубокой связью с традициями национального изобразительного искусства.
Живя в Париже в 1920-е годы, Гудиашвили активно участвовал в художественной жизни города, где его работы пользовались успехом среди коллекционеров и критиков. Влияние встреч с великими художниками того времени, такими как Амедео Модильяни и Пабло Пикассо, отразилось в его работах, где грузинские мотивы и типажи переплелись с европейскими тенденциями в искусстве.
Вернувшись в Советскую Грузию, Гудиашвили продолжил свою работу, воплощая в живописи и графике меланхоличный ностальгический образ грузинского уклада, который он запечатлел в изображениях кинто и карачохелей — характерных фигур тбилисского быта. Его творчество отмечено множеством наград, включая звание Народного художника СССР. Произведения Гудиашвили выставлялись в ведущих музеях, таких как Государственный музей искусств народов Востока в Москве и Государственный музей искусств Грузии в Тбилиси.
Гудиашвили оставил после себя не только значительное художественное наследие, но и стал символом культурного и исторического богатства Грузии. Его работы продолжают вдохновлять новые поколения художников и коллекционеров по всему миру.
Подпишитесь на наши обновления, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с Ладо Давидовичем Гудиашвили.
Елена (Элеонора) Генриховна Гуро была выдающейся фигурой в истории русской культуры начала XX века. Родившись в Санкт-Петербурге в 1877 году, она проявила себя как талантливый художник, поэт и писатель, став значимой частью русского авангарда. Её творчество отличалось синкретизмом живописи, поэзии и прозы, а также глубоким восприятием природы и жизни. Гуро уделяла большое внимание импрессионистическим методам, свободному стиху и экспериментам с заумью, особенно в работах, посвящённых Финляндии.
Елена Гуро ушла из жизни в 1913 году, но её наследие продолжает вдохновлять. В кругу молодых поэтов Петрограда 1910-х годов поддерживался культ Гуро, а футуристы посвятили ей сборник «Трое». Среди её наиболее значимых работ выделяется сборник «Небесные верблюжата», где особенно ярко проявился синтез искусств, характерный для её творчества.
Интерес к творчеству Гуро возродился во второй половине XX века, когда в Стокгольме и Беркли были изданы её сборники произведений, а в России — «Небесные верблюжата» и другие её работы. Сегодня произведения Гуро находятся в коллекциях многих музеев и продолжают привлекать внимание исследователей и ценителей искусства.
Подпишитесь на обновления и узнавайте первыми о новых продажах и аукционах, связанных с творчеством Елены (Элеоноры) Генриховны Гуро.
Кристофоро Де Амичис (итал. Cristoforo De Amicis) — итальянский художник и педагог. Обучался живописи в Академии Альбертина в Турине и Брера в Милане. Принимал участие во многих выставках, организованных в Милане, Париже, Цюрихе, Осло, Стокгольме, Мюнхене и Буэнос-Айресе.
Произведения Кристофоро Де Амичиса находятся в итальянских государственных музеях современного искусства и в многочисленных частных коллекциях.
Соня Делоне-Терк (фр. Sonia Delaunay-Terk) — русско-французская художница и дизайнер еврейского происхождения. Имя Соня Терк, под которым она известна, она получила в 1890 году после того, как ее удочерил дядя. В литературе ее также называют Соней Делоне. Она считается представителем геометрической абстракции. Среди ее художественных образцов для подражания Винсент Ван Гог и Поль Гоген. С 1912 года она вместе со своим мужем Робером Делоне разрабатывала так называемый орфизм.
Джанданте Х (итал. Giandante X), имя при рождении Данте Песко (Dante Pescò) — итальянский художник, скульптор, иллюстратор, поэт и философ.
Художественный стиль Джанданте Х отличался абстрактностью и экспрессивностью. Он использовал смелые и яркие цвета, динамичные линии и текстуры для передачи своего художественного видения. Его работы часто передавали ощущение движения и энергии, приглашая зрителей к эмоциональному и интеллектуальному взаимодействию с произведением.
На протяжении всей своей творческой карьеры Джанданте Х обращался к широкому кругу тем и концепций. Он черпал вдохновение из различных источников, включая мифологию, духовность и человеческое состояние. В его работах часто затрагивались экзистенциальные вопросы, социальные проблемы, взаимодействие человека и общества.
Пьеро Джиларди (итал. Piero Gilardi) — итальянский художник-оформитель. Каталитическая фигура в движении Arte Povera , сосредоточенном в Турине в конце 1960-х, утопическая и бескорыстная приверженность Джиларди объединению художников- неоавангардистов из Западной Европы и Северной Америки сделала его одной из самых влиятельных художественных фигур того периода.
Пьеро Джиларди стал известен на международной арене и был свидетелем влияния поп-арта в Европе. Странствующий художник, теоретик и организатор, он внес свой вклад в рождение Arte Povera, особенно работая над установлением отношений с другими аналогичными инициативами, которые одновременно происходили за пределами Италии.
Большая часть более поздних работ Джиларди объединена темой или взаимодействием между работой и зрителем. Мастер посвятил более десяти лет своему самому амбициозному проекту Parco Arte Vivente (Парк живого искусства или PAV). Совместное усилие, выросшее из дизайна Джиларди, PAV — это монументальное предприятие, которое превратило заброшенный участок земли в самом сердце рабочего района Турина Линготто в зеленую зону площадью шесть акров, посвященную общественным, экологическим и художественным интересам.
Елена Доротка Гофман (хорв. Jelena Dorotka Hoffmann), урожденная Елена Доротка фон Эренвал (Jelena Dorotka von Erenvall) — хорватская художница, представительница кубизма.
Елена Доротка кратко изучала живопись и скульптуру в Базеле, прежде чем переехать в Париж. Здесь она познакомилась со многими ведущими деятелями мира живописи, среди которых были Анри Матисс, Марк Шагал, Пабло Пикассо, Кес Ван Донген, Мари Лорансен). Художница свободно говорила на итальянском, немецком, французском и испанском языках, а также работала переводчиком и корреспондентом.
Елена Доротка славилась своими обширными познаниями в искусстве, и время от времени ее посещали художники и искусствоведы, которые обсуждали с ней темы изобразительного искусства. Она продолжала рисовать, но по неизвестным причинам уничтожила большую часть своих работ.
Джерардо Доттори (итал. Gerardo Dottori) — итальянский художник-футурист, принадлежавший также к группе Новеченто.
Джерардо Доттори под влиянием Джакомо Баллы в 1911-1912 гг. присоединился к движению футуристов. Его работы были частью художественных конкурсов на летних Олимпийских играх 1932 года и летних Олимпийских играх 1936 года.
Софья Исааковна Дымшиц-Толстая была яркой представительницей русского авангарда, художницей и графиком, чье творчество заметно отразило искусственные устремления начала XX века. Родившись в Санкт-Петербурге, она получила образование у ведущих мастеров того времени, включая обучение в художественной школе Е. Н. Званцевой и у М. Бланша в Париже. Софья была женой известного писателя Алексея Толстого, что позволило ей погрузиться в мир литературы и искусства, став частью авангардного движения.
Она активно участвовала в выставках и была вовлечена в революционное искусственное движение, работая с Владимиром Татлиным над его знаменитым проектом Памятника Третьему Интернационалу. В этот период Дымшиц-Толстая экспериментировала с живописью на стекле, что стало значимым вкладом в авангардное искусство.
Помимо своей работы в области живописи и графики, Софья Исааковна внесла вклад в советскую культуру как художественный редактор журналов «Работница и Крестьянка», где она применяла свои авангардные идеи, объединяя искусство и фотографию для достижения новых выразительных форм.
Ее работы находятся в коллекциях Русского музея, включая известные произведения «Работница-агитатор» (1931) и «Председатель II съезда колхозников-ударников Е. С. Федотова» (1935-1938). Эти и другие ее работы отражают глубокий социальный и культурный контекст того времени, подчеркивая значимость Софьи Дымшиц-Толстой как одного из важнейших деятелей русского авангарда.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, рекомендуем подписаться на обновления, связанные с Софьей Исааковной Дымшиц-Толстой. Это позволит вам быть в курсе новых продаж и аукционных событий, посвященных ее творчеству.
Андре Альбер Мари Дюнуайе де Сегонзак (фр. André Albert Marie Dunoyer de Segonzac) — французский художник, график и иллюстратор,известный своим вкладом в движения постимпрессионизма и фовизма.
Стиль Дюнуайе де Сегонзака отличался смелым использованием цвета, выразительной кистью и стремлением передать суть предмета. В своих работах он исследовал различные темы, включая пейзажи, натюрморты и сцены повседневной жизни. Его картины часто демонстрировали ощущение жизненной силы и энергии, с яркими оттенками и динамичными композициями. Мастер часто использовал интенсивные оттенки, чтобы вызвать эмоциональный отклик. Его палитра отличалась смелостью и выразительным использованием цвета, что придавало его работам ощущение живости и динамизма.
Вера Михайловна Ермолаева была выдающейся фигурой русского авангарда, графиком, живописцем и художницей-иллюстратором. Ее творчество тесно связано с деятельностью Казимира Малевича и УНОВИСом - Утвердителями нового искусства, в Витебске. Ермолаева внесла значительный вклад в развитие беспредметного искусства и супрематизма, организовывая образовательные и выставочные проекты, направленные на изучение и пропаганду новых художественных форм.
Ермолаева получила образование в Европе и принимала активное участие в культурной жизни России начала XX века. Особенно интересна ее деятельность в 1910-х годах, когда она была связана с футуристическим кружком "Бескровное убийство" и организовала книжное издательство "Сегодня", продолжая традиции футуристической книги.
Ее иллюстраторская работа охватывает множество книг для детей и взрослых, в том числе "Топ-топ-топ" Николая Асеева и "Иван Иваныч Самовар" Даниила Хармса, выделяясь своим авангардным подходом к графическому дизайну.
Работы Веры Ермолаевой сегодня находятся в собраниях крупнейших музеев России и зарубежья, включая Государственный Русский музей, Государственную Третьяковскую галерею и Музей современного искусства в Нью-Йорке (MoMA).
Приглашаем всех, кто интересуется русским авангардом и наследием Веры Ермолаевой, подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых выставках, аукционах и продажах произведений, связанных с этой выдающейся художницей.
Анатолий Зверев (англ. Anatoly Zverev) — советский художник-авангардист и график, легендарная фигура московской богемы второй половины XX века. Анатолий Зверев вошел историю живописи как мастер, сумевший соединить традиции русского авангарда с новейшими открытиями западного искусства. Биография художника — пример трагической судьбы гения в тоталитарном обществе, а его творчество до сих пор остается малоизвестным и недооцененным широкой публикой.
