Скульпторы Фигуративное искусство


Магдалена Абаканович (польск. Magdalena Abakanowicz) была выдающимся польским скульптором и художником текстильной индустрии, известной своими масштабными инсталляциями и использованием нетрадиционных материалов. Родившаяся в 1930 году, Абаканович изучала искусство в Академии изящных искусств в Варшаве, где она вдохновлялась идеями модернизма, хотя официально того времени преобладал социалистический реализм.
Её работа часто содержит элементы, отражающие её личный опыт военных лет и послевоенного времени в Польше. Например, серия скульптур "4 Seated Figures" (2002 год) включает фигуры без голов и рук, что символизирует утрату человечности и индивидуальности в массе. Её знаменитые "Абаканы" — это впечатляющие текстильные скульптуры, создающие ощущение захватывающего пространства и объёма.
Творчество Абаканович получило широкое признание, и её работы можно найти в многих мировых музеях и галереях. Она была удостоена множества наград, в том числе Премии за жизненные достижения Международного скульптурного центра в 2005 году.
Если вы желаете быть в курсе всех новых событий, связанных с произведениями Магдалены Абаканович, подпишитесь на обновления. Мы уведомим вас о новых выставках, продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником.


Эдгар Августин (нем. Edgar Augustin) — немецкий художник и скульптор.
Августин изучал скульптуру в Мюнстере у Карла Элерса, затем был учеником мастера Густава Зейтца в Гамбурге. Его творчество включает частично абстрактные фигуративные изображения из бронзы, дерева и гипса, а также живопись, рисунки и графику. Некоторые скульптуры Эдгара Августина расположены в общественных местах Гамбурга и других городов.
Эдгар Августин был членом Свободной академии художеств в Гамбурге и Специальной ассоциации художников Германии. Во второй половине 20 века Августин был одним из пионеров фигуративной деревянной скульптуры и считается ее важнейшим представителем.


Янис Авотиньш (латыш. Janis Avotins) — это латвийский художник, родился в Риге в 1981 году. Он получил образование в Латвийской академии искусств и в Royal College of Art в Лондоне. Авотиньш работает в различных медиа, включая живопись, графику и скульптуру, и его работы характеризуются экспериментальным подходом к форме и технике. Он получил признание за свои выставки в мировых галереях, включая Serpentin Galleries в Лондоне и Венецианскую биеннале.


Кэндзиро Адзума (яп. 吾妻 兼治郎; англ. Kenjirō Azuma) — японский скульптор-абстракционист, известный своим авангардным и новаторским подходом к скульптуре и инсталляционному искусству, один из самых значимых художников Японии после окончания Второй мировой войны. Также много лет жил и работал в Италии. Изучал скульптуру в Высшей школе искусств Токийского университета и в Академии изящных искусств Брера в Милане, где посещал класс Марино Марини.
Кэндзиро Адзума был ключевой фигурой в японском художественном движении, известном как Моно-ха (Школа вещей) в конце 1960-х и начале 1970-х годов. Художники Моно-ха исследовали отношения между природными и промышленными материалами, часто сопоставляя их для создания заставляющих задуматься инсталляций.


Вольфрам Айхеле (нем. Wolfram Aïchele) — художник из Баден-Вюртемберга на юге Германии, сын известного художника-анималиста Эрвина Айхеле. Получив образование скульптора, изучал религиозное и византийское искусство, черпал вдохновение в своих паломничествах в Сербию, Косово, Македонию и на Афон. Сосредоточился на написании икон яичной темперой, стремясь возродить чистый иконографический стиль. Позже переехал в Париж, где исследовал восточноевропейское народное искусство, персидские миниатюры и творчество современных ему художников, таких как Марк Шагал и Пауль Клее. Более поздние работы Айхеле сочетали фигуративное и абстрактное искусство, в этот период он писал акварели и создавал коллажи.


Гарольд Амбеллан (англ. Harold Ambellan) — американский художник и скульптор.
Он изучал скульптуру и изобразительное искусство в Буффало, а потом переехал в Нью-Йорк. Человеческая фигура занимает центральное место в творчестве Гарольда Амбеллана. Он создавал монументальные фигуры и много рисовал, оставив тысячи рисунков. Амбеллан был одним из участников Федерального художественного проекта Рузвельта, нанявшего во время Великой депрессии сотни художников, которые в совокупности создали более 100 000 картин и более 18 000 скульптур.
Амбеллан оставался приверженцем фигуративности как в своей скульптуре, так и в живописи. Он был избран президентом Гильдии скульпторов Америки в 1941 году, и в том же году его работы были выставлены на групповых выставках в Метрополитен-музее в Нью-Йорке и в Академии изящных искусств в Филадельфии.
В 1944 году Амбеллан участвовал в освобождении Нормандии в составе ВМС США, затем преподавал в Нью-Йорке трехмерное искусство в Workshop School. В 1954 году по политическим причинам Амбеллан переехал во Францию и остался там до конца жизни, работая и выставляясь по всей Европе.


Кристиан Карел Аппель (нидерл. Christiaan Karel Appel) — нидерландский художник, скульптор, график, один из основателей авангардной группы «КоБрА». В своих работах он сочетал фигуративные и абстрактно-экспрессионистские элементы.


Хилберто Асевес Наварро (исп.Gilberto Aceves Navarro) — мексиканский художник и скульптор, профессор Национальной школы изобразительных искусств и Академии Сан-Карлоса. Было проведено более двухсот индивидуальных выставок его работ, а его фрески находятся в Мексике, Японии и Соединенных Штатах. Он получил множество наград за свои работы, включая гранты как Creador Artístico от Национальной системы художественного творчества, Premio Nacional de Ciencias y Artes и медаль Bellas Artes от Instituto Nacional de Bellas Artes.


Ульрих Байер (нем. Ulrich Beier) — северогерманский скульптор, который пользовался значительной репутацией в своем регионе Шлезвиг-Гольштейн и Гамбург. С 1945 по 1948 гг. обучался скульптуре в родном городе у Кристиана Бродерсена, а затем продолжил образование в Гамбурге у ученика Аристида Майоля Рихарда Штеффена.
Ульрих Байер был членом Gruppe 56 с 1962 года.


Дженнифер Бартлетт (англ. Jennifer Bartlett) — американская художница. Она была известна своими картинами и гравюрами, сочетающими системную эстетику концептуального искусства с живописным подходом неоэкспрессионизма. Многие из ее работ выполнены на небольших квадратных стальных пластинах с эмалевым покрытием, которые объединяются в сетки для создания очень больших произведений.


Томас Бернштейн, так же Барнштайн (нем. Thomas Bernstein / Barnstein) — немецкий художник и преподаватель рисования. С 1978 по 1985 год учился в Дюссельдорфской художественной академии. Помимо фигуративных работ на бумаге, скульптор, рисовальщик и перформер также создает антропоморфные скульптуры из различных материалов, прежде всего из силикона. Доминирующими темами в его творчестве являются движение, обыденность и абсурд. В то время как его живописные работы касаются вопросов человеческого общения, в скульптурах он показывает абстрактные формы, связанные с телом. В более натуралистичном изображении их можно найти в его фигуративных рисунках.


Алан Бонфуа (фр. Alain Bonnefoit) — французский художник, иллюстратор, литограф и скульптор. Практикует технику японской каллиграфии суми-э в качестве художника обнаженной натуры
Принадлежит к числу лучших представителей нового поколения фигуративного искусства.


Джонатан Борофски (англ. Jonathan Borofsky) — американский художник, известный своими публичными скульптурами и инсталляциями, которые исследуют темы человеческого сознания, индивидуальности и взаимосвязанности.
Борофски учился в Университете Карнеги-Меллон и Йельском университете. В 1970-х годах он получил признание за свои концептуальные работы и перформансы, в которых часто использовались элементы языка, текста и повторения.
В 1980-х годах Борофски начал создавать масштабные общественные скульптуры, многие из которых изображают человеческие фигуры или силуэты. Одна из самых известных его работ — «Молекулярный человек», скульптура высотой 100 футов из трех взаимосвязанных фигур, расположенная в Берлине, Германия.
Работы Борофски выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке, Центр Жоржа Помпиду в Париже и Национальный музей современного искусства в Сеуле. Он также создал произведения общественного искусства в таких городах, как Нью-Йорк, Токио и Тель-Авив.
Помимо своего искусства, Борофски известен своим интересом к медитации и духовности, которые он часто включает в свои работы. Он опубликовал несколько книг на эти темы.
Борофски продолжает жить и работать в Огунквите, штат Мэн, где он держит студию и создает новые произведения искусства.


Фернандо Ботеро Ангуло (Fernando Botero Angulo) — колумбийский художник и скульптор, известный своим уникальным стилем «ботеризм», который характеризуется изображением фигур с преувеличенными объемами. Эти работы часто несут в себе элементы политической критики или юмора и являются легко узнаваемыми на международном уровне.
Фернандо Ботеро начал свою карьеру как художник с копирования работ великих мастеров в музее Прадо, а затем переехал в Париж, где продолжил свое обучение и творческую деятельность. С течением времени он получил мировую известность, его произведения экспонировались в ведущих музеях и галереях по всему миру. К примеру, работы Ботеро можно найти на Парк-авеню в Нью-Йорке и на Елисейских полях в Париже.
Одной из знаменитых серий его работ является серия картин «Абу-Грейб», которая основана на докладах о нарушениях прав человека в тюрьме Абу-Грейб. Эти работы Фернандо Ботеро не продавал, предпочитая дарить их музеям, чтобы они служили напоминанием о происходящих злоупотреблениях.
Ботеро также был известен своим вкладом в скульптуру, начав создавать бронзовые скульптуры в середине 70-х. Его скульптуры также олицетворяют его уникальный стиль с преувеличенными формами.
Не упустите возможность подписаться на обновления и узнавать о новых продажах и аукционах, связанных с работами Фернандо Ботеро.


Умберто Боччони (итал. Umberto Boccioni) — знаменитый итальянский художник начала XX века, скульптор-авангардист, родоначальник и идейный вдохновитель футуризма.
Умберто Боччони внес огромный вклад в формирование философии и эстетики движения. Он был одним из создателей «Манифеста футуристической живописи» и лично разработал «Манифест футуристической скульптуры».


Петер Брандес (англ. Peter Brandes) — датский художник, скульптор, керамист и фотограф.
Искусство Брандеса абстрактно и часто выполнено в коричневых тонах. Его прорыв как художника произошел в начале 1980-х годов. Среди прочего, он выполнил художественные работы в Домкирке Роскильде и мозаичные (из цветного стекла) окна в церкви в Нордкапе и церкви «Деревня надежды» к югу от Лос-Анджелеса. В 1998 году он создал огромные «Кувшины Роскильде», которые стоят у главного железнодорожного вокзала Роскильде.
Брандес — самоучка, и его творчество крутится вокруг тем из христианства. Древнегреческая мифология также вдохновляла его творчество. Брандес проиллюстрировал ряд книг, например, «Илиаду» Гомера. Большая часть керамических работ Брандеса вдохновлена древнегреческим искусством и мифологией.


Кузи ван Брюгген (нидерл. Coosje van Bruggen) — американский скульптор голландского происхождения, историк искусства и критик. Она много сотрудничала со своим мужем, Класом Ольденбургом (швед. Claes Oldenburg).


Андре Э. Бухер (нем. André E. Bucher) — швейцарский художник и скульптор . Его работы включают картины, рисунки, иллюстрации, гравюры на дереве, коллажи, книжное искусство, скульптуры, фотографии, гобелены, объектное искусство и архитектурное искусство.


Хеде Бюль (нем. Hede Bühl) — немецкая художница и скульптор. Она известна своими абстрактными картинами, которые часто отличаются смелыми цветами и выразительными мазками. Бюль училась в Кунстакадемии Дюссельдорфа у Йозефа Бойса и с 1970-х годов работала как свободный художник.
Ее работы выставлялись в многочисленных галереях и музеях по всей Германии, включая Музей Людвига в Кельне и Кунстмузеум Дюссельдорфа. Искусство Бюль характеризуется как энергичное и интуитивное, с акцентом на эмоциональный и физический опыт живописи. Ее работы также были отмечены за связь с миром природы, поскольку она часто включает в свои композиции элементы пейзажа и органические формы.


Владимир Александрович Вахрамеев (англ. Vladimir Alexandrovich Vakhrameev) — советский художник, скульптор и график. Работал в монументальной и станковой скульптуре, а также в скульптуре малых форм. Автор композиций и портретов.


Чжу Вэй (кит. 朱伟; пиньинь Zhu Wei ) — современный китайский художник. Он известен своим уникальным стилем живописи, в котором сочетаются традиционные китайские техники туши и кисти с современными западными формами искусства.
Чжу Вэй окончил Центральную академию изящных искусств в Пекине в 1989 году и начал работать как профессиональный художник. В 1990-х годах он получил раннее признание за свои работы и с тех пор стал одним из самых успешных современных художников Китая.
Картины Чжу Вэя часто изображают фигуры в движении, будь то танцоры, спортсмены или рабочие. Он также известен своими изображениями городских пейзажей, которые отражают быстрые изменения, происходящие в городах Китая.
Работы Чжу Вэя выставлялись в галереях и музеях по всему миру, включая Национальный художественный музей Китая в Пекине, Музей современного искусства в Сиднее и Венецианскую биеннале. Его картины были широко представлены коллекционерами и музеями, включая Британский музей в Лондоне и Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.
Помимо своей работы в качестве художника, Чжу Вэй также сотрудничал с другими художниками и дизайнерами в различных проектах, включая разработку эмблемы Олимпийских игр 2008 года.


Николас Гарсия Урибуру (исп. Nicolás García Uriburu) — аргентинский художник, ландшафтный архитектор и эколог. Его работы в области лэнд-арта были направлены на повышение сознательности в отношении экологических проблем, таких как загрязнение воды.


Вольфганг Герциг (нем. Wolfgang Herzig) — австрийский художник и скульптор, известный критическим изображением социальных реалий. В своих фигуративных картинах он обращает внимание на слабости человека в повседневной жизни.
В работах Герцига ощущается социальная критика, но он никогда не превращает своих героев в карикатуры. Со временем художник пришел к своеобразной двухмерной форме пластики.


Людвиг Гис (нем. Ludwig Gies) — немецкий художник. Он был известен прежде всего своими картинами и гравюрами, на которые оказали влияние экспрессионизм и движение «Новая объективность».
Гис учился в Академии изящных искусств в Мюнхене, а затем в Кунстгевербешуле в Берлине. В 1920-х годах он стал членом «Ноябрьской группы», группы художников, которые стремились создать новую форму искусства, политически ангажированную и социально значимую. Гис также был членом Ассоциации революционных визуальных художников Германии.
В своем творчестве Гис часто изображал людей из рабочего класса, городские сцены и предметы натюрморта с чувством социального реализма. Его стиль характеризовался смелыми линиями, яркими цветами и динамичной композицией, что придавало его работам мощное эмоциональное воздействие.
Искусство Гиса широко выставлялось в Германии в течение его жизни, и он был удостоен нескольких премий и наград за свои работы. Сегодня его картины и гравюры находятся в коллекциях многих музеев и галерей в Германии и за рубежом.


Гертруда Гольдшмидт (нем. Gertrud Goldschmidt), полное имя Гертруда Луиза Гольдшмидт (Gertrud Louise Goldschmidt), известная также под псевдонимом Gego — венесуэльская художница, архитектор и скульптор немецкого происхождения.
Она окончила Штутгартский университет по специальности инженерное дело и архитектура, с началом Второй мировой войны эмигрировала в Венесуэлу, поселившись в Каракасе. Гертруда Гольдшмидт занималась проектными и архитектурными заказами. А творческую карьеру она начала в 1950-х годах, разработав свой собственный стиль геометрической абстракции, которая стала символом художественной современности в Венесуэле.
Затем Gego стала создавать скульптуры и сетчатые конструкции из проволоки, а также активно занималась кинетическим искусством. В 1969 году в Музее изящных искусств в Каракасе была выставлена ее объемная инсталляция, состоящая из обширной модульной проволочной сетки, которая разворачивается в пространстве галереи через пол, стены и потолок. Гольдшмидт наиболее известна своими геометрическими и кинетическими скульптурами, выполненными в 1960-х и 1970-х годах.


Жаклин де Йонг (нидерл. Jaqueline de Jong) — голландская художница, скульптор и график, живет и работает в Амстердаме и Бурбонне, Франция.
В своей живописной практике она легко переключалась между разными стилями: от экспрессионистской живописи до новой фигурации и поп-арта, повторяя мотивы эротики, желания, насилия и юмора. От гравюр до больших картин маслом она демонстрирует очарование гротескным и жутким, особенно в более фигуративных произведениях, изображающих существ, которые наполовину люди, наполовину звери. Они как бы раскрывают уродливую или животную сторону человеческой натуры, которую мы обычно предпочитаем скрывать.


Павлос Дионисопулос (греч. Παύλος Διονυσσόπουλος; англ. Pavlos Dionyssopoulos) — греческий художник, известен своими уникальными и красочными абстрактными картинами, на которые повлияли художественные движения XX века, включая сюрреализм и абстрактный экспрессионизм.
Дионисопулос изучал искусство в Греции, а затем во Франции, где он познакомился с работами таких известных художников, как Пабло Пикассо и Анри Матисс. Его стиль развивался на протяжении всей его карьеры, начиная с реалистичных портретов и пейзажей и переходя к абстрактному искусству.
Он провел множество персональных и групповых выставок в Греции и за рубежом, в том числе в Париже, Нью-Йорке и Токио. Его работы находятся в частных коллекциях и музеях по всему миру.
Дионисопулос был членом Греческой палаты изящных искусств и был награжден греческим правительством «Орденом Феникса» за вклад в искусство. Он также был писателем и поэтом, и его стихи публиковались в нескольких греческих литературных журналах.
Сегодня Павлос Дионисопулос считается одним из самых значительных греческих художников XX века, известным своим уникальным стилем и вкладом в развитие абстрактного искусства в Греции.


Томас Дуттенхёфер (нем. Thomas Duttenhoefer) — немецкий скульптор, рисовальщик, график и иллюстратор, профессор Мангеймского университета.
В дополнение к его человеческим фигурам фигуративное творчество Томаса Дуттенхёфера включает в себя множество изображений животных в нарочито грубой манере.
Он является членом Нового Дармштадтского сецессиона, Пфальцского сецессиона и группы «Арго», Шпейер.


Йоханна Дюме (фр. Johanna Dumet) — французская и немецкая художница и дизайнер, живет и работает в Берлине.
Она окончила факультет дизайна одежды в Ла Каладе, Марсель, Франция. Дюме использует различные техники, например, бумагу, окрашенную гуашью, наклеенную на холст, создает также бумажные скульптуры. Она известна тем, что пишет импульсивно, с сильным чувством потока и без ограничений.


Леон Зак (фр. Léon Zack), имя при рождении Лев Васильевич Зак (Lev Vasilyevich Zak) — русский поэт, художник, график, сценограф и скульптор, теоретик и идеолог футуризма.
Леон Зак принадлежал к Парижской школе. После многих лет фигуративной живописи его искусство все больше развивалось в сторону абстракции. С 1950 года он также обратился к сакральному искусству и создавал распятия, скульптуры для церковных интерьеров и витражи.


Манфред Зиле-Виссель (нем. Manfred Sihle-Wissel) — немецкий скульптор.
Его учителями были Эдвин Шарфф и Ханс Мартин Рувольдт. С 1981 года он живет и работает в Браммере под Рендсбургом (Шлезвиг-Гольштейн).
Работы Манфреда Зиле-Висселя включают портреты, скульптуры и акварели.


Ольбрам Зоубек (чеш. Olbram Zoubek) — чехословацкий и чешский скульптор и реставратор.
Значительную часть творческого наследия Зоубека составляют человеческие статуи, которые располагаются под открытым небом.
Его произведения отличаются стройностью и вытянутостью, тонкой вертикалью выразительными жестами и осанкой, зачастую они держатся на постаментах только кончиками пальцев.
Всего в течение жизни скульптор создал около 250 фигур в натуральную величину. Работы Зоубека находятся в чешских и зарубежных галереях и частных собраниях.


Анджей Ижиковский (польск. Andrzej Irzykowski) — польский художник, скульптор и реставратор, живет и работает в Германии.
Анджей учился в Академии изящных искусств в Гданьске после стажировки в качестве каменщика в мастерских по сохранению памятников. Как свободный художник, Анджей Ижиковски уже более 30 лет живет и работает в Германии.
Слияние фигуративных и абстрактных форм стало отличительной чертой творчества Анджея Ижиковски. Одна из последних его выставок называлась «Головы» — антропоморфные скульптуры в реалистическом, сюрреалистическом и абстрактном выражении. Ижиковски выставлял свои работы на многочисленных персональных и групповых выставках в стране и за рубежом и получил множество призов и наград.




Петер Роберт Кейль (нем. Peter Robert Keil) — немецкий художник и скульптор.
В начале своей творческой карьеры стиль Петера Кейля находился под влиянием немецкого экспрессионизма. Однако его стиль заметно изменился в начале 60-х годов, когда он некоторое время жил в Париже и влился в ночную жизнь города. Кейль все больше расставался со своим реалистическим подходом и разработал новый, гораздо более спонтанный и динамичный стиль живописи. С тех пор использование интенсивных и ярких цветов и отсутствие реалистичного изображения стали характерными чертами его стиля. В его картинах цвет наносится быстрыми мазками, иногда с использованием техники импасто, а изображения дополнительно абстрагируются с помощью элементов граффити. Кейль предпочитает писать человеческие фигуры, портреты, сцены больших городов, пейзажи и натюрморты с изображением цветов. Его эмоциональная манера рисования в основном обусловлена стремлением к свободе от социальных ограничений и условностей.


Адам Дарио Кель (нем. Adam Dario Keel) — швейцарский фигуративный художник, график и скульптор.
В 1990-е годы также создавал свои многочисленные графические работы и рисунки. Помимо изобразительного искусства, Адам Кель являлся автором объектов, созданных из дерева и металла.


Петер Класен (нем. Peter Klasen) — немецкий современный скульптор, художник и фотограф, живущий во Франции.
Работы Класена выставлялись во многих странах и были приобретены известными музеями и коллекциями. Он получал заказы на фрески в общественных зданиях во Франции. Даниэль Сибони писал о визуальном мире Класена, что он «воспевает наше современное, высокомеханизированное, стерильное общество, чтобы осудить, так сказать, его нечеловеческую холодность и угрожающую пустоту». Своими работами Класен ведет зрителя «к безнадежной и бескомпромиссной конфронтации с жестокой реальностью сегодняшнего общества».


Теренс Ко (англ. Terence Koh) — канадский художник. Он известен своими провокационными и часто противоречивыми работами, в которых исследуются темы духовности, сексуальности и идентичности.
Ко работает в различных медиа, включая скульптуру, перформанс и инсталляцию. В своих работах он часто использует найденные предметы и материалы, такие как кости, волосы и блестки.
Одна из самых известных его работ — Gone, Yet Still, перформанс, в котором художник покрыл себя белой краской и неподвижно стоял в галерее несколько часов подряд. В работе исследуются идеи неподвижности, смертности и трансцендентности.
Работы Ко выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке, Музей современного искусства в Лос-Анджелесе и Тейт Модерн в Лондоне.
Он является обладателем многочисленных наград и грантов, в том числе премии Фонда Луиса Комфорта Тиффани в 2007 году. Его работы отмечают за их конфронтационные и часто тревожные качества, а также за их способность бросать вызов предположениям и убеждениям зрителей об искусстве и окружающем мире.




Кете Кольвиц (нем. Käthe Kollwitz) — знаменитая немецкая художница конца XIX — первой половины ХХ веков, яркий представитель экспрессионизма и социального реализма. Кете Кольвиц была выдающимся мастером графики, создала за свою карьеру сотни офортов, литографий и ксилографий, а также несколько тысяч уникальных рисунков. Среди лучших шедевров творчества художницы есть немало искусных скульптур, а её биография насыщена интересными событиями.


Робер Комба (Robert Combas) — современный французский художник, живописец, скульптор и иллюстратор. Вместе с Эрве Ди Роза он является инициатором художественного движения свободной фигурации, первая публикация которого в журнале Bato в 1979 году стала первой вехой.
Лидер этого движения в Европе, сегодня он считается одним из самых важных современных французских художников, начиная с 1980-х годов. Он единственный представитель Франции, который ежегодно появляется в рейтинге 500 самых высокооцененных современных художников мира по версии Artprice.
В 2012 году ему была посвящена крупная ретроспективная выставка в Музее современного искусства Лиона, а в 2016 году — в Гримальди Форуме в Монако.
Он также музыкант и большой коллекционер музыкальных записей, особенно виниловых пластинок.


Карл-Хайнц Краузе (нем. Karl-Heinz Krause) — немецкий скульптор.
Краузе пережил войну и тюремное заключение, в 1947 году начал учиться скульптуре в Академии изящных искусств в Берлине. Вырабатывая свой стиль, он всегда сочетал изображение человеческого тела с законами физики (вес — противовес) как формообразующий критерий. Благодаря этому он достиг характерного баланса и гармонии в своих работах. Вообще фигуры Краузе в своем изяществе напоминают живые геометрические формы.


Марк Куинн (англ. Marc Quinn) — современный английский художник и скульптор, член группы «Молодые британские художники», доминирующей на арт-сцене с 1990-х годов. Он известен своим экспериментальным подходом к творчеству и включением в свои работы шокирующих элементов.
Куинн в своём творчестве декларирует исследование экстремальных аспектов человеческого тела. Он экспериментирует с различными материалами, включая органические вещества, такие как кровь, хлеб и цветы, а также мрамор, бетон и нержавеющую сталь. В его портфолио можно найти скульптуры, портреты, инсталляции, граффити и живопись


Вальтер Леблан (фр. Walter Leblanc) — бельгийский художник, один из значимых представителей кинетического и оптического искусства.
Он учился в Королевской академии изящных искусств и в Высшем институте изящных искусств в Антверпене.
Вальтер Леблан получил международное признание как один из основателей и активных участников авангардных движений Nouvelle Tendance, ZERO, оп-арта, кинетического искусства, конкретного искусства. Одна из известных его работ — серия «Схемы кручения».


Дитрих Лузици (нем. Dietrich Lusici), урожденный Дитрих Шаде (Dietrich Schade) — немецкий живописец, график и плакатист, скульптор и керамист.
Он изучал графический дизайн в Технической школе рекламы и дизайна в Берлине, затем учился в Академии изящных искусств в Восточном Берлине. Лузици создавал расписные книги и плакаты, занимается барельефами и керамикой, пишет фигуративные картины.


Шарль Малле (фр. Charles Malle), урожденный Шарль Глез (фр. Charles Gleize) — французский художник. Творчество Малле разнообразно и включает в себя работы различных стилей и техник, от импрессионистических городских пейзажей до абстрактных и минималистских произведений.
Малле учился в Школе изящных искусств в Париже в 1950-х годах. Ранние работы Малле были фигуративными и репрезентативными, он писал городские пейзажи в импрессионистском стиле. Однако позже он отошел от этого стиля и стал ассоциироваться с движением Support/Surface во Франции, которое стремилось поставить под сомнение природу живописи и скульптуры через абстракцию и деконструкцию формы.
Поздние работы Малле, начиная с 1970-х годов, характеризуются геометрическими формами, смелыми цветами и плоскими поверхностями. Он часто работал сериями, исследуя вариации на определенную тему или концепцию. Он также создавал скульптуры и инсталляции, используя такие материалы, как металл, дерево и ткань.
Произведения Малле выставлялись в галереях и музеях по всему миру, включая Центр Помпиду в Париже, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Музей Стеделийк в Амстердаме. Он также был объектом нескольких ретроспектив, в том числе в Музее современного и новейшего искусства в Ницце в 2009 году.
Малле продолжает работать и выставлять свое искусство и сегодня, и считается одной из ведущих фигур современной французской художественной сцены.


Бернард Матемера (англ. Bernard Matemera) — зимбабвийский скульптор. Скульптурное движение, частью которого он был, обычно называют «скульптурой шона», хотя некоторые из его признанных членов не являются этническими шонами. Вся его профессиональная карьера прошла в скульптурном сообществе Тенгененге, в 150 км к северу от Хараре, недалеко от Гуруве.
Матемера ваял в основном из серого или черного серпентина, доводя свои работы до равномерной полированной поверхности. Его объектами были животные, люди или фантастические духовные существа. Ни одно из них не было выполнено в реальности: он предпочитал показывать преувеличенные изгибы груди, ягодиц или пупка, чтобы показать отношения между людьми, животными и миром духов.


Мануэль Мендиве Ойо (исп. Manuel Mendive Hoyo) — афрокубинский художник, скульптор. Его называют самым важным нынеживущим кубинским художником. Творчество Мендиве испытало влияние примитивных изобразительных форм, постепенно заменивших на Кубе оригинальное творчество народности йоруба, которое пришло вместе с рабами, происходившими главным образом с территории современной Нигерии.


Ганс Мендлер (нем. Hans Mendler) — современный немецкий художник, график и скульптор.
Он рисует частично абстрактно, частично фигуративно, но никогда не натуралистично, всегда руководствуясь интуицией и эмоциями. Иногда его работы сильно окрашены, иногда графически уменьшены. С одной стороны произведения Мендлера спокойные и медитативные, с другой — жестикулирующие и дикие.
Его скульптуры, преимущественно вырезанные бензопилой из дерева, кажутся существами из другого мира.
Ганс Мендлер с успехом демонстрировал свои работы на многих выставках в Европе, Азии и Америке. С 2013 года представлен Galerie Meinlschmidt/ Balingen.


Джон Миллер (англ. John Miller) — американский художник, скульптор, писатель, критик и музыкант, живёт в Нью-Йорке и Берлине.
Он учился в Калифорнийском институте искусств, работал галерейщиком в Dia Art Foundation. В настоящее время Миллер является профессором профессиональной практики истории искусств в Барнард-колледже.
Среди его работ — фотографии, инсталляции, выставки живых манекенов и видео в ответ на текущие политические события и настроения. Миллер также является автором критических работ о репрезентации в искусстве.


Герман Йозеф Миспельбаум (нем. Hermann Josef Mispelbaum) — немецкий живописец, график и скульптор.
Он изучал прикладное искусство, живопись и рисунок в Верккунстшуле Аахена под руководством Эрнста Вилле. Затем с 1971 по 1976 год он изучал свободное искусство в Дюссельдорфской художественной академии и стал учеником и ассистентом Руппрехта Гайгера. В это время он получил стипендию от Studienstiftung des deutschen Volkes (Немецкого национального академического фонда) с 1974 по 1975 год и стипендии на поездки в Англию и Италию от Фонда К. Рудольфа Поенсгена, Дюссельдорф, с 1975 по 1976 год.
С 1974 года Миспельбаум работал как свободный художник в области рисунка, достигнув собственного пути. Он работает с большой интенсивностью, предпочтительно графитными карандашами различной твердости в больших и малых форматах на бумаге. Миспельбаум создает коллажи с помощью ножниц и ножа, вырезает фигуры и части фигур из рисунков. Он вставляет их в другие рисунки, работает над ними дальше и смешивает их с цветом, который часто бывает серым или черным.
В 1977 и 1978 годах он преподавал живопись и рисунок в Дюссельдорфской художественной академии. С 1978 по 2007 год он работал в Дюссельдорфе как свободный художник. В 1990 году он был удостоен премии Villa Romana, Флоренция, что позволило ему провести десять месяцев во Флоренции.
Примерно в начале века он начал создавать скульптуры из картона и гипса с предметами, частично вделанными в гипс.
Герман Йозеф Миспельбаум является членом Немецкого союза художников, а также Западногерманского союза художников.
Миспельбаум демонстрировал свои работы на многочисленных персональных и групповых выставках в Германии и за рубежом. Его работы находятся во многих государственных коллекциях.


Игорь Миторай (польск. Igor Mitoraj) — признанный польский скульптор, известный своими работами, в которых он исследовал красоту и хрупкость человеческого тела. Получив образование в Академии изящных искусств в Кракове, Игорь Миторай жил и работал во Франции и Италии. С 1979 года он начал использовать мрамор как свой основной материал после поездки в Каррару, Италия, и установил свою мастерскую в Пьетрасанте в 1983 году.
Он известен своими постмодернистскими работами, вдохновленными античной статуарией, но с современным поворотом: его скульптуры часто фрагментированы, намеренно повреждены или пригвождены к земле, чтобы напомнить о человеческой неполноценности и временности.
Некоторые из его самых знаменитых работ установлены в общественных пространствах по всей Европе, США и Японии. Среди его выдающихся работ можно выделить Daedalus, которая теперь находится на постоянной основе в Помпеях, Италия, как дар стране.
Его стиль отражает интерес к классической традиции, но также включает современные элементы, делая его работы уникальным сочетанием прошлого и настоящего. Среди множества его работ можно увидеть произведения, выставленные в садах Боболи и Национальном археологическом музее во Флоренции, а также в других знаменитых местах.
Для тех, кто интересуется скульптурой и искусством, творчество Игоря Миторая представляет большой интерес. Подписывайтесь на обновления, чтобы быть в курсе новых выставок и событий, связанных с его работами.


Генри Спенсер Мур (англ. Henry Spencer Moore) был выдающимся британским скульптором и художником, оставившим неизгладимый след в мире искусства XX века. Он известен своими полуабстрактными монументальными скульптурами, которые сегодня можно встретить в разных уголках мира. Мур увлекался искусством Древней Греции, этрусков и майя, что нашло отражение в его творчестве. Особенно его привлекала тема материнства, которая прослеживается во многих его работах, таких как скульптура «Мать и дитя (Капюшон)», установленная в Соборе Святого Павла в Лондоне.
Его бронзовая скульптура «Король и Королева», созданная в 1952—1953 годах, отражает романтический и идиллический образ, пользующийся большой популярностью среди посетителей галерей. Интересно, что идея создания этой скульптуры была вдохновлена важным историческим событием - смертью Георга VI и восшествием на престол королевы Елизаветы II.
Мур также был знаменит своим художественным подходом, который сравнивал женское тело с природным ландшафтом. Его скульптуры отличает изображение женских фигур, где каждая форма имеет своё значение, а пустоты символизируют пещеры. Одна из его наиболее известных работ в этом направлении - скульптура «Лежащая фигура».
В его работах чувствуется глубокое уважение к материалу и стремление к созданию форм, символизирующих природное и земное начало. Этот подход Мура оказал значительное влияние на развитие современного искусства и модернизма в Англии.
За свою жизнь Генри Мур создал множество произведений, которые сегодня находятся в ведущих музеях и коллекциях по всему миру. Его наследие продолжает вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Если вас интересует искусство Генри Мура и вы хотите узнать о новых выставках его работ, подпишитесь на обновления. Так вы всегда будете в курсе последних новостей о продажах произведений и аукционных мероприятиях, связанных с этим знаменитым художником.


Франсиско Хосе Нарваэс (исп. Francisco José Narváez) — венесуэльский скульптор и художник, который, пожалуй, наиболее известен по «Лас Тонинас», скульптурной группе, украшающей фонтан на площади О'Лири в Каракасе. Его работы характеризуются сильным этническим компонентом, и он широко использовал местные материалы.


Алехандро Обрегон (исп. Alejandro Obregón), полное имя Алехандро Хесус Обрегон Росес (исп. Alejandro Jesús Obregón Roses) — колумбийский художник-модернист испанского происхождения.
Основоположник колумбийского импрессионизма.


Ана Мерседес Ойос (исп. Ana Mercedes Hoyos) — колумбийская художница, скульптор и пионер современного искусства в стране. За полвека своей творческой деятельности она получила более семнадцати наград национального и международного признания. Начав свою карьеру в стиле поп-арт и перейдя к абстракции, она двигалась в сторону кубизма и реализма, исследуя свет, цвет, чувственность и щедрость окружающей среды. Ее интерпретации работ мастеров живописи привели ее к исследованию колумбийского мультикультурализма, и ее поздние работы были посвящены афро-колумбийскому и метисному наследию в колумбийском пейзаже.


Клас Туре Ольденбург (швед. Claes Oldenburg) является выдающейся фигурой в мире современного искусства, известный своими оригинальными и масштабными скульптурными работами. Родом из Швеции, этот художник обрел мировую славу благодаря своему уникальному подходу к созданию объектов, которые трансформируют обыденные предметы в гигантские арт-инсталляции. Его творчество затрагивает не только скульптуру, но и архитектуру и живопись, делая его значимой фигурой во многих направлениях культуры и искусства.
Ольденбург известен своими работами, которые часто называют "мягкими скульптурами". Эти произведения характеризуются их необычным размером и формой, что вызывает у зрителя удивление и новое восприятие привычных вещей. Среди его наиболее знаменитых работ - скульптура "Вилка" в Швейцарии, "Мягкий батон" и "Вишневый сплин" в США, каждая из которых стала значимым объектом городской среды.
Его произведения можно увидеть в многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Национальную галерею искусств в Вашингтоне. Эти экспозиции предоставляют возможность познакомиться с разнообразием его творчества и уникальностью его взгляда на искусство.
Клас Туре Ольденбург оставил неизгладимый след в истории искусства, продемонстрировав, как традиционные предметы могут быть преобразованы в значимые и вдохновляющие арт-объекты. Его работы продолжают вдохновлять художников, коллекционеров и любителей искусства по всему миру. Приглашаем вас подписаться на наши обновления, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных мероприятий, связанных с Класом Туре Ольденбургом. Это отличная возможность для коллекционеров и экспертов искусства расширить свою коллекцию уникальными работами выдающегося мастера.


Йорн Пфаб (нем. Jörn Pfab) — северогерманский скульптор, использовавший для своих работ бронзу, камень, нержавеющую сталь и пластик. Обучался в Гамбургском университете изящных искусств у Эдвина Шарфа.
Йорн Пфаб вместе с Фрицем Флером организовали мастерскую по литью бронзы. Его ранние работы включают фигуративные статуэтки и портреты. Позже увлекся абстрактными растительными мотивами, которые со временем становились все более стереометрическими.


Хуан Гарсия Риполлес (исп. Juan Garcia Ripolles) — современный испанский художник из Валенсии.
Его уникальный художественный язык характеризуется ярко выраженной красочной средиземноморской палитрой и обращается к позитивным и универсальным чувствам.


Аксель Рихтер (нем. Axel Richter) — немецкий скульптор.
Рихтер учился скульптуре у Реймар фон Бонин в бесплатной художественной школе Мюнзингена близ Фрайбурга/Брайсгау, в течение 20 лет работал чеканщиком на литейном заводе в Эльменхорсте, где также освоил ремесло собственного бронзолитейного производства.
С 1993 года Аксель Рихтер участвует в многочисленных персональных и групповых выставках. Он спроектировал и учредил Гамбургскую Ганзейскую экологическую премию НАБУ, которая вручается ежегодно с 1995 года. С 2000 года — инициатор и директор Кунстхаус ам Шюберг в Аммерсбеке.