Резчики по дереву
Иван Михайлович Абаляев, русский скульптор-самоучка и резчик по дереву, родился в 1901 году в семье сапожника и прожил всю жизнь в деревне Нутрома. Несмотря на минимальное образование, он добился удивительных успехов в творчестве, исключительно благодаря своему внутреннему стремлению и настойчивости. Абаляев специализировался на создании многофигурных композиций из дерева, черпая вдохновение из быта местных кустарей-сапожников .
Его талант был признан на множестве выставок, например, в 1935 году на выставке в Центральном доме крестьянина в Москве, где его работы приобрел Музей народоведения. Иван Михайлович также активно сотрудничал с кимрским музеем, благодаря поддержке которого его работы были приобретены и выставлены на обозрение широкой публике.
К сожалению, жизнь этого талантливого скульптора оборвалась в 1941 году — он погиб в начале Великой Отечественной войны. Однако его наследие живет: большинство его работ хранится в Краеведческом музее в Кимрах и в Тверской областной художественной галерее.
Если вас интересуют работы Ивана Михайловича Абаляева или вы хотите узнать больше о нем, предлагаем подписаться на наши обновления. Это позволит вам получать информацию о продажах его работ и аукционах, связанных с его творчеством.
Хезекия Авгур (англ. Hezekiah Augur) — американский скульптор и изобретатель. Он был самоучкой и, в отличие от многих других американских скульпторов XIX века, всю свою карьеру провел в Нью-Хейвене.
Хезекия Авгур был сыном плотника, рано освоил профессию резчика по дереву. Позже он изобрел кружевной станок и станок для резьбы ножек фортепиано. А затем перешел на мрамор.
Хезекия Авгур был членом Коннектикутской академии искусств и наук.
Карл Осипович Брож (чеш. Karel Brož) был чешско-российским художником, ксилографом и иллюстратором, родившимся 13 ноября 1836 года в Праге. Образование получил в Венской академии художеств. В 1858 году Брож переехал в Россию, где стал знаменит благодаря своим иллюстрациям для журналов «Иллюстрации» и «Всемирная иллюстрация». Его работы отличались высокой детализацией и реализмом, что сделало его одним из ведущих иллюстраторов своего времени.
Карл Брож активно сотрудничал с русскими издательствами, создавая иллюстрации для произведений классиков литературы. Его искусство оказало значительное влияние на популяризацию литературы среди широкой публики. Среди известных работ Брожа выделяются иллюстрации к произведениям А.С. Пушкина и Н.В. Гоголя.
Брож также занимался ксилографией — искусством гравюры на дереве, что позволило ему создавать высококачественные печатные изображения. Умер Карл Осипович Брож 9 ноября 1901 года в Санкт-Петербурге, оставив значительное наследие в области книжной иллюстрации и гравюры.
Чтобы быть в курсе новых продаж и аукционов, связанных с Карлом Осиповичем Брожем, подпишитесь на наши обновления. Вы получите своевременную информацию о всех значимых событиях и возможностях приобрести произведения этого выдающегося художника.
Андре-Шарль Буль (фр. André-Charles Boulle), знаменитый французский мастер мебели и инкрустации, оставил неизгладимый след в истории искусства. Его рождение в Париже 11 ноября 1642 года и смерть там же 28 февраля 1732 года ознаменовали эпоху, в которой мебель перестала быть просто предметом утилитарного использования, превратившись в произведение искусства. Буль получил известность благодаря своему уникальному подходу к маркетри — технике инкрустации, которая позволяла создавать изысканные узоры, используя черепаховый панцирь и металл.
С самого начала своей карьеры в 1672 году Буль зарекомендовал себя как выдающийся мастер, получивший особое признание и покровительство от Людовика XIV. Его работы отличались не только высоким качеством исполнения, но и инновационным использованием материалов, в том числе бронзы, что позволяло защитить наиболее уязвимые части мебели. Такие инновации, как техника маркетри, названная в его честь, и создание новых типов мебели, произвели революцию в мебельном дизайне и помогли укрепить репутацию Версаля как центра искусства и культуры.
Не смотря на свой успех и признание, Буль испытывал финансовые трудности, которые заставляли Людовика XIV неоднократно приходить ему на помощь. Тем не менее, после смерти мастера интерес к его работам не угас, и в середине 18 века его мебель снова стала популярной, а техника маркетри Буля оставалась востребованной на протяжении веков.
Сегодня работы Андре-Шарля Буля продолжают восхищать коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата. Его наследие живет в музеях и частных коллекциях по всему миру, где каждое произведение рассказывает уникальную историю о мастерстве и инновациях, которые он принес в мир мебельного искусства.
Подпишитесь на наши обновления, чтобы получать информацию о новых продажах продукции и аукционных мероприятиях, связанных с Андре-Шарлем Булем. Мы обещаем держать вас в курсе самых актуальных новостей и уникальных предложений, которые позволят вам прикоснуться к наследию великого мастера.
Палома Фарга Вайсц (нем. Paloma Varga Weisz) — немецкая художница, скульптор и рисовальщик, дочь венгерского художника Ференца Фарги, живет и работает в Дюссельдорфе.
Она известна прежде всего вырезанными из дерева скульптурами и инсталляциями. В 2012 году шесть рисунков Вайсц были приобретены и выставлены в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Феликс Валлоттон (фр. Félix Vallotton), швейцарско-французский художник и график, оставил неизгладимый след в искусстве благодаря своим уникальным живописным работам и дереворезам. Родившийся в 1865 году в Лозанне, Швейцария, Валлоттон обрел известность благодаря своим картинам ню и интерьеров, а также благодаря характерным дереворезам.
Валлоттон приехал в Париж в 1882 году, чтобы изучать искусство. Он выбрал не самую традиционную для того времени Академию Жюльена, где он смог свободно развивать свои художественные способности, отдавая предпочтение графическим искусствам, таким как литография и прочие методы печати. Валлоттон выставлял свои работы впервые в 1885 году на Салоне французских художников, представив портрет американского математика Монсье Урсенбаха. В 1892 году он начал ассоциироваться с группой художников, известных как "Наби" (от ивритского "нави", что означает "пророк" или "видящий"), среди которых были Эдуард Вийар, Пьер Боннар, Ксавье Руссель и Морис Дени.
В этот период Валлоттон, подобно художникам "Наби", обратился к символистам и японской традиции деревореза, что повлияло на его стиль, подчеркивающий плоскость поверхности, использование упрощенных абстрактных форм, сильных линий (в его гравюрах) и ярких цветов (в его картинах того времени). Наибольшее внимание привлекла его крупномасштабная картина "Купальщицы в летний вечер" (1892–93).
Его творчество продолжало развиваться, и он стал известен благодаря своим картинам, изображающим бытовые сцены, купающихся женщин, портреты и уличные сцены. Важным моментом в его карьере стала выставка его картин на Венском Сецессионе в 1903 году, которую похвалили Густав Климт и Фердинанд Ходлер. Кроме того, он участвовал в многочисленных выставках и получал заказы от известных французских газет и журналов, таких как "La Revue Blanche".
Феликс Валлоттон, ушедший из жизни в 1925 году в Париже, остается важной фигурой в истории искусства, его работы продолжают вдохновлять ценителей искусства и коллекционеров по всему миру. Его произведения можно найти в музеях и частных коллекциях, включая знаменитые работы, такие как "Купальщицы в летний вечер", находящаяся в Кунстхаусе Цюриха, и "Лунный свет", экспонируемая в Музее Орсе. Особенно ценятся его работы за уникальный стиль и влияние на современное искусство.
Его работа была не только художественным, но и социальным комментарием, что делает его картину особенно актуальной и сегодня. Феликс Валлоттон остается фигурой, чье искусство вызывает постоянный интерес и дискуссии среди искусствоведов и коллекционеров.
Если вас интересуют обновления или мероприятия, связанные с творчеством Феликса Валлоттона, включая продажи новых произведений и аукционные события, подпишитесь на наши обновления. Мы обеспечим вас самой актуальной информацией, не пропустите возможность погрузиться в мир искусства этого выдающегося художника.
Пауль Гангольф (нем. Paul Gangolf), настоящее имя Пауль Лёви (Paul Löwy) — немецкий художник-экспрессионист, литограф, резчик по дереву, журналист.
Пауль родился в еврейской семье, работу начал со статей в журналах на политические темы, используя псевдоним Гангольф, во время Первой мировой войны служил в различных войсках.
Пик творческой активности Пауля Гангольфа пришелся на 1920-е годы, когда он работал в литографии, публиковался и выставлялся в Берлине, Лондоне и Париже.
После прихода к власти национал-социалистов он был арестован и доставлен в концентрационный лагерь Эстервеген, где и был убит. Уже после его смерти, в 1937 году в рамках кампании «Дегенеративное искусство» картины Гангольфа были конфискованы из музеев нацистской Германии и большинство уничтожено. Уцелевшие работы художника можно найти в Музее современного искусства в Нью-Йорке и других.
Франц Герч (нем. Franz Gertsch) — один из самых выдающихся современных художников Швейцарии. За все время своей творческой деятельности он создал широкий спектр живописных и графических работ, в которых пытается найти особый подход к реальности. Несмотря на то, что автор использует фотографии или слайд-проекции как свои отправные точки, картины придерживаются собственной логики, которая стремится к правильности всех элементов. Также особое место в творчестве Франца Герча занимает ксилография.
Ян Госсарт (нидерл. Jan Gossaert) по прозванию Мабюз (Mabuse) — нидерландский живописец, график и резчик по дереву; родоначальник романизма в нидерландской живописи XVI века.
Картины, исполненные им до его итальянского путешествия, сильно походят по своему характеру и исполнению на произведения Квентина Массейса, ощущается и влияние Дюрера.
В Италии Мабюз попал под влияние Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Впал в маньеризм римской школы, не утратив, однако, своего прежнего технического мастерства.
Вернер Готайн (нем. Werner Gothein) — немецкий живописец, скульптор, гравер и керамист-дизайнер.
Готайн изучал искусство в Берлине, освоил технику живописи, скульптуры и гравюры по дереву. В 1920-е годы он стал заниматься проектами керамических предметов для Государственной мануфактуры майолики Карлсруэ и керамических фабриках Фельтен-Вордамм.
В 1937 году в рамках нацистской кампании «Дегенеративное искусство» графика Готайна была изъята из музеев и коллекций Германии, большинство из них впоследствии были уничтожены. После окончания Второй мировой войны художник продолжил создавать гравюры на дереве.
Кестутис Григалюнас – литовский художник-график, преподаватель рисования.
Он работал в технике резьбы по полотну, резьбы по дереву, трафаретной печати, офорта, создавал иллюстрированные книги. С 1990 года один из первых литовских графических дизайнеров, использовавших технику цветной трафаретной печати. Вырезал из картона и фанеры. Для его работ характерно ярко выраженное графическое начало: используются линии, знаки, орнаменты, фигуративные и абстрактные мотивы.
С 1998 года Григалюнас создает более сложные пластические графические работы и аппликации, в них присутствуют черты постмодернизма, поп-арта, элементы флюксуса, декоративные, эклектичные образы. Преобладает игривый настрой, ирония, различные интеллектуальные отсылки к образам Литвы и других культур и цивилизаций.
Хуан де Меса-и-Веласко (исп. Juan de Mesa y Velasco) был испанским барочным скульптором, чьи работы стали культовыми образами в процессиях Святой Недели в Севилье. Родившийся в Кордобе и обучавшийся в мастерской Хуана Мартинеса Монтаньеса в Севилье, Меса-и-Веласко создал уникальный стиль, отличающийся реалистичностью и драматизмом изображений, что было важным для католической церкви после Тридентского собора.
С 1618 по 1623 год, период, названный "мастерским пятилетием", Меса-и-Веласко создал ряд великолепных работ, включая известные "Кристо де ла Буэна Муэрте" и "Хесус дель Гран Подер", которые и сегодня являются объектами глубокой религиозной преданности. Его произведения, особенно крестные фигуры, отражают глубокий анатомический анализ и мастерство в обработке драпировок, придавая им выразительность и драматизм.
Среди других выдающихся работ Меса-и-Веласко - "Кристо де ла Мисерикордия" для монастыря Санта Исабель в Севилье и "Кристо де ла Агония" для церкви Сан Педро в Вергара, каждая из которых демонстрирует его способность передавать эмоциональную насыщенность и мистический экстаз.
Меса-и-Веласко ушел из жизни в молодом возрасте, оставив после себя наследие, которое продолжает вдохновлять и вызывать восхищение. Его творчество оказало значительное влияние на развитие барочной скульптуры в Испании и остается важной частью культурного и религиозного наследия страны.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата, рекомендуем подписаться на обновления, связанные с Хуаном де Меса-и-Веласко, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, посвященных этому выдающемуся художнику.
Джованни ди Сер Джованни Гвиди (итал. Giovanni di Ser Giovanni Guidi), известный как Скеджа (итал. Lo Scheggia), — выдающийся итальянский художник эпохи Возрождения, работавший во Флоренции. Он родился в Сан-Джованни Вальдарно и был младшим братом знаменитого Мазаччо. Скеджа специализировался на создании панелей для кассоне и десков да парто (подносов для рождения ребенка), а также выполнял крупные работы для церквей в сельской местности.
Одним из его наиболее значимых произведений является самый большой из известных подносов для рождения, созданный по случаю рождения Лоренцо де Медичи в 1449 году. Этот объект хранился во дворце Медичи во Флоренции и изображал «Триумф славы». На обратной стороне подноса находятся гербы семей отца и матери Лоренцо де Медичи — Пьеро де’ Медичи и Лукреции Торнабуони.
Среди других работ Скеджа известны «Мадонна с младенцем» (1450 год), первоначально находившаяся в церкви Сан-Лоренцо в Сан-Джованни Вальдарно, и темпера на дереве, изображающая хор ангельских музыкантов, которая была частью двери из костницы органной оратории Сан-Лоренцо.
В Академии Галерее во Флоренции находится так называемый «Адимари Кассоне» — панель с изображением сцены вечеринки на фоне городского пейзажа в перспективе, где можно узнать Крестильный собор Флоренции.
Скеджа был художником, чьи работы отражают характерные черты итальянского Возрождения и оставили значительный след в истории искусства. Его вклад в развитие живописи и декоративно-прикладного искусства эпохи Возрождения по-прежнему ценится коллекционерами и экспертами в области искусства и антиквариата.
Мы приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новостей и событий, связанных с произведениями Джованни ди Сер Джованни, известного как Скеджа. Эта подписка обеспечит вас актуальной информацией о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с этим замечательным художником.
Никлаус Мануэль, прозванный Дойчем, (нем. Niklaus Manuel Deutsch) — швейцарский художник, график, поэт и политический реформатор.
В художественном стиле Никлауса Мануэля Дойча чувствуется влияние Ренессанса и Альбрехта Дюрера. Наряду с Гольбейном он считается самым значимым представителем Ренессанса в Швейцарии. Он создавал эскизы для ювелиров, алтари, портреты и другие полотна. Его насыщенные цветами полотна изображают в основном мифологические и библейские сцены.
Альбрехт Дюрер (нем. Albrecht Dürer) — знаменитый немецкий художник, график и теоретик искусства эпохи Высокого Возрождения. Родившийся в Нюрнберге, Дюрер с раннего возраста занимался художественным творчеством, совершенствуя свои навыки в мастерской своего отца-ювелира. Позже он стал учеником художника и иллюстратора Михаэля Вольгемута, что оказало значительное влияние на его развитие как художника.
Дюрер известен своими гравюрами на дереве и меди, среди которых наиболее известны серии "Апокалипсис" (1498), "Адам и Ева" (1504), "Святой Иероним в своей келье" (1514) и "Ринокерос" (1515). Его работы отличаются высоким качеством исполнения, вниманием к деталям и реалистичным изображением человеческого тела и природы. Дюрер также создал ряд впечатляющих автопортретов, демонстрирующих его мастерство и самосознание как художника.
Одной из заметных черт Дюрера было его стремление к инновациям в искусстве, включая введение классических мотивов в североевропейское искусство, основанных на его знаниях о работах итальянских художников и немецких гуманистов. Это сыграло ключевую роль в утверждении его репутации как одного из важнейших деятелей Северного Возрождения. Дюрер также был официальным дворовым художником Священной Римской империи при императорах Максимилиане I и Карле V, для которых он разрабатывал и руководил реализацией различных художественных проектов.
Важной частью наследия Дюрера являются его теоретические трактаты, в которых он затрагивает принципы математики, перспективы и идеальные пропорции в искусстве. Эти работы оказали значительное влияние на развитие искусства и архитектуры в последующие века.
Произведения Дюрера представлены во многих музеях и галереях мира, в том числе в Прадо, Альте Пинакотеке и Метрополитен-музее. Его картины и гравюры привлекают внимание коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, и продолжают вдохновлять новые поколения художников и искусствоведов.
Мы приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Альбрехтом Дюрером, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим выдающимся художником.
Герман Кетельхён (нем. Hermann Kätelhön) — немецкий художник первой половины ХХ века. Он известен как рисовальщик-реалист, график, резчик по дереву и керамист.
Кетельхён создавал произведения, изображающие людей и природу средней Германии, включая портреты крестьян и зарисовки сцен полевых работ. Его графическая серия «Работа», а также рисунки на тему «Вожди горного дела» исследуют труд шахтёров. Позднее художник перешёл к изображению природы, особенно воды, включая источники, реки, глетчеры и моря.
Сергей Тимофеевич Конёнков, знаменитый русский скульптор, получил прозвище "русский Роден" за свои выдающиеся работы, которые сравнивали с творчеством великого французского мастера. Родившийся в крестьянской семье, Конёнков обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в Высшем художественном училище Императорской Академии художеств. Его дипломная работа "Самсон, разрывающий узы", была признана слишком революционной и уничтожена.
Конёнков активно участвовал в культурной жизни послереволюционной России, создавая работы для монументальной пропаганды, и был организатором и председателем Московского профессионального союза скульпторов-художников. Его творчество отличало использование дерева в "лесной серии" скульптур, где мастер выражал своё видение красоты природы и славянских мифов.
Среди его известных работ - скульптурная композиция "Степан Разин со своей дружиной", хранящаяся в Государственном Русском музее. Конёнков также был одним из первых русских скульпторов, обратившихся к изображению обнажённого женского тела, внося вклад в традиции русского народного искусства.
В конце своей карьеры, в 1923 году, Конёнков отправился в США, где продолжил свою работу, внося значительный вклад в искусство как в России, так и за её пределами.
Для получения обновлений, связанных с творчеством и наследием Сергея Тимофеевича Конёнкова, рекомендуем подписаться на рассылку. Это позволит вам быть в курсе новых выставок, продаж произведений и аукционных событий, связанных с работами мастера.
Вильгельм Лаге (нем. Wilhelm Laage) — немецкий художник, график, гравер и резчик по дереву.
Лаге посещал Гамбургскую ремесленную школу и художественную академию в Карлсруэ, в 1896 начал работать с гравюрами на дереве и литографией. В 1904 году Лаге принимал участие в выставках в Вене и Дрездене, в 1914 году был награжден премией Виллы Романа, Почетной премией города Лейпцига и Государственной медалью на Международной графической выставке в Лейпциге. Вильгельм Лаге был членом Немецкой ассоциации художников.
Жан Ле́бедев (фр. Jean Lébédeff), имя при рождении Ива́н Константи́нович Ле́бедев (фр. Ivan Konstantinovitch Lebedev) — французский живописец и график-иллюстратор русского происхождения. Деятель анархического движения. Представитель русской творческой и политической эмиграции во Франции. Автор рисунков и гравюр, с изображением литературных героев из произведений Пушкина, Горького, Куприна, Толстого.
Мэл Линдквист (англ. Mel Lindquist), урожденный Мэлвин Бенджамин Линдквист (англ. Melvin Benjamin Lindquist) — американский инженер, пионером движения American Studio Wood Turning.
Основоположник движения студийной токарной обработки дерева, Мел Линдквист применил свои основные методы станка и инженерный опыт, применив новаторские методы выдалбливания, называемые «слепым растачиванием» или «слепым точением», которые широко используются сегодня.
Карл Опферман (нем. Karl Opfermann) — немецкий скульптор по дереву и камню. Его творчество охватывает значительный период времени, начиная с 1914 года и заканчивая примерно 1949 годом. Карл Опферман был не только скульптором, но и графическим художником, проявившим себя в разных направлениях искусства.
Он начал свою карьеру как создатель орнаментов, а затем учился в Гамбурге. С 1919 года Опферман присоединился к Берлинской Novembergrupре и Гамбургской сецессии, что открыло ему двери в мир высокого искусства. В его работах прослеживается уникальный стиль и подход к скульптуре, который отличает его от многих других художников того времени.
Карл Опферман создавал экспрессивные скульптуры, которые были высоко оценены как критиками, так и публикой. Его работы часто продаются на аукционах, демонстрируя стабильный интерес к его творчеству. Произведения скульптора показывают его мастерство в работе с разными материалами и формами.
Творчество Карла Опферманна остаётся важной частью истории немецкой скульптуры, его работы сохраняют свою ценность и значимость до сих пор. Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, изучение его работ представляет большой интерес.
Подписывайтесь на наши обновления, чтобы всегда быть в курсе новостей, связанных с произведениями Карла Опферманна, и не пропустить новые продажи и аукционные события, связанные с этим выдающимся художником.
Элайджа Пирс (англ. Elijah Pierce) — афроамериканский резчик по дереву XX-го века. Пирс был самым младшим в своей семье, родившийся от бывшей рабыни на ферме в Болдуине. Он начал заниматься резьбой в юном возрасте, используя перочинный нож. Сначала он начал вырезать животных. В 1982 году Пирс был удостоен стипендии National Heritage Fellowship за свое искусство и влияние в сообществе резчиков по дереву.
Элайджа Пирс был удостоен чести участвовать в выставках в таких галереях, как Художественный музей Краннерта, Нью-Йоркская галерея Филлис Кинд, Национальный музей американского искусства и галерея Ренвик. Его работы находятся в коллекции Американского музея народного искусства и в постоянной коллекции Филадельфийского музея искусств.
Люсьен Писсарро (фр. Lucien Pissarro) — французский художник, график и ксилограф, представитель пуантилизма. Сын Камиля Писсарро. Начиная с 1890 года жил и работал в Англии.
Люсьен Писсарро первоначально обучался живописи под руководством своего отца. Позже он выработал свой собственный художественный стиль под влиянием неоимпрессионистской техники Жоржа Сёра и Поля Синьяка. Как и другие художники-неоимпрессионисты, Писсарро использовал ломаные мазки и технику дивизионизма для создания светлых и ярких эффектов.
Сюжеты картин Писсарро часто включали пейзажи, сельские сцены и прибрежные виды, что отражало его любовь к природе и деревенской местности. Он особенно любил передавать в своих картинах эффекты света и атмосферы, используя тонкую и гармоничную цветовую палитру.
Вальтер Танк (нем. Walter Tanck) — немецкий художник-пейзажист, гравер и резчик по дереву. Обучался живописи у Франца Нёлькена в Гамбурге.
В 1937 году в рамках нацистской кампании «Дегенеративное искусство» его графическое портфолио «Дон Кихот» (15 офортов и литография на титульном листе) из Художественной коллекции Дюссельдорфа и панно «Обнаженная женщина» были конфискованы и уничтожены.
Эдгар Титгат (фр. Edgard Tytgat) — бельгийский художник, гравер, иллюстратор, рисовальщик, офортист, акварелист и резчик по дереву. Как гравер и ксилограф проиллюстрировал множество произведений. Его картины в стиле, вдохновленном постимпрессионизмом, часто описываются как наивная живопись и изображают сцены повседневной жизни, интерьеры, ярмарки, влюбленных, но также не лишены поэзии. С 1950 года художник подошел к созданию работ на мифологические темы, некоторым из этих работ свойствен определенный эротизм. Эдгар Титгат участвовал во многочисленных выставках, как персональных, так и коллективных, в Бельгии и за рубежом.
Тобин (фр. Tobeen), настоящее имя Феликс Эли Бонне (Felix Elie Bonnet), — французский художник. Он известен своим вкладом в кубизм, часто включая в свои работы баскские мотивы, что принесло ему репутацию баскского художника, несмотря на его французское происхождение. Тобин активно работал в Париже, где поддерживал связи с такими художниками, как Пабло Пикассо и Жорж Брак. Его произведения экспонировались на выставке Salon de la Sección d'Or в Париже в 1912 году, где он представил одиннадцать работ.
Тобин часто обращался к жизни за пределами города, изображая море и леса, а после 1920 года обосновался в Сен-Валери-сюр-Сомме. Его работы отражают влияние парижского периода и его страсть к поэзии человеческой жизни. В его работах, в том числе в рисунках и резьбе по дереву, прослеживается страсть к изучению человеческой природы и окружающего мира.
Произведения Тобина хранятся в различных музеях мира, включая Музей Баскской истории в Байонне и Музей изящных искусств в Бордо. Его творчество продолжает привлекать внимание коллекторов и экспертов в области искусства и антиквариата благодаря уникальному стилю и вкладу в развитие кубизма.
Если вас интересует искусство Тобина и вы хотите оставаться в курсе новых продаж произведений и аукционов, связанных с этим замечательным художником, подпишитесь на обновления. Мы будем информировать вас о всех значимых событиях, связанных с творчеством Тобина.
Клиффорд Поссум Тьяпалтджарри (англ. Clifford Possum Tjapaltjarri) — австралийский живописец, считающийся одним из самых собираемых и известных художников-аборигенов Австралии. Его картины хранятся в галереях и коллекциях Австралии и других стран, включая Художественную галерею Нового Южного Уэльса, Национальную галерею Австралии, Фонд Келтона и Королевскую коллекцию.
Грегорио Фернандес (исп. Gregorio Fernández) был испанским скульптором, родившимся в апреле 1576 года в Саррии, Галисия, и скончавшимся 22 января 1636 года в Вальядолиде. Он является выдающимся представителем кастильской школы скульптуры и одним из самых значимых мастеров испанского барокко. Фернандес обрел известность благодаря своему уникальному стилю, характеризующемуся выражением глубокой эмоциональности и драматизма в своих работах, часто используя мистические темы и стремясь передать чувство боли и страдания.
В его творчестве прослеживается стремление к реализму, особенно в анатомических деталях, выражении лиц и выборе цвета. Интересно, что Фернандес иногда использовал стеклянные глаза, слоновую кость для ногтей и зубов, а также смоделированные кровь и слезы, добавляя своим произведениям особую живость и подлинность. Его работы отличаются также особой схематичностью драпировки одежд, создавая ощущение жесткости и остроты складок.
Грегорио Фернандес создал множество значимых религиозных скульптур и алтарей для церквей по всей Испании, особенно в Вальядолиде, где он провел большую часть своей жизни и где находится значительная часть его работ. Многие из его скульптур используются в уличных шествиях и религиозных процессиях, что подчеркивает их значимость в культуре и искусстве Испании.
Грегорио Фернандес оставил после себя большое наследие, сыграв ключевую роль в развитии испанского барокко и оказав значительное влияние на последующие поколения скульпторов не только в Испании, но и за ее пределами.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата и хотели бы узнавать о новых продажах продукции и аукционных мероприятиях, связанных с Грегорио Фернандесом, подпишитесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять вам только актуальную информацию, касающуюся вашего интереса.
Николай Иванович Фешин — русский и американский художник первой половины ХХ века. Он известен как живописец, мастер бытового и портретного жанров, представитель импрессионизма и модерна. Николай Фешин также был графиком, скульптором, резчиком, а на начальном этапе профессиональной карьеры проявил себя как педагог.
Николай Фешин значительную часть жизни провёл в эмиграции, где ему быстро удалось добиться признания и коммерческого успеха. Он создал более двух тысяч произведений, которые сейчас разбросаны по всему миру. Самая большая коллекция работ Фешина находится в России в Музее изобразительных искусств Татарстана. А часть работ — в собраниях более тридцати музеев в США, а также в частных коллекциях.
Вальтер Хельбиг — немецкий и швейцарский художник, график и резчик по дереву. Работал в Дрездене над церковными росписями. Участвовал в основании и первой выставке «Нового сецессиона» в Берлине в 1910 году. Принял участие в первой выставке Modern Bund в 1911 году в Люцерне и во второй, более крупной, в Кунстхаусе в Цюрихе. В 1914 году принял участие в первой дадаистской выставке в Galerie Coray в Цюрихе. Хельбиг также был представлен на третьей дадаистской выставке, но не участвовал в деятельности дадаистов. В 1919 году был одним из подписавших «Манифест радикальных художников» в Цюрихе, вступил в «Ноябрьскую группу» в Берлине.
Хельбиг жил в Цюрихе с 1916 по 1924 год и в 1916 году стал членом GSMBA (Общество швейцарских художников, скульпторов и архитекторов). После Первой мировой войны его художественное творчество обратилось к религиозным и мифическим сюжетам. В 1924 году Хельбиг, как и многие другие художники, переехал в Аскону из-за низкой стоимости жизни и основал движение Der Große Bär. В это время Хельбиг писал пейзажи, натюрморты и портреты. Первую крупную персональную выставку провел в Цюрихе в 1948 году, а в 1952 году стал членом Ассоциации немецких художников. После Второй мировой войны он также следовал художественным течениям того времени, абстрактному экспрессионизму и экспериментировал с неформальным искусством в 1960-е годы.
Петер Цаумзайль (нем. Peter Zaumseil) — немецкий художник, график и скульптор. Он известен своими выразительными работами в области живописи, графики и скульптуры, часто используя цветную гравюру на дереве. Петер Цаумзайль родился в Грайце, Германия, и уже в школе его талант был признан учителями по рисованию. Затем он обучался профессии металлообработки, но продолжал изучать живопись и графику в специальной школе в Рудольштадте с 1979 по 1986 год.
В 2021 году он выпустил книгу «Вода — это жизнь», посвященную реке Вайссе Эльстер, которая включает 50 гравюр, сопровождаемых текстами. В 2023 году в Галерее на Остербург Вейда была проведена выставка, на которой демонстрировались работы из этой книги, а также дополнительные картины, эскизы и внешние цветные гравюры на дереве.
Одной из известных работ Петера Цаумзайля является Cafe, созданная в 1991 году. Это цветная гравюра на дереве с выразительным изображением интерьера кафе. Работа подписана автором и была продана на аукционе Auktionshaus Mehlis GmbH в августе 2023 года.
Если вас интересуют новости о выставках и новых работах Петера Цаумзайля, вы можете подписаться на рассылку обновлений. Она будет информировать вас о предстоящих выставках, продажах и событиях, связанных с его работами. Подписка гарантирует, что вы будете в курсе всех событий и новинок, связанных с этим художником.
Ута Цаумзайль (нем. Uta Zaumseil) — немецкая художница, специализирующаяся на живописи, графике и скульптуре. Ее работы известны благодаря уникальному сочетанию старинных техник резьбы по дереву и линолеуму с фотографиями, что создает сложные, многослойные произведения искусства. Ута Цаумзайль нашла вдохновение для своих произведений в повседневной жизни и окружающем мире, в том числе в городских пейзажах, абстрактных архитектурных структурах и даже в ее сыне Оскаре и собаке Такеши.
Ее работы были представлены на различных выставках, в том числе на персональной выставке Baby, you can drive my car в галерее Кухлинг в Берлине в 2019 году. Ута Цаумзайль также участвовала в выставке «Ночные полеты» в городской галерее Бакнанг в 2020 году и в Ангермусеуме в Эрфурте в 2022 году.
Ута Цаумзайль удостоилась различных наград, включая Рут-Хун-Кунстпрайс из Кунстхалле Веймар и рабочие стипендии от нескольких учреждений. Она принимала участие в множестве групповых и персональных выставок в различных странах и городах, продолжая привлекать внимание своей работой, которая сочетает в себе художественный талант и уникальный стиль.
Если вам интересно получать обновления о новых работах и выставках Уты Цаумзайль, вы можете подписаться на рассылку, чтобы быть в курсе последних новостей и событий, связанных с этой художницей.
