Holzschnitzer
Iwan Michailowitsch Abaljajew (russisch: Иван Михайлович Абаляев) war ein russischer Künstler, bekannt für seine bedeutenden Beiträge zur Kunstszene des 20. Jahrhunderts. Er lebte von 1901 bis 1941 und hinterließ trotz seines relativ kurzen Lebens ein bemerkenswertes Erbe in der Kunstwelt. Abaljajew's Werk zeichnet sich durch seine einzigartige Auffassung von Form und Farbe aus, was ihm Anerkennung in Kunstkreisen einbrachte. Besonders bemerkenswert ist, dass seine Werke im Museum im Kleihues-Bau in Kornwestheim, Deutschland, ausgestellt wurden, was die kulturelle und historische Bedeutung seiner Arbeiten unterstreicht.
Obwohl nur eine Ausstellung im April 2006 explizit dokumentiert ist, spiegelt diese die anhaltende Wertschätzung seiner Kunst wider. Diese Solo-Ausstellung zeigte nicht nur Abaljajew's Fähigkeit, emotionale Tiefe und technische Finesse zu kombinieren, sondern bot auch Einblick in die Breite seines Schaffens, das verschiedene künstlerische Medien und Stile umfasst.
Für Sammler und Kunstexperten, die an weiterführenden Informationen zu Iwan Michailowitsch Abaljajew interessiert sind oder in zukünftige Verkaufs- und Auktionsveranstaltungen involviert sein möchten, empfiehlt es sich, Updates zu abonnieren. Dies ermöglicht es, direkt über neue Erwerbungsmöglichkeiten und wichtige Ereignisse informiert zu werden, die mit Abaljajew's Kunstwerk in Verbindung stehen.
Hezekiah Augur war ein amerikanischer Bildhauer und Erfinder. Er war Autodidakt und verbrachte, im Gegensatz zu vielen anderen amerikanischen Bildhauern des 19. Jahrhunderts, seine gesamte Karriere in New Haven.
Hezekiah Augur war der Sohn eines Zimmermanns und erlernte schon früh das Handwerk des Holzschnitzers. Später erfand er einen Spitzenwebstuhl und eine Maschine zum Schnitzen von Klavierbeinen. Dann wechselte er zum Marmor.
Hezekiah Augur war Mitglied der Connecticut Academy of Arts and Sciences.
Thomas Bewick war ein englischer Grafiker und der Erfinder des Holzstichs.
Im Gegensatz zur traditionellen Holzschnitt-Technik verarbeitete er das besonders harte Holz des Buchsbaums. Dieses wird nicht wie beim Holzschnitt im Längsschnitt, sondern als Hirnholz quer zur Faser geschnitten und ist damit besonders druckbelastbar. Als Werkzeug dient der Stichel, mit dem das Holz in einem arbeitsaufwendigen Prozess graviert wird.
Der vom Kupferstich nahezu verdrängte Holzschnitt wurde mit der Entwicklung des Holzstichs zu einem wirtschaftlichen interessanten Reproduktionsverfahren, das im 19. Jahrhundert sehr häufig verwendet wurde.
André-Charles Boulle war ein französischer Möbeltischler, der für seine außergewöhnliche Arbeit in der Kunst der Marketerie bekannt wurde. Geboren am 11. November 1642 in Paris, erlangte Boulle durch seine innovativen Techniken und sein außergewöhnliches Design Anerkennung, die bis heute in der Welt der Kunst und Antiquitäten hoch geschätzt werden. Sein Name ist untrennbar mit dem Begriff "Boulle-Marketerie" verbunden, einer Technik, die er perfektionierte und die aus der Einlegearbeit von Schildpatt und Messing besteht.
Boulle war nicht nur ein geschickter Handwerker, sondern auch ein kreativer Innovator. Seine Möbelstücke, oft reich verziert mit Bronze und kunstvollen Marqueterien, zeugen von einem außergewöhnlichen ästhetischen Sinn. Besonders bemerkenswert ist, dass er neue Möbeltypen schuf und dabei Materialien wie Bronze nutzte, um die fragilsten Teile seiner Schöpfungen zu schützen. Seine Arbeiten, darunter Kommoden, Uhren und Schreibmöbel, fanden Eingang in die Sammlungen königlicher und adliger Häuser in ganz Europa.
Einige von Boulles bekanntesten Werken sind heute in bedeutenden Museen und Sammlungen zu finden, wie im Rijksmuseum und im Metropolitan Museum of Art. Diese Institutionen bewahren seine Erbstücke sorgfältig und präsentieren sie als Zeugnisse seines künstlerischen Genies und seiner handwerklichen Fähigkeiten.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet die Auseinandersetzung mit Boulles Werken eine faszinierende Reise durch die Geschichte des Designs und der Handwerkskunst. Seine Techniken und Stile, die einst die Höfe Europas begeisterten, inspirieren noch immer Liebhaber und Fachleute.
Wir laden Sie ein, sich für Updates anzumelden, um über neue Produktverkäufe und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit André-Charles Boulle informiert zu werden. Diese Gelegenheit ermöglicht es Ihnen, tiefer in die Welt eines Meisters einzutauchen, dessen Schaffen die Kunst und Kultur nachhaltig geprägt hat.
Karel Brož (russisch: Карл Осипович Брож) war ein tschechischer und russischer Künstler, der für seine Illustrationen und Aquarelle bekannt war. Geboren am 25. November 1836 in Prag, studierte er an der Wiener Akademie der bildenden Künste. Seine frühen Werke erschienen in tschechischen Kalendern und Zeitschriften und zeigten sein Talent und seine Vielseitigkeit.
1858 zog Brož nach Russland und arbeitete für renommierte Publikationen wie „Всемирная иллюстрация“ und „Иллюстрированная Неделя“. Dort wurde er vor allem für seine detailreichen und lebendigen Porträts und Landschaften geschätzt. Seine Illustrationen trugen dazu bei, die visuelle Kultur Russlands im 19. Jahrhundert zu bereichern.
Seine Werke sind in verschiedenen Kunstsammlungen und Bibliotheken erhalten. Karel Brož starb am 22. November 1901 in Sankt Petersburg. Seine künstlerische Hinterlassenschaft bleibt ein wichtiger Bestandteil der europäischen Kunstgeschichte.
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Vija Celmins ist eine lettisch-amerikanische Künstlerin. Sie ist vor allem für ihre fotorealistischen Gemälde und Zeichnungen von natürlichen und vom Menschen geschaffenen Objekten bekannt.
Celmins und ihre Familie flohen während des Zweiten Weltkriegs aus Lettland und ließen sich schließlich in den Vereinigten Staaten nieder. Sie studierte Kunst an der John Herron School of Art in Indianapolis und später an der University of California, Los Angeles.
Celmins begann ihre Karriere als Malerin in den 1960er Jahren und entwickelte in den 1970er Jahren ihren eigenen Stil des Fotorealismus. Sie ist bekannt für ihre akribische Liebe zum Detail, und ihre Gemälde und Zeichnungen benötigen oft Monate oder sogar Jahre, um fertiggestellt zu werden. Zu ihren berühmtesten Werken gehören Bilder des Nachthimmels, der Ozeane und der Felsen.
Celmins war Gegenstand zahlreicher Einzelausstellungen in Museen und Galerien auf der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Centre Pompidou in Paris im Jahr 2006. Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen vieler bedeutender Museen, darunter das Metropolitan Museum of Art in New York, das Museum of Modern Art in New York und die National Gallery of Art in Washington, D.C.
Luke Clennell war ein englischer Holzschneider und Maler. Er galt seinen Zeitgenossen als der talentierteste von Thomas Bewicks Schülern. Zu seinen bekanntesten Arbeiten zählen die Illustrationen zu dem Gedicht The shipwreck von William Falconer. Für seine Gravur einer Urkunde für die Highland Society of London nach einem Entwurf von Benjamin West erhielt er die Goldmedaille der Society of Arts in London.
Juan de Mesa y Velasco war ein spanischer Barockbildhauer aus Córdoba, bekannt für seine religiösen Skulpturen, die eine tiefe emotionale Wirkung und außerordentliche Realitätstreue aufweisen. Er wurde 1583 in Córdoba geboren und verbrachte den Großteil seiner künstlerischen Laufbahn in Sevilla, wo er unter anderem in der Werkstatt von Juan Martínez Montañés tätig war.
Mesa y Velasco gilt als einer der bedeutendsten Skulpteure der andalusischen und spanischen Barockkunst, wobei seine Werke für ihre expressive Darstellung von Leid und Passion berühmt sind. Sein "Lustro magistral" zwischen 1618 und 1623 markiert den Höhepunkt seines Schaffens, in dem er Meisterwerke wie den Cristo del Amor und den Cristo de la Buena Muerte schuf, die heute noch für ihre dramatische Intensität und detaillierte Anatomie bewundert werden.
Einige seiner bekanntesten Werke umfassen den Jesús del Gran Poder, eine der populärsten Skulpturen der Karwoche in Sevilla, und den Cristo de la Buena Muerte. Beide Werke spiegeln Mesas Fähigkeit wider, tiefes menschliches Leiden und zugleich subtile Schönheit darzustellen. Sein Einfluss erstreckt sich weit über seine Lebenszeit hinaus und prägt die Tradition der religiösen Bildhauerei in Spanien nachhaltig.
Mesa y Velasco starb 1627 in Sevilla an Tuberkulose, hinterließ jedoch ein beeindruckendes Oeuvre, das bis heute in verschiedenen Kirchen und Museen in Spanien zu bewundern ist. Seine Kunstwerke zeichnen sich durch eine meisterhafte Behandlung von Form und Ausdruck aus, wodurch er zu einem unverzichtbaren Teil der Kunstgeschichte wurde.
Interessenten und Sammler, die tiefer in das Erbe und die Werke Juan de Mesa y Velascos eintauchen möchten, laden wir herzlich ein, sich für Updates zu neuen Verkaufsaktionen und Auktionsereignissen anzumelden, die in direktem Zusammenhang mit diesem herausragenden Künstler stehen.
Niklaus Manuel Deutsch war ein Schweizer Maler, Grafiker, Dichter und politischer Reformer.
Der künstlerische Stil von Niklaus Manuel Deutsch ist von der Renaissance und Albrecht Dürer beeinflusst. Neben Holbein gilt er als der wichtigste Vertreter der Renaissance in der Schweiz. Er schuf Entwürfe für Juweliere, Altarbilder, Porträts und andere Gemälde. Seine farbenprächtigen Gemälde stellen vor allem mythologische und biblische Szenen dar.
Giovanni di Ser Giovanni Guidi, bekannt als Lo Scheggia (wörtliche Übersetzung "Der Splitter") war ein italienischer Renaissancemaler, der vor allem in Florenz wirkte und der jüngere Bruder des berühmten Malers Masaccio war. Er zog 1417 mit seiner Familie nach Florenz, wo er später seine eigene Werkstatt gründete und Mitglied der Zunft der Heiligen Lukas wurde.
Lo Scheggia ist besonders bekannt für seine Produktion von Cassone-Panels und Geburtstabletts (Deschi da parto), die häufig für die florentinische Oberschicht angefertigt wurden, aber auch für größere Werke für Kirchen im ländlichen Raum. Zu seinen bekanntesten Werken gehört der "Triumph der Liebe" auf dem Cassone Adimari, das in der Piazza del Duomo in Florenz spielt, sowie das Desco da parto mit einem Spiel von Civettino, das zur Feier der Geburt von Lorenzo de' Medici, dem späteren Herrscher von Florenz, im Jahr 1449 angefertigt wurde.
Ein weiteres herausragendes Werk ist das Adimari Cassone, ein Panel, das eine Festszene in einer städtischen Landschaft darstellt, in der das Baptisterium von Florenz erkennbar ist. Dieses und andere seiner Werke spiegeln die kulturelle und soziale Dynamik der Renaissance in Florenz wider und zeugen von Scheggias Fähigkeit, Themen des alltäglichen Lebens mit kunstvoller Eleganz zu verbinden.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätsexperten bietet das Studium von Scheggias Werk einen tiefen Einblick in die florentinische Malerei der Renaissance und ihre Verbindungen zu bedeutenden historischen Persönlichkeiten und Ereignissen. Sein Beitrag zur Kunstgeschichte, insbesondere durch seine einzigartigen Geburtstabletts und Cassone-Panels, macht ihn zu einem faszinierenden Forschungsgegenstand.
Um weitere Informationen und Updates zu Werken von Giovanni di Ser Giovanni Guidi zu erhalten, einschließlich neuer Verkaufs- und Auktionsereignisse, empfehlen wir, sich für spezialisierte Kunstupdates anzumelden.
Albrecht Dürer, ein herausragender deutscher Künstler der Renaissance, wurde 1471 in Nürnberg geboren und erlangte bereits in seinen Zwanzigern durch seine hochwertigen Holzschnittwerke europaweite Anerkennung. Er zeichnete sich durch seine Arbeit als Maler, Kupferstecher und Theoretiker aus. Dürers umfangreiches Werk umfasst Gravuren, Altarbilder, Porträts und Selbstporträts, Aquarelle und Bücher. Seine Holzschnittserien zeigen eher gotische Züge, während seine bekanntesten Gravuren - die "Meisterstiche" "Ritter, Tod und Teufel" (1513), "Hieronymus im Gehäus" (1514) und "Melencolia I" (1514) - seine Vorliebe für klassische Motive und die Verbindung von Mathematik, Perspektive und idealen Proportionen offenbaren.
Dürers Beziehung zu bedeutenden Zeitgenossen wie den römisch-deutschen Kaisern Maximilian I. und Karl V., für die er als Hofkünstler tätig war, spiegelt sich in seinen Werken wider. Er gestaltete und leitete beispielsweise die Herstellung des Triumphbogens für Kaiser Maximilian um 1515, ein monumentales Druckwerk, das in ganz Europa verbreitet wurde. Seine Talente wurden auch in Nürnberg, einem Zentrum des Humanismus und der Reformation, anerkannt, wo er Zugang zu führenden Theologen und Gelehrten hatte und ihre Porträts schuf.
Die Selbstporträts Dürers, wie das berühmte Gemälde von 1500 in der Alten Pinakothek in München, zeugen von seinem wachsenden Erfolg und Selbstbewusstsein als Künstler. Seine Fähigkeit, sich selbst in verschiedenen Phasen seines Lebens darzustellen, hebt ihn als einen der ersten bedeutenden Landschaftsmaler Europas hervor.
Bedeutende Werke Dürers, wie die Holzschnitte aus der Apokalypse-Serie von 1498, darunter "Die vier Reiter der Apokalypse", zeigen die Fähigkeit des Künstlers, christliche und weltliche Symbole zu vereinen und bieten tiefe Einblicke in die damalige Zeit. Diese Werke sind nicht nur in christlichen, sondern auch in weltlichen Kontexten anerkannt und zählen zu den am häufigsten reproduzierten Druckwerken der Renaissance.
Als Kunstliebhaber oder -sammler ist es faszinierend, Dürers Werke und seine innovative Verbindung von Kunst und Wissenschaft zu erforschen. Seine Meisterwerke sind in Museen und Galerien weltweit zu bewundern und bleiben ein essentieller Bestandteil der europäischen Kunstgeschichte.
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Gregorio Fernández war ein spanischer Bildhauer des Barock, der von 1576 bis 1636 lebte und arbeitete. Fernández, der als einer der führenden Vertreter der kastilischen Bildhauerschule gilt, zeichnete sich durch seine ausdrucksstarke und realistische Darstellung religiöser Themen aus. Sein Werk zeichnet sich durch die gespenstische Darstellung körperlicher und moralischer Leiden sowie die Verkörperung mystischer Erfahrungen aus, was sich in den ruhigen und zurückhaltenden Gesten seiner Figuren widerspiegelt. Die Gesichter und Hände seiner Skulpturen sind sehr ausdrucksstark, und die polychrome Farbgebung, die oft in Zusammenarbeit mit Künstlern entsteht, unterstreicht den Realismus seiner Figuren zusätzlich. Fernandez' Skulpturen zeichnen sich durch die Verwendung von echten Materialien wie Glas für die Augen oder Elfenbein für die Zähne aus, was seinen Figuren eine unvergleichliche Authentizität verleiht.
Eines seiner berühmtesten Werke ist die Pieta oder Sexta Angustia, die im Nationalen Museum für Bildhauerei in Valladolid ausgestellt ist und die Jungfrau Maria darstellt, die den leblosen Körper Christi hält. Dieses zwischen 1616 und 1619 geschaffene Werk ist Teil eines Pasoque, der bei religiösen Prozessionen in der Karwoche mitgeführt wird, zusammen mit den Skulpturen des Guten Diebs und des Reuelosen Diebs sowie des Heiligen Johannes und der Jungfrau Maria. Ein weiteres herausragendes Werk ist der Christus Jasente von El Pardo, eine lebensgroße polychrome Holzskulptur, die 1614-1615 von König Philipp III. zu Ehren der Geburt seines Sohnes Philipp IV. in Auftrag gegeben wurde. Diese Skulptur befindet sich in der Kapelle des Kapuzinerklosters El Pardo in Madrid und gilt als eines der berühmtesten Werke von Fernández, das seine meisterhafte Fähigkeit unterstreicht, religiöse Gefühle darzustellen.
Gregorio Fernández ist auch für seine Skulptur Christus an der Säule bekannt, die sich durch eine intensive religiöse Emotion und eine Kombination aus klassischer Form und Naturalismus auszeichnet. Dieses Werk wurde von der Bußbruderschaft vom Heiligen Kreuz in Auftrag gegeben und stellt einen Wendepunkt in der mittelalterlichen Darstellung der Geißelung Christi dar.
Sein Werk ist in vielen Kirchen und Kapellen zu finden und ist ein wesentlicher Bestandteil der spanischen Kultur und des barocken Erbes. Fernández' Beitrag zur spanischen Bildhauerei und sein Einfluss auf nachfolgende Künstlergenerationen sind unbestreitbar. Er hinterließ ein Vermächtnis, das in der Kunstwelt bis heute hoch geschätzt wird.
Wenn Sie Kunst- und Antiquitätensammler oder -experte sind und sich für die Werke von Gregorio Fernández interessieren, empfehlen wir Ihnen, sich für Updates anzumelden. Diese Updates informieren Sie über neue Verkäufe und Auktionsveranstaltungen, die Gregorio Fernandez gewidmet sind.
Nikolai Iwanowitsch Feschin (russisch: Николай Иванович Фешин) war ein russischer und amerikanischer Künstler der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Er ist bekannt als Maler, Meister des häuslichen und des Porträtgenres, Vertreter des Impressionismus und des Jugendstils. Nikolai Feschin war auch als Grafiker, Bildhauer und Schnitzer tätig und zeigte sich in der Anfangsphase seiner beruflichen Laufbahn als Lehrer.
Nikolai Feschin verbrachte einen großen Teil seines Lebens im Exil, wo er schnell Anerkennung und kommerziellen Erfolg erlangte. Er schuf mehr als zweitausend Werke, die heute über die ganze Welt verstreut sind. Die größte Sammlung von Feschins Werken befindet sich in Russland im Museum der Schönen Künste in Tatarstan. Und einige seiner Werke befinden sich in den Sammlungen von mehr als dreißig Museen in den USA sowie in privaten Sammlungen.
Paul Gangolf, mit richtigem Namen Paul Löwy, war ein deutscher expressionistischer Maler, Lithograf, Holzschnitzer und Journalist.
Paul wurde in eine jüdische Familie hineingeboren und begann seine Arbeit mit Artikeln in Zeitschriften zu politischen Themen unter dem Pseudonym Gangolf, während des Ersten Weltkriegs diente er in verschiedenen Truppen.
Den Höhepunkt seines Schaffens erreichte Paul Gangolf in den 1920er Jahren, als er als Lithograf arbeitete, publizierte und in Berlin, London und Paris ausstellte.
Nach der Machtübernahme durch die Nationalsozialisten wurde er verhaftet und in das Konzentrationslager Esterwegen gebracht, wo er ermordet wurde. Bereits nach seinem Tod, im Jahr 1937, wurden Gangolfs Gemälde im Rahmen der Aktion "Entartete Kunst" aus den Museen in Nazi-Deutschland beschlagnahmt und größtenteils zerstört. Überlebende Werke des Künstlers befinden sich unter anderem im Museum of Modern Art in New York.
Franz Gertsch ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler der Schweiz. Im Laufe seiner Karriere hat er ein breites Spektrum an Gemälden und Grafiken geschaffen, in denen er versucht, einen besonderen Zugang zur Realität zu finden. Obwohl der Autor von Fotografien oder Diaprojektionen ausgeht, folgen die Bilder einer eigenen Logik, die nach der Richtigkeit aller Elemente sucht. Auch der Holzschnitt nimmt im Werk von Franz Gertsch einen besonderen Platz ein.
Jan Gossaert ist ein Künstlername des niederländischen Malers Jenni Gosart, auch Jan Mabuse und Jennyn van Hennegouwe (Hennegau), den er sich nach seinem Heimatort Maubeuge bei seiner Immatrikulation bei der Gilde des heiligen Lucas 1503 in Antwerpen gab.
Werner Gothein war ein deutscher Maler, Bildhauer, Grafiker und Keramikdesigner.
Gothein studierte Kunst in Berlin und erlernte die Techniken der Malerei, der Bildhauerei und des Holzstichs. In den 1920er Jahren begann er, Keramikobjekte für die Staatliche Maiolica-Manufaktur Karlsruhe und die Keramikwerke Felten-Vordamm zu entwerfen.
Im Rahmen der nationalsozialistischen Aktion "Entartete Kunst" wurden Gothein Grafiken 1937 aus den deutschen Museen und Sammlungen entfernt und größtenteils vernichtet. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs schuf der Künstler weiterhin Holzschnitte.
Kęstutis Grigaliūnas - litauischer Grafiker, Kunstlehrer. 1988-1989 schuf Leinenschnitzereien, Holzschnitzereien, Siebdrucke, Radierungen, illustrierte Bücher. Seit 1990 einer der ersten litauischen Grafikdesigner, der die Farbsiebdrucktechnik verwendete. Aus Pappe und Sperrholz einen Ausschnitt gemacht. Es zeichnet sich durch einen ausgeprägten grafischen Ansatz aus – Linien, Zeichen, Ornamente, figurative und abstrakte Motive kommen zum Einsatz. Seit 1998 schafft komplexere plastische Grafiken und Ausschnitte, sie weisen Postmodernismus-Merkmale, Pop-Art, Fluxus-Elemente, dekorative, eklektische Bilder auf. Es überwiegen eine spielerische Stimmung, Ironie und verschiedene intellektuelle Bezüge zu den Bildern Litauens und anderer Kulturen und Zivilisationen.
Walter Helbig war ein deutscher und schweizerischer Maler, Graphiker und Holzschneider. Arbeitete er in Dresden bei Kirchenausmalungen. Helbig beteiligte sich 1910 an der Gründung und der ersten Ausstellung der Berliner „Neuen Secession“. Helbig beteiligte sich an der ersten Ausstellung des „Modernen Bundes“ 1911 in Luzern und an der zweiten, größeren, im Kunsthaus Zürich. Er war auch 1912 zur zweiten Ausstellung der „Redaktion der Blaue Reiter“ bei Goltz eingeladen. Helbig war auch in der dritten Dada-Ausstellung vertreten und lieferte Beiträge für das Magazin Der Zeltweg, beteiligte sich allerdings nicht an den eigentlichen Aktivitäten der Dadaisten. 1919 gehörte er in Zürich zu den Unterzeichnern des politischen „Manifestes radikaler Künstler“ und schloss sich der Berliner „Novembergruppe“ an, deren Versammlungen er in den Folgejahren sporadisch besuchte. Helbig wohnte von 1916 bis 1924 in Zürich und wurde 1916 Mitglied der GSMBA (Gesellschaft schweizerischer Maler, Bildhauer und Architekten), an deren Ausstellungen er sich regelmäßig beteiligte. Sein künstlerisches Schaffen nahm seit dem Ersten Weltkrieg eine Wende hin zu religiösen und mythischen Themen. 1924 zog Helbig wie viele andere Künstler wegen der niedrigen Lebenshaltungskosten nach Ascona und gründete die Künstlervereinigung Der Große Bär. Helbig hatte 1948 in Zürich seine erste große Einzelausstellung und wurde 1952 Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er nahm auch nach dem Zweiten Weltkrieg die aktuellen Kunstströmungen auf, malte im abstrakten Expressionismus und experimentierte schließlich in den 1960er Jahren mit der art informel.
Vytautas Jurkūnas (russisch: Витаутас Юркунас) war ein litauischer Grafiker, bekannt für seine bedeutenden Beiträge zur Buchillustration und Grafik. Geboren am 1. Juni 1910 in Vindeikiai und verstorben am 5. Oktober 1993 in Vilnius, leistete Jurkūnas einen unvergleichlichen Beitrag zur litauischen Kunst, insbesondere im Bereich der Grafik.
Nach seinem Studium an der Kunstschule in Kaunas von 1929 bis 1935, wo er von bedeutenden Lehrern wie Mstislavas Dobužinskis und Adomas Galdikas unterrichtet wurde, diente Jurkūnas als Lehrer und später als Professor und Leiter der Grafikabteilung am Institut für Kunst in Vilnius. Seine Karriere war geprägt von einer tiefen Leidenschaft für die grafische Darstellung und Buchillustration, wobei er in verschiedenen Techniken wie Linolschnitt, Holzschnitt und später auch in der Siebdrucktechnik arbeitete.
Jurkūnas' Frühwerk, gekennzeichnet durch expressive Linien und eine starke soziale und politische Thematisierung, reflektiert die turbulente Geschichte Litauens im 20. Jahrhundert. Während des Krieges schuf er dramatische Werke, die die Brutalitäten der Kriegszeit darstellten. Nach dem Krieg wandte er sich monumentalen, dekorativen Arbeiten zu, die für die damalige sozialistische Thematik typisch waren.
Seine Werke sind in verschiedenen nationalen Museen Litauens und in der Tretjakow-Galerie in Moskau ausgestellt. Jurkūnas erhielt für seine Werke hohe Anerkennungen, darunter die Staatspreise der LSSR und die Leipziger Buchmesse Silbermedaille für seine Buchillustrationen.
Ein besonderes Augenmerk verdient auch sein Beitrag zur Fotografie, wo sein bisher unveröffentlichtes fotografisches Archiv neue Einblicke in sein Schaffen und die litauische Kunstszene seiner Zeit bietet. Diese Aspekte seines Werkes wurden in der Ausstellung "Vytautas Jurkūnas (1910–1993). Grafiker mit Kamera" im Vilnius Grafik Kunstzentrum präsentiert.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten bietet das Schaffen von Vytautas Jurkūnas einen faszinierenden Einblick in die litauische Geschichte und Kultur. Seine Werke, die oft soziale und historische Themen aufgreifen, sind ein wichtiges Zeugnis der litauischen Identitätssuche und des künstlerischen Ausdrucks unter den Bedingungen des 20. Jahrhunderts.
Für regelmäßige Updates zu Verkäufen und Auktionsereignissen im Zusammenhang mit Vytautas Jurkūnas, melden Sie sich bitte für unseren Newsletter an. Bleiben Sie auf dem Laufenden über die neuesten Entdeckungen und Möglichkeiten, ein Stück dieser einzigartigen Kunstgeschichte zu besitzen.
Hermann Kätelhön war ein deutscher Künstler der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Er ist als realistischer Zeichner, Grafiker, Holzschnitzer und Keramiker bekannt.
Kätelhön schuf Werke, in denen er Mensch und Natur Mitteldeutschlands darstellte, darunter Bauernporträts und Skizzen von Feldarbeitsszenen. Seine Grafikserie "Arbeit" sowie seine Zeichnungen zum Thema "Bergwerksführer" thematisieren die Arbeit der Bergleute. Später wandte sich der Künstler der Darstellung der Natur zu, insbesondere des Wassers, wie Quellen, Flüsse, Gletscher und Meere.
Sergei Timofejewitsch Konjonkow (russisch: Серге́й Тимофе́евич Конёнков) war ein russischer Bildhauer, der oft als der "russische Rodin" bezeichnet wird. Geboren in einer Bauernfamilie, studierte er an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur sowie an der St. Petersburger Kunstakademie. Konjonkow ist bekannt für seine Beteiligung an der Oktoberrevolution und sein Engagement für die monumentale Propaganda. Er schuf Werke, die neue Formen und monumentale Tendenzen aufzeigten, darunter das Basrelief "Gefallen im Kampf für Frieden und Völkerverbrüderung" an der Moskauer-Kreml-Mauer und das Stenka-Rasin-Denkmal auf dem Roten Platz.
1923 zog Konjonkow mit seiner Frau in die USA, wo er sich mit biblischen Themen und der Apokalypse beschäftigte. Er porträtierte bedeutende Persönlichkeiten wie Maxim Gorki und Albert Einstein und nahm an einer Ausstellung russischer und sowjetischer Kunst teil. Seine Werke umfassen Skulpturen von Aleksandr Pushkin, Anton Chekhov, Leo Tolstoy und anderen russischen Literaturgrößen.
Zu seinen Ehrungen gehören die Medaille "Für heldenmütige Arbeit im Großen Vaterländischen Krieg 1941–1945", der Stalinpreis, der Leninorden und der Titel Volkskünstler der UdSSR. Konjonkows Werke sind in verschiedenen Museen und Galerien zu finden, darunter das Konjonkow-Museum an der Moskauer Twerskaja-Straße. Er wurde auf dem Nowodewitschi-Friedhof in Moskau begraben, und sein Grabstein ziert ein Selbstporträt, für das er den Leninpreis erhielt.
Für Kunstliebhaber und Sammler bietet das Konjonkow-Museum einen tiefen Einblick in das Leben und Werk dieses bedeutenden Künstlers. Interessenten an russischer Bildhauerkunst und den Werken Konjonkows können sich für Updates anmelden, um über neue Produktverkäufe und Auktionsveranstaltungen informiert zu werden.
Wilhelm Laage war ein deutscher Maler, Grafiker, Graveur und Holzschneider.
Laage besuchte die Hamburger Kunstgewerbeschule und die Kunstakademie in Karlsruhe und begann 1896 mit Holzschnitten und Lithografien zu arbeiten. 1904 nahm Lage an Ausstellungen in Wien und Dresden teil, 1914 wurde er mit dem Villa-Romana-Preis, dem Ehrenpreis der Stadt Leipzig und der Staatsmedaille der Internationalen Graphischen Ausstellung in Leipzig ausgezeichnet. Wilhelm Laage war Mitglied des Deutschen Künstlerbundes.
Jean Lébédeff, Geburtsname Iwan Konstantinowitsch Lebedew, war ein französischer Maler und Grafiker russischer Herkunft. Er war ein Aktivist der anarchistischen Bewegung. Repräsentant der russischen kreativen und politischen Emigration in Frankreich. Autor von Zeichnungen und Stichen, die literarische Helden aus den Werken von Puschkin, Gorki, Kuprin und Tolstoi darstellen.
Mel Lindquist, geboren als Melvin Benjamin Lindquist, ist ein amerikanischer Ingenieur, der als Pionier der amerikanischen Studiodrechselbewegung gilt.
Als Begründer der Studiodrechselbewegung wandte Mel Lindquist seine grundlegenden Werkzeugmaschinentechniken und sein technisches Fachwissen an, um bahnbrechende Fugenhobelmethoden zu entwickeln, die als "Blindbohren" oder "Blinddrehen" bezeichnet werden und heute weit verbreitet sind.
Karl Opfermann war ein einflussreicher deutscher Bildhauer und Grafiker. Seine Ausbildung erhielt er in Flensburg und Hamburg, wo er bei namhaften Künstlern wie Heinz Weddig, Fritz Heit und Richard Luksch lernte. Besonders prägend war seine Mitgliedschaft in der Hamburgischen Sezession und der Novembergruppe in Berlin, durch die er einen entscheidenden Beitrag zur Bildhauerei jener Zeit leistete.
Karl Opfermanns Werk, das sich durch Holz-, Stein- und Keramikarbeiten sowie Holzschnitte auszeichnet, war geprägt von der deutschen expressionistischen Bewegung. Diese Bewegung widmete sich der Darstellung von Emotionen und individuellen Erfahrungen. Sein künstlerisches Schaffen wurde jedoch 1937 durch die Nationalsozialisten als "entartete Kunst" eingestuft, woraufhin viele seiner Werke aus deutschen Museen entfernt und zerstört wurden. Ein Bombenangriff im Jahr 1943 zerstörte zudem sein Atelier und einen Großteil seines Œuvres.
Trotz dieser Rückschläge bleibt Karl Opfermanns Einfluss auf die Kunstgeschichte unbestritten. Seine Werke sind in Sammlungen in ganz Deutschland zu finden, einschließlich seiner Studienorte Hamburg und Flensburg.
Für Sammler und Kunstexperten bieten wir regelmäßige Updates zu neuen Erkenntnissen und Ereignissen im Zusammenhang mit Karl Opfermann. Melden Sie sich für unseren Newsletter an, um exklusive Einblicke und Informationen über Verkaufs- und Auktionsveranstaltungen zu erhalten.
Elijah Pierce war ein Holzschnitzer des 20. Jahrhunderts. Pierce war der Jüngste in seiner Familie, die von einem ehemaligen Sklaven auf einer Farm in Baldwyn abstammt. Er begann schon in jungen Jahren mit dem Schnitzen, wobei er ein Taschenmesser benutzte. Aufgrund seines früheren Lebens, in dem er auf einer Farm aufwuchs, begann er mit dem Schnitzen von Tieren. Pierce wurde 1982 für seine Kunst und seinen Einfluss auf die Gemeinschaft der Holzschnitzer mit dem National Heritage Fellowship geehrt.
Lucien Pissarro war ein französischer Maler, Grafiker und Holzschneider, Vertreter des Pointillismus. Er war der Sohn von Camille Pissarro. Seit 1890 lebte und arbeitete er in England.
Lucien Pissarro studierte zunächst Malerei bei seinem Vater. Später entwickelt er seinen eigenen künstlerischen Stil, der von den neoimpressionistischen Techniken von Georges Seurat und Paul Signac beeinflusst ist. Wie andere neoimpressionistische Maler verwendet Pissarro gebrochene Striche und divisionistische Techniken, um Licht und lebendige Effekte zu erzeugen.
Pissarro malte häufig Landschaften, ländliche Szenen und Küstenansichten, was seine Liebe zur Natur und zum Landleben widerspiegelt. Seine besondere Vorliebe galt dem Einfangen von Licht und Atmosphäre in seinen Gemälden, wobei er eine subtile und harmonische Farbpalette verwendete.
Walter Tanck ist ein deutscher Landschaftsmaler, Kupferstecher und Holzschnitzer. Er studierte Malerei bei Franz Nölken in Hamburg.
Im Rahmen der nationalsozialistischen Aktion "Entartete Kunst" werden 1937 seine grafische Mappe "Don Quijote" (15 Radierungen und eine Lithografie auf dem Titelblatt) aus der Düsseldorfer Kunstsammlung und seine Tafel "Frauenakt" beschlagnahmt und zerstört.
Clifford Possum Tjapaltjarri war ein australischer Maler. Er war einer der anerkanntesten und erfolgreichsten Künstler der modernen Malerei der Aborigines aus der Aborigine-Künstlergemeinschaft Papunya Tula in der Western-Desertregion. Seine Werke wurden in zahlreichen Galerien und Sammlungen Australiens und der ganzen Welt ausgestellt.
Tobeen, der Künstlername von Felix Elie Bonnet, war ein französischer Maler, bekannt für seine tiefgreifenden Beiträge zum Kubismus. Geboren 1880 in Bordeaux, fand Tobeen seine Inspiration sowohl in der Basque-Region als auch in Paris, wo er mit prominenten Künstlern wie Pablo Picasso, Georges Braque und den Duchamp-Brüdern zusammenkam.
Seine Kunst, die sich durch eine einzigartige Mischung aus regionalen Themen und avantgardistischen Stilen auszeichnet, fand Anerkennung auf bedeutenden Ausstellungen, darunter der Salon de la Section d'Or in Paris 1912 und der Armory Show in New York 1913. Trotz seiner urbanen Erfahrungen zog es Tobeen vor, sich nach 1920 in Saint-Valery-sur-Somme zurückzuziehen, wo er sich weiterhin der Malerei widmete, beeinflusst von der Freiheit und Schönheit der Natur.
Seine Werke sind heute in mehreren renommierten Museen vertreten, darunter das Musée basque in Bayonne und das Kröller-Müller Museum in den Niederlanden, was sein andauerndes Erbe unterstreicht. Für Kunstliebhaber und Sammler bietet das Studium von Tobeens Werken einen faszinierenden Einblick in die Evolution des Kubismus und seine persönliche Interpretation dieser Bewegung.
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Edgard Tytgat war ein belgischer Maler und Illustrator. Tytgat war anfänglich vom französischen Spätimpressionismus und von James Ensor beeinflusst. Später entwickelte er einen individuellen formvereinfachenden Stil. Tytgat schuf auch Holzschnittarbeiten. Seine Malerei war von Figurenszenen, Landschaften und Porträts geprägt.
Félix Vallotton, ein schweizerisch-französischer Künstler, erlangte besondere Bekanntheit durch seine einzigartigen Holzschnitte sowie seine Gemälde von Akten und Innenräumen. Geboren am 28. Dezember 1865 in Lausanne, Schweiz, und verstorben am 28. Dezember 1925 in Paris, Frankreich, hatte Vallotton eine traditionelle bürgerliche und protestantische Erziehung. Seine künstlerische Ausbildung begann er an der weniger traditionellen Académie Julian in Paris, anstatt an der École des Beaux-Arts, und studierte dort unter anderem bei den französischen Malern Jules Lefebvre und Gustave Boulanger.
Vallottons Frühwerk zeichnet sich durch einen ausgeprägten Realismus aus, wie in seinem Werk "La Malade" (Die Kranke) von 1892, das im Kunsthaus Zürich ausgestellt ist. Er experimentierte auch mit verschiedenen Drucktechniken, insbesondere der Xylographie, und erzielte in diesem Bereich große Fertigkeiten. Seine Holzschnitte, die häufig häusliche Szenen, badende Frauen und Porträts darstellen, wurden in ganz Europa und den Vereinigten Staaten in Zeitschriften und Büchern verbreitet und beeinflussten bedeutende Künstler wie Edvard Munch, Aubrey Beardsley und Ernst Ludwig Kirchner.
1892 trat Vallotton der Künstlergruppe Les Nabis bei, die auch Künstler wie Pierre Bonnard, Ker-Xavier Roussel, Maurice Denis und Édouard Vuillard umfasste, mit denen er lebenslange Freundschaften schloss. In dieser Zeit begann Vallotton, seinen Malstil zu vereinfachen, was sich in Werken wie "Bathers on a Summer Evening" (1892–93), ausgestellt im Kunsthaus Zürich, und "Clair de lune" (Mondschein, 1895) im Musée d'Orsay, Paris, widerspiegelt.
Seine Werke wurden in renommierten Galerien wie dem Kunsthaus Zürich und dem Musée d'Orsay ausgestellt und reflektieren den Einfluss der japanischen Kunst sowie der Symbolisten. Vallottons künstlerische Laufbahn war geprägt von einer ständigen Weiterentwicklung und Experimentierfreude, die ihn zu einem bedeutenden Vertreter der modernen Kunst machte.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bieten Félix Vallottons Werke einen faszinierenden Einblick in die Kunstwende des frühen 20. Jahrhunderts. Für weitere Informationen über Vallottons Werke und deren Verfügbarkeit in Auktionen und Verkaufsevents, melden Sie sich für Updates an, die ausschließlich Neuigkeiten zu Félix Vallotton beinhalten.
Paloma Varga Weisz ist eine deutsche Bildhauerin und Malerin, die Tochter des ungarischen Künstlers Ferenc Farga, die in Düsseldorf lebt und arbeitet.
Sie ist vor allem für ihre aus Holz geschnitzten Skulpturen und Installationen bekannt. Im Jahr 2012 wurden sechs Zeichnungen von Weisz angekauft und im Museum of Modern Art in New York ausgestellt.
